Billboard AR Octubre 2025

FOTO: GENTILEZA PRENSA

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

SALE S DATA

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

CO MPIL ED B Y

Luck Ra y Miranda! debutan en la cima

del Billboard Argentina Hot 100 con la

versión cuarteto “Tu Misterioso Alguien”

La canción original mantuvo el No.1 del ranking por seis semanas no

consecutivas.

T

u Misterioso Alguien”,

de Miranda! cobró nuevo

protagonismo gracias

a Luck Ra y su versión

cuarteto, y ahora logra

el No.1 del Billboard Argentina Hot

100 en su semana debut. Esto marca

un nuevo número uno para ambos artistas,

quienes ya conocían la posición

gracias a “La Morocha” y “Tu Misterioso

Alguien”, respectivamente. “Tu

Jardín Con Enanitos” mantiene la segunda

posición, luego de permanecer

en el número uno por cuatro semanas

consecutivas.

Con respecto al Top 10, el único cambio

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

visible además del nuevo No.1 es “Soleao”,

de Myke Towers y Quevedo, que

sube tres posiciones y llega al Top 10 por

primera vez.

Más adelante, en la posición número 28

se puede encontrar un segundo debut:

“Shiny”, de Easykid. En el puesto 54

también dicen presente por primera vez

J Balvin y Ke Personajes con su reciente

colaboración “Celosa”; y finalmente, Ángela

Torres cierra la lista de debuts semanales

con “Favorita”, en el puesto No.94.

El Greatest Gainer de la semana también

va para Luck Ra, junto a BM, quienes

escalan 24 posiciones con “La Morocha”,

desde el No.98 hasta el No.64.

Semana

pasada

1

3

4

5

8

6

7

9

13

Esta

semana

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Título

#1 por 1 SEMANA

TU MISTERIOSO ALGUIEN

Tu Jardin Con Enanitos

Con Otra

Todo Ke Ver

W Sound 05 "LA PLENA"

Tu Vas Sin (Fav)

QLOO*

Yo y Tú

Amor De Vago

Soleao

Maria Becerra ingresó

al chart con “Infinitos

Como El Mar”

Artista

Luck Ra, Miranda!

Roze Oficial, Max Carra, Valen,

Ramky En Los Controles

Cazzu

JERE KLEIN X KATTEYES

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

Rels B

Young Cister, Kreamly

Q' Lokura

LA T Y LA M ft MALANDRO

DE AMERICA

Myke Towers & Quevedo

VARIACIÓN

NEW

↓

-

-

-

↑

↓

↓

-

↑

OCTUBRE 2025 BILLBOARD.AR 3

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 20 DE SEPTIEMBRE

Semana

pasada

21

32

Esta

semana

21

22

Título

Coqueta

y ke pa (Remix)

Artista

Fuerza Regida & Grupo Frontera

Julianno Sosa, benjitalkapone Ft Jairo Vera

VARIACIÓN

-

↑

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

10

23

Me Gusta

Miranda! & TINI

↓

23

24

Ramen Para Dos

Maria Becerra, Paulo Londra

↓

25

25

UWAIE (versión cumbia)

Max Carra

-

26

26

Bajo De La Piel

Milo J

-

24

27

MASNA REMIX

FMK, Emilia, Nicki Nicole,

Tiago PZK

↓

28

Shiny

Easykid

NEW

29

29

Universidad

TINI, Beéle

-

31

30

A Las Nueve

No Te Va Gustar

↑

30

31

BAILE INoLVIDABLE

Bad Bunny

↓

27

32

Por Mil Noches

Airbag

↓

Semana

pasada

11

14

12

15

18

17

20

22

26

BAJO DE LA PIEL

MILO J

Esta

semana

11

12

13

14

15

16

17

18

Título

Cuidado Que Te Supero,

Los Herrera

No Tiene Sentido

7 VIDAS

amor de veraNO

Capaz

Motinha 2.0

Como Eran las Cosas

Si No Es Muy Tarde

11

12

13

14

15

16

17

18

Artista

Q' Lokura

Beéle

Maria Becerra, Xross

La T Y La M

Alleh & Yorghaki

Dennis, Luisa Sonza, Emilia

Babasonicos

Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave,

Un Poco de Ruido y Pinky SD

VARIACIÓN

-

↑

↓

↑

↑

↑

↑

↑

28

38

34

33

50

36

39

40

49

42

45

35

48

43

44

55

33

34

35

36

37

38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

Blackout

Si Te Pillara

Si Antes Te Hubiera

Conocido

VelDA

Hola Perdida

Pasarella

Resentia

Típica Argentina

Mi Refe

Canción Sin Final

Mambinho Brasileño

Un Osito De Peluche

De Taiwan

Tears

Vitamina

Perdonarte

¿Para Qué?

Die With A Smile

Emilia, Tini & Nicki Nicole

Beele

Karol G

BAD BUNNY ft. Dei V,

Omar Courtz

Luck Ra, KHEA

Emilia & Six Sex

Pablo Chill-E

Nico Valdi x Chofer x El Lobo

Beéle, Ovy On The Drums

Airbag

Benjitalkapone

Los Autenticos Decadentes

Sabrina Carpenter

Jombriel, DFZM

Los Ángeles Azules, Emilia

Lady Gaga & Bruno Mars

↓

↑

↓

↓

↑

↓

-

↓

↓

↑

↓

↑

↓

↑

↓

↓



19

19

Infinitos Como El Mar

19

Maria Becerra, Xross

-

47

49

Que Pasaria...

Rauw Alejandro, Bad Bunny

↑

16

20

Mejor Que Vos

20

Lali & Miranda!

↓

36

50

No Podrás

Eugenia Quevedo | Angela Leiva |

La Banda De Carlitos (En Vivo)

↓

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

4

BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

100 AÑOS EN EL

TOP DE LOS RANKINGS

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H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 20 DE SEPTIEMBRE

Semana

pasada

41

46

Esta

semana

51

52

Título

Obsesionario En

La Mayor

Estaba aquí

pensando

Artista

Tan Bionica, Abel Pintos

La Repandilla x Aneley

VARIACIÓN

↓

↓

IRRESPONSABLES

BABASONICOS

100

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

51

53

Hoy

Valentino Merlo x The La Planta

↓

54

Celosa

J Balvin, Ke Personajes

NEW

59

55

Diles Remix

Bad Bunny, Ozuna, Farruko,

Arcangel, Ñengo Flow

↑

53

56

Tan Lejos

No Te Va Gustar

↓

64

57

SINVERGÜENZA

Emanero, Karina, J Mena,

Angela Torres

↑

60

58

Fronteo

Plan B

↑

79

59

Que Me Falte Todo

Luck Ra & Abel Pintos

↑

54

60

444

Yan Block & Panda Black

↓

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

VARIACIÓN

65

61

En Otra Vida

Yami Safdie, Lasso

↑

63

81

Adios

Gustavo Cerati

↓

52

62

Yo sé

Yan Block, TORRRES

↓

81

82

El Fantasma

Arbol

↓

69

47

98

70

58

67

56

61

72

66

80

62

76

75

78

74

63

64

65

66

67

68

69

70

71

72

73

74

75

76

77

78

Ella Dijo

La Morocha

Luna

Golden

Entra En Mi Vida / La De

La Mala Suerte -En Vivo

Pa Las Girlas

Tiene

Nunca quise

Lose Control

Khé?

El Despertador

6 De Febrero

DtMF

Me Rehuso/Baby

I Won't

El Efecto

Flaca

Estelares

Luck Ra & Bm

Feid, Atl Jacob

HUNTR/X, EJAE, Audrey

Nuna & Rei Ami

Desakta2

Mattei

Tobal Mj, Lucky Brown

Intoxicados

Teddy Swims

Rauw Alejandro

Los Ángeles Azules, Manuel

Turizo

Aitana

Bad Bunny

Danny Ocean

Rauw Alejandro & Chencho

Corleone

Andrés Calamaro

↑

↑

↑

↓

-

↓

↓

↑

↓

↓

↑

↓

↑

↓

↑

↓

91

68

93

87

95

73

76

89

84

98

96

83

83

84

85

86

87

88

89

90

91

92

93

94

95

96

97

98

Sin Final

Ese Maldito Momento

VOY A LLeVARTE PA PR

Cae el Sol

De Papel

top diesel

Bunda

Bésame

CICATRICES

Ya No Vuelvas

Amor Escondido

Favorita

Loco (Tu Forma De Ser)

Don't Say You Love Me

Pobre Corazón

Perfecta

Cruzando El Charco Y

Nahuel Pennisi

No Te Va Gustar

Bad Bunny

Airbag

Tini

Beéle

Emilia & Luísa Sonza

Alejandro Sanz, Shakira

Airbag

Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes

Lucky Brown & Jere Klein, Fran C

Ángela Torres

Los Autenticos Decadentes

Jin

Ke Personajes

Miranda

↑

↓

↑

RE

-

↑

↓

↓

↓

RE

↓

NEW

↓

↓

RE

RE



77

79

Entre Nosotros

Tiago PZK, LIT killah, Maria Becerra,

Nicki Nicole

↓

99

Tan Solo

Los Piojos

RE

71

80

Puesto

BabasonicosLa Vela Puerca

↓

100

Irresponsables

Babasonicos

RE

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

6

BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

PRESIDENTE

Jorge R. Arias

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Juan Pedro Dondo

Analía Arias

Gonzalo Luzza

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ezequiel Ruiz

Julián Mastrángelo

Gabriel Sotelo

Agustín Contepomi

CONTENIDOS

Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /

Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna

Colaboraron en esta edición:

Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo / Nicolás Igarzábal

IMAGEN Y DISEÑO

Sofía Graña / Magdalena Medina /

Valentino Luzza Schimpke / Pedro Lombardo

BRAND PARTNERSHIPS

Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla / Melanie Lomas

IT / TECNOLOGIA

Franco Di Nitto

DEPARTAMENTO CONTABLE

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CONTACTANOS

Publicidad: brandpartnerships@billboard.ar

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Billboard Argentina es una licencia de

ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.

Dardo Rocha 2188, San Isidro, Buenos Aires, Argentina

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info@billboard.ar · www.billboard.ar

CHAIRMAN & CEO

Jay Penske

CHIEF OPERATING OFFICER

George Grobar

MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS

Debashish Ghosh

ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS

Gurjeet Chima

ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND

& PARTNERSHIP OPERATIONS

Francesca Lawrence

Green Day y los grandes shows de las últimas semanas por el lente de

Billboard Argentina, en página 56.

FOTO: MARIANO KAPLAN

PRESIDENT

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EDITORIAL DIRECTOR

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SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT

Silvio Pietroluongo

CREATIVE DIRECTOR

Alexis Cook

CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL

Leila Cobo

INTERNATIONAL EDITOR

Alexei Barrionuevo

DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL

Sigal Ratner Arias

Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de

los artículos sin la previa autorización del director. El material

periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.

