Billboard AR Septiembre 2025

THE HIVES

TURF

J BALVIN

LA PRIMERA TRABAJADORA

---

---

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

SALE S DATA

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

CO MPIL ED B Y

FOTO: GENTILEZA PRENSA

“Tu Misterioso Alguien” mantuvo el No.1

del Billboard Argentina Hot 100

El tema que Miranda! editó en 2009 estuvo dos semanas en la cima.

María Becerra y Xross debutaron en el N.º 12 con “Infinitos Como El Mar”.

M

iranda! lideró durante

dos semanas el

Billboard Argentina

Hot 100 gracias a “Tu

Misterioso Alguien” y se

mantuvo por segunda semana consecutiva

en la cima del ranking (chart del

9 de agosto). “Tu Jardín Con Enanitos”,

de Roze Oficial, Max Carra, Valen

y Ramky En Los Controles, y “Con

Otra”, de Cazzu —ambos temas que

también alcanzaron el N.º 1— completaron

el Top 3 en esta semana.

En el puesto N.º 12 aparece el Hot

Shot Debut de la semana: “Infinitos

Como El Mar”, de Maria Becerra junto

a su productor Xross. Se trata del se-

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

gundo lanzamiento de María bajo su nuevo

personaje, Shanina, introducido por

primera vez en “Ramen Para Dos”.

También debuta esta semana Myke

Towers con “Tengo Celos” en el puesto

N.º 36; Emilia entra con “Perfectas” en

el N.º 78; Benjitalkapone se suma por

primera vez al Billboard Argentina Hot

100 en el N.º 79 junto a Mambinho Brasileño

y Lucky Brown; mientras que Jere

Klein y Fran C cierran los debuts semanales

en el N.º 95 con “Amor Escondido”.

El reconocimiento a Greatest Gainer

(mayor escalada) se lo llevan Young Cister

y Kreamly, que suben 53 puestos con

“QLOO*”, pasando del N.º 92 al N.º 39 en

su segunda semana en el chart.

Semana

pasada

1

2

3

4

8

5

11

9

6

7

Esta

semana

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Título

#1 por 1 SEMANA

1

TU MISTERIOSO ALGUIEN

Tu Jardin Con Enanitos

Con Otra

W Sound 05 "LA PLENA"

Cuidado Que Te Supero,

Los Herrera

Amor De Vago

Yo y Tú

Ramen Para Dos

Motinha 2.0

Universidad

Maria Becerra ingresó

al chart con “Infinitos

Como El Mar”

Artista

Miranda!

Roze Oficial, Max Carra, Valen,

Ramky En Los Controles

Cazzu

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

Q' Lokura

LA T Y LA M ft MALANDRO

DE AMERICA

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

Maria Becerra, Paulo Londra

Dennis, Luisa Sonza, Emilia

TINI, Beéle

-VARIACIÓN

-

-

-

↑

↓

↑

↑

↓

↓

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 3

---

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 9 DE AGOSTO

Semana

pasada

25

21

Esta

semana

21

22

Título

VelDA

Si Antes Te

Hubiera Conocido

Artista

BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz

Karol G

VARIACIÓN

↑

↓

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

23

23

BAILE INoLVIDABLE

Bad Bunny

-

24

24

Si No Es Muy Tarde

Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave,

Un Poco de Ruido y Pinky SD

-

30

25

No Tiene Sentido

Beéle

↑

29

26

Entra En Mi Vida /

La De La Mala Suerte - En Vivo

Desakta2

↑

26

27

A Las Nueve

No Te Va Gustar

↓

28

28

Por Mil Noches

Airbag

-

31

29

Pa Las Girlas

Mattei

↑

50

30

Hola Perdida

Luck Ra

↑

27

31

5 Pa Las 12

Arcangel

↓

33

32

Bunda

Emilia & Luísa Sonza

↑

Semana

pasada

10

12

14

15

13

20

16

23

BAILE INOLVIDABLE

BAD BUNNY

Esta

semana

11

12

13

14

15

16

17

18

Título

amor de veraNO

Infinitos Como El Mar

Me Gusta

Capaz

Soleao

MASNA REMIX

Blackout

Mejor Que Vos

11

12

13

14

15

16

17

18

Artista

La T Y La M

Maria Becerra, Xross

Miranda! & TINI

Alleh & Yorghaki

Myke Towers & Quevedo

FMK, Emilia, Nicki Nicole,

Tiago PZK

Emilia, Tini & Nicki Nicole

Lali & Miranda!

VARIACIÓN

↓

NEW

↓

-

-

↓

↑

↓

40

38

19

39

92

37

69

41

34

46

32

45

43

52

33

34

35

36

37

38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

No Podrás

Die With A Smile

Fronteo

Tengo Celos

Inocente

Resentia

QLOO*

Perdonarte ¿Para Qué?

Obsesionario En

La Mayor

Estaba aquí pensando

En Otra Vida

Lose Control

MENTIA

Mi Refe

Canción Sin Final

Tiene

Eugenia Quevedo | Angela Leiva

| La Banda De Carlitos (En Vivo)

Lady Gaga & Bruno Mars

Plan B

Myke Towers

La Delio Valdez

Pablo Chill-E

Young Cister, Kreamly

Los Ángeles Azules, Emilia

Tan Bionica, Abel Pintos

La Repandilla x Aneley

Yami Safdie, Lasso

Teddy Swims

Miranda!

Beéle, Ovy On The Drums

Airbag

Tobal Mj, Lucky Brown

↑

↑

↓

NEW

RE

↑

↑

↓

↑

↓

↓

↑

↓

↓

↓

↑

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

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22

19

Pasarella

19

Emilia & Six Sex

↑

42

49

Tan Lejos

No Te Va Gustar

↓

17

20

Como Eran las Cosas

20

Babasonicos

↓

36

50

Prisionero

Miranda!

↓

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

4

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

---

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H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 9 DE AGOSTO

Semana

pasada

44

63

Esta

semana

51

52

Título

Ese Maldito Momento

WYA REMIX

BLACKAND YELLOW

Artista

No Te Va Gustar

J Abdiel, Anuel AA, Blessd,

Izaak, Pirlo

VARIACIÓN

↓

↑

ESE MALDITO

MOMENTO

NTVG

51

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

53

53

Yo sé

Yan Block, TORRRES

-

35

54

Vitamina

Jombriel, DFZM

↓

68

55

Me Rehuso/

Baby I Won't

Danny Ocean

↑

48

56

SINVERGÜENZA

Emanero, Karina, J Mena,

Angela Torres

↓

70

57

UWAIE (versión cumbia)

Max Carra

↑

71

58

DtMF

Bad Bunny

↑

65

59

Diles Remix

Bad Bunny, Ozuna, Farruko,

Arcangel, Ñengo Flow

↑

51

60

El Fantasma

Arbol

↓

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

VARIACIÓN

74

61

Flaca

Andrés Calamaro

↑

78

81

Zafar

La Vela Puerca

↓

62

Perfecta

Miranda!

RE

54

82

Bésame

Alejandro Sanz, Shakira

↓

58

47

64

55

62

61

57

67

56

75

60

66

49

82

63

64

65

66

67

68

69

70

71

72

73

74

75

76

77

78

Luna

Pasos Al Costado

VOY A LLeVARTE PA PR

444

El Efecto

Puesto

Parte & Choke

6 De Febrero

Que Me Falte Todo

Don

Golden

Khé?

Hoy

Vamo A Bailotear

Entre Nosotros

Perfectas

Feid, Atl Jacob

TURF & MILO J

Bad Bunny

Yan Block & Panda Black

Rauw Alejandro &

Chencho Corleone

Babasonicos

Jombriel, Alex Krack, Jøtta

Aitana

Luck Ra & Abel Pintos

Miranda!

HUNTR/X, EJAE, Audrey Nuna

& Rei Ami

Rauw Alejandro

Valentino Merlo x The La Planta

Cris Mj

Tiago PZK, LIT killah,

Maria Becerra,Nicki Nicole

Emilia

↓

↓

↓

↓

↓

↓

RE

↓

↓

↓

↑

↓

↓

↓

↑

NEW

79

81

88

91

90

86

80

76

89

84

98

96

83

83

84

85

86

87

88

89

90

91

92

93

94

95

96

97

98

Loco (Tu Forma De Ser)

Beautiful Things

Don't Say You Love Me

Coqueta

Si Te Pillara

CICATRICES

Carita Triste

Que Pasaria...

Un Osito De Peluche

De Taiwan

Ya No Vuelvas

Sigue Bailandome

EoO

Amor Escondido

Qué Vas A Hacer Hoy

KLOuFRENS

Uno Los Dos

Los Autenticos Decadentes

Benson Boone

Jin

Fuerza Regida & Grupo Frontera

Beele

Airbag

Los Herrera Q' Lokura

Rauw Alejandro

Los Autenticos Decadentes

Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes

YannC, Darkiel, Myke Towers,

Eladio Carrion, Brray

Bad Bunny

Lucky Brown & Jere Klein, Fran C

Omar Courtz x De la Rose

Bad Bunny

Miranda! & Emilia

↓

↓

↑

↑

↑

↓

↓

↓

↓

↓

↑

↑

NEW

RE

RE

↓

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

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79

Mambinho Brasileno

Benjitalkapone

NEW

99

ME GUSTAS MUCHO

Viejas Locas

RE

59

80

Adios

Gustavo Cerati

↓

100

BICHO DE CIUDAD

Los Piojos

RE

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

6

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

---

---

PRESIDENTE

Jorge R. Arias

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Juan Pedro Dondo

Analía Arias

Gonzalo Luzza

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ezequiel Ruiz

Julián Mastrángelo

Gabriel Sotelo

Agustín Contepomi

CONTENIDO

Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /

Karin Leiva / Gustavo Serna

Colaboraron en esta edición:

Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo

DISEÑO Y FOTOGRAFÍA

Sofía Graña / Magdalena Medina / Matias Delacroix

BRAND PARTNERSHIPS

Gonzalo Luzza / Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla

DEPARTAMENTO CONTABLE

Marcela Dermgerd

CONTACTOS

Brand Partnerships: brandpartnerships@billboard.ar

Administración: administracion@billboard.ar

DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH)

011 4301 3601

Billboard Argentina es una licencia de

ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.

Dardo Rocha 2188, San Isidro, Buenos Aires, Argentina

Tel: +54 011 7917 1024

info@billboard.ar · www.billboard.ar

CHAIRMAN & CEO

Jay Penske

CHIEF OPERATING OFFICER

George Grobar

MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS

Debashish Ghosh

ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS

Gurjeet Chima

ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND

& PARTNERSHIP OPERATIONS

Francesca Lawrence

PRESIDENT

Mike Van

EDITORIAL DIRECTOR

Hannah Karp

SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT

Silvio Pietroluongo

CREATIVE DIRECTOR

Alexis Cook

CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL

Leila Cobo

INTERNATIONAL EDITOR

Alexei Barrionuevo

DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL

Sigal Ratner Arias

The Hives habla en exclusiva de su nuevo disco. Leelo en la página 24.

FOTO: DEAN BRADSHAW

Billboard Argentina 2024. Prohibida la reproducción total o

parcial de los artículos sin la previa autorización del director. El

material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.

RNPI: 5349798

ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 142 · Septiembre 2025 · Argentina: $20000

8

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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Contenidos

CHARTS

3. Billboard Argentina Hot 100

INTRO

13. Miranda! y “Tu misterioso alguien”, un hit atemporal

ENTREVISTAS

18. Thundercat

20. J Balvin

22. Manuel Medrano

24. The Hives

28. Zhamira Zambrano

30. Lali

40. Majo Riera

42. Sol Ortega

43. Maria Becerra

43. Leo Genovese

48. De La Ghetto

50. Turf

52. Auténticos Decadentes

53. Ulises Bueno

54. Pequeño Pez

58. Juan Wauters

ESPECIALES

14. Lo mejor de Sonría, Estamos en Billboard

16. Perfectas, el EP de Emilia

44. Discos del mes

46. Marvel Sinfónico

47. La película de Billy Joel

72. Vivo: Louta, Abel Pintos, Kylie Minogue, Bandalos Chinos

82. Emergentes

EN LA TAPA

Lali, por Nora Lezano

10

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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INTRO

Miranda! y “Tu misterioso alguien”: una frase de Lost, Roy

Orbison y un toque personal para fabricar un hit atemporal

Editada en 2009, llegó al número 1 del Billboard Argentina Hot 100 el pasado 4 de agosto. Ale Sergi revela los

secretos del tema que se publicó en el álbum Miranda Es imposible!

POR EZEQUIEL RUIZ

FOTO: PELO MUSIC

B

astaron apenas 57

segundos para que “Tu

misterioso alguien”,

canción de Miranda!

editada originalmente

en 2009, cobrara una nueva vida

en este 2025. Ocurrió durante una

pausa en las grabaciones de La Voz

Argentina, el talent show de Telefe

en el que Alejandro Sergi y Juliana

Gattas son jurado. En esos tiempos

muertos entre audición y audición,

los jueces (además del dúo, Lali Espósito,

Soledad y Luck Ra) suelen

cantar y a ellos les surgió reinterpretar

el track 6 del álbum Miranda es

imposible!, acompañados por la banda

del programa.

El recorte se viralizó tanto en las redes

sociales que muchos se volcaron

a las plataformas de streaming para

darle play a la versión original del

tema. A punto tal que, en la semana

del 4 de agosto, llegó al número 1

del Billboard Argentina Hot 100.

Un logro que el grupo consiguió por

primera vez en 24 años de historia.

“La empezamos a cantar porque un

participante, que lamentablemente

no quedó, había hecho ese tema en

la audición. La banda del progra-

ma la empezó a tocar y nos pusimos

a cantar. Nadie del programa nos

dijo: ‘Che, canten esta canción’. Ni

en pedo, la banda la arrancó, la

reconocimos por el auricular y nos

pusimos a cantar. Y todos se callaron

para escuchar. Fue todo muy espontáneo,

cero conciencia de lo que

estábamos haciendo”, cuenta Ale en

diálogo con Billboard Argentina.

“Desde el momento en que el tema

salió, se volvió una de las más queridas

de nuestro repertorio, nuestros

fans siempre la apreciaron mucho.

Pero se ve que mucha gente no la

tenía y a partir de esto, se dio a conocer

más. Lo cual es genial y se dio

de una manera orgánica, como se

dice mucho ahora. Es buenísimo que

la grabación todavía resista. Eso es lo

lindo de grabar y de hacer canciones

que nunca sabés a dónde terminan.

Yo fantaseo mucho con el futuro, con

las cosas que pueden pasar, y esto

nunca se me había pasado por la cabeza.

Así que me parece alucinante”,

considera.

¿En qué te inspiraste para

hacerla? ¿Cuánto tiene de real y

cuánto de ficción?

En ese momento estaba escuchando

mucho a Roy Orbison, que siempre

me gustó pero ahí lo estaba exprimiendo

al máximo y quería hacer

una canción de ese estilo: Orbison,

Electric Light Orchestra… En ese

plan de sonido. En cuanto a la lírica,

tenía el título, que lo había sacado de

la serie Lost, que en un momento el

personaje de John Locke, a propósito

de otra cosa, habló de un “misterioso

alguien”. Eso me gustó y me lo anoté.

En el momento de empezar a hacer

la canción, le puse ese título al archivo

e hice la melodía junto con la letra,

pensando que se iba a llamar así.

Inventé una historia hasta ir llegando

al estribillo para poder utilizar esa figura.

Quería que ese sea el centro de

la lírica. Fui escribiendo toda la letra

alrededor de ese título

y de que cuando

musicalmente

esas palabras se

digan, todo lo anterior

te haya llevado

hasta ahí. Ir

construyendo para

que esa sea la cúspide

de la canción,

que de hecho lo es,

es el gancho. A veces, son bastante

sencillas las explicaciones de algunas

cosas. Después lo vas coloreando con

tu propia experiencia, vas juntando

historias de tu vida o historias que te

hayan contado, que hayas visto… Y

vas combinando todas, a veces persiguiendo

un título.

En 2022, con la edición de Hotel

Miranda!, apareció una versión de

“Tu misterioso alguien” grabada

junto a Andrés Calamaro. Sin embargo,

la que llegó al número 1 fue

la original. “En esto no hubo apoyo

de ninguna compañía, ni de nada.

Nosotros ahora estamos en Sony

Music, pero ese tema y el disco fueron

editados por Pelo Music. Por

eso nadie estaba empujando para

que sonara tal o cual versión. La

gente eligió. La que

hicimos con Andrés

me parece alucinante

y es la que tocamos

en vivo en estos

últimos años. Pero

ahora, con todo esto,

estamos pensando

en volver a tocar la

canción original”,

cuenta Sergi.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 13

---

SONRÍA, ESTAMOS EN BILLBOARD

Retratos de un mes que unió pop,

crudeza y herencia

Del folk introspectivo al pop más luminoso, pasando por el pulso urbano y la tradición familiar: así

fue la última edición del ciclo que retrata a la escena argentina con Chechi de Marcos, Fermín, Manu

Martínez, Tatool, Benja Torres, Alma y Hana Fox.

POR GABRIEL SOTELO

H

ay un momento, justo

antes de que la cámara

dispare, en el que todo

se alinea: el artista

encuentra su lugar, el set cobra

vida y el silencio se vuelve

expectante. En Sonría, estamos

en Billboard, ese instante es el

corazón de todo. Cada mes, este

ciclo de retratos se convierte

en un punto de encuentro para

quienes marcan el pulso de la

música argentina, y agosto no

fue la excepción. Esta nueva

edición reunió a artistas que no

solo traen lanzamientos frescos,

sino también historias y miradas

que enriquecen la escena desde

lugares muy distintos.

Fermín Ugarte, productor

de Dillom, Bandalos Chinos

y Ángela Torres, además de

cantante, llevó la calma de quien

fluye entre varios roles. “Tiene

una visión increíble y es una

persona muy generosa”, dijo

sobre Dillom. En cuanto a su

faceta artística, confesó: “Estoy

tratando de vivir las cosas sin

estructurarlas tanto”.

En esta edición también

se sumó Alma, la boy band

argentina integrada por Kiza,

Feli y Matt, que tras un debut

exitoso con “Dímelo” presentó su

segundo single “Quemémonos”,

consolidando su lugar en el pop

local. Y Hana Fox, cantante,

compositora y bailarina, que

presentó “Kiss Kiss”, un track

pop brillante que, bajo su estética

luminosa, esconde una mirada

aguda sobre el love bombing y

las dinámicas tóxicas en el amor.

Dos propuestas que, desde

caminos distintos, confirman la

diversidad del pop argentino.

En cada disparo de Sonría,

estamos en Billboard hay

más que una imagen: hay

un registro de época. Este

mes dejó retratos que van

desde la crudeza folk hasta la

sofisticación pop, pasando por

el pulso urbano y la herencia

familiar. Historias distintas,

un mismo espacio. Porque,

como cada mes, la consigna

sigue siendo la misma: mirá a

cámara… ¡Y sonreí!

Chechi de Marcos

Manu Martínez

La cantante llegó con la intensidad y la vulnerabilidad que atraviesan

su nuevo disco El Ángel Que Soy, una obra que no teme mostrar

sus alas rotas y que oscila entre dulzura, crudeza y gracia. Habla de

amor, desencuentro, crueldad, ironía y resiliencia. Sobre su show del

9 de octubre en Niceto, adelantó: “Serán todos temas nuevos que no

tocamos nunca con banda. La temática será full ángel que se casa,

pero también habrá un casamiento y un divorcio”.

Benja Torres

Presentó Luna llena, su nuevo single lanzado el 14 de agosto, que

marca el inicio de una nueva etapa artística. La canción, introspectiva

y poética, propone una pausa en medio del ruido y llega acompañada

de un videoclip cinematográfico protagonizado por su padre Andrés

Ciro Martínez en un rol íntimo y silencioso. “Él escuchó la canción y me

pidió protagonizar el video, fue muy divertido, es un gran actor”, contó.

Tatool

Aportó la carga emotiva de una historia atravesada por la música.

Nieto de la icónica Lolita Torres, volverá este año al Teatro Avenida

—el mismo donde actuó su abuela— con un show el 31 de octubre.

Sobre Las leyes de la vida, tema que comparte con su tío Diego y su

prima Ángela Torres, recordó: “Nació sin querer mientras tomaba

mates con Diego. Me dijo que le gustaba y la armamos juntos”.

Es uno de los arquitectos del sonido urbano actual. Productor de

Nicki Nicole, Milo J, Tiago PZK y del éxito Real Gangsta Love de

Trueno —con quien colabora desde el debut Atrevido—, decidió

ponerse al frente con “lo que pase”, un single donde produce

e interpreta. “Me encantaría poder sumar a amigos a mi nuevo

proyecto”, confesó durante el live.

FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA

14

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

---

MU

Festival internacional de

creatividad digital y

música electrónica

Edición 7

Buenos Aires / Argentina

TEK

AR

07

01---- 05

OCTUBRE

2025

Alexis Langevin-Tetrault (CA/QC) ---- Claustro (AR)

Ernesto Ferreyra (AR) ---- Instance Coffee & Gavu (AR)

Itti & Jotta.rs (JP+AR) ---- Jamira Estrada (CH) ---- Julián Tenembaum (AR)

Kazuya Nagaya, Ali M. Demirel & Maurice Jones (JP+TR/DE+DE/CA)

Luxixi (CN) ---- Martín Borini & Tomás Nochteff (AR/DE)

MissLupe (AR) ---- Nicola Cruz (EC) ---- Noria Lilt (CH)

Robert Lippok & Lucas Gutierrez (DE+AR) ---- Seulement (CA/QC)

Venice Bleach x Ristband (UK+UK/IR)

buenos-aires.mutek.org

---

EMILIA

Emilia se burla del molde

que la consagró en su EP

Perfectas

La cantante empuja los estereotipos al absurdo para revelar su artificio

y tensiona el sentido de la imagen en tiempos de exposición total.

POR ANTONELLA LOPREATO

D

urante años, Emilia supo ser eso

que el pop exige de sus elegidas. Carismática,

prolija, hegemónica, sensual

en su justa medida y siempre

ajena a cualquier opinión que pudiera molestar.

Desde su debut con ¿Tú crees en mí?, encontró

un lugar cómodo dentro del canon de la hiperfeminidad

complaciente con estribillos suaves,

ritmos funcionales y letras que nunca tensaban

demasiado la cuerda. Por eso Perfectas, su

nuevo EP conceptual, no llama la atención tanto

por lo que dice, sino por el simple hecho de intentar

correrse, aunque sea mínimamente, del

lugar que ocupó todo este tiempo.

A principios de los 2000, Britney Spears le puso

melodía a una contradicción que Hollywood

conoce de memoria, la de una chica que lo tiene

todo, salvo a sí misma. “She’s so lucky, she’s a star”/

“Ella tiene mucha suerte, es una estrella”, cantaba

en “Lucky”. Aquella tristeza empaquetada en brillo

funcionaba como metáfora perfecta del artificio.

Dos décadas después, la cantante retoma esa épica

pero la distorsiona; ya no es la muñeca rota, sino

la muñeca que se ríe de haber sido armada así.

El proyecto se sostiene sobre un hilo conductor,

apropiándose del estereotipo e inflándolo hasta el

absurdo. Busca exagerar las exigencias hasta volverlas

grotescas, desarmarlas de tanto repetirlas y

así vaciarlas de sentido. No intenta dinamitar la industria,

sino probar qué ocurre cuando una artista

se permite jugar con su propio molde.

Son seis escenas distintas pero todas protagonizadas

por la misma mujer que encarna,

a veces sin quererlo, las múltiples versiones

de lo que se espera que sea. La que tiene el

culo perfecto (“Bunda”), la que se sexualiza y

vende como producto (“Blackout”), la linda

que automáticamente pasa por tonta (“Beautiful”),

la que camina con tacos aunque le duela

(“Pasarela”), la que es vigilada hasta en su descanso

(“Servidora”) y finalmente la que parece

cansada de actuar (“Perfectas”), o al menos

eso quiere mostrar. La ironía está explícita, lo

dijo ella misma: “Cada canción representa una

exigencia llevada al extremo”. El resultado es

un proyecto breve y ultraestetizado, que instala

la duda de si esa magnificación alcanza para revertir el

mandato, o si termina siendo funcional al espectáculo

del que pretende burlarse.

Es también un reflejo de nuestra época, para bien y para

mal. En la era de la sobreexposición, las redes sociales se

presentan como un ágora distorsionada donde todo se

opina. Cancelaciones, juicios, intolerancia al desacuerdo:

la cultura de la palabra pública está atravesada por una

violencia que desgasta, sobre todo, a quienes se mueven

bajo el ojo público. Mantener una carrera implica jugar

a este juego cruel, asumir que la perfección performática

es una cárcel. Emilia lo sabe, sin embargo, esa certeza no

elimina la ambivalencia que la atraviesa, ni la distancia que

separa la imagen de la persona (eso no invalida la denuncia,

pero sí la expone a contradicciones inevitables).

Musicalmente, los compases, las bases electrónicas y las

producciones están alineadas con las tendencias globales

del pop urbano contemporáneo. Cada track parece diseñado

para llamar la atención y explotar en formatos cortos,

con hooks mínimos pero efectivos, pensados para el

consumo efímero. Una mezcla de sofisticación que carece

de riesgo compositivo pero brilla en su puesta en escena.

Refleja a la perfección el zeitgeist del 2025 con videoclips

de estéticas barrocas, vestuarios que juegan con lo grotesco

y lo artificial de los ’90, como una Barbie mutante que

se mira en mil espejos deformantes. Más que subversión,

coquetea con la repetición.

La tensión se hace notoria en “Servidora”, un tema que

mira de frente la doble condena que sufren las figuras públicas

sobre la imposibilidad de cometer errores y el escrutinio

constante, junto con la presión de ser intachables en

un mundo que solo premia la sensibilidad cuando se exhibe

como mercancía. El cierre llega con “Perfectas”, la única

canción donde la ironía se desactiva para dar paso a una

confesión más directa, y más humana, donde dice sentirse

atrapada en esas mismas exigencias que caricaturiza.

En suma, Perfectas es un ejercicio de ironía que se enfrenta

al monstruo que Emilia misma ayudó a alimentar.

Una crítica que es a la vez una pieza más de ese mandato,

envuelta en ritmos impecables y un despliegue visual

cargado de símbolos. En ese vaivén, queda la sensación

de que más allá del “brillo”, las palabras no terminan de

encontrar su peso. Pero tal vez, en un mundo donde la

cultura de la cancelación devora, esa ambigüedad sea justo

lo que necesitamos para abrir el espacio a una escucha

menos categórica y más compleja. Después de todo, ¿no

es la perfección la gran máscara de la vulnerabilidad?

FOTOS: GENTILEZA PRENSA

16

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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THUNDERCAT

“NO HAGO MÚSICA PARA

AGRADAR, SINO PORQUE

ES UNA MANERA DE

CREAR CULTURA”

Con una mirada crítica sobre la cultura y la identidad, el artista toma

su obra como herramienta de sanación y reflexión social.

POR ANTONELLA LOPREATO

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Decir que Stephen Bruner, mejor conocido

como Thundercat, es simplemente un

bajista, cantante o productor sería quedarse

en la superficie de un fenómeno mucho

más complejo y expansivo. Desde aquel

debut en Buenos Aires, en 2018, cuando

tomó el Teatro Vorterix para desplegar una

mezcla de jazz, funk, soul y hip hop en el

suelo latinoamericano, su música empezó a

difundirse por la ciudad, y su figura se volvió

algo más que un nombre en un cartel. Siete

años después, la city porteña volvió a abrirle

los brazos en el Complejo C Art Media,

donde extendió ese cosmos que viene proyectando

desde Los Ángeles, con una carga

de historias sobre el racismo estructural y la

violencia cotidiana.

Ser hijo de Ronald Sr., baterista que acompañó

a leyendas como The Temptations y

Diana Ross, resulta ser la primera pista para

entender su trayectoria. Nacido y criado en

Compton, en un entorno donde la música

se vivía como una experiencia espiritual,

creció rodeado de notas, rituales y tradiciones.

Su madre, Pam, flautista y percusionista

clásica en la iglesia local, aportó otra

dimensión a su formación, mientras que su

hermano Ronald Jr., también en la misma

línea, transitó el hardcore punk y la fusión

jazzística, sumando capas artísticas al árbol

genealógico del clan Bruner.

La infancia y adolescencia de Stephen no

siguieron un camino directo hacia la fama.

Aunque empezó a tocar el bajo a los cuatro

años, fue su paso por la banda Suicidal

Tendencies en su juventud, junto con casi

una década como músico de sesión en discos

emblemáticos como New Amerykah

(2008) y Cosmogramma (2010) de Erykah

Badu, lo que reveló una faceta musical que

necesitaba rozar los bordes del mainstream

para encontrar y definir su verdadera identidad

artística. El 2015 representó un quiebre

en la carrera del músico, su colaboración en

To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar, lo

posicionó en el centro de la escena, dándole

visibilidad y otorgándole su primer Grammy

por el tema “These Walls”.

Así fue como el nombre Thundercat

empezó a tomar forma. En un principio,

como un alter ego, una máscara que le

permitía esconderse y distanciarse de sí

mismo, facilitándole transitar la industria

sin perder el anonimato, pero como

suele suceder con estas construcciones

artísticas, lo que comenzó como un

mecanismo de escape terminó transformándose

en un personaje que poco

a poco fue devorándolo. En medio del

proceso, su entorno creativo se multiplicaba,

con nombres como Kamasi Washington,

Childish Gambino y Steve Lacy, entre

otros.

“Dejó de ser una faceta secundaria para

transformarse en la expresión más auténtica

de quién soy”, confiesa el músico en diálogo

con Billboard Argentina. Lo que comenzó

como un juego infantil, cuando se imaginaba

formando parte de la pandilla Thunder-

Cats, esos guerreros felinos que debutaron

en televisión en los años 80, terminó convirtiéndose

en realidad. “Mi mamá se enojaba

cuando era chico por eso, pero al final se volvió

mi vida. Es parte de quién soy”, añade.

Con ese personaje al frente, y armado con un

bajo y su voz en falsete, comenzó a canalizar

en su discografía todo aquello que la sociedad

le exigía silenciar. En el escenario, su presencia

adquirió un aura casi chamánica, con atuendos

psicodélicos y ancestrales, de inspiración

cercana a lo japonés, que lo alejaban de cualquier

etiqueta fija. Al igual que su compañero

Kendrick, configuró una narrativa en la que los

excesos, la noche, las mujeres, la masculinidad,

la religión, la política y el temor a morir en manos

de la policía se convirtieron en los protagonistas

recurrentes de sus cuatro álbumes, The

Golden Age of Apocalypse (2011), Apocalypse

(2013), Drunk (2017) e It Is What It Is (2020).

Estos proyectos lo situaron en el epicentro del

debate social estadounidense, consolidándolo

como una de las voces representativas del

movimiento Black Lives Matter y generando

opiniones divididas entre quienes los rechazaron

y quienes los aplaudieron. Frente a los

constantes intentos de la crítica por encasillarlo,

mantuvo su postura: “No hago música

para agradar, sino porque es la única forma

de crear cultura y, sobre todo, porque es lo

que amo”.

En los últimos años, tu actividad se centró

más en colaboraciones que en lanzamientos

propios. ¿Estás preparando algún proyecto

nuevo o estás transitando una pausa creativa?

Considero que el proceso creativo nunca se

detiene realmente. Siempre estoy explorando

nuevas ideas y proyectos, y las colaboraciones

con otros artistas forman una parte esencial

de ese flujo constante. Para mí, trabajar junto a

otros mantiene viva la chispa creativa. En ese

sentido, colaborar es tan importante como desarrollar

mi material, porque ambos caminos se

nutren mutuamente. La colaboración ha sido

siempre un pilar fundamental en mi forma de

componer y crear, especialmente cuando escribo.

Así que siento que van de la mano.

“CREO QUE TODOS TIENEN

DERECHO A EXPRESAR LO

QUE PIENSAN, Y ESO ES

PARTE NATURAL DEL ARTE”

¿Sentís que hoy es más desafiante hacer un

disco que cuando arrancaste, considerando

que las expectativas y estándares están

mucho más altos?

Simplemente es distinto. Muchas veces se

confunde la dificultad real con las presiones

del negocio que rodea la música, no con el

acto creativo en sí mismo. Cuando intentás

encajar tu trabajo en una línea de tiempo o

ajustarlo a las expectativas externas, ahí es

cuando todo se vuelve complicado. Pero ese

peso externo no define el proceso creativo.

Por eso, no diría que hoy es más difícil hacer

un disco, sino que es un desafío de naturaleza

diferente.

Tus discos siguen una línea temática similar,

¿te inquieta caer en la repetición?

No, para nada. Creo que cualquier forma

que tome el proceso creativo es legítima.

Repetirse es parte natural del camino; uno

va al baño, come todos los días, y nadie se

queja por hacerlo varias veces al día. Crear

funciona de manera similar; la repetición es

inherente a su esencia. Me parece mucho

más extraño que haya quienes esperen algo

distinto o nuevo en cada instante.

Provenís de una familia donde la música era

una forma de supervivencia y fe. ¿De qué

manera esa historia influye en tu presencia

y en lo que transmitís cada vez que subís al

escenario?

Sigue siendo muy parecido. Para mí, la música

es inseparable de la vida misma, del

acto creativo en su sentido más amplio, ya

sea que estés creando una canción o construyendo

tu propia existencia. Creo que la

clave para la supervivencia en este camino

está en la capacidad de abrirse plenamente

a la experiencia. No hay atajos ni sustitutos

para el tiempo y la dedicación que le pongas

al proceso. Cuando le entregás ese tiempo,

el trabajo se transforma en algo auténtico

y propio. Por eso, para mí es fundamental

mantenerme en constante creación.

¿Thundercat es un personaje que interpretás

en el escenario o refleja directamente quién

sos en la vida real?

Al principio, sentía una división, como si

“Thundercat" fuera alguien distinto, pero

entendí que esas barreras son a menudo necesarias,

ya sea para cuidar la salud mental o

manejar las exigencias del negocio. Esa separación

puede ser útil a veces, pero pronto

comprendí que en esencia no existe: sos la

misma persona. Las fluctuaciones, los altibajos,

son parte de uno mismo y solo uno

debe lidiar con ellos. Se volvió una realidad

tangible, una representación fiel de mis raíces

y mi identidad.

Tu música mezcla jazz, anime, soul, thrash,

R&B, funk, entre otros. ¿Qué te pasa cuando

los críticos intentan encasillarla o reducirla

a un solo género?

En realidad, no suelo darle demasiada importancia

a las opiniones de los críticos.

Creo que todos tienen derecho a expresar

lo que piensan, y eso es parte natural del arte,

aunque no siempre sus comentarios sean positivos.

Mi enfoque está en poner el corazón

en mi música; eso es lo que realmente me

importa.

Por supuesto, el arte también implica a quienes

lo escuchan, a quienes forman opiniones y

juzgan, y eso forma parte del proceso creativo.

No me escondo ni le temo a eso, pero no hago

música en busca de aprobación; la hago porque

es lo que amo.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 19

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VOLVER A LAS RAÍCES:

J Balvin y el fuego original del reggaetón

El artista colombiano habló con

Billboard Argentina sobre su nuevo

mixtape, un proyecto espontáneo

y personal que rinde homenaje al

reggaetón de sus comienzos, fusiona

salsa con urbano y deja al descubierto

su costado más íntimo.

POR GABRIEL SOTELO

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J

Balvin volvió a las bases.

Con el lanzamiento de su

nuevo mixtape, el artista

colombiano se despoja de

las exigencias conceptuales

de un álbum tradicional

para reencontrarse con

el deseo más puro: compartir

canciones que ama sin filtros ni

estructuras. Anunciado apenas

cuatro días antes de su salida, durante su

presentación en la final del Mundial de

Clubes en Estados Unidos, el proyecto

sorprende por su frescura, su tono nostálgico

y su homenaje a la vieja escuela del

reggaetón.

En diálogo con Billboard Argentina,

J Balvin repasó los orígenes del mixtape,

el espíritu libre que lo impulsó y las historias

personales que se cuelan entre las

pistas. Desde “Río”, una canción íntima

que retrata su vida familiar, hasta “Misterio”,

una colaboración inesperada con el

maestro Gilberto Santa Rosa, cada track

funciona como una ventana a distintas

etapas emocionales y musicales del artista.

El resultado es un recorrido sin mapas,

sincero y lleno de texturas que cruzan la

salsa con la música urbana.

Durante la charla, también hubo lugar

para hablar de su vínculo con Argentina

—país de donde es su esposa Valentina

Ferrer—, sus costumbres adoptadas y su

amor por el rock nacional. Con una mirada

agradecida y una agenda que promete

su regreso en 2026, J Balvin se muestra

en su versión más auténtica: relajado,

nostálgico y con ganas de seguir explorando

los géneros que marcaron su historia.

¿Cómo viviste el lanzamiento del

mixtape? ¿Cómo fue la recepción del

público?

Súper bien, la verdad. Al ser un mixtape,

no era como lanzar un álbum

tradicional con toda la previa, la

expectativa y la bulla. Lo anunciamos

apenas cuatro días antes de

salir, durante la final del Mundial de

Clubes en Estados Unidos. Fue una

acogida muy bonita, porque era música

que en lo personal me encanta y no

quería dejar guardada. Justamente eso

es un mixtape para mí: una recopilación

de canciones que te gustan, sin necesidad

de un hilo conductor. No teníamos

que quedarnos encerrados en el estudio

buscando un concepto. Fue simplemente

liberar esas canciones.

¿Sentiste que fue también un regreso a

tus raíces?

Sí, un regreso a cuando me enamoré del

género. La estética visual, los videoclips,

todo. Grabamos con las mismas cámaras,

luces y looks que usaban los artistas

de reggaetón en ese momento. Fue un

homenaje a ese primer contacto con el

reggaetón, a ese fuego inicial.

Entre todas, hay dos canciones que se

destacan: “Salsa”, con Gilberto Santa

Rosa, y “Río”, que parece muy personal

y en el video se venimágenes caseras

de tu familia…

Total. Cada canción tenía algo que me

movía. “Río” tiene un gran valor emocional

porque habla de mi vida personal, de

mi experiencia como padre y de la familia

que tengo hoy. El video muestra imágenes

de mi esposa, que es argentina,

de nuestra vida juntos. Y “Misterio”, con

Gilberto, fue algo mágico. Originalmente

era un reggaetón, pero cuando escuchamos

el coro dijimos: “Esto pide salsa”.

Éramos cuatro en el estudio y los cuatro

pensamos en Gilberto. Fue como si la

canción lo estuviera gritando. Para mí, él

siempre fue un referente de la salsa, uno

de mis favoritos de toda la vida.

Y la presentaron juntos en el show de

Jimmy Fallon…

Fue un momento especial para mí el poder

llevar una fusión entre la música urbana

y la salsa a un escenario tan global. Hacía

muchos años que no se escuchaba salsa en

Jimmy Fallon, así que compartir ese momento

con uno de mis ídolos, en un espacio

tan importante, es un verdadero honor.

Hablás mucho de tu familia argentina.

¿Qué costumbres adoptaste?

¡Varias! Pero la más fuerte es el mate. Mi

mujer toma mate todos los días al levantarse.

Es su ritual sagrado. Yo siempre

digo: le pido a Dios que nunca se acabe

el mate, porque si no, las mañanas serían

una guerra (risas). Me encanta la cultura

argentina. Cada vez que voy a Carlos

Paz, a Córdoba, me siento en casa. La

vida en el campo, los asados, la tranquilidad,

una guitarra, el mate… Es algo que

amo profundamente.

¿Escuchás música argentina? ¿Algún

artista que te haya marcado?

Desde chico fui muy fan del rock argentino.

Escuchaba Fito Páez, Soda Stereo,

Mercedes Sosa, Los Pericos, Vilma

Palma e Vampiros, Los Enanitos Verdes…

¡Mi primer concierto fue de ellos!.

Y siempre fui muy fan de Illya Kuryaki &

The Valderramas, su sonido, sus visuales,

todo. Su propuesta me parecía brutal.

Justamente, en 2018 compartiste escenario

con el Marciano Cantero de Enanitos

Verdes y con Bad Bunny. ¿Qué

recordás de ese momento?

Fue muy especial. Estábamos en el estudio

con Benito y queríamos una banda de

rock en español que representara nuestra

infancia, y automáticamente pensamos

en ellos. Llamamos a Marciano por Face-

Time, le contamos nuestra idea y le mandamos

la canción. Su hijo, que es muy fan

de nosotros dos, ayudó a convencerlo.

Finalmente, la presentamos en vivo en

Dallas y fue un momento icónico, los dos

en el escenario con una leyenda.

¿Hay algún artista argentino con el

que te gustaría colaborar hoy?

Sí, sin dudas. Me gustaría mucho trabajar

con Ke Personajes. Y también volver a

grabar con Trueno, que es una persona a

la que admiro profundamente. Tiene una

energía increíble, y respeto mucho lo que

ha construido con su equipo. Y Milo J también

está en mi radar: me parece brutal, tiene

una propuesta artística muy poderosa.

¿Tenés planes de venir a Argentina

próximamente?

Sí, absolutamente. El año que viene seguro.

Ya es hora de volver, de sentirme

otra vez en casa. Amo Argentina y tengo

muchas ganas de regresar.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 21

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MANUEL MEDRANO

“VA A SER UN SHOW

CARGADO DE PODER,

MUY BUENA ENERGÍA

Y MUY BUENA MÚSICA”

El cantante se presentará

en la Argentina el 20 de

septiembre para celebrar

sus 10 años de carrera.

POR KARIN LEIVA

E

l próximo 20 de septiembre

Manuel Medrano llegará a la

ciudad de Buenos Aires. El cantautor

pop dará un show en el Teatro Ópera

en el marco de su gira aniversario

Manuel Medrano 10 Años Tour, con

una propuesta renovada, una puesta

en escena de alto nivel y acompañado

por su banda completa. En charla

con Billboard Argentina, dio cuenta

de las emociones que le genera esta

celebración, su reencuentro con el

público argentino y más.

“Ha sido una década fascinante, llena

de música. He conectando con la

gente a través del arte, que para mí ha

sido fascinante. Y qué mejor que celebrarlo

con una gira que estará rodando

este año por un poco más de siete

países, entre ellos Argentina, en Buenos

Aires, que es una de mis ciudades

favoritas de la vida, celebrando con

todo nuestro público de allá”, dijo.

¿Qué se siente celebrar estos

10 años después de tanto

esfuerzo y trabajo?

Tremendo. Es un reto. Sigue siendo

un misterio este mundo de la música

y de la industria musical para mí. Al

mismo tiempo siento como un privilegio

el poder vivir de lo que más

me gusta, de hacer música, escribir

canciones que conecten con el corazón

de las personas y transformen

sus vidas de una manera positiva.

Para mí es fascinante. Sigue siendo

mágico y siento que esta celebración

honra cada uno de estos pasos que

hemos dado durante estos 10 años

para construir una comunidad tan

hermosa como la que tenemos.

¿Qué sentís que cambió en vos

como artista en este tiempo?

Creo que he aprendido de cierta manera

a ser más atrevido, a conectar

mucho más con todo lo que llevo

adentro y con todo lo que quiero.

También cómo mostrarlo en el escenario

al mismo tiempo. Crecí tocando

la guitarra y cantando canciones. Esa

es la parte más íntima como cantautor.

Al mismo tiempo me gusta hacer

un performance y me gusta dar shows

con mi banda y cantar música de distintos

géneros. Creo que las baladas

siempre van a ser la columna vertebral

de mi proyecto musical y siento

que esa es la música más grande del

mundo. Ademas, poder conectar con

el funky, el pop y hacer diferentes

géneros a lo largo de esta carrera ha

sido excitante. Sobre todo para lo que

presentamos en vivo.

Hablando de esta cantidad

de géneros, ¿te queda alguno

pendiente?

Hay muchos todavía. Me gusta mucho

la música colombiana, la salsa.

La música latina en general me gusta,

pero también le he hecho mucho

homenaje de este lado. Cada uno de

mis álbumes presenta una propuesta

cultural bastante amplia entre diferentes

géneros, entre ellos muchos

latinos, como el bolero y las baladas.

Como latinoamericanos, las baladas

nos han representado casi toda la

vida. Al mismo tiempo pongo en

cada uno de mis álbumes canciones

que llamo “música exótica”, que representan

cuestiones que no son tan

conocidas mundialmente, pero que

para mí son muy relevantes y muy

importantes a través de la historia

de la música con la que yo crecí. Por

ejemplo, la champeta, que es de mi

ciudad, Cartagena. También el bambuco,

que es una música autóctona

colombiana. Y así voy dejando esas

joyitas en los álbumes.

¿Qué momentos destacarías

de estos 10 años de carrera?

Las giras, los premios, la primera vez

que fui nominado a los Latin Grammy,

conectar con nuestros fans y las

escuchas por internet. En ese lado de

la música, todo ha sido fascinante y

todo ha marcado un antes y un después

en mi vida personal. En lo profesional,

es una carrera muy exigente

que te lleva también a convertirte en

un empresario, de cierto modo, y a

entender el negocio de una manera

más especial. Hay un antes y un

después cuando uno aprende a manejar

sus regalías, a leer los contratos

disqueros y de management. Hoy en

día eso puede ser primordial para los

nuevos talentos que están en la música.

Tienen más oportunidades de

saber cómo funciona el negocio para

desde el principio poder manejarlo

de la mejor manera.

¿Alguna anécdota de Argentina?