RNPI: 5349798

ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 143 · Octubre 2025 · Argentina: $20000

8

BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

artlabpro.net @artlabpro

EL CICLO DE MÚSICA HOUSE DE ARTLAB

TODOS LOS VIERNES

CIRCULO

DE SONIDO

OCTUBRE

23HS

10

17

24

31

PANDA

ISABELLA

GONZALO SEIJAS

ISABELLA

SOLIMANO

DELLACASA

ISABELLA

CARLOS ALFONSIN

ISABELLA

CURADO OR ONALO SOLIMANO

ROSETI 93 - BUENOS AIRES

Contenidos

CHARTS

3. Billboard Argentina Hot 100

INTRO

13. CA7RIEL & Paco Amoroso, a punto de robarse los Latin Grammy

ENTREVISTAS

16. Chaqueño Palavecino

18. Natalia Lafourcade

24. Becky Hill

26. Nick Warren

28. Cindy Cats

30. Bad Bunny

42. Tash Sultana

44. Teenage Fanclub

48. Khea

52. Seafret

ESPECIALES

14. Lo mejor de Sonría, Estamos en Billboard

20. Track x Track: Caballeros de la Quema

40. Serú Girán y Spinetta Jade, a 40 años del histórico encuentro

46. Discos del mes

50. Porsuigieco reedita su álbum histórico

54. Vivo: Lali, Green Day, Katy Perry, Iggy Pop, Santiago Motorizado, Cazzu

62. Lanzamientos

78. Emergentes

EN LA TAPA

Bad Bunny, por Diwang Valdez

Fotografiado el 3 de septiembre de 2025 en el Coliseo de

Puerto Rico José Miguel Agrelot en San Juan.

10

BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

TICKETS EN:

MEDIA PARTNER:

PRODUCE:

TU MISTERIOSO ALGUIEN

(CUARTETO)

LUCK RA, MIRANDA!

05

SEMANAS

EN EL N.1º

14

SEMANAS

EN EL CHART

TU JARDIN CON ENANITOS

ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,

RAMKY EN LOS CONTROLES

CON OTRA

CAZZU

AMOR DE VAGO

LA T Y LA M FT MALANDRO DE AMERICA

CUIDADO QUE TE SUPERO

LOS HERRERA, Q’ LOKURA

7 VIDAS MARIA BECERRA, XROSS

AMOR DE VERANO

LA T Y LA M

MOTINHA 2.0

DENNIS, LUISA SONZA, EMILIA

COMO ERAN LAS COSAS

BABASONICOS

SI NO ES MUY TARDE

LUCIANO PEREYRA, EZEQUIEL Y LA

CLAVE, UN POCO DE RUIDO Y PINKY SD

INTRO

Ya arrasaron en los Gardel,

ahora van por los Latin Grammy.

CA7RIEL & PACO AMOROSO lideran los Latin Grammy

2025 con diez nominaciones

El dúo argentino se ubicó como segundo proyecto con más postulaciones en la edición 2025 de los premios, detrás

del puertorriqueño Bad Bunny, que recibió 12 menciones.

FOTO: AGUSTÍN DUSSERRE / CAPIF

C

A7RIEL & Paco Amoroso

recibieron diez nominaciones

a los Latin Grammy

2025 y establecieron un registro inédito

para la música argentina en la

premiación. El anuncio de la Academia

Latina de la Grabación los colocó

como el proyecto local con mayor

número de candidaturas en una

misma edición, en un certamen que

reúne a figuras de distintos géneros

de América Latina y del mercado

hispano de Estados Unidos desde

hace veintiséis años.

Entre las categorías en las que

figuran aparecen algunas de las

más visibles del galardón. Papota,

su último EP, compite en Álbum del

Año y en Mejor Álbum de Música

Alternativa. “El día del amigo”

se encuentra en Canción del Año,

Grabación del Año y Mejor Canción

Pop. “#TETAS” está postulada en

Canción del Año, Grabación del

Año y Mejor Canción Alternativa.

El reconocimiento se extiende al

plano audiovisual: figura en Mejor

Video Musical Versión Larga, mientras

que “#TETAS” aparece en Me-

jor Video Musical Versión Corta.

La labor de sus colaboradores

también fue destacada. Rafa Arcaute

suma seis nominaciones y

Federico Vindver ocho, en rubros

que incluyen ingeniería, composición

y producción. Arcaute además

compite en Productor del Año,

Del under al circuito internacional

La dupla surgió en Buenos Aires hacia finales de la década pasada y

encontró resonancia inmediata con canciones que combinaron humor

ácido, ironía y un cruce de géneros que incluía reggaetón, funk carioca,

trap y guitarras eléctricas. Lo que pudo quedar en formato viral se

transformó en un universo narrativo que abarcó videoclips, presentaciones

en vivo y una identidad estética reconocible.

mientras que Vindver se consolida

como parte de un núcleo creativo

que acompañó el desarrollo internacional

del dúo.

El impacto argentino en los Latin

Grammy 2025 no se limita al

dúo. Trueno reúne tres nominaciones:

“Fresh” y “Parriba” en Mejor

Canción de Rap/Hip Hop, y “En la

city”, junto a Young Miko, en Mejor

Canción Urbana. Zoe Gotusso

compite en Mejor Álbum Pop Tradicional

con Cursi. Bandalos Chinos

aparece en Mejor Álbum Pop/

Rock con Vándalos y en Mejor Canción

Alternativa con “El ritmo”.

Marilina Bertoldi suma dos

menciones: Mejor Álbum de Rock

con Luna en Obras y Mejor Álbum

de Música Alternativa con

Para quién trabajas Vol. 1. Eruca

Sativa entra en la terna de Mejor

Álbum de Rock con A tres días

de la tierra y en Mejor Canción

de Rock con “Volarte”. Fito Páez

figura con “Sale el sol” y Novela.

A.N.I.M.A.L. regresa a la premiación

con dos nominaciones por Legado:

Mejor Álbum de Rock y Mejor

Canción de Rock.

Entre los nombres emergentes,

Camilú aparece en Mejor Álbum

Cantautor con Camilú y en Mejor

Canción Cantautor con “Amarte

sin que quieras irte”. Yami Safdie

se suma en Mejor Canción Pop con

“Querida yo”, grabada con Camilo.

En otras categorías, Tanghetto y

Daniel Ruggiero compiten en Mejor

Álbum de Tango, mientras que

Taichu figura junto a Imanbek en

Mejor Canción de Música Electrónica

Latina con “Ella quiere techno”.

La edición número 26 de los Latin

Grammy se realizará el 13 de

noviembre en el MGM Grand Garden

Arena de Las Vegas. La gala

volverá a reunir a artistas de distintos

continentes, en un escenario

que proyecta a los representantes

argentinos en múltiples rubros.


Lo mejor de septiembre en

Sonría, Estamos en Billboard

Lo más destacado de lo que pasó el mes anterior en nuestro stream, donde los artistas revelaron detalles de sus

proyectos artísticos y personales.


Robleis

El artista estrenó su segundo álbum de estudio y prepara una gira que lo llevará

por la Argentina y el resto del mundo. El punto de vista y reflejar sus experiencias

propias es lo que llevó a Robleis a crear y estrenar su segundo álbum de estudio,

POV: ROB POP, un trabajo cargado de emoción, madurez y retrospección. “El

álbum tiene canciones que nacen en 2022 pero que fueron tomando un nuevo

camino a medida que pasaba el tiempo. La idea del disco surgió a principios de

este año por lo que moldeamos todo para encontrar el mejor significado”, dijo.

La producción estuvo a cargo de Estani y cuenta con colaboraciones

destacadas como la de Nico Cotton, aportando frescura, intensidad y un

pulso inconfundiblemente pegadizo. Más que un simple cambio de sonido, este

disco inaugura un nuevo capítulo conceptual y estético en su carrera. Desde los

nombres de las canciones hasta los vlogs que documentan el proceso creativo.

“Algo que no compartimos en los vlogs y es sorpresa es que para los vivos vamos a

sumar sonidos de saxofón, que le van a dar un nuevo estilo al show”, reflejó.

Juan Fuentes

El folclorista habló antes de su show en el Teatro Ópera. En

una charla íntima, el músico repasó sus comienzos, habló de su

presente artístico y compartió anécdotas que marcan su recorrido.

Uno de los momentos más destacados fue cuando contó cómo

nació su colaboración con León Gieco: “Le llamé, le dije que

quería hacer algo con él si tenía alguna canción. Me llamó a las dos

semanas, me la pasó, le mandé una foto en el estudio y me dijo que

se quería sumar”.

Nick Sicaro

Carca

Entre Buenos Aires, Uruguay y México, el artista proyecta su futuro musical

y refleja cómo es para él compartir escenario con referentes globales.

El camino de Nick comenzó como creador de contenido en

plataformas digitales, donde logró reunir más de 5 millones de

seguidores entre YouTube y redes sociales. La música, por su parte,

siempre fue un objetivo plasmado en su mente que tarde o temprano

se iba a concretar. Finalmente, hoy, gracias al apoyo de sus fans y su

discográfica, ya cuenta con un recorrido firme y shows que llenan

estadios en todas partes del mundo.

Su último track es “Fuiste, Sos y Serás”, en compañía de El Villano, una

canción romántica que refleja su presente.

El músico regresa a los escenarios el 6 de noviembre con un show

en La Trastienda, tras casi dos años de silencio. El concierto marcará

el lanzamiento de “Lodo”, su nuevo single y primer adelanto de un

próximo disco de estudio, compuesto durante su recuperación

después de un trasplante de corazón. La canción refleja ese proceso

de renacimiento y su capacidad de transformar una experiencia

límite en música.

En la previa, el músico contó cómo vivió su internación, entre la

vulnerabilidad y la esperanza, y cómo la música se convirtió en su

motor para proyectarse hacia adelante. “Este show, que durará casi

2 horas, será para festejar la vida, celebrar que estamos acá”.

FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA

14

BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

MU

TEK

AR

07

buenos-aires.mutek.org

Festival internacional de

creatividad digital y

música electrónica

Edición 7

Buenos Aires / Argentina

Alexis Langevin-Tetrault (CA/QC) ---- Bakur (AR/AM) ---- Claustro (AR)

Distorxion (AR) ---- Ernesto Ferreyra (AR) ---- Flo Pasquali (AR)

Hef Prentice(AR) ---- Instance Coffee & Gavu (AR)

Itti & Jotta.rs (JP+AR) ---- Jamira Estrada (CH) ---- Julián Tenembaum (AR)

Kazuya Nagaya, Ali M. Demirel & Maurice Jones (JP+TR/DE+DE/CA)

Luxixi (CN) ---- Martín Borini & Tomás Nochteff (AR/DE)

MissLupe (AR) ---- Nicola Cruz (EC) ---- Noria Lilt (CH)

Robert Lippok & Lucas Gutierrez (DE+AR) ---- Serpiente Roja (AR)

Seulement (CA/QC) ---- Venice Bleach x Ristband (UK+UK/IR)

01---- 05 OCTUBRE 2025

Chaqueño Palavecino

“He vendido el alma al diablo pero

soy de Dios”

El músico cumple 40 años

en la música, acumula más

de 20 discos editados y

atraviesa uno de los mejores

momentos de su carrera.

POR JUAN CRUZ REVELLO

o

scar Esperanza Palavecino

más conocido

como Chaqueño Palavecino,

está cumpliendo 40 años de

trayectoria y lo celebró el pasado

6 de septiembre en el Teatro Gran

Rex. En diálogo con Billboard Argentina,

relata desde su infancia

en el Chaco salteño hasta lograr

ser uno de los mayores exponentes

del folclore nacional.

¿Cuál es tu primer recuerdo

musical?

Aquellos viejos violinistas, cuando

yo tendría cinco años y entré en

razón de escuchar. Cuando había

llorar. Anteriormente, al escuchar

a los violineros, se silbaba, porque

no había instrumentos. También

era serio el silbido. Yo aprendí a

cantar coplas y me escondía por la

timidez y la vergüenza. Si quería

cantar con ganas, me metía para

el lado de los corrales, bien lejos.

Pero me escuchaban igual, porque

era una voz fina y penetrante la

que tenía de chico. Y con el silencio

del monte se escuchaba a los

tres o cuatro kilómetros.

Te dedicaste de grande a la

música, ¿por qué?

Porque ha sido entretenimiento,

go para tener la carne; no tenías el

monte, que siempre te alimentaba.

Entonces hice de todo: barría,

lustrabotas, cobrar en la tabiadas

(juego de Taba). Después me fui

a Salta capital y empecé a trabajar

de ayudante de albañil, al otro año

de ayudante camionero. Hice el

servicio militar, volví y me dieron

un camión. Después pasé a una

empresa de ómnibus hasta que ya

viajaba a Buenos Aires, Córdoba,

Corrientes, Jujuy. Mientras, la música.

Crecía el Chaqueño y crecía

Oscar Palavecino.

¿Ya habías formado tu primera

de uno. Mi fábrica, mi empresa,

es mi garganta. Hasta que me

dé, a veces no puedo parar, hay

sueldos, obras sociales, seguros.

Es una PyME, antes eran cuatro

que cantaban, cobraban después

de cantar, se repartían la plata ahí

nomás, al lado del escenario.

Te seguís sacrificando: antes trabajando

para comer, ahora para

mantener todo.

Yo siempre digo: he vendido el

alma al diablo (risas). Por supuesto,

está el público, ese ida y vuelta

que lo sentimos, que realmente

es una necesidad para uno, más

allá de que sea un trabajo. Porque

ahora lo considero como un trabajo;

antes, no. Pero cuando estoy

sobre el escenario me importa el

momento y disfrutar, eso no se

me fue todavía. Cuando digo que

vendí el alma al diablo, porque sin

querer he ido haciendo una empresa,

es por decirlo, ¿no? Yo soy

de Dios (risas). Soy el que tengo

que estar adelante siempre, no

puedo faltar y no tengo que estar

mal ni nada. Gracias a Dios puedo

hacerlo, voy a cumplir 66 en diciembre.

Y qué sé yo, ya está todo

hecho, ya hice todo. Dios dirá hasta

cuándo.

El Chaqueño será la atracción principal de la primera edición del festival Folklore al Mar: es el próximo sábado 22 de noviembre

en el Estadio de la Costa junto con Los Tekis, Pancho Figueroa, Belén Herrera, Los Colorados y más. El evento también contará

con una feria gastronómica en el predio del recinto ubicado en Mar de Ajó.

un casamiento o lo que sea, llegaban

y daban alegría. Lo tengo en

la memoria todo eso. Cómo afinaban

el violín, fuera del sistema, en

todo sentido. La escasez nuestra

no era solamente del azúcar, de

la harina, en momentos que no

llegaban, porque los caminos estaban

anegados. Para un instrumento

tan delicado como el violín, a

veces no llegaban las cuerdas, entonces

si alguna cuerda se cortaba,

se usaban los hilos del cable de

freno de bicicleta. Y anteriormente,

cuerdas con tripas de corderitos.

Ahí te das cuenta de que la

música es parte de la vida. Es una

música muy propia, la nuestra.

Aparte es de notas mayores, te da

más ganas de todo: de bailar, te da

coraje, te alegra, también podés

pero no pensábamos vivir de la

música. No cobrábamos; al contrario,

pagábamos. Pero siempre

estuvo, esto se mama de cuna. Yo

escuché la música chaqueña, el silbido,

la melodía, desde que tengo

razón de vida. Lo nuestro era cantar

una copla, levantarse temprano

para correr los loros del sembrado,

ir a la escuela, ensillar un caballo,

el quehacer del campo. A los

12 años salgo al pueblo porque se

enfermó mi madre. Ella falleció

a los cincuenta años, pero se enfermó

antes de un cáncer terrible,

largo… Largo para pobres, siempre

digo. Y ahí salimos a buscar el

pan nuestro de cada día. Era una

sopa, guiso, y así. No conocíamos

la milanesa. Cuando llegamos al

pueblo había que generar el man-

banda?

Claro, y no era complementario

con ser colectivero, que está catalogado

como un laburo insalubre.

Los días de descanso los ocupaba

para la música. Mucho sacrificio.

Mi trabajo era bueno y cantar era

lo que amaba y no ganaba plata

cantando. Así estuve desde 1984

hasta 1997. Era de boca en boca,

grababa en Tucumán, mandaba a

producir a Buenos Aires mis cassettes

y los salía a vender o mandar

a una radio. No estaba en una

empresa o una grabadora, y no

vivía en Buenos Aires. Del norte

al sur se hizo la patria, también he

hecho lo mío de esa manera. Hoy

hay treinta personas trabajando

conmigo, entre bailarines, choferes,

técnicos, músicos, y dependen

¿Ahora ocupás el lugar de

los violinistas? ¿El de llevar

alegría a la gente?

Sí, vos sabés que lo mío no ha

sido en vano para nada. Yo digo

que está Dios siempre, venir de

dónde vengo y conseguir el lugar

en donde estoy, porque hemos

construido eso, porque te decía

que cantaba con timidez porque

por ahí te retaban. Una madre

viuda y enferma, ir al monte con

mis hermanos a buscar el sustento,

limpiar, devastar, labrar, todo

el quehacer del monte del Chaco,

de esa gente obrera. Yo la conozco

y por eso sé cómo sufre un pobre,

esa extrema pobreza la hemos tenido

nosotros, que nos consolábamos

con que nos toquen la cabeza

y nos hagan una caricia. Te lo digo

en serio, porque era una necesidad

de todos, de cariño, de todo.

Y bueno, yo creo que Dios te hace

volver al lugar como para que ayudes

también a tu lugar. Siempre

vuelvo, hemos hecho mucho por

el lugar. También recibí palo por

todos lados, que soy extranjero

en mi propio lugar, pero vuelvo.

Y sí, es verdad lo que vos decís,

que llevé mucha alegría sin darme

cuenta, me pasaron cosas bonitas.

Esas no me las quiero borrar de

mi cabeza.


NATALIA LAFOURCADE PRESENTA CANCIONERA

“Me confrontó con la

necesidad de reconectarme

con mi verdadero querer”

Antes de subir al escenario en el Auditorio Nacional, la

artista mexicana comparte su mirada sobre su nuevo

trabajo, la maternidad y la feminidad a los 40 años.

POR ANTONELLA LOPREATO

LLlegar a los 40 es un quiebre inevitable

para cualquier mujer. Las presiones sociales,

los mandatos de los 30 y los espejos ajenos que

dictaban cómo debía sentirse o actuar, se deshacen.

Una especie de punto de fuga que obliga

a mirar hacia adentro. Para Natalia Lafourcade,

ese cambio coincidió con una noticia: un

embarazo no buscado que apareció para mover

fibras emocionales que jamás había explorado.

Esa confluencia es la semilla de Cancionera, su

nuevo disco, un trabajo que celebra sus raíces

latinoamericanas y la reconstrucción de sí misma

desde la belleza, la aceptación y la libertad.

"No es solo un camino propio, sino un homenaje

a la vida de muchas personas", dice

la cantante en conversación con Billboard

Argentina, sobre la canción que da nombre al

álbum. Hay un aire ritual en la forma en que

Lafourcade pensó el disco. Lo grabó directamente

en cinta, sin ensayos previos, con 18

músicos que acompañan y completan la obra.

Cada canción fue creada y relatada en tiempo

real, y toda decisión artística surgió de un encuentro

con su vida. Entre los colaboradores,

sobresalen Israel Fernández, Diego del Morao

y los Hermanos Gutiérrez, quienes imprimen

al conjunto un pulso flamenco y folclórico que

atraviesa y enriquece el ritmo del trabajo.

La gira Cancionera: Un Canto a Nuestras

Raíces es la extensión de ese universo: tres fechas

agotadas en el Auditorio Nacional de la

Ciudad de México, más la transmisión en vivo

de uno de los shows, lo que permitió a la audiencia

global sumarse al festejo. "Estas fechas

son una celebración de mi momento como

mujer, como persona y, sobre todo, de la música,

un espacio para compartir con todas las

personas y los músicos que me acompañaron

en este recorrido", comparte.

Al trabajar en un álbum tan ligado a tus

raíces y a tu identidad, ¿qué aprendiste

de vos misma en el proceso?

Cuando me acercaba a cumplir 40 años, sentí

que quería hacer algo especial para celebrarlo.

La primera idea que surgió fue una gira de

guitarra y voz, volver al origen, volver a mí, a mi

canción. Así nació el nombre de la gira. Era yo

yendo a cantar con mi guitarra, al estilo de tantos

cancioneros a lo largo de la historia.

Eventualmente, sentí que debía componer una

canción que se llamara "Cancionera". La escribí

casi un mes antes de cumplir 41, y me encantó

ver cómo transmitía un mensaje claro: no solo

es un camino propio, sino también un homenaje

a la vida de muchas personas. La canción

enfatiza la importancia de no olvidar que somos

seres que venimos a transformarnos constantemente,

a probar, a jugar con la vida, a ponernos

y quitarnos máscaras, a hacer y deshacer. Al

final, es mi camino, mi verdad, y soy yo quien lo

comanda, sin dejarme arrastrar por patrones externos

que podrían alejarme de mi autenticidad.

Para mí, Cancionera es también un permiso

para cantarme como madre, para abrazar la maternidad

sin miedo, sin perderme a mí misma.

Es una obra profunda, de empoderamiento personal,

de amor propio y de volver a cuidar mi

propia flor, esa que cada uno lleva dentro.

De ahí se despliega todo el disco: una serie de

músicas, canciones y momentos que celebran la

canción misma. Refleja mi manera de hacer música,

mi gusto por lo tradicional y popular, por el folclor,

mi mexicanidad, mi parte latina. Tiene humor,

sarcasmo, ironía; le canta al buen amor, al amor

quebrado, al clandestino, al marginado, al amor

propio y a la lealtad personal.

En esencia, Cancionera me dice: sos una canción,

canta tu verdad y procura vivir un camino auténtico,

desde tu propia libertad y verdad. A mis 40, y

ahora con 41, ha sido un regalo para mí, un regalo

que sigue acompañándome y enseñándome sobre

mi propio camino.

¿Podemos decir, entonces, que es un disco

sanador?

Sí. De alguna manera, todos mis proyectos terminan

siendo formas de sanar, y al mismo tiempo de

divertirme y jugar. Creo que siempre tenemos cosas

que procesar; la vida tiene muchos matices y necesitamos

atravesarlos. A veces ni siquiera nos damos

cuenta de que vivimos con miedo constantemente.