Los dos primeros conciertos que yo

hice en allí fueron en un teatro muy

pequeño, creo que era para 200 personas

aproximadamente. Yo acababa

de conocer a los Miranda y fueron a

verme cantar en ese en ese pequeño

teatro. Para mí fue muy especial porque

yo siempre he sido muy fan de

la música argentina. Lograr llevar mi

música a este país que es tan especial

para mí fue muy divertido. Y ahora

ya ver crecer nuestra comunidad ha

sido muy especial, ver a los que nos

lleven regalos al hotel y esas cosas,

como fue la última gira que vivimos,

fue fascinante. Para esta vez, me

haría más que feliz que me acompañen

para que cantemos juntos a todo

pulmón esas canciones que nos han

conectado siempre y mucho más. Va

a ser un show cargado de poder, de

muy buena energía y de muy buena

música. Así que los espero a todos.

¿Qué le dirías al Manuel que

arrancaba su carrera hace 10

años?

Principalmente que va a llegar guapísimo

a los 40 (risas) y que siga su

instinto. Esa es una de las cosas más

importantes: aprender a saber qué es

lo que realmente quieres y hacerlo tal

cual y como quieres hacerlo.

22

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 23

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THE HIVES

EL TRONO DEL GARAGE ROCK

“NOS APOYAMOS EN CUALQUIER SÍMBOLO DE

GRANDEZA QUE PODAMOS ENCONTRAR”

La banda llega con The Hives Forever Forever The Hives, un disco que

demuestra que siguen vigentes, indomables y con hambre de más.

POR ANTONELLA LOPREATO

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DDifícil hablar de The Hives sin reconocer

que, más que una banda,

son un fenómeno que se planta en

el centro de un género relegado

a la exclusión: el garage rock. Un

estilo de música ruidosa, nacida

en sótanos llenos de humo, amplificadores

al límite y descargas de

adrenalina pura; esa misma que, a

pesar de la era de lo efímero, todavía

hoy prende fuego al público

en cualquier parte del mundo.

Desde Suecia, Howlin’ Pelle

Almqvist y su escuadrón -Nicholaus

Arson, Vigilante Carlstroem,

Chris Dangerous y The

Johan and Only (el reemplazo

de Dr. Matt Destruction a partir

del 2013)- fueron convocados,

se dice, por una figura mitológica

llamada Randy Fitzsimmons, un

compositor invisible. En torno a la

leyenda del “sexto Hive”, empezó

a circular la duda sobre si se trataba

de un hombre real, un espectro

o simplemente un alter ego del

grupo. Lo cierto es que este personaje

fue quien impulsó Barely

Legal (1997), el disparo inicial que

marcó el camino en la industria a

comienzos del siglo XXI.

En 2000, Veni Vidi Vicious los

lanzó del anonimato al escenario

internacional, con “Hate to Say

I Told You So” convertido en su

gran hit. En apenas treinta minutos,

el disco sacudió la solemnidad

del rock con riffs y baterías,

y un Pelle al límite del desborde.

Desde entonces, la banda atravesó

de todo; como la misteriosa

desaparición de Fitzsimmons;

fueron teloneros de AC/DC y The

Rolling Stones (y próximamente

abrirán en Buenos Aires para My

Chemical Romance el 1 de febrero

en el Estadio Huracán); además

de lanzar varios álbumes hasta

llegar a su más reciente obra, The

Hives Forever Forever The Hives.

Su séptimo disco demuestra que

no piensan bajar el volumen y, mucho

menos, ceder protagonismo.

Siguen tan vivos como siempre,

con la mirada fija en el presente y

reclamando su lugar en la escena.

Ya desde su portada hay una suerte

de trampa irónica, con los cinco

músicos vestidos de monarcas,

sentados en tronos, desafiantes y

llevando ese egocentrismo que los

caracteriza. Quien piense que es

solo una pose, seguramente nunca

los vio tocar ni escuchó una de sus

entrevistas.

Lo comprobamos de primera

mano en una conversación por

Zoom con Niklas, guitarrista y hermano

del frontman, cuya pasión

y convicción dejan claro por qué,

después de más de treinta años,

siguen reclamando su lugar en el

rock.

El nuevo álbum se titula The Hives

Forever Forever The Hives,

un nombre con el que declaran

cierta eternidad. ¿Hay sarcasmo

detrás o realmente se consideran

una banda inmortal?

Hoy eso dejó de ser solo una declaración

para convertirse en un

hecho. Hemos seguido adelante

durante lo que parece toda una

vida, mucho más de lo que alguna

vez imaginamos, y seguimos en

marcha. Para nosotros, más que

una creencia, es una certeza: estamos

hechos para perdurar.

La portada del disco muestra una

estética imperial y el videoclip de

“Enough Is Enough” refuerza esa

atmósfera. ¿Qué buscaban comunicar

con estas imágenes?

Nos apoyamos en cualquier símbolo

de grandeza que podamos

encontrar. Queremos mostrar lo

que es la banda: nos vestimos

como reyes y tocamos como dioses,

o algo parecido. Tenemos ese

aire de realeza. Somos una gran

banda de rock, y no cualquier banda,

sino una gran banda de rock

sueca. Este grupo es nuestra vida,

una presencia constante durante

más de treinta años y por eso

ocupa un lugar tan importante en

nuestros corazones.

Hay una canción llamada “Legalised

Living”, que casi suena

a eslogan político. ¿Qué quiere

decir para vos eso de vivir “legalmente”

hoy en día?

“Legalised Living” va dirigida a todas

esas personas o fuerzas que intentan

encasillarte y obligarte a vivir dentro

de pequeñas cajas, imponiéndote límites

de una forma u otra. La canción

es una respuesta a esas presiones: un

rechazo a que te definan o te restrinjan.

Habla de la libertad de romper

esos moldes y vivir de manera auténtica,

pese a las expectativas externas.

Después de diez años sin material

original, el lanzamiento de The

Death of Randy Fitzimmons en 2023

fue un ejercicio de reafirmación. Sin

embargo, este nuevo disco responde

a la pregunta que aquel planteó:

¿qué sigue tras mirar atrás y reconocer

tu propia historia? La respuesta

es un proyecto que mantiene

la energía de siempre, pero que

también se atreve a renovarse.

A simple vista, estos reyes podrían

parecer que solo repiten la misma

fórmula, pero The Hives Forever Forever

The Hives demuestra que la veteranía

no es sinónimo de comodidad,

sino, más bien, una lucha constante

contra la rutina y la tentación

de quedarse en una versión diluida

de sí mismos. Saben que innovar

después implica riesgos, como perder

fans o fracasar en el intento. Aun

así, eligen avanzar, esa es su apuesta.

EL LABORATORIO DEL GARAGE

Los primeros años de The Hives

transcurrieron en la pequeña ciudad

sueca de Fagersta, un lugar

donde el frío y la rutina podían

congelar cualquier sueño, excepto

el de cinco jóvenes decididos a hacer

ruido. Entre ensayos y noches

impulsivas, allí nació su sonido: un

punk garage que, aunque todavía

en pañales, ya mostraba la violencia

y la precisión que luego perfeccionarían.

En ese contexto, la

agrupación encontró no solo un

espacio para romper esquemas,

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 25

---

sino también un laboratorio para

experimentar con su identidad y un

escenario donde pulir una puesta

en escena que desde el primer

día buscaba superar cualquier

expectativa.

No hay duda de que son una de

las bandas más explosivas sobre

el escenario. ¿Cómo hacen para

mantener esa intensidad después

de tantos años?

Creo que todo se reduce a hacer

exactamente lo que queremos hacer.

Si uno se siente miserable en

lo que hace, ya sea como músico

o estando de gira, probablemente

termine decidiendo bajar el ritmo.

Pero para nosotros siempre fue al

revés. Cada vez que sentimos que

no dimos el 110%, que no entregamos

todo lo que teníamos, nos invade

una sensación de vergüenza,

una sensación terrible que nunca

queremos experimentar… La de

haber dado un mal show. Por eso,

seguimos adelante porque para

nosotros estar en el escenario es

tan natural como comer para no

morir de hambre. Con The Hives lo

hacemos porque es lo que más nos

apasiona y nos divierte.

¿Qué recuerdos tenés de esos primeros

días?

Recuerdo que desde el primer

show siempre nos sentimos como

estrellas de rock. Íbamos a tocar

con lo justo, alguno de nuestros

papás nos llevaba en auto, nos dejaba

en el lugar, tocábamos y luego

dormíamos en la casa de algún

amigo para, al día siguiente, tomar

el tren de vuelta a casa.

Para nosotros, cualquier concierto

así ya era un éxito. En ese entonces

éramos siete en el escenario, ahora

somos cinco, pero esa dinámica

siempre estuvo presente. No diría

que esos primeros años fueron difíciles;

quizá lo más agotador era la

gira, pero eso es parte del trabajo

cuando realmente te entregás. Lo

complicado fue que estábamos tan

seguros de lo que hacíamos que,

al principio, no todos entendían lo

buenos que éramos. Con el tiempo

eso cambió, y hoy la mayoría reconoce

nuestro valor.

EL DESENCANTO DE LOS REYES

Aunque siguen siendo parte de la

escena, no esconden que están

bastante desencantados con lo

que pasa hoy en día, y su mirada

es fatalista. Para ellos, el rock de

verdad sigue siendo una bestia salvaje:

potente, visceral, algo que se

siente tanto como se toca en esa

conexión entre banda y público. Se

quejan de que hoy en día cualquier

cosa se llama “rock”, diluyendo así

el verdadero significado del género.

Por eso, prefieren escucharse

a sí mismos una y otra vez. Con el

ego bien alto y cierta nostalgia por

lo que consideran tiempos mejores,

insisten en que para entender

el verdadero espíritu del género,

hay que mirar hacia atrás.

“SI PENSÁS QUE LO

MEJOR DEL ROCK SE

PERDIÓ, SEGURO ESTÁS

ESCUCHANDO A LAS

BANDAS EQUIVOCADAS”

¿Creés que el rock perdió su sentido

del drama?

No creo que el rock haya perdido

su sentido del drama; puede que

algunas bandas no lo tengan, pero

el rock de verdad, como lo hacemos

nosotros, es algo increíble.

Nunca le falta drama, el gran rock

and roll siempre está cargado de

él. Si pensás que lo mejor del rock

se perdió, seguro estás escuchando

a las bandas equivocadas.

Mirando la escena actual, ¿qué es

lo que más te incomoda y qué es

lo que todavía te emociona?

Lo que más me da vergüenza… Si

hablamos de la escena y seguimos

usando la palabra “rock”, hoy en día

todo es medio confuso. Cualquier

cosa se etiqueta como rock, cualquiera

saca un disco y ya lo llaman

así, aunque para mí sea más pop u

otra cosa. Hoy cuesta distinguir qué

es realmente rock.

Para nosotros, el rock and roll es

otra cosa: algo que te hace vibrar,

que emociona, salvaje, sudoroso. Es

esa energía donde la banda se alimenta

del público y el público se nutre

de la banda, en una conexión total.

Eso, para mí, es rock de verdad.

Si falta eso, no hay rock que valga.

Si hoy el rock resulta tan indescifrable,

¿qué tipo de música

escuchás?

Durante la producción del disco

escuché el último álbum de The

Hives como mil veces, es una locura.

Somos muy puntillosos con

cada detalle: un decibelio aquí,

otro allá, bajar un poco el compresor…

un proceso que parece no

terminar nunca. Probablemente sea

el disco que más he escuchado en

mi vida. Hay unos siete u ocho momentos

clave que repito una y otra

vez, así que no me queda mucho

espacio para otra música. Después

de ocho horas en el estudio, no

tengo ganas ni capacidad de escuchar

nada más; los oídos y la cabeza

ya no dan.

¿No te cansás de escucharlo tanto?

Un poco sí, pero disfruto el

proceso.

LONGEVOS, PELIGROSOS Y

VIGENTES

Son la prueba de que en el rock la

edad no necesariamente significa

decadencia. Mientras muchas

bandas de más de una década se

acomodan en las reversiones o

desaparecen del radar, ellos siguen

activos, incisivos y vigentes.

Si este fuera el último álbum de

The Hives, ¿te sentirías satisfecho

con el resultado?

Podría decir que sí, pero no me

conformo con eso. Este disco es

una forma de decir que seguimos

presentes, que seguimos vivos. No

basta con sacar un álbum y quedarse

tranquilo; siempre tenemos que

avanzar. Con cada nuevo trabajo,

intentamos superar al anterior o,

al menos, estar a la altura de todo

lo que hicimos antes. Así que no,

no me doy por satisfecho; siempre

quiero más, y mucho más.

26

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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¿QUIÉN ES RANDY FITZSIMMONS?

Es el misterio más grande dentro del mundo de

The Hives. Oficialmente, es el compositor fantasma

y casi un sexto miembro, que desde las

sombras armó la banda y les dio las canciones

que los llevaron a la fama. Pero la realidad es más

confusa y divertida: todo indica que en realidad

es un seudónimo inventado por los propios chicos,

como un alter ego colectivo que mantiene

vivo el misterio y la magia que siempre los rodeó.

INFLUENCIAS:

THE STOOGES

THE SONICS

THE CRAMPS

MC5

THE VELVET UNDERGROUND

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 27

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ZHAMIRA ZAMBRANO

En el videoclip hay amigos

actuando, Jay también está…

¿Cómo fue ese momento para

vos?

La idea era que sintiera lo mismo que

sentimos cuando grabamos la canción

aquí en casa, todos juntos en el

cuarto. Estaban todos nuestros amigos

ese día por lo que quisimos que

estuvieran en el videoclip también.

El estreno de “No Me Quiero Ir” y

el camino hacia su álbum debut

La artista venezolana habló con Billboard Argentina sobre su familia y un futuro primer disco.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

C

ON UNA CARRERA todavía

joven, que en este 2025

cumple cinco años, Zhamira

Zambrano se convirtió

en una de las nuevas

voces a seguir en esta industria.

Con canciones dulces, románticas y

apasionadas, la artista se fue abriendo

paso y ganando un espacio que hoy

la encuentra en su mejor momento.

“Estoy en la mejor etapa de mi vida,

tanto personal como artísticamente,

no me quiero ir de este momento”,

afirmó en conversación con Billboard

Argentina.

“No Me Quiero Ir” le da nombre

al segundo single de lo que será su

álbum debut, previsto para darse a

conocer a fin de año. Esta canción

recorre un sonido inexplorado para

Zhamira hasta la fecha, el merengue,

donde retrata el verano y aquellas

vacaciones con su familia en Venezuela

de las que nunca se quiere ir.

“Hice esta canción para retratar un

momento en particular. Me encanta

que la gente la interprete con sus

propios recuerdos”, continuó.

Felicidades por este año, Zhamira,

¿cómo estás?

Estoy muy emocionada por todo lo

que está pasando y todo lo que está

por venir. Siento que personalmente

estoy en el mejor momento de mi

vida. Con la bendición de mi hija

vivimos un cambio total en todo lo

que teníamos organizados en nuestra

vida, pero fue para bien, es algo increíble.

Con mi esposo hacemos un

equipo increíble también por lo que

no podemos estar más felices.

¿Tu hija te inspira para crear

nuevas canciones?

Es un motor no sólo en la música, me

da fuerzas en todas las áreas de mi

vida. No sabía que podía amar tanto

a una personita que acaba de llegar a

este mundo. Nos mueve tanto que es

algo muy difícil de explicar para alguien

que no sea madre o padre.

¿Qué sentís al saber que el público

se siente tan representado

con “No Me Quiero Ir”?

Es curioso porque siempre digo

que cuando uno hace las canciones,

las hace con intención personal,

teniendo en cuenta un momento

que se está viviendo o que haya

atravesado. Sin embargo, cuando

ya se publica, la gente la hace

suya y la convierte a un contexto

determinado.

Cuando hice “No Me Quiero Ir” no

me refería a una persona, me refería

a un momento, pero cuando salió,

la gente ve la canción para una persona

en específico, para una mascota,

para un lugar… Me parece muy

lindo que cada uno lo interprete a

su manera y que los lleve a ese momento.

Es una canción para sanar

bailando también, lleva un mensaje

súper bonito al corazón.

¿De dónde no te quieres ir

hoy?

Creo que para mí sigue significando

lo mismo en cuanto al momento

lindo que estoy viviendo. Siento que

si está mi familia no me quiero ir

nunca, ese es mi lugar feliz y mi lugar

seguro. De ahí no me quiero ir.

¿Esa es tu manera habitual de

componer y crear?

Realmente casi siempre pasa así.

Muy pocas veces llego con una visión

clara de lo que quiero hacer,

simplemente nos reunimos y vemos

qué queremos crear. Esta canción

se grabó hace mucho tiempo, sobre

octubre y noviembre del año pasado.

Ahí sentimos una ola fuerte de los

sonidos tropicales como el afrobeat,

merengue, bachata… Decidimos que

sería cool hacerlo porque sería algo

nuevo para nosotros.

Al hacerlo hace tanto tiempo, tenía

miedo de que al momento de publicarla

no estuviera esta ola tropical,

pero casi que pasó lo contrario. Al

día siguiente de tomar la decisión

de presentar esta canción, Karol G

anunció el estreno de Tropicoqueta y

a los dos días Tini y Béele estrenaron

un merengue, por lo que no nos

equivocamos.

Al ser una artista nueva, tenía miedo

de que la gente piense que seguía

una tendencia o copiar a alguien,

pero la canción estaba grabada desde

hace mucho más tiempo. Todos estamos

veraniegos.

¿Tenías otras canciones guardadas

para elegir?

Hay un montón. En el campamento

donde grabamos “No Me Quiero

Ir” produjimos otras cuatro canciones

que ya presentaremos en

un próximo trabajo más grande.

La gente se va a sorprender porque

son géneros con los que nunca

había jugado, estoy muy emocionada

por ver qué canción será la

favorita del público. Me encantaría

que salga a finales de este año y

estamos haciendo todo lo posible

para que así sea, será la recopilación

de muchos años de trabajo.

¿Tuviste la oportunidad de

visitar Argentina ya?

No tuve el privilegio de ir para allá

todavía. Mi mamá viajaba mucho

por trabajo y fue muchas veces

para allá. Todo lo que me cuenta

es divertido, gracioso, con tango,

buena comida… Me dan muchas

ganas de ir y conocer su gente y su

gastronomía.

FOTOS: DYAMIC RECORDS

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SEPTIEMBRE 2025

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“ME LA BANCO

Y VOY AL FRENTE”

La cantante pasó buena parte del año girando por la Argentina para presentar su álbum No vayas a atender

cuando el demonio llama. Y es apenas uno de sus trabajos. En el medio, agranda su fandom y responde a

las agresiones que recibe de parte del presidente argentino.

POR EZEQUIEL RUIZ

FOTOS POR NORA LEZANO

ahora qué hacemos?”,

Y

pregunta Lali Espósito.

Son las 13 horas del miércoles

18 de junio. Está despierta

desde muy temprano. Acaba

de cerrar una jornada de grabación

de La Voz Argentina compartida

con Dillom, cumplió con la promoción

del programa y también con

una entrevista. Más tarde tendrá

que prepararse para, esa misma

noche, asistir a los Premios Gardel,

gala en la que su canción “Fanático”

terminaría quedándose con

tres estatuillas (Mejor Canción Pop,

Mejor Videoclip Corto y Canción

del Año, nada menos). Pero en vez

de pedir tiempo para una siesta,

quiere saber qué sigue en su agenda.

Ella tiene claro que siempre hay

algo por hacer.

“Primero de mayo… ¡Qué pesada!”,

se ríe ante esa observación que la

acerca del título de “primera trabajadora”

al cumplir compromisos relacionados

con su música, la televisión

e, incluso, la publicidad. “Soy una

vieja loca, le meto, le meto, le meto.

Porque planeo las eras y las hago.

Cuando sé que tengo un año así,

que voy a sacar un disco o que tengo

un programa con muchas horas

de rodaje, soy un reloj con el laburo.

Soy muy respetuosa de la posibilidad

de trabajar. No me gusta haber

dicho que sí a un laburo y después,

cuando ese momento llega, estar:

‘¡Ahhhh!’ (suspira con fastidio...). Me

gusta saber que soy responsable de

aquello que quise hacer, que planee,

que le puse mucho huevo. Cuando

está pasando, lo hago y me lo vivo.

Lo disfruto, de hecho”, explica Lali,

graduada ejemplar de la factoría

Cris Morena.

Billboard Argentina le siguió los

pasos durante varios meses para

captarla en distintos momentos

de esta rutina intensa marcada

en donde el centro es No vayas

a atender cuando el demonio llama,

su “álbum pseudo rockero”

con el que viene girando en casi

todo el país. De qué está hecha

esta popstar nacional y popular,

cercana, gaucha, la que “sabe

como hacerte bien y a tu papá

también”, la que recurrió a los

discos de su juventud para crear

algo nuevo. También esa que no

titubea a la hora de opinar o si no

le queda otra que sostener beef

público con el presidente argentino

Javier Milei, algo que le valió,

entre otras cosas, una amenaza

de bomba antes de un show en

San Juan. “Por esto que sucedió

hoy es por lo cual me expresé públicamente

y dije: 'Qué peligroso,

qué triste'. ¡Qué peligroso es el

odio al otro! Y lleva al peor lugar

posible. Por suerte, la música y

el amor se imponen”, respondió

sobre el escenario.

ARTLAB, VIERNES 25 DE ABRIL,

21 H

“Si no les gusta el disco, me suicido”,

dijo Lali y largó una carcajada.

En esta sala hi-fi multipropósito,

ubicada en el barrio porteño de

Chacarita, la cantante congregó a

su familia (entre ellos, Majo Riera y

su novio Pedro Rosemblat), amigos

y también algunos colegas, como

Fito Páez, Emmanuel Horvilleur,

Elizabeth Vernaci, los cantantes

de Bersuit Vergarabat. El motivo

es escuchar en primicia No vayas a

atender cuando el demonio llama

algunos días antes de que salga a

la luz para todo el mundo.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 31

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Al darle play, se reveló un trabajo

cargado de artificios rockeros y

bases agresivas, con citas líricas,

sonoras y estética a distintos ídolos:

de los Redonditos de Ricota

a Madonna, de Charly García a

Babasónicos, de Attaque 77 a

Amy Winehouse. El pop tiene la

capacidad de fagocitar distintos

elementos para transformarlos

en una materia nueva y de eso

se valió Lali para esta, su sexta

obra. “Yo quería hacer el disco

dentro del pop. Es un disco pop,

claramente. Y me parece que algo

popular tiene esa mezcla de todo,

lo que somos los argentinos. Una

instrumentación rockera pero con

una columna vertebral súper pop,

que es lo que me define”, explica.

ESTADIO VÉLEZ SARSFIELD,

VIERNES 23 DE MAYO, 18 H

Cayó la noche sobre la Ciudad de

Buenos Aires y el frío golpea hasta

en los huesos. Lali está haciendo

una pasada ¡completa! del show

que daría al día siguiente. Lo hace

con la misma intensidad que verá

su público, aunque sin el vestuario.

A cambio, lleva puesta una puffer

negra que la abriga y toma sorbos

de mate entre tema y tema. Baila

cada canción como una más del

cuerpo que lidera su coreógrafa

y socia creativa, Denise De La

Roche. El ensayo sale perfecto

en cuanto a lo musical, no hay

fisuras, apenas un leve ajuste en

“Quiénes son”, que esta vez suena

con una intro extendida.