Mirando en retrospectiva, me doy cuenta de que

esto nos pasa a todos. Cada vez que entramos en

una nueva etapa -los 20, los 30, los 40, los 50- surgen

ciclos y tiempos propios, y con ellos preguntas

existenciales: ¿para dónde voy?, ¿qué hago?, ¿soy

feliz?, ¿qué vale realmente?

Cancionera llegó a mí como un recordatorio de la

importancia de jugar en la vida, de cuidarme, de

respetar mi propio ritmo, de amarme y de conectarme

conmigo misma. Y eso también se refleja en

quienes escuchan la música, cada persona puede

sacar sus propias conclusiones a través del contacto

con las canciones.

El miedo a lo desconocido me hace pensar

en tu maternidad. ¿Cómo encontrás el

equilibrio entre tu carrera y ser madre?

Eso es algo que voy a ir descubriendo y explorando.

Hasta ahora, ha sido maravilloso poder transitar

y habitar la gestación durante la gira. Terminé

con 36 conciertos, todos ellos en plena etapa de

gestación, y para mí eso fue increíble.

Cuando finalicé el último show, aunque habíamos

aplazado parte de la gira y sabíamos que vendrían

los tres conciertos en el Auditorio Nacional, el nivel

de gratitud y felicidad que sentía era inexplicable.

No hay palabras suficientes para describirlo:

crear vida y, al mismo tiempo, seguir haciendo lo

que amo, sentir mi cuerpo transformarse mientras

sigo sobre el escenario… Es algo único.

Sé que algo de mí va a cambiar para siempre; ya

no soy la misma, y eso es muy fuerte. Pero al mismo

tiempo puedo seguir haciendo lo que amo, y

esta criatura eligió llegar justo en este momento,

mientras yo tenía todos estos conciertos. Ver que

mi cuerpo estaba sano y fuerte, y que podía crear

vida mientras compartía mi música, me llenó de

sensaciones y emociones muy bonitas.

Al mismo tiempo, hay humildad en todo esto: no

sé muchas cosas. No sé cómo será ser mamá ni

cómo equilibraré todo, pero sé que mi corazón

está listo y abierto para recibir y aprender. Tengo

mucha confianza y amo mi profesión. Aprendí

que no todo se puede hacer al mismo tiempo: hay

que aplazar fechas, construir espacios de silencio

para permitir que nazca esta etapa, y luego volver

cuando toque, con paciencia y con ganas de

aprender. La vida me ha dado un regalazo; no esperaba

que me tocara esto, y aquí estoy.

Esos momentos de silencio te vuelven a

acercar al arte.

Sí, definitivamente. Creo que es muy importante.

Me he dado cuenta de que lo mejor es no preocuparme

demasiado por todo: de dónde vendrá

la siguiente canción, cuándo llegará el próximo

proyecto, en qué fecha será el próximo lanzamiento…

En cierto punto entendí que mi manera de

acercarme a la música tiene que nacer desde otro

lugar, más tranquilo.

No puede ser por la prisa. Eso también es desafiante,

porque muchas veces la mente te empuja a

pensar: "ya tengo que crear otra cosa, hacer otro

proyecto, ¿qué voy a hacer?". Y hoy en día, la industria

y el mundo van muy rápido; todo sucede

con una velocidad abrumadora. Por eso, espacios

como estos se vuelven momentos de humanidad

muy necesarios, donde uno puede reconectarse

con lo que realmente importa.

¿Qué aspectos de tu vida tuviste que dejar

atrás para que se concretaran este disco y

estos shows?

Este disco me confrontó con la necesidad de reconectarme

con mi autenticidad, con mi verdadero

querer. A veces creemos desear ciertas cosas, pero

al explorarnos profundamente descubrimos que

no es realmente lo que queremos. Este disco me

devolvió a esa esencia.

Cuando diseñaba el concepto del concierto, la silla

se convirtió en un elemento muy importante: un

símbolo de humildad, de conexión desde otro lugar,

que me permite despojarme de toda la información

que puede distraerme de lo genuino, de lo

esencial que soy yo.

Creo que había aspectos de Natalia que se habían

construido con el tiempo y que, a estas alturas,

me permito dejar atrás. No hace falta tanto más;

lo importante es conectar con mi verdad interior.

Y, mágicamente, justo en este momento, aparece

la maternidad. Al liberarme de tantas cargas

mentales, el disco me devolvió el juego: me sentí

niña en el estudio, conectada con la sensibilidad

de la infancia, jugando sin miedo al qué dirán,

explorando disfraces, arquetipos y alter egos.Todo

eso ayudó a crear un mundo propio, surrealista y

distinto: el mundo de Cancionera. Naturalmente,

esa Natalia más rígida se vino abajo; al asumir la

maternidad, se desmantelan estructuras y emerge

la esencia más pura, libre y creativa que este disco

necesitaba.


Track X Track

FIESTA DE ZOMBIS

Lo nuevo de Los Caballeros de la Quema

25 años después de su último disco, el grupo vuelve a la carga con once nuevas canciones. Y hablan de cada una de ellas.

POR JUAN CRUZ REVELLO

n Fiesta de Zombis, las

diez canciones inéditas

E

son nuevas, ninguna es

de la etapa anterior de Los Caballeros

de la Quema. Y trae una

yapa: una versión de “Costumbres

Argentinas”, de Los Abuelos de la

Nada. “Estamos descifrando una

nueva forma de hacer escuchar las

canciones”, dice el guitarrista Pablo

Guerra. “Probablemente no

haya ningún hit, en el sentido

antiguo del término. Pero

sospecho que varias de las

canciones se incorporarán de

a poco a la columna vertebral

de nuestra historia. Tienen

que competir contra otras con

mucho anclaje emocional en

la gente, pero hay 4 o 5 que

a mi juicio tranquilamente se

pueden sentar a la mesa de ‘clásicos’

de Caballeros dentro de

un tiempo”, agrega el cantante

Iván Noble.

“No teníamos claro si iba a

ser un disco, o un bloque de

seis canciones. Entonces decidimos

que no había espacio para

lados b. Cada canción, si quería

tener una chance de participar

de un disco o un ep, tenía que

ser un corte en sí mismo”, define

el guitarrista Martín Méndez.

En este Track x Track con

Billboard Argentina, el grupo

da detalles de este disco producido

por Gustavo Borner, con

una portada ilustrada a cargo

de Emma González Guerra.

FOTO/S: NACHO ARNEDO / FOCCO

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BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

1. “OTRO DÍA EN LA OFICINA” 2. “Y ACÁ ME VES”

Iván: Vivo algunos días en la playa.

Bajo con la reposera, el mate y

repito una especie de mantra: “Otro

día en la oficina”, como para decir

lo afortunado que somos los que

podemos vivir de este oficio. Uso

mucho como disparador de letras

la primera frase, como el “había una

vez” de cuando éramos chiquitos.

Una mañana vi una foto actual de

Pierce Brosnan, muy elegante, pero

definitivamente anciano, y dije:

“Envejecen hasta los James Bond”,

y a partir de ahí armé el puzzle de la

canción. Música de Pato Castillo,

al tema le decíamos “Bruce”, por

Springsteen, aunque cuando la

escuché, me pareció más Strokes.

5. “FIESTA DE ZOMBIS”

Méndez: Un reggae que sale de una

intro de una idea musical que remite al

soul. Me gusta lo que se conoce como

la música de Estados Unidos, el blues,

soul, góspel. Esos géneros tuvieron un

desarrollo particular en el caribe. Por ahí

viene la investigación, como se mezclan

con la música de Jamaica y como eso lo

traduce un músico en Buenos Aires.

Iván: La letra es una crónica exagerada

de alguna fiesta que hubo en mi casa

hace algunos años, eso ya no ocurre. La

elección del nombre para el disco nos

pareció un buen concepto visual que

excede el contenido de la canción, un

guiño de época.

Iván: Hicimos una tanda de

siete demos, sin ninguna

precisión ni de tiempo ni

de productor. Borner eligió

cuatro, y una vez que las

grabamos, fue la que picó

en punta. Me parece una

canción Caballeros, onda

Traveling Wilburys. Y la

letra, otro capítulo de los

antihéroes que buscan

abrazos por ahí.

3. “ALMA DE MOCASÍN”

Méndez: Es una estructura de canción simple. Me

gustan las bandas de riff en las cuales no tenes

que esperar que entre el cantante para saber que

banda es. Con esa idea, me propuse armar uno que

contenga el sonido nuestro, que tenga un poco de

blues y soul, una mezcla que venimos trabajando.

Después, una sección de vientos que le suma

música de suspenso, persecución.

Iván: Tenía ganas de hablar de algo que me alarma

y desprecio: algunos pibes jóvenes, los cripto bro,

que a los 22 años en vez de tener un poster de

Charly García, cuelgan uno de Marcos Galperin.

Sus aspiraciones son hacer dinero en forma

urgente, me parece que son gente avejentada a los

veintipocos años.

4. “MILONGA ROTA”

Iván: Pato Castillo tiene curiosidad por el

tango y quería hacer algo con el espíritu

de una milonga moderna. Me dio un

boceto de letra y terminé tratando de

que sea como lo que fue hace muchos

años “Que pasa en el barrio”, una historia

por estrofa, una crónica de lo que queda

por calle Corrientes hoy. En un punto, es

una época rota. En la música, nos costó

encontrarle el yeite. Fue fundamental

el aporte de Borner, que le encontró la

vuelta a lo que Pato le venía pidiendo.

Guerra: Costó encontrar el espíritu,

tuvimos que aprender un nuevo

lenguaje…

Méndez: Para mí, es un triunfo

musical, un acierto del trabajo con

los compañeros, de lo que cada uno

puede sumar desde su cosmovisión

y de la curiosidad en cuanto a la

experimentación.

4

6. “TANTO VINO BAJO EL PUENTE”

Iván: “Antes cerrábamos los bares, ahora

se nos cierran los ojos”, son cosas que

digo y guardo, atento a destellos del habla

cotidiana que pueden ser canción. Soy

un cartonero del habla popular. A mí el

tema que más me interpela es el paso

del tiempo, y creo que en una banda que

vuelve a hacer un disco después de 25

años, eso tiene que estar presente. Porque

somos los mismos, pero no los mismos

que antes. Siempre me pregunto qué hace

el tiempo con nosotros y que estamos

haciendo nosotros con el tiempo.

7. “VUELVEN LOS CUERVOS”

Méndez: Está inspirada en cierto tipo

de indie londinense, bandas que no

son pop, no son rock, pero tienen las

dos cosas. Siguiendo productores fui

encontrando bandas como Scanners, y

me pareció que Caballeros podía tener

esa veta. La letra es un hallazgo de Iván

sobre el clima que plantea la música.

Iván: Probablemente sea la más

política del disco, no hay mucho

más que explicar: vuelven los

cuervos y planean bajo.

8.“NO EMPUJEN EL RÍO”

Guerra: Hice el demo y se lo pasé a Iván

porque estaba sanateado en un idioma

que no corresponde.

Iván: Cuando me pasan cosas

sanateadas, hay momentos que siento que

están bien así. La fonética era algo como

“isovertherio” (risas), medio Jagger. Y

linkee con una cosa que me había pasado:

tuve el honor de que Javier Martínez

me invitara a cantar, y en un ensayo se

enojó con los músicos. Tiró los palillos

sobre el redoblante y les dijo: “A ver si me

entienden, tranquilos, no empujen el río”.

Y soy cartonero, lo anoté. Luego le conté

que tenía una frase de él, que algún día iba

a ser canción, y no se acordaba, pero la

relacionó con Heráclito, y me dice: “¿Vos

lees?”. ‘Trato’, le respondí. Y me contestó:

“Que mal la debes pasar en el rock” (risas).

9.“ES HORA”

Guerra: Empieza con una

guitarra con afinación abierta.

Tenía un esbozo de letra, pero Iván

hizo una nueva creación, se inspiró

en lo que sonaba y después

terminamos poniendo una parte

nueva, que es el estribillo, que me

lo robé de otra canción que tenía.

11. “COSTUMBRES ARGENTINAS”

Iván: La decisión de incluirla provocó casi una guerra civil (risas). Entró por la ventana, casi la echamos a patadas, y quedó

cómodamente sentada en el disco.

Méndez: Yo estaba en desacuerdo con meter un cover, pero se fue quedando en la lista. Hicimos una versión que quedó muy buena,

pero parecida a la de Auténticos Decadentes, nos dimos cuenta cuando ya la teníamos grabada. Así que el último día Borner nos dijo

que grabemos otra versión. Hicimos nuevas violas, nuevo bajo, ya teníamos referencia de voz y batería, y en una hora quedó distinta, sin

su entrada garantizada al disco. Pero está en el ADN musical del país. La letra nos interpela a los argentinos de una forma muy sintética.

Y terminar el disco abajo, con la canción más emotiva, no tenía balance con lo que pasaba en el resto. Despedirnos así estaba bien.

10. “TODO VA A PASAR”

Guerra: Una canción profunda, me

deja una sensación de melancolía

esperanzadora, estoy muy contento

con cómo quedó. Tiene mucho aire esa

canción. Escuché a Julio Iglesias decir

que el éxito lo remitía a que tenía una voz

de susurro, y me parece que es un lindo

color para ahondar, que en los discos de

Caballeros siempre aparece algo de eso.

Iván: Me remite a las canciones de

Caballeros más dulces, que nos fuimos

permitiendo hacer. Cuando Guerra se

pone introspectivo, salen esas cosas,

melancólicas y diáfanas. Las canciones así

son un arma de doble filo, pero por suerte,

cuando llegamos a esos lugares, salimos

muy airosos.


EDM lifestyle

Fragment 2025: lo que no te podés perder

Conocé los eventos que la productora traerá a la Argentina y Uruguay este 2025 .

EDM -

FRAGMENT PRESENTA

Nick Warren & The Soundgarden – Un live show histórico en Obras

21/11 – Estadio Obras

En un año marcado por la innovación dentro de la escena, Nick

Warren elige Buenos Aires para estrenar un formato inédito: “Nick

Warren Live”. Acompañado por Nicolás Rada y Mercurio, el set

recorrerá su nuevo álbum Turbulence en un show de 90 minutos que

combina música electrónica con performance instrumental.

El 21 de noviembre, Estadio Obras no solo recibirá un concierto: será

una experiencia inédita para el público argentino, uniendo tradición,

innovación y el pulso cultural de la electrónica global.

TEMPORADA PUNTA DEL ESTE

Punta del Este recibe dos de sus marcas insignia: PM y La Juanita, en

una producción 100% propia.

El 26 de diciembre, PM abre el calendario con un hito: la presentación

de Mochakk por primera vez en Punta del Este. El DJ brasileño

protagonizará un festival que reunirá a más de 6.000 personas en una

experiencia que marcará un antes y un después.

El 28 de diciembre, será el turno de La Juanita, que se presenta con una

propuesta de escala mayor: dos escenarios, más de 10 artistas y una

convocatoria proyectada de más de 7.000 asistentes. La curaduría

fusiona talento emergente y nombres consagrados.

Con PM y La Juanita, Fragment reafirma su capacidad de diseñar

experiencias masivas de impacto internacional y su apuesta por Punta

del Este como uno de los grandes epicentros electrónicos del verano

sudamericano.

LA JUANITA STADIUM – LOS 10 AÑOS DE CHAPA & CASTELO

29/11 – Estadio Uno, La Plata

Chapa & Castelo, referente indiscutido de la escena nacional, cumple 10

años de trayectoria y lo festeja en el imponente Estadio Uno de La Plata, el

29 de noviembre frente a 10.000 personas.

La fecha reúne a un line up exclusivo de artistas nacionales,

confirmando la riqueza y la fuerza de una escena que crece con

identidad propia. Chapa & Castelo, cuyo sonido ha resonado tanto en

clubes como en festivales, encarna el espíritu de una generación que

llevó la electrónica del underground a las grandes ligas.

TEMPORADA MAR DEL PLATA

El line up habla por sí solo: Sasha, John Digweed, Chapa & Castelo,

Guy J, entre otros grandes referentes, encabezan noches que

combinan calidad artística internacional y lo mejor de la escena

nacional. Un calendario diseñado con precisión para que cada viernes

sea un viaje distinto, pero con la misma intensidad.

Más que fiestas, estos encuentros se consolidan como un ritual de

verano, un espacio donde la música electrónica despliega toda su

fuerza y donde Fragment reafirma su rol como productora líder en

experiencias masivas.

Con cada edición, la costa atlántica confirma que la electrónica ya

no es un nicho: es un movimiento cultural que late y que cada fin de

semana hace historia frente al mar.

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BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

BECKY HILL LLEGA A

CREAMFIELDS

ARGENTINA

¿Qué canción no puede faltar

en el set? ¿Será parecido al

resto de los shows de tu gira o

tenés algo especial preparado

para nosotros?

No puedo hacer un show sin “Lose

Control”, siempre tiene reacciones

increíbles. De hecho, sí estoy preparando

algo especial en mi set porque

hace poco estrené una canción en español

a través de mi canal de YouTube,

por lo que estoy deseando poder

interpretarla en vivo con ustedes.

Hace poco visitaste México

también, ¿cómo describirías

tu conexión con la cultura

latinoamericana?

Me enamoré de la cultura latinoamericana:

la música, la comida, la gente…

La vibra de la ciudad… Realmente

me sentí totalmente cautivada

por ella y no puedo esperar a conocer

la Argentina. Lo estoy deseando.

Hace poco también interpretaste

el himno británico en el

Gran Prix de Fórmula 1 en Silverstone,

¿era algo que habías

imaginado alguna vez?

Cantar el himno en Silverstone frente

a 80 millones de personas en stream

a nivel global fue algo realmente loco.

Definitivamente soy team Aston

Martin ahora porque me mostraron

el paddock y fueron realmente muy

amables conmigo durante la visita.

“Quiero cantar mi canción en español

por primera vez con ustedes”

La artista británica será headliner de la próxima edición del festival el 11 de octubre.


D

esde los comienzos de su

carrera en 2012, donde pudimos

verla por primera vez

en The Voice UK, Rebecca Claire

Hill demostró que quería hacerse

espacio en la industria a base de

poder vocal y energía cautivadora

sobre el escenario. Gracias a colaboraciones

internacionales y tracks

que quedaron grabados en la mente

de los fanáticos del género, hoy, 15

años después, la artista británica

pisará la Argentina por primera vez

como una de las mayores referentes

del dance a nivel global.

Becky se presentará el 11 de octubre

como una de las headliners

de Creamfields Argentina y por

primera vez nuestro público podrá

escuchar en vivo su álbum Believe

Me Now?, lanzado a principios del

2024. Además, dentro de la trayectoria

de Becky se encuentran tracks

de la talla de: “False Alarm”, con

Matoma; “Back & Forth”, junto a

Jonas Blue; “Piece of Me”, con MK,

“Wish You Well” o el éxito “Lose

Control”, en compañía de Medusa

y Goodboys. “No puedo hacer un

show sin ‘Lose Control’, siempre

tiene reacciones increíbles”, compartió

en entrevista exclusiva con

Billboard Argentina. Sin embargo,

para Creamfields Argentina

tiene preparado algo más especial

ya que pronto estrenará su primera

canción en español y el público

argentino será el primero que pueda

escucharla en vivo.

¿Qué se siente formar parte

de Creamfields Argentina?

Estoy muy emocionada porque nunca

estuve en Argentina. Sólo fui parte

de Creamfields UK por lo que tengo

muchas ganas de conocer cómo viven

Creamfields en otras partes del mundo.

¿Qué pueden esperar tus fanáticos

de tu show en el festival?

Buenas vocales, mucha energía y una

fiesta enorme.

Tu álbum salió en 2024 y

compartiste que había sido el

mejor año de tu vida, ¿dónde

entraría 2025 en esa lista?

De alguna manera lo está sobrepasando.

Hice cosas hermosas este año,

y todavía falta mucho por venir. Me

caso en dos semanas, compramos

una casa… Estoy finalmente asentando

por completo mi vida entre tantos

shows y giras. Un viaje increíble con

personas increíbles que me rodean

por lo que estoy muy muy contenta.

¿Cómo encontrás tiempo para

crear entre tantos viajes y giras?

Este año estuvo más tranquilo de alguna

manera en cuanto a viajes por lo

que me permitió escribir un nuevo álbum.

Hice algo diferente porque logré

reunir a todos mis escritores y compositores

favoritos en un solo lugar y trabajar

con ellos. Eso lo hice durante el

invierno así que, si todo sale bien, quizás

a fin de año tenemos un proyecto

completo y listo para mostrarse.

“Surrender”, con Alesso, fue

lanzado en abril y contó con

el apoyo de Billboard Dance,

al momento de componer, ¿lo

hacés pensando en los charts

y los medios?

Creo que uno tiene que escribir música

sin importar lo que pase y sin

esperar nada a cambio. Al momento

de empezar a pensar en cómo poder

sacarle provecho, es cuando uno empieza

a perder criterio en su propia

música, por lo que siempre estamos

enfocados en el proceso creativo sin

pensar tanto en el chart.


24

BILLBOARD.AR

OCTUBRE 2025

Turbulence, la consolidación de Nick Warren

El icónico DJ británico, uno de los más importantes en la historia del progressive house, consagra sus más de

tres décadas de recorrido con su álbum debut. Lo presenta en noviembre en Buenos Aires.

lo largo de estos

años, Nick Warren

A ejerció como DJ de

gira para Massive Attack,

fue residente en Cream, un

habitual en Glastonbury, y el exportador

más exitoso del Reino Unido

hacia Argentina, en gran parte gracias

a su marca The Soundgarden.

Como mitad de Way Out West,

ayudó a escribir el manual para los

actos electrónicos basados en clubes,

logrando verdadera longevidad

sin concesiones.

Es, sin dudas, un currículum impresionante,

una carrera con la que

muchos solo pueden soñar. Pero

Nick siempre tuvo una inquietud

más por resolver. Inspirado desde

joven por los discos de Jean-Michel

Jarre y Tangerine Dream que

escuchaba con su padre, forjado

en la época de sellos experimentales

como 4AD y Factory, con raíces

profundas en la escena dub de su

Bristol natal, y coleccionista de exotismo

y de bandas sonoras de cine

poco comunes. Todo ese conocimiento

y pasión pedían a gritos

canalizarse en un álbum solista de

Warren.