26 horas más tarde, hace su

irrupción en el escenario, vestida

como una cowboy rockera,

tal como enseñó la Madonna

de Music, aunque ella optó

por algo más teñido de negro.

Arranca con “Lokura” y desata

el primer pogo. Invita a Dillom

para “33” y se arma otro remolino.

Sube Moria Casán para

acompañarla en “Quiénes son” y

se multiplican las stories. Hace

“Loco un poco” de Turf y baila

con Joaquín Levinton como si

estuvieran en el concurso de

Pulp Fiction. Invita a los Miranda!

para “Mejor que vos” y les

rinde pleitesía ante la multitud.

Casi sin respiro, junta “Fanático”

con “Pendeja” y con “No me

importa” para desatar el último

pogo. Y cierra con el “Himno

Nacional Argentino” para teñir

todo de celeste y blanco.

Este fue el kilómetro cero del

tour que luego la llevaría por

Córdoba, Rosario, Mar del Plata,

Salta, Tucumán, Santiago del

Estero, Corrientes, Santa Fe,

San Luis, San Juan y Mendoza.

En septiembre hará otra doble

fecha en Vélez. Y después de

cumplir con tres funciones en

España, volverá al país para cerrar

esta primera vuelta en Trelew,

Comodoro Rivadavia y Neuquén.

CIUDAD DE ROSARIO, SÁBADO

14 DE JUNIO, 16 H

Afuera estalla el sol y la temperatura

está unos grados más de lo

habitual para un invierno. Pero en

lugar de caminar por la costanera,

estamos en el primer subsuelo de

un hotel cinco estrellas de la ciudad

santafesina. En el estacionamiento,

una van está lista para salir

para el Metropolitano, lugar en el

que Lali cantará por la noche. Tres

chicas bajan haciéndose las distraídas,

yendo hacia un supuesto

auto que está fuera de nuestro

campo visual. Dos minutos después,

vuelven tras sus pasos y

cometen el pecado de preguntar

si pueden esperar a la estrella para

sacarse una foto. Se llevan una

lógica negativa, pero al instante

aparece Espósito a su rescate.

Después de salir del ascensor en

compañía de su novio (Pedro va

a casi todos los shows del tour

como uno más de la troupe),

entrega su mejor sonrisa perlada

a las selfies requeridas. Y se sube

al asiento trasero para conversar

antes de llegar a la prueba de

sonido. El viaje dura unos doce

minutos, desde la zona céntrica de

la ciudad hacia el lado de Arroyito,

y alcanza para que Lali arroje un

A BAILAR

"Lo amo. Estas

canciones eran

muy atrevidas para

ese momento. Re

hiphopera, me

hacía la Destiny's

Child y era de

Parque Patricios...

Muy orgullosa de

este disco. Lo hice

con los 3Música,

unos capos. Y DBN,

que editaron este

primer disco mío de manera independiente y desde

ese momento, siempre me apoyaron. Envejeció mega

bien porque hay canciones que musicalmente son

elevadas. ¡Vengan de a uno!"

SOY

"Es mejor

disco

que el

primero.

Acá hay

muchos

temas

que, si

hoy no los

canto en

vivo, me

matan.

Me da

una ternura total esto que me puse para

el arte, está raro el look. Yo me creía mil,

bronceadísima, pieles rosas... ¡¿Qué?! Es un

buen señor disco de pop nacional".

BRAVA

"¿Quieren

saber cuál era

la referencia

del arte? Se

van a cagar de

risa... Dangerous

(Michael Jackson).

Qué producción,

acá ya teníamos

plata. El disco es

bárbaro. Tiene la

que creo sigue

siendo mi canción

más escuchada: ‘Sin querer queriendo’, con Mau

y Ricky. Era un pop con una búsqueda más latina

y menos gringa. En esta época, en la industria

empezaba el coqueteo del pop con el dembow".

32

BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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puñado de definiciones:

“Me siento con esa adrenalina

de mostrar algo nuevo, de darle

sentido a eso que escribí, que

surgió en el estudio. Las canciones

cobran vida realmente en un

tour. Ves cómo la gente las canta,

cómo se las apropia”, dice sobre

la vida en gira.

¿Se permite disfrutar arriba del

escenario? “Si perdés la capacidad

de disfrute, ¿qué te queda?

Hago el ejercicio consciente

de estar en presente, soy de

los momentos reales. Ante una

experiencia tan grande, tengo el

miedo de que me pase por arriba

y no haber sido lo suficientemente

consciente de lo que estaba

pasando. Y en estos Vélez que

pasaron no me sucedió. Pero te

confieso que el Vélez pasado, con

el que cerramos el tour anterior

(2023), me llevó un poco puesta”.

Llegamos y Lali va directo a donde

la esperan sus fans, que acamparon

por casi una semana para verla.

Tras los saludos, no pierde tiempo

y se sube al escenario para cumplir

con la prueba del show. Nota

que hay que hacer algunos ajustes.

Como por ejemplo, la marca en la

que tiene que pisar al comenzar el

show, está corrida un centímetro y

medio hacia la derecha.

También, entre severa, cariñosa y

con la ironía que la caracteriza, le

marca un detalle clave a los iluminadores

porque considera que

las luces están muy fuertes para

"Ahora", el momento más erótico

de su show, en el que baila con

un body ajustado sobre la humanidad

del bailarín Nico Merlín.

“Estas luces de abajo, en un

momento sexy, es un asesinato

al culo. Y si las usás, sos un hijo

de remil putas. Te deja medio

cadavérica, sos un fantasma.

Pero bueno, es algo que ustedes,

varones, nunca van a entender”,

justificó.

Luego, cuando tiene que repasar

“Quiénes son”, decide cambiarle

la letra para responder a todos

aquellos que la acusaron de

haberse enriquecido con shows

vendidos a diferentes municipios

a lo largo del país. "Que si vivo

del estado…”, dijo en voz baja.

“¿Que si vivo del estado?”, se

preguntó después. “¡Ojalaaa!", se

contestó a sí misma, irónica.

VILLA URQUIZA, LUNES 28 DE

JULIO, 9.30 H

Lali fue la primera en llegar al

estudio de fotografía para ponerse

delante del lente de Nora

Lezano, legendaria retratista

del rock argentino. Después

de ser maquillada y peinada, la

cantante haría cuatro cambios

de vestuario con un despliegue

total de su oficio. Eso, combinado

con la pericia de Nora, hizo

que el shooting durara mucho

menos de lo previsto. Lo que dejó

bastante tiempo para una última

conversación.

¿Cómo es estar todo el tiempo en

el foco?

Supongo que los años lo hacen

sentir normal, o como parte de tu

cotidianidad. Es raro, porque no es

la vida más normal. Desde chica

asumo que es un laburo. Entiendo

cuando estoy delante del foco,

también me gusta sentir cuando no

lo estoy. Ahora cuando terminemos

esta nota, soy consciente de que

ya vivo mi vida privada... Me gusta

ese switch. No es que se prende

la luz y cambio de forma de ser.

Al revés. Pero con la edad soy un

poco más consciente de cuándo

estoy haciendo cosas que son mías

y cuándo estoy haciendo cosas

que las comparto con otro.

¿Cómo es esa vida privada?

Mucho más aburrida de lo que se

imaginan (risas). A mi me encanta.

Es una vida muy acompañada. La

vida privada es aquello humano, el

trato con mis amigos. Soy muy anfitriona,

mi casa siempre es punto

de encuentro para el asado, para

los cumpleaños de otros… Me gusta

que mi hogar sea hogar para los

míos, para mis sobrinos, para mis

hermanos. Eso me hace sentir que

LIBRA

"La tapa me

parece preciosa.

Estéticamente, buen

disco. Musicalmente

estoy orgullosa de

varias cosas y de otras...

¿Viste cuando uno se

pone algunos sacos y

dice: ‘Me pica un poco,

no sé si es para mi'? Es

una yo fragmentada:

incómoda con lo viejo,

miedosa con esta

propuesta nueva... Recuerdo reuniones corporativas en

las que decía: ‘No quiero ser esto'. Aprender a imponerse

es importante. Me dio mucha fuerza para lo que siguió. Y

se llama Libra porque fue la balanza".

LALI

"Orgullo total. Me

hice más cargo

de lo que en el

anterior no podía

hacerme tanto.

Le tengo mucho

aprecio porque

empezó antes de

la pandemia y

como estábamos

encerrados, éramos

tres: Maurito

de Tommaso,

Tincho Galán y yo. No tiene colaboraciones a

propósito, en una época en la que no podías salir sin

colaboraciones. Mi canción favorita es ‘Como tú’. Un

pop muy a la cara, muy derecho”.

NO VAYAS A ATENDER CUANDO

EL DEMONIO LLAMA

“Queríamos viajar a

cuando éramos un

poco más pendejos y

los álbumes que nos

gustaban tenían su poster.

Detalles que son una

reminiscencia al rock pop

noventero. Los arreglos

también: canciones

como ‘Sexy’ o ‘Lokura’

tienen una mezcla del

rock barrial y el pop

madonnesco. Yo escucho

La Renga y Madonna en el mismo momento. Salvando las

distancias con ellos, queríamos lograr esa rebeldía, esa

sensualidad, este erotismo irreverente. Re orgullosa de

este álbum, no sé qué verga voy a hacer después”.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 33

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en mi vida privada le pongo tiempo

y ganas a lo afectivo. Con el laburo,

perdés un poco el contacto. Ahora

estoy en plena gira y me pierdo del

cumpleaños de un sobrino, el de

mi vieja, la juntada del domingo...

Los tiempos de tour son duros

afectivamente.

¿Cómo es recorrer el país en este

momento social?

Reparo mucho, en épocas como

estas, en el esfuerzo de verdad que

es pagar una entrada para muchísima

gente. Soy porteña, pero no creo

ser porteño centrista. Tengo familia

en el interior, ubico lo que está

pasando y dónde estoy. Cuando

empezamos a planear el tour, a mi

equipo le dije que quería que fuera

lo más federal posible, haciendo el

esfuerzo para ir a otra provincia más.

Y que después, cuando terminemos

el recorrido, podamos decir

que fuimos para casi todos lados.

Siempre muy consciente del esfuerzo

que es, para mucha gente hoy,

pagar una entrada. Armamos un

show muy grande, muy caro. Pero

la idea fue que la entrada tiene que

sentirse popular. Que alguien que

pueda tener un ahorro, pueda pagar

30 lucas, que hoy es lo mínimo para

una entrada. Esos tienen que ser los

precios. Vimos las maneras de que

esos números nos den para que el

show esté buenísimo.

Siento tener un público popular,

que es laburador, que le cuesta

un montón. Hay de todo, pero en

general siento que es así y que

agradecen porque pueden pagar la

entrada. Si bien son shows privados

y muy grandes en unos números de

Argentina rarísimos, soy de las que

creen que no debería ser un lujo ir a

un concierto. Todo aquel que labura

y la pelea, tiene que poder ir el fin

de semana al concierto que quiera.

Me gusta sentir que tirás un par de

sogas para que eso se pueda dar.

¿Cómo te interpela la actualidad?

A veces es preocupante lo que

uno siente de la actualidad, de

la coyuntura. A veces hay que

preguntarse con qué le aportás

a la época. ¿Qué quedará?

Capaz algo que hoy me desespera,

hay que mirarlo con más

perspectiva y decir: “Esto va a

tener un por qué mucho más

claro en el futuro que ahora”. Así

funciona la cultura y el arte. No

siempre se entiende un disco en

el momento, a veces pasan los

años y cada vez cobra más sentido

eso que dijo Charly en 1978.

En ese momento tenía sentido,

por supuesto. Pero cuánto más

sentido tiene cuando el mundo

pasa y sigue habiendo horrores

y escuchás esas canciones… A

veces nos abrumamos con los

espantos que escuchamos en

la actualidad, por las cosas que

pasan y está bien hacerlo. Y está

bien quejarse. Y hay que salir, de

hecho más de lo que lo hacemos,

a la calle. Pero son épocas.

Hay que preguntarse qué aporta

uno a la época viva, en la que

está. Hay que poner todo en

discusión, hay que salir de los

lugares cómodos para eso, hay

que bancarse eso.

¿Sentís que sos una artista política,

más allá de lo partidario?

Todo el arte es político, hasta el

que no lo parece. Las canciones

más banales de letra o los ritmos

más vapuleados porque son

populares... Las cosas en las que

generalmente la música bardea,

eso es un síntoma político. Lo

que suena en los barrios populares,

lo que hace un artista en

una sinfónica, todo es música

por igual, pero son políticas. La

música tiene todos esos caminos

para expresarse de diferentes

maneras. Yo creo que todo es

político. Podés hacer algo más

obvio en su mensaje político,

como "Fanático", pero podés

hacer cosas menos obvias y

todo es político. Todo hecho

expresivo es político, así no lo

parezca.

Fito Páez te dijo que, después de tu

discusión pública con Milei, tu campo

de batalla iba a ser la expresión, ¿no?

Ese llamado de Fito fue clave. Yo

lo sabía, pero a veces necesitás

que un otro te diga algo clave para

que vos digas: “Esto es lo que

necesitaba escuchar para confirmar

esto que sentía”. Yo puse el

tuit, se armó una bola, enseguida

ya estaba inmersa en una cosa

muy picante. Estaba rodando la

serie El fin del amor. Justo íbamos

a parar y Fito me escribió: “¿Te

puedo llamar 5 minutos?”. Hablamos

un rato largo y me dijo: “Tu

campo de batalla es el arte. Sé

que no lo parece, sé que ahora

hay herramientas... Pero ponele

más énfasis a lo otro que ahí”. Y

fue clave, porque empecé el proceso

de este disco ahí. A escribir

cosas, a pensar qué había que decir

o cómo podía transformar eso

que me estaba pasando, que se

me iba de las manos, porque ya no

me pertenecía eso que decían de

mí. Le pertenecía no solo a otros,

sino a otra idea, a otra forma de

pensar. Me pregunté mucho qué

hacer con eso. Y me llevó un

tiempo entender. "Fanático" fue

la primera que saqué porque me

parecía importante. Pero antes de

esa, hice un montón de canciones,

fue bastante tiempo de estudio.

¿Cuál fue la primera canción que te salió?

Una que no salió nunca, que se

llama "Mi religión". Estaba buena,

capaz un día la saque. Hice

varias canciones en esa primera

tanda, como "Tu novia II"... Esas

aparecieron bastante antes que

"Fanático". Fui encontrando el

sonido, después me fui animando

a escribir eso a lo que estaba

dándole vueltas. Y llegó al mismo

tiempo que "No me importa", que

tiene esa búsqueda.

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E

l 13 de agosto de 2023 se

celebraron las elecciones

primarias presidenciales

en la Argentina y el candidato más

votado fue Javier Milei. En franca

oposición a las propuestas más

reaccionarias del libertario, tras

los resultados a Lali se le ocurrió

tuitear “Qué peligroso. Qué triste”.

Desde ese momento, la cantante

se convirtió en uno de los blancos

favoritos tanto de quien luego se

convertiría en el presidente argentino

como también de los seguidores

del dirigente.

Lejos de callarse, Espósito

redobló la apuesta y en septiembre

de 2024 publicó “Fanático”,

primer adelanto de su álbum. El

lanzamiento generó una catarata

de comentarios especialmente

por un personaje que aparece en

el videoclip: un hombre fuera de

sí que viste campera de cuero,

patillas y que habla a los gritos

mientras gesticula nervioso.

¿Algún parecido con Milei? La

canción, en tanto, se convirtió en

símbolo de lucha para quienes se

sienten en la vereda opuesta al

actual gobierno argentino. Síntoma

de esta polarizada, la figura

de Lali viene recogiendo tanto

reverencias como rencores.

“Es una canción musicalmente

atrevida, original. Si bien toma

cosas de un montón de artistas

que me gustan, es original en el

momento en el que sale. Con

una cosa aguerrida y violenta,

a la vez muy amorosa y lúdica.

Contestar a la violencia desde lo

lúdico y lo irónico me parece poderoso”,

dice Lali sobre “Fanático”.

¿Te divierte que se haya picado con la

canción y que dispare distintas cosas?

Sí, para eso fue hecha. Hay que correrse

de este lugar del yoísmo, de

que lo que te pasa te está pasando a

vos. Podría haberme puesto cómodamente,

o no tan cómodamente, en un

lugar de victimización, justificada. Un

presidente diciéndole a una persona

ciertas barbaridades, tiene que ver con

algo que está mal, desde cualquier

punto de vista. En vez de pararme en

ese lugar, la canción tira la pelota a

la conversación para que todos podamos

hablar de la violencia con el

otro. Yo fui la cara de un momento

de algo que pasó, pero la gente que

sufre violencia, las disidencias que son

discriminadas en este momento, en

una época en la que cualquiera puede

decir que sos pedófilo porque sos

homosexual… Cualquier barbaridad

se dice y pasa. La canción me excede,

como corresponde, y termina siendo

algo que la toma todo aquel que se

siente atacado e injustamente señalado

o injuriado.

Todo comenzó por un tuit, que suena

bastante espontáneo, y siguió por una

canción, algo más trabajado. Pero

todo es parte de la misma discusión.

Son parte de la misma discusión y la

canción lo que hizo fue ponerle un moño

al “Qué peligroso, qué triste”. Lo que

sucedió, el nivel de violencia, de calumnia,

injuria y decir cualquier cosa porque

conviene decirla, es peligroso y, obviamente,

es triste. Es peligroso decir cosas

de ciertos sectores, repetir discursos de

odio que tienen resultados muy

de mierda en las sociedades.

Abrazo cada día más el “Qué

peligroso, qué triste” y creo que

la canción le pone una explicación

o viste ese tuit de una

manera más armoniosa, que es

lo que hace la música.

Hace poco retuiteaste ese

mismo tuit cuando se confirmó

la prisión domiciliaria a Cristina

Kirchner. ¿Por qué volviste

a eso en lugar de escribir algo

nuevo?

Cada vez que lo sienta, lo voy

a retuitear. No lo voy a volver

a escribir, no tiene sentido.

Vos podés pensar, o la Justicia

puede considerar que un

dirigente, sea Cristina o sea

cualquiera, tiene que ir en

cana. Yo creo que la manera

en que se dio todo, las cosas

que se han dicho, lo que se

esperaba a nivel morbo de

esa situación, me parecía

peligroso y triste, del dirigente

que sea. Estamos hablando

de alguien como Cristina,

que es potente… Cada uno

puede pensar lo que quiera,

en eso estamos de acuerdo.

Pero me parecía peligroso

el encare de esta cuestión

y la violencia que generaba

el propio oficialismo hacia la

militancia genuina que pueda

tener un dirigente opositor.

Eso me pareció digno de

retuitear y cuando lo sienta lo

volveré a hacer. Porque es mi

tuit y puedo (risas).

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Pelo: Juanma Cativa para Mala Peluquería

Estilismo y Make up: Maru Venancio

Agradecimientos: Marcelo Péndola, Caro Cuore,

Crudo, Ay not Dead, West, Pompavana, Hot Merch,

Swarovski Argentina, Chainss Accesorios.

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Y el audio te llevó un poco a la lírica.

Sí, el audio fue lo primero que

busqué. Porque era difícil ese

medio que queríamos lograr. Soy

una artista pop, entonces quería

ese sonido popero al frente, con

esos sonidos, con esos sintes, esa

búsqueda, pero a la vez quería

que suene una guitarra, quería

que te remitiera a algo de esos

punkies que yo escuchaba cuando

era pendeja. Quería que las

guitarras de "Lokura" te hagan

sentir esa cosa de Parque Patricios,

barrio rockero en el que

crecí. Quería una mezcla de mundos

que tenía que ser fina, porque

no soy los Ratones Paranoicos, ya

quisiera. Tampoco era un disco

súper electrónico como el anterior.

Había un mix que lograr, una

búsqueda de una cosa real de

audio, combinada con lo sintético.

Y ahí encontré el disco. Y eso

me llevó a las letras.

¿“33” tiene que ver con tu edad?

Sí, tiene que ver con mi edad,

que la voy a dejar de tener en

breve. Así que no es tan importante

eso, sino la época. En estos

33 tengo otra perspectiva de

las cosas. La letra de la canción

("Ahora soy yo, la que le gana al

tiempo") representa un montón

de cosas. A nosotras, y eso lo

digo como mujer, hay algo con la

edad, que se te permite y que no

se te permite. Es muy poderoso

saber que le ganás al tiempo, a

los supuestos permisos. “Ay, ya

tenés treinta y pico, ya no podés

hacer tal otra cosa”. Son cadenas

que normalmente nos ponen más

a nosotras que a los chabones.

Con 33 años, no soy una pendeja

pero soy joven, soy independiente

desde que tengo muy

poca edad, soy una mina que se

banca las que se banca, que va

al frente… Y fuera de las cosas

mías, es una manera de decirle

a todas mis amigas y a todas las

mujeres que conozco que somos

bárbaras y geniales. Me da

cosa cuando una mujer contesta:

“Ay, la edad…”. Está bueno

poder decir: “Tengo 55 y estoy

bárbara, me siento bien con

quien soy”. Yo me siento mejor

ahora que a los veintipico.

Hay mucha simbología argentina

en el show: la camiseta 10 de Lionel

Messi, el escudo patrio en tu

outfit, el Himno Nacional Argentino

en el cierre. ¿Por qué?

Cuando empezamos las canciones

en el estudio, había una

necesidad -que creo que es una

situación que se contagia de lo

político- de saber de qué lado

de la mecha te encontrás. Fue

la sensación que tuve. Una cosa

de división entre argentinos,

algo que está bastante en boga,

un señalamiento de un lado al

otro, quién es más argentino que

quién… Y cuando las políticas

están demasiado acipayadas, a

uno le sale algo de adentro que

necesita reafirmar. Me pasó eso.

La enarbolación de que todo

lo de afuera es mejor, a mi me

hincha un poco las pelotas.

Siento que desde mi música

y de mis narrativas tengo que

afirmar que lo que yo hago es

música argentina, hecho por

una argentina en Argentina.

Deseo con todo mi corazón que

mi música viaje por el mundo,

es un privilegio que eso te pase.

Pero nada me parece más privilegiado

que me vaya bien acá

y aportar algo, lo que sea que

me dé para aportar, a la cultura

de mi país. Hay momentos que

ameritan una cosa más aguerrida

en lo que uno considera un

nacionalismo, o una empatía

con el otro argentino. Son épocas.

Una siempre es argentina,

no hay épocas para eso. Pero

me gustaba que en esta estética

que proponía el disco, haya

una mirada muy argentina.

“SOY DE LAS

QUE CREEN

QUE NO

DEBERÍA SER

UN LUJO IR A

UN CONCIERTO”

De alguna manera sos eso que

ironiza el locutor en “Sensacional

éxito”: la heroína que demanda la

época o una villana inesperada.

Sí. “La mayor delincuente de

la que se tenga memoria”, dice

también. Es una ironía, porque la

época está rara.

Sí, pero la época también demanda a

alguien en quien podamos identificarnos

y no estar mirando hacia afuera.