Todo lo cual nos lleva a Turbulence,

su obra definitiva. El mundo es ciertamente

un lugar turbulento mientras

Nick se prepara para lanzar su

trabajo maestro. Pero la turbulencia

musical que aquí se despliega

parece inspirarse en otras interpretaciones

de la palabra: turbulencia

como una sensación de intensidad

elevada, turbulencia marcada por la

imprevisibilidad.

Turbulence es una ventana al alma

musical de Nick, y a la mirada de

estilos e influencias que residen allí,

destiladas en un crisol melódico

para crear un guiso sonoro único.

Los tempos y estilos cambian e

interactúan sin esfuerzo, el ánimo

sube y baja como en los mejores

sets de DJ, y el recorrido —desde la

etérea apertura “Loveland” hasta el

dolorosamente hermoso corte final

“Sadly”— muestra a un artista en la

cima de su arte, con una profunda

comprensión del concepto de álbum

de larga duración.

“Lo que también estamos haciendo

son shows en vivo. El primero es

en noviembre en Soundgarden, el

21, en Buenos Aires. Nunca hice un

set live de ‘Nick Warren’, así que la

preparación va a ser conmigo arriba

del escenario con sintetizadores,

más Nicolás Rada en sintetizadores

y Mercurio en la guitarra, por lo

que seremos tres arriba del escenario”,

adelanta Warren en diálogo con

Billboard Argentina acerca de lo

que será su show en Obras el próximo

21 de noviembre.

“Será un set de 90 minutos y haremos

un mix del álbum con algunos

de los clásicos, como Buenos Aires

y otros tracks antiguos. Nick y yo

lanzamos una nueva versión que se

llama ‘Dead Eyes Opened’ hace un

año en Soundgarden, así que también

haremos una versión nueva

con Mercurio. Será un live completo

con banda, realmente muy emocionante”,

agrega.


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OCTUBRE 2025

MARILINA BERTOLDI

LUNA EN OBRAS - EN VIVO

CINDY CATS

“Volver al vivo es ir

al origende la música”

La agrupación de músicos estrena su primer disco en vivo, Vol. 1, y se prepara para su próximo show el 27 de noviembre en

el Microestadio de Ferro.


H

ubo un tiempo, allá por los años 30,

en que la música decidió romper con todo. En

bares y clubes de ciudades estadounidenses,

músicos como Nat King Cole, Willie Smith o Don

Byas se reunían sin más plan que tocar, improvisar,

dejar que las notas se encontraran y se pelearan entre

sí. Ese juego de pura libertad fue bautizado jam session,

y con él nació un nuevo lenguaje, compartido

solo por quienes tenían la disposición a ceder al azar.

Con el tiempo, las jams se fueron profesionalizando.

Norman Granz, con su Jazz At The Philharmonic

(JATP), convirtió la improvisación en espectáculo,

donde cualquier joven sin renombre podía subirse a

un escenario al lado de una estrella. Su esquema fue

totalmente disruptivo, de repente, los beneficios empezaron

a ser repartidos con los músicos y se negaban

shows en ciudades donde se segregara al público.

Casi un siglo después, en pleno 2025, Buenos Aires

parece haber heredado esa misma energía. Por

todos lados hay jams, pero hay una que sobresale:

Cindy Cats, un ritual que resiste la rutina del show

convencional. La ciudad los ama, y los artistas, todavía

más. Porque lo que ofrecen va más allá de un

escenario; es un espacio que desarma a los intérpretes,

los pone frente a sí mismos y a la música. Trueno,

Dillom, Dante Spinetta, David Lebón, Lula

Bertoldi, Emmanuel Horvilleur, todos subieron a

ese altar y encontraron algo inesperado.

El viaje de la agrupación de músicos comenzó

en el Club América, un lugar donde la cercanía era

difícil de escapar. "Extrañamos América -cuenta

uno de los integrantes-. Había algo que no podías

evitar: la cercanía, la seguridad de la gente. Cada

show tenía ese plus". Hoy, esos shows se replican en

Obras, en el Microestadio de Ferro (el próximo 27

de noviembre), incluso en los venues de España, y

aunque la escala cambió, el cuidado permanece.

Antes de su gran show y con el lanzamiento de su

disco Vol. 1, Pedro Pasquale, Felipe Herrera, Axel

Introini y Francisco Alduncin conversaron con

Billboard Argentina sobre el significado del proyecto,

sus primeros pasos en escena, la experiencia

de llenar estadios y los planes de futuros discos.

¿Cómo lograron trasladar la intimidad que

se vivía en los primeros shows en Club

América a estadios más grandes?

Pedro: Es una balanza. Por un lado, extrañamos

América, había algo que no podías evitar: la cercanía

y seguridad de la gente. No necesitábamos

poner vallas; veíamos a la persona ahí, muy cerca,

y eso generaba un calorcito especial al tocar. Cada

show tenía ese plus. Ahora, al ser lugares más grandes,

con más gente, se siente más lejano. Pero a su

vez, eso nos da otras cosas: somos muy obsesivos

con lo que hacemos, y en lugares como Obras o

Ferro podés lograr un sonido mucho mejor y aprovechar

las pantallas enormes.

Me sorprende que tantos artistas elijan

participar de este espacio. ¿Qué creen

que les aporta a diferencia de un escenario

convencional?

Felipe: Es mutuo, ellos nos aportan a nosotros y

nosotros a ellos. Los artistas ven que dedicamos

mucho amor a nuestro proyecto, que cuidamos

la música y que hacemos todo lo posible para

que su música suene bien en nuestro espacio. Esa

dedicación, la curaduría del proyecto, la técnica,

el sonido, el video, todo crea un combo que hace

que cualquier artista confíe en que va a estar muy

bien cuidado.

Pedro: Se sienten desafiados; les gusta el escenario

de Cindy Cats, porque los saca de su zona. Tienen

que dar todo de sí, la música suena diferente, el

360° les ofrece otra perspectiva. Incluso artistas con

años de trayectoria llegan y se sienten intimidados

por cómo se desarrolla todo: hay alguien detrás de

ellos, el público está muy cerca, y eso genera una

presión distinta, como un abrazo. Es un escenario

completamente diferente al normal.

¿Qué comentario o reconocimiento

de un artista recuerdan como el más

significativo?

Felipe: Uno de los más significativos fue el

mensaje de Lebón. Fue el primero que realmente

nos hizo sentir que todo había salido

bien, desde la prueba de sonido hasta el final

del show, lo vimos sonreír todo el tiempo. Y

no le podés borrar esa sonrisa.

Pedro: Marcela Morello también llegó con un

poco de miedo, no porque no pueda tocar -ella

es una música letal- sino por el contexto de su

música. No fue la más aplaudida de todas las

ediciones, pero verla sorprendida y feliz fue increíble.

Es impresionante ver a artistas de tanta

trayectoria y experiencia reaccionar así.

¿Cómo equilibran la improvisación en

los shows? ¿Hasta qué punto tienen

libertad y hasta dónde la técnica los

limita?

Pedro: Cada vez el eje se orienta menos en la

improvisación pura. Cindy Cats es un proyecto

muy vivo y dinámico; va cambiando con el

tiempo. Al ser más grande, con tantos artistas

invitados, hay mucha preproducción: se arman

arreglos y luego se dejan momentos de

improvisación para que surja lo espontáneo.

¿Qué valor tiene para ustedes la música

en vivo, la experiencia de tocar

frente al público?

Axel: Volver al vivo es volver al origen de la

música, donde todo empieza desde la interacción

con el público. Lo complejo que sería un

disco de estudio -mezclar instrumentos y estilos-

lo resolvemos en tiempo real, puede entrar

un coro gospel, un solo de violín o un acordeón,

y pasar de una guitarra eléctrica distorsionada

a una flauta o una quena. Todo eso alimenta la

experiencia del vivo y la hace especial.

FOTOS: SIMÓN CANEDA

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OCTUBRE 2025

+54 9 11 5796-5620


BAD

BUNNY

EL EMBAJADOR

Se ha convertido en una de las superestrellas

más grandes del mundo — y, como le cuenta

a su compatriota Residente, eso lo inspiró a

“hacer música para Puerto Rico”.

POR LEILA COBO

E

En la penúltima noche de su residencia de 30 días con

entradas agotadas en San Juan, Bad Bunny, visiblemente

emocionado, se paró frente a la imponente “montaña”

que había mandado construir en el piso del Coliseo de

Puerto Rico José Miguel Agrelot y dio un mensaje lleno

de amor.

“Valora cada minuto, cada segundo que la vida y Dios

te regala”, dijo a la multitud de 15.000 personas, con la

voz quebrándosele por momentos. “No importa cuál sean

tus problemas, de todas las opciones de solución la mejor

siempre va a ser el amor. Gracias, gracias. A los que se fueron

un día de Puerto Rico soñando con volver, y a los que

todavía seguimos aquí, ¡no me quiero ir de aquí!”.

No Me Quiero Ir de Aquí, el nombre que Bad Bunny le

dio a su residencia en Puerto Rico, está intrínsecamente

ligado a su álbum DeBÍ TiRAR MáS FOToS, una emotiva

carta de amor a Puerto Rico y a la música de la isla que

Bad Bunny dedicó en la contraportada “a todos los puertorriqueños

alrededor del mundo”.

Podría haber dicho: “A todo el mundo alrededor de

Puerto Rico”. Desde el lanzamiento del álbum el 5 de

enero (en la víspera del Día de Reyes, una fecha importante

en la isla) y desde el inicio de la residencia el 11 de

julio, “No me quiero ir de aquí” se ha convertido en un

grito de orgullo tanto para los puertorriqueños como

para la diáspora multicultural global que se ha visto reflejada

en las canciones más autóctonas de Bad Bunny.

Solo nueve meses después de su lanzamiento, el éxito

de DeBÍ TiRAR Más FOToS — que pasó cuatro semanas

no consecutivas en el No. 1 del Billboard 200 — ha sido

impresionante, especialmente para un álbum que explora

estilos como la plena y la salsa, y que Bad Bunny describe

como un trabajo hecho con “cero” expectativas comerciales.

A nivel global, es un fenómeno, unificador de culturas,

un incentivo para bailar, un llamado lleno de amor

y celebración. Todo se reduce a la isla de Bad Bunny, con

su dicotomía de belleza natural impresionante y su miasma

de problemas económicos, el lugar que él considera

su casa y al que dice que “siempre regresa”.

A medida que su estrellato ha crecido, el artista nacido

como Benito Antonio Martínez Ocasio se ha convertido

en el embajador más apasionado y efectivo de la historia

de Puerto Rico. Y en febrero, será el artista principal del

show de medio tiempo del Super Bowl LX en Santa Clara,

California.