La ironía de esa frase es medio

triste, porque es como decir: si

yo soy, en polos tan opuestos, la

heroína que demanda la época,

la mayor delincuente de la que se

tenga memoria… A mí lo que me

interesaba era no ser esto ni esto,

sino hablar de los extremos absolutos.

Porque la persona que me

considera una heroína, también

habla de una orfandad de heroísmo

en la época. Me interesaba

hacer ese chiste, como también

el chiste contrario. Marcar esos

polos tan extremos es mostrar en

la que estamos, la polarización

absoluta, la exageración de cada

polo. Los dos hablan de algo, que

no está tan bueno que suceda.

¿Y cómo te sentís en ese tironeo?

Ah, no, en el medio, en el medio.

Lo más en el medio que puedo.

Algunos dirían que sos tibia…

¡Que me chupen un huevo! (risas)

Ya quisiera ser tibia, mirá. A veces

no me vendría mal, eh.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 41

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En un episodio de

Bien de familia,

Majo Riera es

entrevistada por

su hija Lali.

Majo Riera presenta Bien de familia:

la otra cara del éxito artístico

Un ciclo que muestra el rol clave y poco conocido de los padres en las carreras

de los artistas en la industria del espectáculo.

POR ANTONELLA LOPREATO

S

er la madre de Lali

Espósito, una estrella

que pisa los escenarios

más importantes desde

la infancia, implica cargar con una

etiqueta difícil de desprender: “la

mamá de”. Majo Riera atravesó esa

identidad impuesta, resignificando

su lugar y conquistando un espacio

que no aparece en los créditos. “Pasé

de ser Majo a ‘la mamá de Lali’. Pero

no soy solo eso”, dijo en diálogo con

Billboard Argentina, consciente de

que detrás de ese título se esconde

una historia de aprendizajes que el

público nunca llega a conocer. Y su

nuevo proyecto, Bien de familia, nace

de esa necesidad, de “dar voz a quienes

acompañan a los artistas en el

detrás de escena”.

Majo enfrentó todo a pulmón. Comenzó

repentinamente a lidiar con

giras, medios y, sobre todo, con

la responsabilidad de cuidar todo

aquello que rodea a un sueño ajeno

sin perder su propia identidad. La

maternidad la llevó a un territorio

inesperado, donde tuvo que aprender

a negociar contratos, comprender el

funcionamiento de un mercado complejo

y soportar el hateo, mientras

cumplía el rol tradicional de madre;

no solo de la cantante, sino también

de Ana Laura y Patricio.

Su nueva propuesta se gestó desde

esa experiencia. Se trata de un ciclo

de entrevistas que recoge testimonios

que visibilizan el rol de quienes

acompañan a artistas desde el segundo

plano. Personas que no eligieron

la exposición, pero que cargan con

una parte fundamental del trayecto

artístico, por un lado son el sostén

emocional, y, muchas veces, también

se ocupan de la logística diaria

que hace posible cada paso. “Conocí

personas increíbles, como la de

Marlene Montaner, a quien todos

identifican como ‘la esposa y mamá

de’, pero muy pocos conocen su

verdadera historia”, señala.

El lanzamiento del ciclo tuvo lugar

en el Social Media Day, donde Majo

participó del panel “Mujeres que inspiran”,

compartido con Patricia Jebsen

y Loli Maraglia. Allí presentó

públicamente la iniciativa y abrió el

debate sobre los vínculos familiares

en la industria del entretenimiento.

En 2020, Majo recibió un diagnóstico

que cambió todo, cáncer de

mama. En plena pandemia, decidió

enfrentar la enfermedad en silencio

pero acompañada de sus amores. La

escritura, se convirtió en su forma de expresarse

públicamente. “Me dieron la noticia

cuando estaba en la peluquería y no

supe cómo reaccionar, le tenía terror a

la muerte, ya había vivido la experiencia

con mi sobrina”, recuerda. “Fue un momento

de quiebre, donde elegí a la gente

que quería tener cerca. Sané a través de

mis vínculos y nuevas pasiones, como la

escritura”, suma.

Este fue el punto de partida para una

reconstrucción más amplia. De aquel impulso

inicial nació Fue un buen verano,

un libro próximo a salir, que funciona

como testimonio de aquella época.

Luego llegó el podcast Dos pendejas de

50, que conduce junto a Pata Liberati,

donde el humor y la experiencia se cruzan

para desmontar estereotipos sobre la

edad, el cuerpo y el deseo. Y, en paralelo

a su labor como productora al frente de

Cinematica Films, dónde junto a SDO,

crearon La Suerte de Loli para Telemundo,

la cual fue nominada a los prestigiosos

premios Emmy Internacional.

Majo suma ahora una nueva faceta más

cercana a la comunicación, con un enfoque

propio y una sensibilidad forjada

en la experiencia. Hoy, su nombre ya no

aparece entre paréntesis, está firmado,

visible y tiene un lugar propio.

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SEPTIEMBRE 2025

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E

SOL ORTEGA:

"CREAMFIELDS ME VIO CRECER.

ESTE AÑO SERÁ ALGO ESPECIAL"

La Dj argentina se presentará el 11 de octubre

en una nueva edición del festival

l próximo 11 de octubre, el Parque de La Ciudad

recibirá una nueva edición de Creamfields Argentina.

Con un lineup caracterizado por el cruce

de generaciones, donde se pueden encontrar referentes

como David Guetta o Armin Van Buuren,

esta edición promete llevar la música electrónica en

la Ciudad a otro nivel. Sol Ortega, quien ya formó

parte de la edición 2024, vuelve a decir presente

este año con un estilo renovado que la convierte en

una referente a nivel nacional que día a día busca

expandir sus fronteras.

“Es muy lindo para mí ser reconocida en un

festival como Creamfields y compartir lineup

con Djs que son referentes para mí”, compartió

en conversación con Billboard Argentina. Esta

edición será para ella una manera de afianzar su

estilo de nicho que cada vez pisa más fuerte en la

Argentina, con residencias propias en el underground

de Buenos Aires y con un proyecto en paralelo

cada día más masivo, Máquina Latina.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

“Voy a preparar un set especial para esta edición,

pero no me gusta hacerlo con mucha anticipación.

Quiero acercarme a la fecha para ver

en qué mood estoy y poder llevarle lo mejor a la

gente”, reveló.

¿Qué sentís al subir a un escenario?

Siento muchos nervios antes de tocar, antes de subir

a la cabina… Pero cuando estoy arriba te diría

que es el único momento en el que me desconecto

completamente y logro entrar en un estado de

“meditación”. Me parece espectacular porque me

baja a tierra ese momento, sólo sucede ahí.

¿Por qué decidiste ir al mundo de la

electrónica?

Fue un poco una sumatoria de amigos y mi viejo,

que le gustaba mucho la electrónica también.

Arranqué primero con la producción y después

seguí con el mundo Deejaying.

¿Crees que el género está en un buen

momento?

Totalmente, sobre todo el nicho al que me dedico

yo que es el Tecno. Tuvo mucho que ver con la

pandemia, TikTok y las redes… Sufrió un push

muy importante desde ese momento.

¿Sos de mezclar en vinilo o en digital?

Soy fan de los vinilos, los tengo ahí arriba siempre.

La compu me aburre un poco de alguna

manera porque me gusta escuchar los errores de

mezclar con vinilo, siempre salen cosas preciosas.

La calidad de audio es superior para mí y

me requiere estar mucho más concentrada para

no cometer errores. Lo digital está bien también

pero no es mi estilo.

¿Cómo fue la experiencia Creamfields 2024?

Una locura, creo que no caí hasta que estuve arriba

de la mesa. Ver la producción, la estructura

del escenario, cómo te llevaban en carrito… Ese

día fue increíble, casi no te podría decir qué sentía

porque estaba maravillada. Te hace sentir una

más de los artistas que yo veía cuando era chica.

Fue un gran desafío mental y físico también.

Creamfields me vio crecer.

Es una gran oportunidad para jóvenes Djs

de ver hasta dónde podrían llegar.

Exactamente. Me encanta porque veo colegas

de acá, de Argentina, que empezaron al mismo

tiempo que yo y que están teniendo lugar para

poder mostrarse en este tipo de eventos y es algo

muy lindo. Definitivamente antes no era así, por

eso hay que aplaudir un poco las redes y estos

eventos porque nos dejan mostrarnos.

¿Ahora cómo te sentís al compartir un

lineup con artistas de la talla de los

anunciados?

Es muy loco. También es raro ver mi nombre por

la calle al lado de estas bestias. Hay muchos artistas

que sigo hace mil como Chris Liebing, Ben

Klock… Los seguía de chica y ahora comparto

lineup internacional con ellos.

Es un festival re diverso, para todos los gustos. Va

mucha gente que quizás no escuchaba electrónica

antes y es hermoso que nos conozcan ahí. Lo

que hago yo es un nicho dentro del propio nicho

así que es incluso un desafío más grande, pero

tengo mucha fe por lo que va a pasar.

¿Cómo preparás el set para un festival

como este?

Voy a preparar un set distinto pero tampoco es

que haya mucha preparación. Quiero preparar

algo lindo porque no es tocar en un club…

El hilo del set va por otro lado, tenés una hora

donde tenés que tocar todo lo bomba que tengas.

Está bueno también prepararlo cerca de la fecha

para ver en qué mood me encuentro.

¿Seguís tendencias a la hora de elegir

un repertorio?

No mucho la verdad. Creo que es un poco lo que

me ha hecho llegar hasta acá, mantenerme fiel

a lo que me gusta. Por lo menos de ahí no me

muevo. Eso hace que el público que me sigue sea

tan fiel también, sabe que en cada set van a escuchar

la verdadera Sol.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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SEPTIEMBRE 2025

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El universo cinematográfico de Marvel

llegó al Teatro Coliseo

La orquesta estable del Teatro Colón interpretó Marvel Studios’ Infinity Saga en Concierto.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

L

as 23 películas que conforman

el universo cinematográfico de Marvel

fueron pensadas para ser disfrutadas

más allá de la comodidad de una sala de cine o

el living de nuestras casas.

Desde que Iron Man dio el salto a la gran

pantalla en 2008 bajo el marco del MCU (por

sus siglas en inglés), Marvel dejó claro que su

objetivo principal era generar emociones y

sensaciones en los espectadores que hasta ese

momento ninguna otra saga hubiera logrado,

y con su final en Avengers: Endgame, de 2019,

demostraron que lo consiguieron.

Uno de los puntos más significativos de

toda esta saga es la banda sonora. Sin ninguna

duda, cuando uno escucha los primeros diez

segundos de la canción original de Avengers

sabe de qué se trata. El sonido transporta a los

fanáticos a otro universo… Al momento de su

vida donde vio por primera vez una de estas

películas y supo que no habría vuelta atrás.

Esa sensación es la que se pudo sentir en el

Teatro Coliseo del 24 al 26 de julio, donde la

Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo di-

rección de Ezequiel Silberstein, interpretó el

especial de Marvel Studios’ Infinity Saga en

Concierto y repasó estas 23 películas en un

formato nunca antes visto en la Argentina.

Durante dos horas y media de función - con

un intervalo de 15 minutos -, la orquesta brindó

un espectáculo digno de Hollywood que

dejó boquiabiertos a todos los presentes, fans

de la saga o no. Las 23 películas fueron resumidas

con los puntos y conceptos más importantes,

siendo lo suficientemente extensas como

para entender el personaje en caso de no conocerlo

y de revivir las emociones que generó

la primera vez en caso de recordarlo. Vivir en

carne propia la banda sonora de The Avengers

siendo interpretada por músicos de primer nivel

es una experiencia que seguro nadie de los

presentes olvidará.

El debut del show en Latinoamérica marcó

un hito para el espectáculo, que previamente se

presentó en el Hollywood Bowl de Los Ángeles

y en otras ciudades de Estados Unidos y Europa.

En octubre, además, se presentará en el

prestigioso Carnegie Hall de Nueva York.

PELÍCULAS EN CONCIERTO

Marvel Studios’ Infinity Saga en Concierto

no fue ni la primera ni la última

vez que Argentina pudo disfrutar de

bandas sonoras icónicas en concierto.

Acá hay otros dos ejemplos:

Disney en Concierto:

El Teatro Colón colaboró con Disney en

varias ocasiones para ofrecer espectáculos

como "Disney en Concierto: Sinfonía

de Películas" y "Magia y Sinfonía"

que combinan música de películas con

personajes y escenas icónicas.

Star Wars en Concierto:

También en el Teatro Colón se realizaron

conciertos con música de las sagas

de Star Wars, incluyendo "Star Wars:

Una Nueva Esperanza en Concierto",

"Star Wars: El Imperio Contraataca en

Concierto" y "Star Wars: El Retorno del

Jedi en Concierto".

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 45

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Cuatro discos calientes del mes

POR FACUNDO ARROYO

Don't Tap The Glass

Tyler, The Creator

Para el noveno disco solista del talentoso y existencial rapero de Hawthorne (California) no habrá guion, ni

alter ego que conduzcan las canciones a determinada historia matizada. Tyler, o T como le dicen allá, se

pasea por el electro, el synth-funk (abre el LP junto a Pharrell Williams en una canción más que arriba), el

disco y hasta el Miami bass no para reinventarse, sino para perderse. Hay parodia (el de la tapa es él emulando

una especie de cosplay de rapero de los 80) y no tanto drama pop. Después de la densidad confesional

y narrativa de Chromakopia (2024), el compositor y productor se relajó y fabricó un disco para la calle con

sol, skates, árboles bien frondosos y mucho traje de baño. Antes de eso, hay que recordar, que fue uno de los

hombres rapeando desde la vulnerabilidad. Y ya no es necesario ser gay (Frank Ocean) o bisexual (como

T) sino que también lo puede hacer un hombre duro y de familia como Kendrick Lamar. Los paradigmas del

rap se rompieron hace rato y por eso el género sigue contando la realidad urbana de sus lugares junto a sus

protagonistas contemporáneos. El más pop de ellos, o sea T, ahora quiere bailar mientras toma un respiro de

su verborragia testimonial. Todos, a fin de cuentas, tienen que respirar antes de seguir.

Moisturizer , Weg Leg

El filo se quedó con el adelanto titulado “Catch these fists”. Si esa era la continuidad del segundo disco

de la banda de la Isla de Wight (GB), el entusiasmo iba a seguir creciendo. Pero no, Wet Leg buscó

ampliar la paleta genérica y las canciones les quedaron cortas. Tanto es así que en su incursión por el

Tiny Desk las versiones no se la aguantan. En su disco debut homónimo del 2022 estaba lo cortante,

la métrica vocal esquizo y la aceleración del pulso actual que tiene “Catch these fists”; algo que se

evidenciaba, también, en la presencia totalmente despareja de las dos integrantes y protagonistas de

este proyecto. Por un lado, la deslumbrante Rhian Teasdale con su mirada al acecho y su decir duro y

al hueso. Y por el otro, la quietud y el misterio de la guitarrista Hester Chambers. Las canciones del primer

disco giraban en torno a ese clima y las de este LP intentan ser más las de una banda en formación.

Como diría el cantante de Pérez: no era necesario. Aún así, los pasos en falso siempre pueden ser un

envión para lo que tenga que cantar Teasdale en el futuro, o como dice en “CPR”: “¿Es amor o suicidio”.

MDV LUV

Juan Wauters

Jorge Drexler lo dijo hace veinte años: para entender a Uruguay, y sobre todo a Montevideo,

hay que mirarlo a la distancia. Él lo hizo desde Madrid y Juan Wauters desde Nueva York. Y

no fue sólo una bala de plata sino dos. No es que solo en MDV LUV se dedica a la mística del

candombe y la rambla, ese halo viene desde Wandering Rebel (2023), su LP anterior. Aún así,

el estado de “crónica total y sensitiva” no diferencia tanto la particularidad de la ciudad donde

compone Jaime Roos y Fernando Cabrera sino el poder de observación absurda y encantadora

de Wauters. Un músico que está obsesionado con correr, de ahí la tapa de este nuevo

disco, y que siempre está trackeando todo como si fuera un mixtape de hip hop pero sin músculos

ni ropa overside. El grado de ternura de Wauters, en esta ocasión, se puede medir en

“Mutuación”. Una canción hermosa que nunca termina de cerrar la idea central, ¿de qué habla

este uruguayo de Nueva York? Si le jugás una carrera y le ganás, él te lo cuenta. Posta.

El lado oscuro

Nina Suárez

El segundo disco de la hija de la primera camada del indie argentino tiene la densidad de

la Ciudad de Buenos Aires y la calma del interior de la provincia. Pareciera que, mientras

transiciona su voz cada vez más, mira el punto infinito de los barcos en el río y la quietud del

mar allá a lo lejos. Enmarcado en un trío oscuro, por momentos postpunk hasta que llega

a las baladas, Nina tiene el temperamento de una abuela guía y la dulzura de una infancia

infinita. Mientras se ríe con los ojos en “La salvación”, te clava la cruda realidad en “Roto por

dentro”. O como dice en el manifiesto que acompaña El lado oscuro: “Como la violencia que

se esconde en el núcleo del amor, peligrosa pero vital cuando se trata de protegerlo”. Para

tantear el estado del nervio central compositivo de Nina solo hace falta escuchar ese tema

que quedó partiendo aguas en el disco: “Esos barcos”. Dice: “Yo estaba a disposición de

cerrar la puerta al sol en su totalidad. / Ahora veo que no, no se puede encerrar lo ideal”.

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SEPTIEMBRE 2025

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LEO GENOVESE

“La adaptación

es mi modo

de supervivencia”

El pianista de jazz argentino prepara el nuevo disco del

Trío Sin Tiempo, mientras gira con Residente, The Mars

Volta y toca en festivales por todo el mundo.

POR JUAN CRUZ REVELLO

FOTOS: MANU PASIK

L

eo Genovese nació

en Venado Tuerto, provincia

de Santa Fe. Se fue

a vivir a Rosario dónde

cursó materias de contabilidad y estudió

música. Hoy reside en New York

y es uno de los pianistas argentinos

vinculados al jazz más reconocidos

del mundo. También es director musical

de la banda de Residente, toca

en The Mars Volta y acarrea una

extensa lista de personas con las que

compartió experiencias musicales:

Herbie Hancock, Terri Lyne Carrington

y Mike Stern, entre otros.

En el 2023, obtuvo el Grammy Latino

en la categoría Mejor solo improvisado

de jazz, por su performance

junto a Wayne Shorter en la canción

“Endangered species”, de Esperanza

Spalding. Entre esa catarata de bronces,

acaba de grabar en New York

con el Trío sin tiempo, el grupo que

formó en Argentina con Mariano

Otero y Sergio Verdinelli. Lo hicieron

en el estudio de Rudy Van Gelder,

“el más picante del Jazz de New York,

ahí se grabaron los discos de los ‘60

y ‘70 de Blue Note, Miles Davis, Bill

Evans…”, dice Genovese.

Desde Madrid, en diálogo con Billboard

Argentina, donde luego de

seis semanas finalizó la gira con el ex

Calle 13, cuenta que en el 2001 se fue

a vivir a Estados Unidos y recaló en el

Berklee College of Music de Boston:

“No pertenezco a la élite musical. La

música de jazz en Estados Unidos es

completamente popular. Yo ando por

los clubes en Brooklyn, donde tocan

tres o cuatro por día y la entrada es

a la gorra. El maestro Thelonious

Monk es un genio que marcó el camino

diciendo vamos a hacer esta música

simple, para que todos puedan

apreciarla y entenderla”.

Tocás con un montón de

artistas diferentes. ¿Tenés una

marca particular, o te adaptás

a lo que necesitan?

La adaptación es mi modo de supervivencia,

también es mi manera de

aprender, tratar de entrar en un rol,

de cumplir un papel dentro de un estilo

y de un lenguaje. Hay algo de las

cosas que me inspiran, que me ayudan

a tomar decisiones a la hora de

tocar. Al final, la marca personal, me

parece, es un conjunto de toma de decisiones.

En cada compás e idea, uno

va trazando su dibujo, su obra de arte.

Todo eso puede entenderse como una

marca, pero no diría: “Este es mi sonido”.

Si alguien escucha y dice: “Este

tipo está re loco que toca todo cromático”,

hay otra gente que puede decir:

“Bueno, esa es la marca personal de

Genovese”. Ahora casualmente estoy

tratando de aprender un repertorio

para un solo concierto en Saalfelden,

un festival jazz muy groso en Austria,

me mandaron música dificilísima y

me gusta el reto.

¿En algún momento te ves

como compositor haciendo

una música más convencional?

Sí, totalmente, cada vez más estoy

yendo para ese lado. Pero no sé si

cancionero. Escribir canciones es

muy difícil para mí. Hay gente que le

brotan las canciones, [John] Lennon,

Fito [Páez], [Andrés] Calamaro. A

mí me brotan otras cosas. Tampoco

quiero forzar. Si algún día me salen

un par de melodías con letra, vamos

arriba. Si no, no lo hago. Uno de mis

discos de canciones favoritos es Elliott

Smith, Figure 8. Prefiero escuchar

sus canciones y ser feliz.

¿El disco del Trío Sin Tiempo

es para el año que viene?

Acabamos de grabar en New York,

en el estudio más legendario del jazz.

Lo hicimos muy rápido, 3 o 4 horas.

Fue una experiencia divina. Vinieron

los chicos juntos por primera vez a

Nueva York, hicimos unos conciertos

por la ciudad, y al día siguiente nos

fuimos al estudio. Queremos que el

disco salga a principios del año que

viene, ojalá coincida cuando yo esté

en Argentina así lo podemos presentar.

Además, tengo grabados tres discos

de solo piano y otro par de discos

de tríos que son colaboraciones.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 47

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DE LA GUETTO

en muchos estilos pero sin perder mi

esencia… Hay artistas que a veces quieren

cambiar su estilo y no se escuchan

relajados. Yo no quiero hacer eso, si no

encajamos lo dejamos de lado. Por lo

menos el afrobeat es algo que llevo escuchando

hace mucho tiempo y siento

que se está metiendo en el mercado latino,

por lo que es buen camino.

El videoclip de “SaSa” fue exactamente

lo que nos imaginábamos

al escuchar esa canción por

primera vez.

Quise hacer algo como un documental

e irnos a algo más íntimo. Lo que realmente

hago cuando voy a la playa con

mi familia. Cuando salió el tema antes

del visualizer, muchos colegas me llamaron

diciéndome lo que se imaginaban

pero todos hablaban de yates, mujeres,

fiesta… Y no era lo que yo estaba

buscando. Quise transmitir un sentimiento

más de familia, deportes acuáticos,

juegos, mis hijos… Pasarlo bien.

“CON MOONLIGHT

QUISE REFLEJAR

OTRO LADO DE MÍ”

El puertorriqueño estrenó su

nuevo EP para completar el dúo

con Daylight.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

D

e La Ghetto estrenó Moonlight y completó

finalmente un proyecto que había

comenzado meses atrás con el disco

Daylight, donde refleja sus dos facetas y muestra

por qué sigue siendo considerado uno de

los mayores referentes del género urbano a

nivel global.

En Daylight buscó retratar el verano y los ritmos

caribeños, mientras que en Moonlight se

dejó llevar por la noche, el baile y un toque de

electrónica con la que nunca antes había experimentado.

La única excepción a este concepto

es “SaSa”, el focus track de este último

EP donde podemos ver un De La Ghetto disfrutando

con su familia en la playa de Puerto

Rico al ritmo de un merengue, también nuevo

para él. “Quise transmitir un sentimiento más

de familia, deportes acuáticos, juegos, mis

hijos… Pasarlo bien”, reflejó en conversación con Billboard

Argentina.

El reggaetón se deja escuchar de la mano de “Cómo Pretendes”

y “Copyright”, este último en compañía de Sech.

En “JetSki” y “LunaSky” se aprecian los tintes electrónicos

y vibras EDM, pensados para las pistas de baile.

“No Sé” combina introspección y ritmo en un crossover

emocional, mientras que “Elegante” junto a Mora cierra

el proyecto con un estilo moderno y elegante.

Necesitábamos algo como tu EP para subir un

poco los ánimos del invierno.

Claro que sí hermano, la calentura de canciones como esas

tienen que estar. Fue un disco que llevó mucho trabajo y

ahora estamos disfrutando. No me puedo quejar. Igualmente,

si ustedes están en invierno también funciona, a mí

me gusta el frío también, pronto voy a visitarlos seguro.

Felicidades por Moonlight, se nota el trabajo

que hay detrás.

Muchas gracias. Es un concepto que estamos trabajando

desde febrero. Siempre sacamos discos por octubre y noviembre,

pero quisimos hacer algo diferente para el verano,

algo que nunca había hecho. Con Moonlight quería

tener algo nocturno, con un poco de electrónica y sin

dejar de lado lo tropical. Por eso fuimos con “SaSa”, que

fue el primer corte y es mi primer merengue también.

Nunca había hecho algo así en mi carrera, y estamos

muy contentos con el resultado. Antes de Moonlight

sacamos “Loco”, que fue mi primer Top 5 en Latin Pop

de Billboard, por lo que no sabíamos si seguir por ese

camino o cambiar un poco.

¿”Loco” te marcó el camino?

Totalmente. La gente que me conoce sabe que me monto

En ese videoclip vimos una especie

de De La Ghetto fuera de cámaras,

más la persona que el artista…

Eso es lo que quiere la gente. Quiere

sentir que están contigo ahí y es lo que

quisimos demostrar con el video y el

tema. Cuando lo escucho me lleva a los

recuerdos de joven cuando iba a casa

de mis primos y mi tía, en Navidad,

yendo para la playa…

¿Te fijás en los ciclos de la luna y

sus energías?

Claro que sí. Antes de dedicarme a la

música, cuando no sabía qué hacer,

hubieron muchas noches de luna llena

donde me sentaba en la playa y le

hablaba para pedirle que todo saliera

bien. Todo lo que le pedí me sucedió y

me está sucediendo ahora. Este año se

cumplen 20 años de carrera musical…

No puedo pedir más.

¿Por qué elegiste a Mora y Sech

en este EP?

Mi relación con Sech es muy cercana.

Fui de las primeras personas en grabar

con él pero teníamos muchas canciones

juntos pero no en dúo, eran todas

con más artistas como Arca, J Quiles y

demás. Cuando hicimos esta canción

quería traer el estilo panameño y puertorriqueño

y fusionarlos.

Con Mora habíamos grabado para su

anterior disco y a la gente le encantó.

Desde ese momento nos empezaron a

pedir más featurings, se ve que les gustó

mucho el dúo. Con él pudimos hacer

el tema en su estudio, entre los dos,

cambiando ritmos, ideas y versos… Es

un enorme productor y es alguien bien

exigente a la hora de trabajar y crear.

FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC

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SEPTIEMBRE 2025

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Turf estrenó

Polvo de Estrellas

“Tenemos la suerte de contar

con colaboradores que

admiramos muchísimo”

La banda presenta un disco que reinterpreta sus clásicos

con la participación de figuras como Lali, Fito Páez y más.

POR ANTONELLA LOPREATO

FOTOS: TUTE DELACROIX

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SEPTIEMBRE 2025

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Joaquín Levinton

y Leandro Lopatín,

figuras de Turf.

“H

oy me agarraste totalmente

desconectado”. Parece un mal chiste de

la era digital, pero Joaquín Levinton

perdió el celular en el taxi camino a la entrevista.

Apenas pisó el estudio, lo contó con resignación

y comedia, como si ya supiera que todo, incluso

eso, iba a terminar formando parte de la narrativa.

Porque al fin de cuentas, el cantante es un personaje

que relata su vida como si estuviera en un

talk show permanente. No le hace falta ni siquiera

una cámara, se lleva la escena encima. Tiene la

teatralidad del rockstar, la tranquilidad del que ya

ganó todas las guerras que le importaban y el carisma

de los que saben que, si hay que elegir entre

la perfección y el efecto, siempre conviene apostar

por lo segundo.

Hace unos días volvió a estar en boca de todos,

aunque no precisamente por su música. Una deuda

acumulada con Aysa (Agua y Saneamientos

Argentinos), en medio de la ola privatizadora y el

decreto que habilita el corte de servicios por falta

de pago, lo convirtió, por unas horas, en trending

topic involuntario. “Lo bueno es que esa tal ‘Aysa’

no me persigue más”, dice, aludiendo a la catarata

de mensajes que recibía de la empresa. “Tuve que

vender esa casa hace un mes, le di la plata de la

deuda al que la compró”. Hay algo de esa irresponsabilidad

que lo seduce, aunque él lo niegue. “Yo

soy un volado pero con buena intención. Siempre

quiero resolver las cosas, como tener el celular a

mano… pero lo pierdo. Soy un tipo responsable,

pero soy pésimo para los trámites”.

Esa misma lógica performática atraviesa Polvo de

estrellas, el nuevo disco de Turf, que es, al mismo

tiempo, un álbum y un programa de televisión

ficticio. Un late night imaginario donde cada canción

funciona como una entrevista, y cada entrevista

como una relectura de los grandes clásicos

de la banda, reinterpretados por algunas de las

voces más reconocidas (y diversas) de la escena

actual, como Milo J, Lali, Fito Páez, Conociendo

Rusia, Miranda!, Vicentico, Luck Ra, Yami Safdie,

Santiago Motorizado y La Delio Valdez.

Son diez formas distintas de volver a decir lo

mismo que decían en los entre los ‘90 y los 2000,

pero con otro presente. Porque el grupo, desde el

principio, fue eso: una rareza que irrumpió cuando

el grunge dominaba el mapa global y la cultura

argentina aún giraba en torno a la solemnidad del

“rock nacional” con esa mística de intocable. Con

Charly García como padrino espiritual, aquel

puñado de jóvenes se atrevió a cambiar las reglas

del juego. En 1997 editaron Una pila de vida, su

primer disco, que ya contenía varios de los éxitos.

La frescura no estaba solo en las canciones, sino

en esa actitud lúdica y provocadora de no tomarse

nada demasiado en serio, excepto la música.

“El disco es como jugar con amigos”, dice Levinton.

“Tenemos la suerte de contar con invitados

que admiramos muchísimo. Además, es una forma

de que las nuevas generaciones escuchen esas

canciones desde otro lugar. Y, claro, también es

una manera de sacarnos las ganas”, agrega. El criterio

de selección -advierte Leandro Lopatin, entre

risas- fue “muy, muy serio, se estudió mucho la

situación”. Pero más allá de la ironía, hubo cierto

orden: intuición, afinidad y ganas de divertirse.

Algunos nombres estaban en la cabeza desde el

principio; otros llegaron como sorpresas, como lo

fue Páez. “Estábamos almorzando y Joaquín -que

en ese momento todavía tenía teléfono- empezó

a hablar de la posibilidad de sumarlo a

‘Contacto’ y me dijo: ‘¿Y si le escribo por Instagram?’.

Le mando el mensaje ahí mismo y Fito

respondió al toque, fue increíble”.

“No es solo volver a darle vida a canciones que

conocemos, porque las tocamos un montón y

las seguimos tocando en vivo. Es un proceso

para divertirnos y ofrecer algo distinto”, agrega

Lea. Paradójicamente, la historia con Lali también

empezó con un celular. “Estaba mirando

pavadas en el teléfono cuando me crucé con un

video de ella en una página de chimentos. Estaba

cantando ‘Loco un poco’ en La Patagonia con

una guitarra y sus amigos”, recuerda Joaquin.

“No lo podía creer, pensé: ‘fua, le gusta Turf,

que buena onda’. Conseguí su número a través

de un amigo y le escribí por Whatsapp, al igual

que Fito, me respondió al toque”, remata, como

si la velocidad de respuesta fuera una forma de

medir la química.

La primera escucha del álbum tuvo lugar en el

Planetario de Buenos Aires, y fue completamente

gratuita. “Mientras todos están obsesionados

con lo que ocurre bajo el mar, nosotros los

llevamos al espacio. Somos un poco distintos”,

bromea Joaquín, haciendo referencia a la expedición

submarina del Conicet. Pero esa experiencia

fue solo el aperitivo de lo que se vivió

el 15 de agosto en el Teatro Gran Rex, fecha

oficial de la presentación y en la que se presentaron

más de la mitad de los colaboradores del

disco, como Lali, Milo J, Miranda!, Santiago

Motorizado y Luck Ra. “Fue muy especial para

nosotros”, resumió el cantante.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 51

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LOS AUTÉNTICOS DECADENTES: 30 AÑOS DE MI VIDA LOCA

“LA GRABACIÓN DE ESTE DISCO

FUE UN MOMENTO MÁGICO QUE NO

VOLVIÓ A REPETIRSE”

El 30 de noviembre volverá al Movistar Arena con un show que será puente entre Córdoba y Buenos Aires, entre la

nostalgia y la fiesta, entre el recuerdo y lo que está por venir. Además, el 27 de septiembre tocará en el Estadio de la Costa.

POR AGUSTÍN CONTEPOMI

E

n 1995, Los Auténticos Decadentes

lanzaron Mi Vida Loca,

su cuarto álbum de estudio y el más

emblemático de su historia. Treinta

años después, el grupo lo celebra con

una reedición especial en vinilo doble

que guarda varias joyas: tres versiones

registradas junto a la Orquesta

Filarmónica de Mendoza —dirigida

por Popi Spatocco— y una versión

de “La guitarra” grabada con Andrés

Calamaro y Adrián Otero, inédita

en plataformas y nunca antes editada

en vinilo.

“Casi 40 años de carrera y nunca

habíamos tocado con una orquesta.

Fue un evento maravilloso en

Mendoza y aprovechamos para incluirlo

en esta edición”, cuentan en

diálogo con Billboard Argentina.

Los arreglos sinfónicos sumaron más

de 70 músicos a canciones históri-

cas como “La guitarra”, “Turdera” y

“El pájaro vio el cielo y se voló”, cuyo

registro fue el primer adelanto del

relanzamiento.

El álbum fue bisagra en la historia de

la banda: fue el primero que ensayaron

en la casa propia que compraron

en 1993 y que aún conservan. “Cada

uno tenía su llave y caía a cualquier

hora a componer. No había tiempo de

corte… Fue un momento mágico que

no volvió a repetirse”, recuerdan. De

aquellas sesiones nacieron himnos que

hoy siguen vivos en estadios, escuelas

y fiestas de toda Latinoamérica.

“La guitarra”, con su clásico video dirigido

por Andy Fogwill, marcó un

antes y un después. “Era un temazo y

había presupuesto. Si la compañía se

equivocaba con el video iba a ser un

error”, dicen entre risas. Otros singles

como “Corazón” y “El murguero” ampliaron

la influencia del disco: “Había

bandas que tocaban esas canciones antes

de que nos conocieran a nosotros”.

La mezcla en Los Ángeles dio al álbum

un sonido internacional que coincidió

con la época dorada de MTV. “Queríamos

que, al poner a cualquier banda y

a Los Decadentes, sonarán a la misma

altura. Y lo logramos”.

La celebración también tiene otros sabores:

un vino Cabernet Franc desarrollado

junto a Bodega Las Perdices

para su línea Rock & Perdices y una

flota de taxis intervenidos artísticamente

que ya recorre Buenos Aires.

Además, el público puede disfrutar

en plataformas de streaming de un

documental narrado por los propios

músicos, con imágenes inéditas de archivo

y testimonios de alto vuelo.

El Tour 30 Años comenzó el 15 de

agosto en Montevideo y recorrerá

Argentina, Paraguay, Perú y México

durante 2025, con dos paradas clave

en el Movistar Arena de Buenos

Aires el 26 y 27 de septiembre. En

2026, la gira continuará en Chile,

España, Alemania, Francia y el Reino

Unido, con shows en salas históricas

como Razzmatazz (Barcelona),

La Riviera (Madrid), Electric Brixton

(Londres) y Le Bataclan (París).

“No es solo para fanáticos de la

banda o del disco. Este show hay

que venir a verlo porque está buenísimo”,

invitan. A tres décadas de

su gran hito, Los Deca vuelven a

demostrar que sus canciones no son

solo parte de un disco: son parte

de la memoria colectiva de varias

generaciones. Y esta celebración

es la excusa perfecta para volver a

cantarlas, con canas, con orquesta y

con la misma energía de siempre.

FOTO: MARTÍN BONETTO

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SEPTIEMBRE 2025

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ULISES BUENO

larte en Buenos Aires?

Mis comienzos fueron acá. Debuté el 5

de abril de 2003 en Buenos Aires y no

me fue tan bien al principio, pero eso

me impulsó a luchar para ser profeta

en mi tierra cuando volví a Córdoba.

FOTOS: MANU PASIK

“El cariño de la gente es

incondicional y es lo que

te sostiene”

El 30 de noviembre, Ulises Bueno volverá al Movistar Arena con un show que será

puente entre Córdoba y Buenos Aires, entre la nostalgia y la fiesta, entre el recuerdo

y lo que está por venir.

POR GABRIEL SOTELO

E

l cuarteto cordobés

volverá a copar uno de los

escenarios más importantes

de Buenos Aires. El próximo 30 de

noviembre, Ulises Bueno se presentará

en el Movistar Arena con un

show que promete ser un recorrido

por su historia musical, sumando

canciones nuevas, invitados especiales

y ese vínculo con el público que

lo acompaña desde hace más de dos

décadas.

Tras el éxito de su primera experiencia

en el estadio, regresa con

energías renovadas y una lista de

temas pensada para emocionar,

hacer bailar y reafirmar el lugar del

cuarteto en la escena nacional. Entre

los posibles invitados figuran colegas

con los que compartió recientemente

escenarios y estudios: “Será un show

rodeado de amigos, como me gusta

a mí”, adelantó en diálogo con Billboard

Argentina.

Para Ulises, el Movistar Arena no es

solo un lugar en el mapa de su carrera,

sino un símbolo de crecimiento.

“He ido a ver artistas ahí, soñaba con

estar y cuando lo logré fue increíble.

Este segundo Movistar me encuentra

en un momento muy especial,

disfrutando de la música, de mi gente

y de una etapa de madurez artística y

personal”, afirma.

¿Qué show podemos esperar

esta vez?

Canciones nuevas y, sobre todo, un show

rodeado de amigos. En este último tiempo

hice muchos vínculos con colegas de

distintos géneros y disfruto mucho compartir

escenario con ellos. Emanero es

un crack con el que me encanta cantar, y

con Rusher también tuvimos la oportunidad

de compartir algunos momentos

después de grabar juntos.

Nombraste a Luck Ra, a La

K’onga… Y también está “La

Mona”. El cuarteto salió de

Córdoba al mundo…

Gracias a Dios sí. Tuve la oportunidad

de viajar dos veces a España y

dos a Estados Unidos. Llenar el pecho

llevando nuestra música a los argentinos

que viven afuera es muy emocionante.

En un show de dos horas ves

cómo pasan por todas las emociones:

ríen, cantan, lloran, bailan… y hasta

se emborrachan. Extrañan mucho su

país y siempre te cuentan historias de

por qué se fueron y cómo formaron

sus familias allá.

Aun así, ustedes siempre mantuvieron

las raíces en Córdoba.

Sí, pero en su momento costaba

mucho difundir la música. Había

que ir radio por radio con el CD o,

antes, con el long play. Rodrigo, por

ejemplo, la luchó mucho: empezó

haciendo un género más bailantero y

después apostó de lleno al cuarteto.

Grabó discos como Lo mejor del amor

o La leyenda continúa en Buenos

Aires, y ahí explotó. El cuarteto tuvo

que imponerse como un folclore nacional,

no solo de Córdoba, y hoy lo

estamos logrando.

¿Pensaste alguna vez en insta-

¿Cuándo sentiste que empezaba

a irte bien?

En 2012. Fueron muchos años de lucha

hasta que apareció un representante

que confió en mí y me dio el apoyo

económico para difundir mi música.

Antes, si no eras una banda grande,

tenías que pagar para sonar en las radios,

y eso era muy difícil sin respaldo.

Ahora tenés un equipo grande.

¿Cómo mantenés los pies

en la tierra?

Porque no son compañeros de trabajo,

son amigos que involucré en lo

que hago. Esto no lo vivo como un

trabajo, sino como un espacio para

disfrutar del cariño del público. La

clave es ser humano, mantener la

humildad que me enseñó mi mamá y

entender que todo lo que tenemos es

gracias a la gente. Hubo momentos en

que el cansancio del trabajo me volvía

más irritable y me costaba disfrutar

del contacto con el público. Por suerte,

siempre pude retomar el foco.

Cumpliste 40 años en junio.

¿En qué etapa te encuentra?

Muy bien. Hace dos años superé una

enfermedad y hoy estoy rodeado de

mi familia, de mi hija, de mis amigos.

Tengo mi productora y trato de aconsejar

a los más jóvenes para que su

camino sea un poco más leve.

¿Qué consejo les das?

Que disfruten cada etapa. El éxito

dura poco, pero la fama te acompaña

siempre. Ese cariño de la gente es incondicional

y es lo que te sostiene.

¿Ese consejo te lo dio alguien

o lo aprendiste solo?

Lo aprendí solo. Es difícil en este

rubro si estás mal rodeado. Yo tengo

amigos verdaderos, de antes de cantar,

y ellos me ayudan a mantenerme

así.

¿Y algún consejo que no entendiste

en su momento?

Sí, uno de mi hermano. Me dijo que

mirara a los grandes artistas para entender

que detrás del éxito hay mucha

soledad. No lo entendí hasta que

me tocó vivirlo.

¿La consagración puede ser el

Movistar Arena?

Sí, la consagración puede ser el Movistar.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 53

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Pequeño Pez: cuando la música infantil se

convierte en herramienta pedagógica

Una propuesta que acompaña la crianza, estimula la imaginación y abre preguntas fundamentales en la infancia.

POR ANTONELLA LOPREATO

¿Y

si criar también fuera componer?

A los chicos no se les puede

mentir, lo intuyen todo. Si algo

no tiene ritmo, les aburre; si algo no tiene

espíritu, lo abandonan. No necesitan argumentos

ni pruebas, su oído es brutalmente

honesto. Por eso, hacer música

para las infancias es una de las tareas más

difíciles que puede asumir un artista. Y es

en ese terreno exigente, donde Pequeño

Pez construyó una obra pedagógica, que

acaba de sumar un capítulo nuevo con el

lanzamiento de Al Agua Pez, su séptimo

disco de estudio, editado por primera vez

con el respaldo de una discográfica, pero

fiel al registro artesanal y afectivo que viene

definiendo su proyecto desde hace más

de una década.

“Nosotros pensamos nuestras canciones

para que no estén dirigidas únicamente

a las infancias, sino también a sus familias”,

comparte Cecilia Peredo -Galaxia

en escena-, una de las dos voces que dan

vida al grupo junto a Iván Fonrouge, alias

Cone. Todas las canciones llevan consigo

una estructura de pensamiento y una mirada

estética y política sobre la niñez. “En lo

personal, yo no soy madre, así que el desafío

también pasa por estar atenta a lo que

necesitan los adultos en ese proceso: qué

los ayuda, qué los alivia, cómo podemos

sumar desde lo que hacemos”, agrega.

Para ellos, hacer música para chicos implica

intervenir y acompañar activamente

en la crianza. Al igual que figuras como

Hugo Midón, María Elena Walsh, Piñón

Fijo o Topa (por nombrar algunos), entienden

que en esa posición se juega mucho

más que el entretenimiento; se trata, sobre todo,

de aprendizaje. “Además de compartir música, intentamos

educar. Muchas infancias aprenden sus

primeras palabras con nuestras canciones. Por eso,

queremos que cada nuevo trabajo sea más comprometido,

respetuoso, de mejor calidad y, sobre todo,

hecho con mucho amor”, dice Peredo.

En su último lanzamiento se refleja esa búsqueda

de crear temas que acompañen la vida diaria. Que

estén presentes en la hora del baño, que ayuden a

preparar el cuerpo para dormir, que pongan nombre

a las emociones, que incentiven el juego entre

hermanos y que despierten conversaciones en casa.

El método que usan no aparece en ningún manual

didáctico, pero funciona: escuchar. Leer los mensajes

que llegan por redes sociales, atender lo que les

comparten las maestras, registrar las preguntas que

surgen en cada show. Hacer de todo eso una materia

prima sensible desde la cual crear.

FOTO/S: UNIVERSAL MUSIC

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BILLBOARD.AR

SEPTIEMBRE 2025

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“Con el tiempo fuimos entendiendo que

nuestro público no es solo infantil. Están

las madres, los padres, las personas

adultas que también cantan nuestras

canciones, que se toman un momento

del día para compartirlas con sus hijos.

Aprendemos todos los días a componer

también para ellos”, explica. El resultado

es una propuesta pedagógica completa

con géneros musicales que van desde el

candombe hasta la timba, con ilustraciones,

colores y recursos integrados a cada

espectáculo.

¿Qué necesidades colectivas buscan

responder con estas nuevas

canciones?

Cecilia: Es el séptimo disco de la banda,

así que lo grabamos con mucha emoción

por poder seguir sumando canciones a

tantas infancias. Siempre se va agrandando

el equipo, y este disco tiene la

particularidad de que lo hicimos junto a

la compañía Universal. Es la primera vez

que nos pasa algo así, y lo vivimos con

mucha alegría.

Seguimos con nuestra búsqueda constante

de sumar diferentes géneros musicales,

para que les niñes puedan aprender ritmos

diversos desde los valores que nos gusta

transmitir, desde el juego. Porque además

de compartir música, intentamos educar.

Hay una tensión constante entre lo

artístico y lo pedagógico. ¿Cómo encuentran

ese equilibrio?

Cecilia: Intentamos justamente eso, que

haya un equilibrio real. Desde lo artístico

nos damos espacio para jugar, porque

nos encanta. Como decía antes, nos gusta

sumar géneros musicales, y eso también

nos desafía a seguir aprendiendo. En este

disco, por ejemplo, incorporamos un candombe

uruguayo, una timba… Ritmos que

para nosotros también eran nuevos.