Cientos de miles de fans — que ahora pueden distinguir

entre una plena y una salsa y saben que el señor de

edad en los videos de Bad Bunny es el actor puertorriqueño

Jacobo Morales, de 90 años — viajaron a Puerto

Rico para ver la residencia, que se llevó a cabo de julio a

septiembre. Una vez allí, el público vivió una “fiesta de

marquesina” con el telón de fondo de la enorme montaña

de la producción y su ya icónica casita, una réplica de

una casa puertorriqueña de familia común, construida

dentro del Coliseo. Celebridades desde LeBron James

hasta Jon Hamm festejaron en la casita, y docenas de

artistas — incluyendo a Young Miko, Arcángel, Ricky

Martin y Rubén Blades — cantaron en la tarima como

invitados especiales.

Entre ellos estaba su amigo de años, Residente (nombre

real: René Pérez Joglar), el irreverente rapero puertorriqueño

conocido por sus letras incisivas, pronunciamientos

sociales y su pasión por la política de la isla. En

Bad Bunny, encontró a un iconoclasta similar, aunque

menos denunciatorio. Los dos se hicieron amigos después

de cenar juntos en un restaurante de San Juan en

diciembre de 2017 y colaboraron musicalmente en 2019

en “Bellacoso” y “Afilando los cuchillos”, una canción

antigobierno incendiaria que lanzaron después de que

Bunny y Residente hicieran una visita nocturna sorpresa

"LA MANERA EN

QUE YO TRABAJO,

DENTRO DE MI

ORGANIZACIÓN ES

DESORGANIZADA"

al entonces gobernador Ricky Rosselló.

Rosselló renunció a su cargo ese mismo año, pero la

amistad entre ambos músicos ha perdurado. Después

de presentarse una vez en la residencia de Bad Bunny y

asistir como invitado una segunda ocasión, Residente

entrevistó a su amigo para Billboard al día siguiente del

último show de la residencia, para una conversación profunda

sobre la nostalgia, la música, el cine y, por supuesto,

el orgullo puertorriqueño.

RESIDENTE: Es increíble poder hacerte esta entrevista.

En serio. Pero lo primero que te quería preguntar, es

entender tu cabeza, tu lógica detrás del arte y el concepto

de todo este concierto. La casita, la montaña, el flamboyán,

el espacio en donde toca el cuatrista. ¿De dónde sale

eso?

BAD BUNNY: La manera en que yo trabajo, dentro de

mi organización es desorganizada. A veces tú tienes

algo y empiezas a navegar y ves que van surgiendo cosas

y cosas y, en mi caso, siempre todo encaja. Específicamente

con este show, la primera idea, lo primero, fue

la montaña.

Yo tenía esta ilusión y esta fantasía de poner una montaña

así en medio del Choli. Como si agarraran un

pedazo de una montaña en el centro de la isla, así, y la

pusieron en el Choli. Y como todos los conciertos necesitan

su pantalla y todo eso, se me ocurrió la idea del

billboard ahí en la montaña, jodiendo la naturaleza, y

que eso fuera el screen, la pantalla que viera la gente.

Luego el equipo que trabajó en la montaña presentaron

lo del flamboyán, lo del platanal. Yo amo cuando la


gente me sorprende con ideas que a mí no

me surgieron.

Y la casita viene después. A mí en los

shows, yo creo que lo más que me da cosa

son los VIP. Siempre es como que es raro

y el faranduleo. ¿Cómo yo puedo convertir

ese faranduleo en algo divertido, en

algo interactivo, en algo cool? Y yo dije,

pues el VIP va a ser el Stage B, que va a

ser la casita del disco, la casita de Jacobo,

la casita del cortometraje, con su cocina,

con su sofá, con todo. Y va a ser este party

de marquesina. La gente va a estar allí, va

a ser como parte del show, van a disfrutar,

voy a compartir con ellos.

RESIDENTE: La casita es el party de marquesina

de tus sueños. ¿Quién te hubiera

gustado que estuviera allí y no estuvo,

y por qué?

BAD BUNNY: Yo llegué a ir a party de marquesina

de chamaquito, además de que en

mi familia hubo un montón de fiestas: las

navidades, las nochebuenas, el cumpleaños,

y en verdad el ambiente aquí en la

casita se sentía así. El día de Tito [el boxeador

Félix “Tito” Trinidad], René, ese día

parecía que iba a haber una pelea de Tito.

Y tú sabes cómo se ponía el ambiente en las

casas cuando Tito peleaba; eso era un día

de Navidad. Se sentía esa euforia, esa unión

familiar, y el orgullo.

¿Quién me hubiera gustado que hubiera

venido? Hubiera sido brutal que

Tego [Calderón] hubiera estado. Y no cantando.

Me hubiera gustado que hubiera

venido aquí a sentir esto. Tego hubiera sido

súper brutal. Drake, hubiera sido cabrón.

Yo personalmente no estaba al 100% al tanto

de quién iba a venir a la casita. Muchas

veces yo entraba por ahí y era sorpresa.

RESIDENTE: Cuando terminas de cantar

“Lo que pasó en Hawaii” aparece escrito

en la pantalla, “no me quiero ir de aquí”.

¿Qué debería tener Puerto Rico para mantenernos

aquí, sin la necesidad de irnos?

BAD BUNNY: En mis discos, los nombres

ahí medio largos siempre tienen un significado.

Y no me quiero ir de aquí, no me

quiero ir de Puerto Rico, no me quiero ir

de esta tarima. Pero sin duda el principal es

no me quiero ir de mi casa. Aquí vinieron

muchas personas de diferentes partes del

mundo de Latinoamérica, latinos que viven

en los Estados Unidos que muchos de ellos

se tuvieron que ir de su casa o sus padres

algún día se tuvieron que ir de su casa.

Cualquier persona que tuvo que irse de su

país, de su tierra, se puede identificar. O

personas que nunca quisieran irse también

lo pueden sentir.

RESIDENTE: No es [solo] irme de aquí,

pero viajar, conocer y volver, y cómo impactar.

¿Tú piensas también de esa idea

de la gente que se quiere ir para crecer y

regresar?

BAD BUNNY: No es lo mismo irse a conocer,

a crecer, a experimentar, que irse

porque no tienes otra opción, irte porque

no tienes cómo quedarte.

RESIDENTE: Y conecta con lo de “Boricua

en la Luna” [un poema de añoranza

puertorriqueña de Juan Antonio Corretjer

adaptado en canción por Roy Brown],

porque hay gente que está afuera pero no

se han ido de aquí. Ellos siguen comiendo

arroz haciendo todo lo que se hace en

Puerto Rico.

BAD BUNNY: Sí, exactamente. El primer

visual que aparece en el show sale Jacobo,

y lo primero que dice es: “Seguimos aquí”.

Vemos la escena donde ellos están en la

nieve en una cabaña y él dice “seguimos

aquí”. Donde quiera que estemos tú y yo,

es casa, y donde quiera que yo vaya soy

seré puertorriqueño. Ahí se va entendiendo

a lo que se refiere “no me quiero ir de

aquí”.

RESIDENTE: Se habla mucho de cómo tu

residencia impactó positivamente la economía

del país. Pero más allá del dinero,

¿qué piensas de lo que no se puede robar

de la marca, la huella que dejó esta residencia

en la identidad del país?

BAD BUNNY: Eso no se roba, eso no se

compra. Eso es de las cosas que más me

llena. Y es algo que es parte del propósito,

pero es algo que también sale por lo

que he hecho de corazón. Cuando yo veo

que aquí habían desde chamaquitos, jóvenes,

adultos, ancianos de 80, de 90 años,

sintiéndose joven, como que vistiéndose

cool, y a cada línea o punchline alusivo

a la puertorriqueñidad y al orgullo de lo

que es ser de aquí. Todo eso me llena un

montón.

RESIDENTE: Yo no tiro muchas fotos.

Cuando sacaste lo de DeBÍ TiRAR MáS

FOToS, me empecé a sentir culpable

cuando no documentaba algo.

BAD BUNNY: El nombre también va para

yo aplicármelo, porque yo soy una persona

que de por sí no tiro muchas fotos.

Pero es por el otro sentido y significado

del nombre también, y es el de vivir esos

momentos. Por eso hay una parte en el

concierto donde yo me tiro ese speech de

guarda el teléfono. Es guardar esa, la foto

del corazón, el momento, disfrutarla, que

esa es la que yo siempre tiro.

"YO TENÍA ESTA

FANTASÍA DE PONER

UNA MONTAÑA EN

MEDIO DEL CHOLI.

COMO SI AGARRARAN

UN PEDAZO DE UNA

MONTAÑA EN EL

CENTRO DE LA ISLA,

ASÍ, Y LA PUSIERAN"

RESIDENTE: Hay veces que yo no recuerdo

muchas cosas, pero la energía del recuerdo

es tan bonita.

BAD BUNNY: Los otros días había una

muchacha [con la] que estábamos interactuando

[en el show] y cuando yo fui

a tirarle el beso, ella no lo vio por buscar

su teléfono. Ella se perdió de ese momento.

Yo espero que alguien haya visto y se

lo diga.

RESIDENTE: Cantaste con Gilbertito, cantaste

con Rubén Blades. ¿Con cuál otro

cantante de salsa te hubiera gustado tener

ese momento? Y si te atreves, ¿me tiras tus

top 5 de salsa?

BAD BUNNY: Mano, me quedé con las

ganas de cantar con Víctor Manuelle, que

tengo entendido que le hicimos el acercamiento

pero tenía la agenda súper llena y

no pudo venir. Fue con el primero con que

hice una salsa cuando yo todavía estaba

empezando en el trap. De todos en aquel

momento, como que él me invitó a una

salsa y yo me sentía halagado porque yo

siempre he sabido lo que yo puedo dar en

la música, pero en aquel momento yo sabía

que era poco probable que lo notaran

porque yo estaba en otra onda.

[Mis top 5] vivo o muertos, un Héctor Lavoe,

un Frankie Ruiz, un Cheo Feliciano,

un Ismael Rivera, una Celia, Tito Rojas

hubiera sido duro. Tito Rodríguez como

que a mí me gusta mucho escuchar su voz

cantar.

RESIDENTE: La orquesta de Los Sobrinos

es una mezcla de músicos jóvenes. ¿Cómo

surgió ese junte?

BAD BUNNY: Yo tenía la idea de esta canción

y del proyecto, específicamente “Baile

Inolvidable”, y sabía que necesitaba hacerla

realidad. Cuando yo hago música, tú sabes

que a mí me gusta todo en secreto. Yo tenía

el arreglo aquí en la mente, pero necesitaba

a alguien que lo hiciera realidad. De

casualidad del mundo de la vida, dimos

con Big Jay, que es el que tocaba los bon-

32

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OCTUBRE 2025

Estilismo: Storm Pablo

Peinado: Gilbert Gonzalez

Producción: Sigfredo Bellaflores y Lauri Vega

gos y la campana, que fue el que me ayudó.

Ambos creamos el arreglo en computadora de

“Baile Inolvidable”. Estábamos por ahí en la

búsqueda, y dentro de esa búsqueda yo vi un

TikTok de este chamaquito que se ve como de

12 años dirigiendo una orquesta de chamaquitos

también. Estaba tocando el bongo y

bailando a la vez y se veía con tanta vida, parecía

un mini Roberto Roena. El video se veía

que era viejito, y [pensé que] sería interesante

encontrarlo [ahora].