La pregunta es cómo llegar a las infancias

de una manera amena y cuidada. Entonces

lo que hacemos es combinar todo, lo artístico

y lo educativo, el lenguaje accesible,

las ilustraciones, el cuerpo, los colores.

Todo eso forma parte del mensaje. Y también

los valores y lo musical.

Sus letras tocan temas complejos,

desde el bullying hasta la aceptación

personal. ¿Qué guía su elección a la

hora de abordar estos asuntos en sus

canciones?

Iván: Principalmente, escuchamos mucho

a las familias. Qué reciben, qué

necesitan en sus casas. Estamos muy

atentos a los mensajes que nos llegan, a

lo que comparten con nosotros. Y también

escuchamos a los jardines, a las

maestras y maestros que nos hacen llegar

sus pedidos o inquietudes.

Entonces no se trata solo de lo que a

nosotros nos sale o nos gusta, sino también

de lo que se necesita. Escuchamos

ese consejo de padres y docentes y tratamos

de responder desde ahí.

Hoy el concepto de disco está en crisis.

¿Por qué ustedes siguen apostando

por el formato físico?

Cecilia: Porque nos gusta conservar esa

idea. Sabemos que todo es mucho más exprés

y veloz, los tiempos son cortos, y nos

parece importante volver a un ritmo más

calmo. Que las familias puedan tomar un

disco, entender su concepto, y detenerse

a escucharlo como una obra completa, no

solo como una playlist de canciones sueltas

o videoclips.

Nos interesa seguir trabajando el concepto

de disco, y que ese momento se vuelva

también un momento en familia. De hecho,

nos escriben mucho contándonos

que lo escuchan en el auto, viajando, en la

plaza, los fines de semana. Nos agradecen

que sigamos trabajando así, y eso nos reafirma

el camino.

Entonces, ¿se puede decir que hacen

canciones tanto para niños como para

adultos?

Cecilia: Sí, nosotros pensamos nuestras

canciones para que no estén dirigidas únicamente

a las infancias, sino también a

sus familias. Nos pasa mucho que nuestro

público es muy bebote, tenemos muchos

oyentes que no tienen ni un año, y en esos

casos quienes terminan escuchando las

canciones son sobre todo madres y padres.

Tenemos temas pensados para acompañar

momentos muy específicos, como la hora

de dormir o la cuna. Y sabemos que estamos

acompañando a personas que están criando

por primera vez. Eso para nosotros es muy

importante.

Con el tiempo fuimos entendiendo que

nuestro público no es solo infantil. Están las

madres, los padres, las personas adultas que

también cantan nuestras canciones, que se

toman un momento del día para compartirlas

con sus hijos. Entonces el desafío más

grande se volvió ese: aprender, todos los

días, a componer también para ellos.

Claro, es acompañar la crianza

también.

Iván: Totalmente. Y además componemos

desde un lugar que nos interpela a nosotros

mismos. Hacemos música que nos gusta.

Partimos de algo que nos conmueve, nos

divierte o nos entusiasma, y desde ahí arranca

la canción. Si cuando la terminamos nos

da gusto escucharla, si nos dan ganas de

ponerla de nuevo en el auto o en casa, sentimos

que está bien. Que tiene sentido.

Después de años de trabajo desde la

independencia, ¿cómo viven el hecho

de que su música empiece a cruzar

fronteras y llegar a otros países?

Cecilia: Estamos muy agradecidos. Después

de tantos años de trabajo, nos emociona

muchísimo ver lo que está pasando.

Llegar hasta acá nos costó, porque siempre

fue un proyecto independiente, al que le

dedicamos nuestra vida entera. Así que que

hoy esté dando frutos, no solo a nivel nacional

sino también internacional, es algo que

celebramos con todo el corazón.

Durante muchos años estuvimos muy

metidos en el estudio: grabando discos,

armando videoclips, construyendo todo el

contenido con muchísimo trabajo detrás. Y

ahora, de golpe, empezó a pasar esto que

la gente nos escribe desde todos lados, que

nos reclaman en un montón de provincias,

en otros países. Así que decidimos poner

pausa a la parte de grabación por un rato,

y salir a viajar, a encontrarnos con esas familias

que nos escuchan desde hace años y

que por fin vamos a poder conocer.

¿Cómo responden a quienes todavía

subestiman la música infantil o minimizan

el valor artístico y pedagógico de

lo que hacen?

Iván: La respuesta que venimos teniendo

es muy hermosa. Recibimos mensajes de

agradecimiento y cariño todos los días, y

yo me quedo con eso. Después, si alguien

quiere criticar las formas o los modos en

que hacemos las cosas, solo puedo decir

que todo lo que hacemos, lo hacemos desde

un lugar de mucho amor y con mucha

conciencia. Cada decisión que tomamos

está pensada.

Y por suerte, algo que nos dicen muchos

colegas -sobre todo quienes tienen muchos

seguidores en redes- es que nuestro

público es súper respetuoso. No tenemos

hate. Y eso, en tiempos donde la masividad

muchas veces viene con comentarios

agresivos o violentos, lo valoramos

un montón. Nuestro Instagram, por

ejemplo, es puro amor. Las familias que

nos escriben lo hacen para agradecer,

para compartir cómo nos escuchan, para

acompañarnos.

Más que críticas, lo que sentimos es un

reconocimiento. Incluso de otras bandas,

que nos agradecen por el lugar que le estamos

dando a la música infantil. Desde

ese lado también recibimos mucho cariño.

¿Qué les dirían a madres, padres y personas

cuidadoras que todavía no se

acercaron a su música?

Cecilia: Primero, hay mucho trabajo detrás.

Un trabajo diario, hecho con compromiso,

respeto y amor. Sabemos lo importante

que es nuestro contenido para las

familias, porque los chicos aprenden con

nosotros todos los días: aprenden palabras,

imitan gestos, movimientos. Lo que

decimos y cómo lo decimos tiene impacto.

Por eso les diría que se queden tranquilos:

trabajamos con muchísima conciencia.

Y desde lo artístico también nos

exigimos un montón, creciendo día a día

para ofrecerles algo que sea hermoso.

Algo que puedan disfrutar en familia. No

es sólo contenido para niños; también

está pensado para que los adultos se dediquen

ese rato y lo compartan. Que les

haga bien a todos.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 55

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TAME IMPALA

REGRESA CON “END OF SUMMER”

Es el primer lanzamiento en su nuevo sello Columbia Records.

l cantante y compositor

Alex Warren lanza su nuTame

Impala (Kevin Parker) regresa

E

con el lanzamiento de "End of

Summer", su primer lanzamiento

para el sello Columbia Records. La

canción marca un nuevo amanecer para el

proyecto, ya que el australiano una vez más

expande los parámetros del proyecto a reinos

inexplorados.

Basándose en la profunda y rica historia de

la música dance, "End Of Summer" reformula

a Tame Impala como una especie de futuro

acto rave primitivo. La canción se remonta al

verano del acid house del 89, a las fiestas gratuitas

de mediados de los 90, a los tontos en

los potreros del interior, a una historia imaginada,

transmutada en algo simultáneamente

presente y eterno, todavía inconfundiblemente

Tame Impala.

La emoción de la experimentación espontánea

en el estudio que ha marcado las grabaciones

de Tame Impala desde el principio es más evidente

que nunca, el dominio de Parker de su

oficio imprime a la pista su sutil brillo.

"End of Summer" llega con una narrativa

visual de formato corto dirigida por el artista

multidisciplinario Julian Klincewicz.

Kevin Parker se convirtió en una de las voces

más influyentes de la última década. Un artista

singular reconocido por forjar un sonido

distintivo propio, Parker crea paisajes sonoros

trascendentes que doblan el género tocando

todos los instrumentos y actuando como

escritor, productor, mezclador e ingeniero en

sus proyectos. Fue nominado a cuatro premios

Grammy con una victoria por su colaboración

con Justice en "Neverender" de 2024. En su

país natal, Australia, ha acumulado la impresionante

cantidad de 13 premios ARIA y 27

nominaciones. Ganó el premio BRIT a la Mejor

Banda Internacional y obtuvo nominaciones

para dos premios Billboard Music Awards

y un American Music Award.

Tame Impala tuvo numerosas canciones en el

Top 10 de la radio alternativa de Estados Unidos,

incluyendo dos #1 para "Lost In Yesterday"

y "Is It True". Además, su canción "The Less I

Know The Better" es parte del Billionaires Club

con más de 2 mil millones de reproducciones y

el proyecto viene acumulando numerosas certificaciones

de oro y platino a nivel mundial.

Tame Impala se presentó en festivales y arenas

de todo el mundo y ha lanzado cuatro

álbumes de larga duración: InnerSpeaker, Lonerism,

Currents y el más reciente, The Slow

Rush. Este trabajo aterrizó en el #1 en múltiples

territorios y fue su disco más alto hasta la

fecha tanto en los EE. UU. como en el Reino

Unido, con 14 posiciones en las listas de los

10 primeros en todo el mundo.

Como escritor y productor, Parker colaboró

con Dua Lipa, The Weeknd, SZA, Lady

Gaga, Travis Scott, Mark Ronson, Gorillaz,

Thundercat, Kali Uchis, 070 Shake, Rhianna,

Miguel, A$AP Rocky y muchos más.

FOTO: JULIAN KLINCEWICZ

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SEPTIEMBRE 2025

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ESCUCHÁ LOS LANZAMIENTOS DE ESTE MES

Para Ti

RMARCK

Simpática y Muy Bonita (Remix)

J Matt & Charros de Lumaco

Como Quien Pierde Una Estrella

Los Pincheira del Sur de Jhonn Rosales &

Contrabando Sureño

La Brujería

Armonía 10 ft. Tony Succar & Mimy Succar

Mix Clásicos

B-RLIN

Pala Ancha

Un Poco De Ruido

Contratá a los mejores artistas

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JUAN WAUTERS PRESENTÓ MVD LUV

canción misma. Me ha pasado que estando

aquí, de repente siento ganas de

cantar o componer. Es en ese instante

cuando la ciudad se transforma en

canción, cuando el entorno se convierte

en motor creativo.

¿Qué ves hoy en Uruguay que

no veías cuando te fuiste?

Hay muchos más autos que cuando

me fui, eso es evidente (risas).

También noté que, por ejemplo, las

agrupaciones que tocan tambores de

candombe ahora lo hacen con un estilo

algo diferente, con cortes rítmicos

que no recordaba de antes.

Creo que esto refleja un fenómeno

global: la ciudad está mucho más

globalizada. Todas las ciudades ahora

tienen cafés de especialidad con

sus capuchinos y modas propias, y la

gente está muy atenta a las tendencias

internacionales.

“Tocar en otra ciudad se siente

como transportar nuestra cultura”

El músico uruguayo llevó a escena su séptimo trabajo discográfico en una serie de

presentaciones que conectaron la experiencia personal con las tradiciones de su

ciudad natal.

POR ANTONELLA LOPREATO

omo un peregrino que vuelve

a un lugar que nunca termi-

c

nó de abandonar del todo, Juan

Wauters habla de Montevideo con la

familiaridad de un vecino más que

conoce cada atajo y cada rumor que

atraviesa sus calles. Pero bajo esa naturalidad

se esconde un exilio prolongado

a Estados Unidos que desmiente

toda apariencia de normalidad, y que

expone en su séptimo disco, MVD

LUV, en una especie de carta a la ciudad

que lo formó, mientras la observa

desde adentro y desde afuera.

El Uruguay que volvió a pisar en 2022,

previo a enterarse que sería padre de

Luisa, poco tenía que ver con el país

que dejó a sus 18 años, cuando la crisis

económica del 2002 derrumbó la estructura

financiera y el tejido social de

toda una nación. Aquella salida fue al

mismo tiempo una escapatoria física

como un éxodo interior, un enfrentamiento

con una serie de preguntas sobre

su identidad, que hoy encuentran

respuesta en las catorce canciones que

conforman su último álbum.

La obra apuesta a la memoria colectiva

y asume la confrontación de los problemas

sociales que aún atraviesan la

región y lo hace desde géneros como el

candombe, la murga y los ritmos populares.

En esta fricción entre lo personal

y lo político, el artista configura

su poética. Canta su vida pero también

la de tantos otros que, como él, cargan

con la diáspora latinoamericana y se

reconstruyen lejos de casa.

¿Qué implica para vos relatar la

historia de tu ciudad natal desde

el escenario de otra ciudad?

Nunca me había puesto a pensar así.

Justo cuando salió el disco, estaba en

Nueva York porque hicimos algunas

presentaciones allí. Probablemente

fue la primera vez que interpreté esas

canciones fuera de Montevideo. Lo

interesante es que para esta serie de

conciertos (dos en Montevideo y este

en Buenos Aires) armamos una banda

con músicos de Montevideo, por lo

que llevamos un lenguaje local muy

marcado. Así, tocar en otro lugar se

siente como transportar algo propio,

algo de nuestra cultura, y eso es algo

muy valioso. Es una sensación hermosa,

como repartir cultura.

¿Cuándo una ciudad deja de

ser solo un escenario y se

convierte en un personaje

dentro de una historia?

Cuando una ciudad te inspira a crear,

deja de ser solo un lugar y se convierte

en parte del álbum, en parte de la

Tu discografía siempre estuvo

en el borde entre lo local y

lo outsider. ¿Considerás que

tu regreso a Montevideo

representa un cierre a esa

ambigüedad o una forma de

profundizarla?

Es interesante que lo percibas así. Para

mí se trata de habitarla más profundamente,

porque siempre hay nuevos territorios

creativos, no solo en lo geográfico

sino también en lo musical. En mis

discos he explorado todos los espacios a

los que he podido volver, pero también

siempre busco abrir caminos nuevos.

En este último trabajo, por ejemplo, la

música montevideana está muy presente.

Ya había tenido acercamientos

previos a esos sonidos y, claro, siendo

montevideano, es algo inevitable. En

otros discos me impuse limitaciones

diferentes, no geográficas sino creativas.

En Introducing Juan Pablo, por

ejemplo, la consigna fue hacerlo todo

yo mismo, grabar, producir, mezclar.

Este último disco coincide con un momento

personal muy particular porque

pasé un tiempo prolongado en Montevideo

por primera vez en veinte años.

Todo se alineó para que pudiera hacer

un trabajo enfocado en la música de

mi ciudad natal.

¿Creés que hubo un cambio

en tu escritura vinculado a la

paternidad?

Me imagino que sí, definitivamente.

Ser papá me expandió, me volví mucho

más espiritual. Entré en contacto

con emociones y sensibilidades humanas

que antes no había explorado,

y eso se refleja claramente en mi

proceso creativo. Siento que alcancé

niveles más elevados de conexión espiritual

que transformaron mi forma

de componer.

FOTO: AGUSTÍN GINESTA

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SEPTIEMBRE 2025

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AITANA

La metamorfosis de una superestrella

La cantante española deslumbró con tres conciertos sold out: uno en el Estadi Olímpic Lluís

Companys de Barcelona, y dos en el estadio Metropolitano de Madrid, reuniendo más de 160.000

espectadores.

años ella es una mujer madura que

triunfa sin olvidar sus orígenes.

Estos históricos conciertos arrancaron

con “6 de febrero”, canción insignia

de su último álbum Cuarto Azul,

que batió todos los récords de venta

en la península. Luego continuó con

“Superestrella”, otro hit de ese disco.

Tampoco faltaron sus grandes éxitos,

temas como “Teléfono”; la balada

“Con la miel en los labios”, “Lo malo”

y “Vas a quedarte”, en la que no pudo

contener la emoción. Cada canción

tuvo su coro multitudinario, con una

audiencia emocionada e impactada

por la espectacularidad de la puesta

en escena, del grupo de bailarines y

la ajustada banda que la acompañó.

Aitana invitó al público a compartir

un viaje desde aquellas primeras

canciones hasta sus últimos hits. Así

abordaron las de 11 razones, aquel

segundo álbum que marcó su bús-

D

e ídola teen a diosa

del pop en español: así

ha sido la Metamorfosis

de Aitana, hoy la artista

#1 de España y con

mayor proyección a nivel global. La

mariposa es el símbolo que eligió

para su imponente puesta en escena

de su gira titulada Metamorfosis

Season, con la que deslumbró con

tres conciertos sold out, uno en el

Estadi Olímpic Lluís Companys de

Barcelona, y dos en el estadio Metropolitano

de Madrid, reuniendo

más de 160.000 espectadores.

Esa "metamorfosis" marca su evolución

como artista y persona. Han

sido 8 años en la escena musical para

consagrarse como una de las voces

más importantes de su generación.

Hoy, Aitana está lejos de aquella

joven de 18 años que probó suerte

y fue consiguiéndolo todo: a los 26

queda musical, interrumpida para

regresar al presente con “Música en

el cielo”, otra perla de Cuarto Azul,

que la artista catalana dedicó a aquellos

seres queridos que ya no están.

Y llegó el momento de pasar al tercer

álbum Alpha, que desató el baile

con su onda electrónica. Temas

como “Los Ángeles” y “miamor”

pegaron fuerte, cerrando la etapa

con el mega hit bailable “Las Babys”.

Así fue cerrando estos conciertos

excepcionales, donde todo fue perfecto,

aunque ella cante que no es

“La chica perfecta”. El gran final fue

con “Conexión psíquica”, otra pieza

de Cuarto Azul. Finalizando la canción,

en las pantallas podía leerse

Cuarto Azul World Tour 2026, una

invitación a poder llegar a ver esto

en directo el próximo año.

En estas noches inolvidables, Aitana

no estuvo sola, hubo invita-

dos como la artista puertorriqueña

CALE, Ela Taubert -la joven ganadora

del Grammy Latino- que abrió

uno de sus shows y cantó con ella,

así como David Bisbal, Amaral y

Hombres G.

Meamorfosis Season es mucho más

que una gira: es una propuesta artística

integral que combina música,

moda, escenografía, narrativa visual

y una gran carga emocional.

Las tres noches ofrecieron un recorrido

por la evolución creativa de

Aitana. Desde los sencillos comienzos

de “Spoiler”, la introspección de

“11 Razones”, el poderío electrónico

de “Alpha” hasta llegar a la madurez

creativa de “Cuarto Azul”. De los

escenarios íntimos a los grandes estadios,

Aitana ha evolucionado hacia

un nuevo nivel artístico. Hoy es

reconocida como la artista pop más

influyente de su generación.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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SEPTIEMBRE 2025

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Silvina Moreno presenta 10 Años en Vivo

La cantautora presenta su primer registro en vivo con el que celebra una década en

la música.

S

ilvina Moreno presenta su

primer disco en vivo, titulado

10 Años en Vivo, en el marco

de la celebración de su primera década

de carrera en la música.

Este registro fue grabado en el

show del 9 de agosto del 2024 en

el Teatro Coliseo, frente a una sala

completa y con varios invitados sorpresa.

La cantautora pudo darse el

lujo de recorrer diez años de carrera

presentando varias canciones de sus

cinco discos de estudio y narrando

su historia en las pantallas, junto

a una banda completa de batería,

percusión, bajo, teclados, guitarras

y coros.

Fue su debut en ese teatro porteño,

y para ello invitó a participar

de este show a Leon Gieco, Santi

Celli, La Bomba de Tiempo y Sol

Mihanovich. Una noche inolvidable,

inmortalizada en un disco en

vivo único e irrepetible.

Silvina, además, dio una performance

de dos horas y media con

casi seis meses de embarazo. Algo

que hizo disfrutar más que nunca a

esta experiencia.

“Cantar con Aurora en la panza

me dio vida, me volvió muy precisa y

afinada con la voz, como una fuerza

extra y energía increíble que nunca

había experimentado arriba del escenario.

Será un sueño mostrarle este

show el día de mañana cuando pueda

ver que ella también fue parte de

esta experiencia”, recuerda Silvina en

relación a este concierto.

01

02

03

04

05

06

07

08

El tracklist

del álbum

No sé

Puede ser

Under the bay

window

Frío en los pies

Luminosidad

Tiempo

Por qué

Me hablan de vos

09 Príncipe azul (junto

a León Gieco)

10 En el país de la

libertad (junto a León

Gieco)

11

12

13

Cuidame

La despedida

Esperanza

FOTOS: GENTILEZA SONY MUSIC

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SEPTIEMBRE 2025

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JAZ presenta su nueva canción

“Cuál es el problema?”, junto a c n d

Tras el lanzamiento de “No Sigas”, la cantante continúa consolidando su propuesta musical

con este nuevo single.

J

AZ consolida su propuesta

musical con “Cuál

es el problema?”, su nuevo

single en colaboración con

c n d. Esta canción surge de una conexión

genuina entre ambos artistas,

reflejando un momento íntimo y

honesto que se plasma en una letra

profunda: el deseo por alguien que ya

tiene a otra persona, y la pregunta inevitable

que deja la situación abierta:

“¿Cuál es el problema?”.

Con una sonoridad melancólica pero

cálida, la canción combina la interpretación

emocional de JAZ y la sensibilidad

vocal de c n d, sumando una

nueva capa de matices a la propuesta

artística de la cantante. Además, JAZ

se encuentra actualmente trabajando

en su próximo material, que verá la

luz antes de fin de año, consolidando

así una etapa de lanzamientos sostenidos

y crecimiento artístico.

ACERCA DE JAZ

JAZ (Jazmín Carrizo) es una cantante

y compositora emergente de la

escena musical argentina, nacida en

la Ciudad de Buenos Aires. Su estilo

combina R&B, afrobeat, elementos

de pop alternativo y una fuerte carga

emocional en sus letras, logrando

una fusión única entre melodías ac-

cesibles y sonidos urbanos, siempre

con un toque fresco y relajado.

Desde sus primeras colaboraciones,

JAZ ha demostrado una capacidad

innata para conectar con su

audiencia a través de canciones que

exploran emociones profundas y

vibraciones positivas. Su trayectoria

comenzó en 2021, cuando, con

solo 17 años, empezó a compartir

interpretaciones a capella en TikTok,

destacando su profunda conexión

con la música.

Ese mismo año, su cover del vallenato

colombiano “Hoja en Blanco” se

viralizó, alcanzando 12 millones de

reproducciones. Más adelante, el productor

musical Nico Valdi creó una

versión editada del tema, a la que luego

se sumó Wilfrán Castillo, compositor

original de la canción, dando

lugar a una nueva colaboración que

actualmente supera los 9 millones de

reproducciones en Spotify y casi 10

millones en YouTube.

Entre sus colaboraciones más recientes

destaca “Que alguien me saque de

este mood”, junto a la cantante Olivia

Wald, un tema fresco y bailable que

cuenta con el respaldo de Universal

México y está próximo a alcanzar 1

millón de reproducciones en Spotify.

Su videoclip fue nominado en los

BAMV Awards en la categoría de Mejor

Videoclip Pop.

A lo largo de su joven carrera, JAZ

ha trabajado con diversos artistas. En

colaboración con Fer Vázquez (Uruguay),

lanzó “Vuela”, cuyo videoclip

supera los 2 millones de visualizaciones

y acumula 1.2 millones de

reproducciones en Spotify. También

participó en “Serenatas” junto a Benja

Torres y en “Unos y ceros” con

Agustina Giovio (Uruguay), cuyo

videoclip ya cuenta con más de 500

mil vistas en YouTube. Más recientemente,

trabajó con Santy P en “Vas a

recordar”, una de las canciones incluidas

en su EP lanzado en 2024.

En el ámbito de los escenarios, JAZ

ha sido telonera de la banda española

Taburete en La Trastienda, así como

de Chule Von Wernich y Martu

Brito en La Tangente (Buenos Aires).

También fue invitada por Rombai

para interpretar “Vuela” junto a Fer

Vázquez en el Teatro Ópera (Buenos

Aires) y en el Antel Arena (Montevideo,

Uruguay). Además, participó

como invitada en la presentación de

Olivia Wald en La Tangente, donde

interpretaron juntas “Que alguien me

saque de este mood”.

En 2024, JAZ firmó con Sony Publishing,

marcando un hito en su carrera.

Poco después, lanzó su primer

EP, A Dos Voces, un trabajo con una

profunda carga emocional que ha logrado

conectar intensamente con el

público, consolidando su propuesta

artística y ampliando su alcance.

Asimismo, JAZ acaba de sumar a su

catálogo otra colaboración con Fer

Vázquez. En 2023, el uruguayo editó

“Coleccionando”, una canción que

grabó en España junto al productor

Liam Garner y cuyo videoclip

fue rodado en las playas de Ibiza. En

aquel momento, durante una tarde

de disfrute con JAZ, los artistas hicieron

una versión acústica del estribillo

para subir a TikTok, sin saber

que poco a poco iba a viralizarse.

Después de que la gente pidiera que

por favor subieran la versión acústica,

finalmente Fer y JAZ se juntaron

una tarde para terminar de escribir y

componer juntos esta nueva versión

que hoy, dos años después y con más

de 200 mil videos creados en TikTok

usando el audio casero, sale a la luz.

“Coleccionando acústica” es una

canción que invita a vivir el desamor

con intensidad y dulzura. Un tema

que hace foco en la letra y en el dulce

piano que acompaña la melodía, sin

necesitar nada más para calar profundo

en el corazón de la gente.

FOTO: GENTILEZA GRACE MUSIC

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SEPTIEMBRE 2025

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Renzo ED presenta su primer

single “Demoníaca” de la

mano de Warner Music

El artista de 21 años se sumó al roster de talentos del sello.

enzo ED se une al referente del

R

trap y la cumbia Ecko para presentar

“Demoníaca” su primer sencillo de

la mano del sello discográfico. Warner

Music Argentina anuncia oficialmente la

incorporación del artista Renzo ED a su roster

de talentos. Con esta alianza estratégica junto

a Forez Producciones, la compañía reafirma su

compromiso con la promoción y proyección

internacional de los nuevos exponentes argentinos

de la música urbana.

Con 21 años, Renzo Ezequiel Marini Di Bianco

es conocido como la nueva cara del reggaetón

y uno de los referentes emergentes más importantes

de la escena argentina actual. Gracias a

hits virales como “Colocártelo” y “Real Bandido”,

logró consolidarse rápidamente en plataformas

digitales y redes sociales, acumulando

millones de reproducciones.

En Spotify, Renzo ED acumula aproximadamente

69,5 millones de reproducciones totales entre

todos sus temas (dato estimado al 20 de julio de

2025). Además, cuenta con 876 mil oyentes mensuales

y cerca de 38 mil seguidores registrados.

Su sencillo más exitoso, “Colocártelo”, supera los

48 millones de streams, y “Real Bandido” acumula

más de 9 millones de reproducciones.

En YouTube, su canal oficial cuenta con alrededor

de 74 mil suscriptores. El videoclip de “Colocártelo”

suma más de 21 millones de vistas, mientras

que “Real Bandido” supera los 6 millones.

En redes sociales, Renzo ED exhibe una sólida

presencia digital con aproximadamente 185 mil

seguidores en Instagram y 252 mil seguidores

en TikTok. En esta plataforma, el fenómeno

también ha sido notable: “Colocártelo” alcanzó

48,1 millones de reproducciones y apareció en

más de 184 millones de videos generados por

usuarios, mientras que “Real Bandido” logró 9,3

millones de reproducciones y más de 38 millones

de videos creados por la comunidad.

Otras canciones como “Ke No Ke No” o “Juguete”

y sus colaboradores con artistas como

Lautygram o Elaggume también sumaron

millones de reproducciones y mostraron la

capacidad del artista para colaborar con otros

artistas de la nueva generación.

Desde el sello expresaron su entusiasmo sobre

esta nueva firma: “Renzo tiene un talento excepcional

y conecta de manera auténtica con

las nuevas audiencias. Estamos comprometidos

en acompañar su desarrollo artístico y potenciar

su crecimiento en esta etapa clave de su

carrera.”, destacó Tomás Talarico, Managing

Director de Warner Music Cono Sur.

Por su parte, Renzo ED señaló: “Estoy muy

contento por sumarme a una compañía como

Warner Music Argentina. Es una gran oportunidad

para seguir creciendo y llevando mi

música a todas partes. Se vienen muchas canciones

y remixes siempre levantando la bandera

del reggaetón argentino”, destacó el cantante

oriundo de Monte Castro, Buenos Aires.

Esta unión marca el comienzo de una nueva

etapa para Renzo ED, en la que contará con el

respaldo de uno de los sellos más importantes

del mundo en materia de producción, marketing

y distribución global.

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC

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SEPTIEMBRE 2025

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X is for Lovers

El sábado 18 de octubre habrá una nueva edición del evento curado

por el reconocido dúo Adriatique.

LAMA presenta una nueva edición

F

del festival X, el evento curado por el

reconocido dúo suizo Adriatique. Tras

el gran impacto de su debut el año pasado,

el festival regresa a Buenos Aires

con una propuesta aún más ambiciosa. Será el

próximo 18 de octubre en el Autódromo Juan

Galvez de la Ciudad de Buenos Aires.

Esta segunda entrega se perfila como un

nuevo hito para la escena local, con un

lineup que marca una clara evolución sonora:

más moderno, más audaz y con una visión

decididamente orientada al futuro de la música

electrónica. Fiel a su espíritu, X se caracteriza

por combinar locaciones impactantes,

producción de alto nivel y una curaduría

artística que va más allá del sonido, creando

una experiencia inmersiva, sensorial y visual.

En esta edición, Adriatique liderará el cartel

con un set extendido de cuatro horas, donde

desplegarán su característico viaje emocional

acompañado por un impactante show

audiovisual. Acompañando esta propuesta

artística se presentan Rivo, uno de los nombres

más frescos del underground europeo,

conocido por su mezcla entre profundidad

melódica e intensidad rítmica. Y también, Son

of Son, un artista emergente cuya identidad

sonora desafía etiquetas, oscilando entre la

oscuridad atmosférica y la energía de club más

sofisticada. Ambos representan una nueva

generación de productores y DJs que están

marcando el pulso del sonido actual, con una

visión innovadora y experimental que redefine

las pistas de baile.

Desde la escena local, el argentino NIM aportará

su propuesta distintiva: sets cargados de tensión

y groove, consolidándose como uno de los

nombres con mayor proyección del país.

Este line up marca una evolución en la identidad

del festival: una apuesta por un sonido más

actual, innovador y con visión de futuro.

Un reflejo de hacia dónde se dirige la escena

electrónica global, y de cómo Buenos Aires se

conecta con esa conversación siendo uno de los

capitales de la música electrónica por excelencia.

Adriatique X vuelve a Buenos Aires. Un ritual

futurista. Una visión compartida. Un viaje inolvidable.

Adquirí tus tickets a través de venti.

com.ar

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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SEPTIEMBRE 2025

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Miguel Bueno lanza su

nuevo single, “Miedo al

amor”, junto a Elkno

El artista colombiano sigue apostando por la reinvención del

pop urbano latino.

M

iguel Bueno vuelve con su

sencillo “Miedo al Amor”, en el

que explora el afrobeat desde

una perspectiva romántica y emocional,

fusionándolo con matices de reggae

urbano. La canción, escrita para

quienes temen volver a amar, refleja

el momento artístico más maduro del

artista colombiano, quien a sus 24 años

busca romper etiquetas y expandir su

sonido a nuevos públicos.

En esta aventura, lo acompaña Elkno.

Con más de un millón de oyentes

mensuales en Spotify y éxitos recientes

como “La Reina”, el artista urbano/

reggae originario de Medellín aporta su

distintivo flow caribeño, enriqueciendo

la propuesta musical del tema.

El resultado de su trabajo en

conjunto es “Miedo al Amor”, una

balada con base de afrobeat y versos

como “Tú no le tienes miedo al amor /

A lo que le tienes miedo es a amar”. El

tema conecta con quienes sufrieron y

aún dudan en entregarse de nuevo, con

una letra directa, sincera y empática,

acompañada por una producción

cálida donde resalta el beat afro y una

base sutil de reggae.

El videoclip oficial, producido

por Wayti Records y dirigido por

Chinotox y Marianita, refuerza la

metáfora de la canción: el amor como

un proceso de mudanza emocional. Cada

objeto que se guarda en cajas representa

una etapa superada, un miedo enfrentado

o una nueva oportunidad sentimental. La

propuesta visual, minimalista y estética,

se convierte en un complemento perfecto

del sonido íntimo y global del tema.

Esta novedad de Bueno llega después de

haber pasado una temporada en algunos

de los principales festivales musicales

de España. Este artista ha sabido forjar

una carrera propia desde su debut en

2022 con “Fin de Semana” y el éxito viral

“Solcito”, junto a Juan Duque. Los éxitos

de sencillos como “Fan de tus ojos” y

“No te soltaré” lo posicionaron como

una de las voces emergentes del pop

latino romántico. Con este nuevo tema,

el joven cantautor colombiano reafirma

su evolución artística, apostando por

fusiones innovadoras sin perder la esencia

honesta de sus letras.

Este nuevo lanzamiento marca el inicio

de una etapa donde Bueno explora

sonoridades globales y un concepto

más emocional, manteniéndose fiel a su

autenticidad como contador de historias

cotidianas en clave pop.

Con “Miedo al Amor”, Miguel Bueno

y Elkno entregan una colaboración que

invita a sanar heridas bailando, abrazando

el miedo como parte del proceso hacia el

verdadero amor.

FOTO: SONY MUSIC ARGENTINA

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SEPTIEMBRE 2025

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SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 71

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V

VIVO

// LOUTA

“¡Es un show muy importante para mí, en mi barrio,

cerca de mi casa, en mi ciudad!”, dijo Louta al salir al escenario

del Teatro Vorterix, por delante del telón todavía

sin correr y antes de que comenzara la música. A modo

de intro, el performer saludó a su público y les dio una

sugerencia: “Este show existe para lo que pase adentro

de ustedes, está hecho para eso. Hagan lo que quieran,

cierren los ojos, salten y que les explote el planeta que

tienen adentro”. La excusa era la presentación de su

refrescante, deforme, teatral y potencialmente hitero

Un Instante, el notable álbum que editó a fines de mayo.

Acompañado por una ajustada big band y un enérgico

cuerpo de baile contemporáneo, fue todo lo versátil

y elástico que propone en su música. En temas como

“Lo mejor de lo mejor”, “Kusturica”, “Puro”, “Mente” o

“No sé quién sos” dio cuenta de su abanico, en el que

sin querer etiquetarse ni encasillarse, arma y desarma

salsas, dembows, pops, psicodelias y más. También la

tuvo a Zoe Gotusso como invitada (infaltable en “Ayer

te vi”) y hasta se permitió improvisar una versión de

“Palmeras” para despedirse hasta la próxima.

FOTO: @SOLIUR

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SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 73

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V

VIVO

// ABEL PINTOS

El cantante se presentó durante 20 noches en el

Teatro Alvear y desplegó un magnetismo que convirtió

la sala en un espacio de intimidad absoluta,

acompañado por una formación de músicos que

tejieron arreglos precisos y cómplices. Lejos del

vértigo multitudinario de sus Luna Park junto a

Luciano Pereyra, aquí la conexión fue directa y casi

personal, con silencios que contenían la respiración

de todos y falsos finales que tensaban la emoción.

Entre miradas, sonrisas y canciones que viajaron

de la ternura al desgarro, Abel demostró que la

grandeza también se alcanza en voz baja, cuando

la música se vuelve un acto compartido y el público

siente que cada palabra está dirigida solo a él.

FOTO: PAUL DELON

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SEPTIEMBRE 2025

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V

VIVO

// KYLIE MINOGUE

La cantante australiana pisó suelo porteño

después diecisiete años, esta vez con su

Tension World Tour, exhibiendo una madurez

y un poder escénico poco habituales. Esta

gira marca su retorno internacional después

de una pausa forzada por la pandemia que

detuvo la promoción en vivo de DISCO. No

trajo una escenografía hiperrealista ni pantallas

diseñadas para justificar el precio de la

entrada. El escenario era una tarima iluminada,

visuales que acompañaban la narrativa,

algunos toques coreográficos y momentos íntimos,

como el tramo acústico en el que cantó

a capella “Where the Wild Roses Grow”.

A sus 56 años, Kylie encarna el paso del tiempo

con gracia, fusionando deseo, historia y

poder sobre el escenario. Con himnos como

“Padam Padam” y “Can’t Get You Out of My

Head”, se despidió de una noche emotiva.

El cierre llegó con “Love At First Sight”, una

lluvia de papelitos y una despedida sentida:

“Buenos Aires, los amamos. Muchas gracias.

Mi corazón explota”.

FOTO: TUTE DELACROIX

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SEPTIEMBRE 2025

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V

VIVO

// BANDALOS CHINOS

El grupo pop que más creció en el último lustro y

medio llegó a su primera función en el Movistar Arena

a bordo de Vándalos, su todavía flamante disco. Con

una puesta muy babasónica -luces blancas, pantalla

envolvente y semicircular, una pasarela en altura con

dos escaleras de acceso- y con el beat inquieto de las

nuevas canciones, la banda sumó a Fermín Ugarte

(productor del álbum) como refuerzo de lujo en

teclados y guitarra. Así, en formato septeto, pusieron

en escena su presente pero también muchos de los

hits que los trajeron hasta acá: “Súper V”, “El temblor”,

“Mi fiesta”, “Departamento” (con los Miranda! como

invitados) y la casi definitiva “Vámonos de viaje”.

Como último truco, se guardaron “Te amo”, con la que

aprovecharon todo el ancho de las visuales para bajarle

ese mismo mensaje a su abigarrado público.

FOTO: MARIANO KAPLAN

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SEPTIEMBRE 2025

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Teddy Session: Maybelline

presentó su nueva línea de

maquillaje con música en vivo

El evento reunió a artistas como Miranda!, Ángela Torres y Luz Gaggi, e

incluyó estaciones temáticas, activaciones de producto y presencia de figuras

del espectáculo.

M

ás de 2.500 personas asistieron a la Teddy

Session, un evento organizado por Maybelline

New York en el Movistar Arena que combinó

shows musicales en vivo con activaciones de producto.

La jornada sirvió como plataforma para el lanzamiento

de las nuevas tintas de labios Super Stay Teddy Tint, con

una puesta en escena que integró música, maquillaje y

participación del público.

El evento contó con presentaciones de Ángela Torres,

Luz Gaggi, la DJ Cele Arrabal y Miranda!, mientras que

el cierre quedó a cargo de la fiesta Bresh. Entre cada

show, los asistentes recorrieron más de diez estaciones

interactivas donde fue posible probar productos,

sacarse fotos y participar de diferentes dinámicas

vinculadas al universo de la marca.

Maybelline, sponsor oficial del estadio, transformó

el recinto en un espacio de encuentro entre

consumidores, artistas y referentes del

espectáculo. Según explicó Claudia Moringo, líder

de marketing de la categoría maquillaje de L’Oréal,

la propuesta buscó generar una experiencia

directa con la comunidad de usuarios a través de un

concepto que involucra sensaciones, emociones y

hábitos culturales.

La jornada también reunió a figuras públicas

como Cande Molfese, Nati Jota, Olivia Wald,

Flor Regidor y Cami Jara, entre otras, quienes

circularon por las distintas áreas del evento. El cruce

entre música y maquillaje operó como lenguaje

común durante toda la noche, en una estrategia

que situó a la experiencia sensorial como forma de

comunicación directa entre producto y público.

Ángela Torres

Miranda! Luz Gaggi Olivia Wald

FOTOS: POPI GRAÑA

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SEPTIEMBRE 2025

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Clara Cava y Cítrico

componiendo en el

Camp Creativo

FOTO: GENTILEZA PRENSA

BAMV y Warner Chappell estrenaron el Camp

Creativo, un laboratorio de música y audiovisual

Artistas y realizadores se encontraron en Buenos Aires para producir obras que combinan sonido e imagen desde

la etapa de composición.

D

el 21 al 23 de julio, BAMV y Warner

Chappell Music Argentina concretaron

la primera edición del Camp

Creativo en los estudios de Warner Chappell

en Buenos Aires. La iniciativa planteó un enfoque

de creación musical que integra la dirección

creativa desde el inicio de la composición,

con el objetivo de combinar la música y la narrativa

visual en un mismo proceso.

Tres equipos de artistas trabajaron en la generación

de nuevas obras, cruzando géneros

y estilos. La primera edición reunió a figuras

como Clara Cava, Franco Rizzaro, Tobi,

Cítrico y Silvina Moreno, junto a directores

creativos como Michel Hamonet (The Movement),

Guido Barbosch y Gonxalo Alipaz.

Los directores creativos intervinieron en

la gestación de las ideas dentro del estudio,

aportando disparadores desde el audiovisual

y guiando la construcción estética de cada

composición. Hamonet destacó el intercambio

de perspectivas: “Me sirvió para entender por

dónde pasa el proceso de creación de los artistas

y tal vez algunas de esas cosas las puedo

llevar a mi propio proceso”. Rizzaro sumó: “Lo

visual y lo musical se complementan: cuando

escucho algo, me imagino imágenes en mi

cabeza. La pasé hermoso y disfruté mucho del

encuentro”.

El 25 de julio, las maquetas producidas

durante el camp se presentaron en una jornada

de puesta en común en las oficinas de

Billboard Argentina. Durante la actividad,

Barbosch evaluó el potencial de las obras: “Hay

un temón en camino, para mí es un hit”. Los

directores creativos compartieron sus procesos

y los tratamientos audiovisuales concebidos,

demostrando cómo se integran música e imagen

desde la creación.

El campamento se inscribe en la estrategia

de BAMV de generar experiencias de innovación,

reconocer trabajos destacados y fortalecer

conexiones dentro del universo audiovisual

musical. La organización anunció una

próxima edición del festival en San Juan el 25

de septiembre, además de novedades sobre su

premiación de videoclips, considerada la más

relevante del continente.

Equipo 1 (21 de julio): Clara Cava, Soui

Uno, Silvina Moreno, Cítrico.

Director Creativo: Michel Hamonet

(The Movement)

Equipo 2 (22 de julio): Lautaro Cura

(Isla de Caras), Fran Rizzaro, Tobi.

Director Creativo: Guido Barbosch

Equipo 3 (23 de julio): Odd Mami,

Gianna Sotera, Lupe.

Director Creativo: Gonxalo Alipaz

“Me encanta compartir con artistas, conocerse

y componer. Siempre salen cosas

hermosas. Lo visual y lo musical se

complementan: cuando escucho algo, me

imagino imágenes en mi cabeza. La pasé

hermoso y disfruté mucho del encuentro”

- Franco Rizzaro

“Hacer este camp es fundamental porque

hoy toda la música entra por los ojos”

- Silvina Moreno

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 81

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Emergentes

Bosques

Rosamonte

Livia

“Siento que más que tener que defender

una parte de mi identidad,

fue un proceso de entender cuál era

y conciliar con eso. Qué quiero decir

realmente y cómo, desde lo personal

y lo colectivo”, explica LIVIA al

presentar su disco debut, MELAN-

COPOP. La artista independiente,

parte del catálogo de GOZA Records,

llega con una obra que sintetiza

años de construcción autogestiva

y colaboraciones clave, luego

de haber sido seleccionada para la

Experiencia Emergente del Ciudad

Emergente -uno de los íconos de la

cultura porteña- y de ganar una de

las ediciones de la Bienal de Arte

Joven en Buenos Aires.

Quien sostiene que el pop no tiene

nada que decir se equivoca, esta

obra demuestra que puede ser un

vaivén entre la nostalgia y los tiempos

actuales. “Quiero que haga bailar en

igual proporción a lo que emocione

y movilice, que las personas puedan

llegar al centro de su cuerpo”, dice.

El dúo que une Buenos Aires

con la Patagonia, vuelve con su

quinto disco: LOS BORDES DEL

TIEMPO. Juan Cruz Del Cerro y

Marcos Díaz siguen explorando

ese territorio entre la psicodelia,

el ambient ritual y la canción espectral

que los convirtió en referentes

de la escena experimental.

El álbum continúa la senda de

sus últimos EPs -El Centro del

Vacío, Eomaia Nam e Invocación-

jugando con atmósferas

que parecen flotar fuera del

tiempo y el espacio. Como dicen

ellos mismos, son “canciones

para atravesar el tiempo”, un ciclo

que invita a perderse y dejar

que la música haga su trabajo.

Los Aspirantes

Rock, funk, pop y reggae: Los

Aspirantes no dejan nada afuera.

Desde su primer EP Buena Ruta

hasta el reciente Hilacha, la banda

rompe con la uniformidad: “Cada

canción significa una máscara

menos dando vuelta y una hilacha

expuesta más. Nuestra, de ustedes

y de otros”, explican.

El grupo -compuesto por Nacho

Terán en la voz, Matheo Sandleris

en la batería, Renzo Pagano

en la guitarra y Juan Covini en

el bajo- salta de Viejas Locas a

Snarky Puppy, juega con guiños

a Arctic Monkeys y hasta integran

elementos de Pink Floyd. “El

tema de las referencias siempre

es complicado, no podemos decirte

con exactitud bandas, disco

o producciones concretas que

hayamos tenido de referencia

para todo el disco. Sino que es

algo que va variando tema a tema

y se ve en los detalles”, aseguran.

Rosamonte regresa con Debajo

de mi armadura, su segundo disco,

publicado a fines de julio de

2025 bajo el sello Inerme Discos.

Con Damian Vargas (voz y guitarra),

Agustina Lemos (bajo y voz)

y Juan Barrios (batería) consolidando

el trío, el álbum se perfila

como su trabajo más introspectivo

hasta la fecha.

Antes del lanzamiento, la banda

organizó una escucha en vivo en

Buenos Aires que dejó claro el

interés y la expectativa de su público.

Desde “Todo lo que pasó”

hasta “Ultravioleta”, los adelantos

anticiparon un giro hacia un tono

más lúgubre y melancólico que

sus primeros proyectos.

MELANCOPOP

LIVIA

Los bordes

del tiempo

BOSQUES

Hilacha

LOS ASPIRANTES

Debajo de

mi armadura

ROSAMONTE

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