Era Julito Gastón. Él me ayudó a conseguir

los músicos. Y resulta que los mismos nombres

que me daba Julito, eran los mismos que

me daba Big Jay. Esos chamacos le dieron lo

que yo estaba buscando, que era el sentimiento.

Tenían esa hambre.

RESIDENTE: Hay un concepto ahí [para un

álbum]. ¿Quizás sea sorpresa?

BAD BUNNY: Se supone que sea una sorpresa,

pero creo que es obvio que no se puede quedar

ahí.

RESIDENTE: Hay canciones que a mí me pasa

que yo las siento ahí, como que en el pecho.

¿Qué canción es esa dentro de tu setlist?

BAD BUNNY: Depende obviamente del día, del

mood. El primer día que canté “La mudanza”

fue como que me agarró porque era la primera

vez que la cantaba en el show. Yo sabía que

mami estaba en el público. “ DtMF” que también

es una canción sentimental. Está esa línea

de hoy voy a estar con abuelo jugando dominó,

porque precisamente ese día yo estuve todo el

día jugando con abuelo. Y “Lo que le pasó a

Hawaii”.

RESIDENTE: Es una canción especial. Hablemos

de la actuación. A mí me ha ayudado a ser

más honesto en el escenario.

"HUBIERA SIDO

BRUTAL QUE TEGO

CALDERÓN HUBIERA

ESTADO. Y NO

CANTANDO. ME

HUBIERA GUSTADO

QUE HUBIERA

VENIDO AQUÍ A

SENTIR ESTO.

TAMBIÉN DRAKE"

BAD BUNNY: Apenas estoy empezando y tú lo

sabes, es una es una carrera que la he tomado

con respeto y aprendiendo y cogiendo la expe-

riencia poco a poco, porque es un campo que

respeto mucho. Hay muchos recursos de actuación

que he utilizado en mis proyectos. Y hasta

ahora la experiencia me ha gustado. Especialmente

de las más recientes, cuando hice Happy

Gilmore [2] y Caught Stealing. Yo mismo decía,

“Wow, está nítido”, porque siempre había querido

hacer una comedia, porque me gusta la

comedia. Es el género que más consumo y a mí

me gusta hacer reír a la gente. Entonces por fin

se me estaba dando la oportunidad de hacer

algo más liviano, más familiar, y justo ahí mismo

estaba haciendo Caught Stealing.

RESIDENTE: ¿Tú vas corriendo al playback

cuando haces una toma?

BAD BUNNY: Cuando yo estoy haciendo mis

videos yo voy para allá. Pero en las películas,

por ejemplo en Happy Gilmore, Adam Sandler

me dio la confianza y me decía para que lo

viera y ahí yo iba. Yo tenía la confianza después

de casi un mes trabajando con él. Con Darren

[Aronofsky] yo estoy consciente que si yo hice

un papelón él me lo va a decir. Yo confié infinitamente

en su dirección y ahí yo ni me veía.

Él mismo en ocasiones me decía y yo iba, y

me enseñaba lo que hice y me decía “bien”. Me

ayudó mucho trabajar con él porque yo estaba

consciente que él no iba a dejar que yo le dañara

su película.

RESIDENTE: [Volviendo a la residencia], la

curaduría de los invitados. De momento Luis

Fonsi cantando “Lo que le pasó a Hawai” son

cosas que no te imaginas por el género.

BAD BUNNY: Mi visión desde un principio,

y que se fue reforzando durante el camino, es

que todo el mundo se sintiera parte de esto. Yo

no quería que nadie se sintiera excluido. No

importa ideología política, no importan los

gustos musicales, no importa nada. De eso se

trata: de que convivamos dentro de diferencias

y disfrutar. Yo quiero que esa persona cuando

recuerde diga, “fui parte de esto”. Aquí era

bienvenido todo el mundo.

RESIDENTE: Pareció una celebración navideña

puertorriqueña. Tenía ese feeling, ese

sentimiento.

BAD BUNNY: Shows míos, yo no había vivido

algo así: una experiencia de armonía. La palabra

perfecta para mí es armonía. Treinta fechas

y yo todavía no he visto que se haya ido viral

un video de una pelea o de dos personas discutiendo.

Todo el mundo se amaba, todo el mundo

se quería, todo el mundo bailaba.

RESIDENTE: Tiene que ver mucho con la música,

y la música tiene que ver mucho con la

madurez que has tenido. ¿Qué viene después?

Parece que ya estás ahí en lo más alto.

"YO SOY

UNA

PERSONA

QUE, DE

POR SÍ,

NO TIRO

MUCHAS

FOTOS"

BAD BUNNY: Yo creo que eso es lo más que

me gusta de lo que hago. A mí me gusta pensar

en qué es lo próximo y específicamente

eso que acabas de decir de, no busques grandeza,

haz lo que tú sientas y de ahí el mundo,

la vida, el destino, la gente decidirá. Estaba

hablando los otros días con una persona

que me está hablando de cuando los artistas

empiezan a sentir ese bajón después de tener

todo. Yo me acordaba [una] conversación

[que tuve con mi mamá cuando empezaba

a cantar]. Le decía, “Mami, tengo miedo de

apagarme”. Y mi mamá me dijo, “No tengas

miedo de eso. Disfrútatelo y no pienses en

eso”. Y yo recuerdo cuando yo tiré “Chambea”

que yo vi que estaba fuerte en Puerto

Rico, y en mi mente yo dije, ya esta es la

última que yo voy a pegar. Y ver que después

de eso todavía había un mundo de éxito y

de carrera y de tantas cosas fue súper loco.

Cuando llega Un Verano Sin Ti, ahí es donde

yo dije: “OK, después de esto yo no quiero

forzar a hacer algo más grande”. Cuando yo

hago este proyecto, a mí no me importaba

ser el No. 1. Algo que yo sabía y que este disco

me lo reconfirma es que tú siempre tienes

que hacer lo que tú sientas y apostar a tu visión

y cantar del corazón lo que de verdad tú

sientes sin buscar grandeza.

RESIDENTE: Cuando eres un creativo que

escribe, que compone, que hace visuales,

que trabaja creativamente, eso no se apaga.

Lo que dejaste aquí, cabrón, fue muy especial.

Ver lo que tú lograste a mí me llena de

orgullo, me enseña, y me siento bien contento

de ser tu amigo, de ser tu hermano, de

conversar contigo y de las experiencias que

hemos tenido juntos.

BAD BUNNY: Gracias hermano. Muy bien,

que se cuide Don Francisco papi.


BAD BUNNY EN PUERTO RICO:

la isla quedó en el centro del mapa

cultural al del mundo

Durante 31 noches históricas, San Juan vivió algo más que conciertos durante una residencia

que fue ritual colectivo y orgullo boricua.

POR GABRIEL SOTELO

T

odavía siento en la piel la humedad

espesa de Puerto Rico,

esa mezcla de sal del mar, sudor y

expectativa que flotaba en el aire cuando

Bad Bunny subía al escenario del Choliseo

en una de las 31 noches en las que San

Juan fue testigo de esta histórica residencia

“No me quiero ir de aquí” en la presentación

del exitoso disco DeBÍ TiRAR

MáS FOToS.

No eran simples conciertos: era un ritual

colectivo, una misa pagana con millones

de devotos, una forma de proclamar el

orgullo boricua frente al mundo. Lo que

se vivió en San Juan fue más que música,

fue historia, política y comunidad. Fue

una bandera de Latinoamérica unida.

Llegar al estadio era sentir que la isla

entera se había congregado en un mismo

punto. Desde la fila para entrar ya se respiraba

la ansiedad con grupos de amigas

pintadas con glitter, familias enteras con

camisetas de retratos boricuas, pavas de

paja con leyendas de la residencia, vendedores

ambulantes que convirtieron el

lugar en una romería tropical.

Los parlantes lanzaban reggaetón clásico

al sonar de Daddy Yankee, Ozuna,

Rauw Alejandro, Luis Fonsi, Ivy Queen

y cada coro improvisado en la previa funcionaba

como recordatorio de que el género,

tantas veces despreciado, había encontrado

en Bad Bunny a su vocero más

ruidoso y más legítimo.

Cuando se apagaron las luces, la multitud

explotó como si se tratara de un

mundial ganado en casa. Desde el primer

acorde entendí que aquello no era un

show más. Era la isla cantándose a sí misma

a través de su hijo pródigo, y nosotros

—los que llenamos el estadio, los ajenos,

los turistas— éramos testigos y cómplices

de ese grito de identidad que se escuchaba

más fuerte que cualquier parlante.

Vi banderas ondeando desde cada rincón,

abuelos emocionados recordando

cuando la bomba y la plena eran apenas

un murmullo de esquina, pibas que viajaron

desde distintos puntos de Puerto Rico

para ver a su ídolo y turistas de todo el

mundo que no podían creer la magnitud

del fenómeno. En ese mosaico de gente se

leía algo más que devoción: era orgullo nacional,

un mensaje al mundo entero de que Puerto

Rico no necesita pedir permiso para ocupar el

centro del mapa cultural.

Bad Bunny no se limitó a cantar hits como

“Tití me preguntó” o los actuales “NUEVAYoL”

o “VOY A LLeVARTE PA PR”. Invitó a colegas

del género como Arcángel para darle nueva

vida a “La Jumpa”, a Ivi Queen con su “Pa la

cama voy”, a leyendas de la salsa como Gilberto

Santa Rosa para cantar “Baile inolvidable” y a

nuevas voces que representan la raíz y el futuro

de la isla como Chuwi para compartir “Weltita”.

El escenario se convirtió en un mapa vivo de

la cultura puertorriqueña: hubo momentos de

reggaetón crudo, otros de perreo inagotable y

hasta homenajes a figuras históricas que marcaron

generaciones de la bomba y la plena. Ahí

entendí que esta residencia no buscaba únicamente

entretener: era narrar la vida de Puerto

Rico en clave de raíces, con la ambición de un

manifiesto global.

Hubo un instante en que levantó la voz para

hablar de la importancia de disfrutar el momento,

de vivir el ahora, de aprovechar cada

instante en esta tierra, como si fuera un predicador.

Esa fusión entre espectáculo y discurso

motivacional convirtió estas noches en algo

irrepetible: el Conejo Malo transformado en

portavoz de una generación que ya no quiere

callarse, que exige ser escuchada dentro y fuera

de la isla.

Lo que significó para el país va más allá de

la música. Fue un recordatorio de que Puerto

Rico, tantas veces relegado y tratado como periferia,

puede situarse en el centro de la cultura

global sin perder su esencia. Benito lo demostró

con un despliegue artístico a nivel mundial,

pero desde la isla y para la isla. Su casa como

punto de partida, pero con la mirada puesta en

todo el planeta. Más de tres horas de show con

una energía desbordante.

Cada detalle estaba pensado para reafirmar

identidad: la estética del escenario con un cerro

sobre uno de los lados e imágenes de playas y

calles de San Juan, los visuales que retrataban

lo que pasaba en cada rincón del Coliseo y que

celebraban la diversidad musical de la isla. Del

otro lado: la casita. La que se viralizó en todo

el mundo, la que todos conocían por el sinfín

de famosos que pasaron por ella. Esa casita, la

típica de Puerto Rico, en la que los abuelos de

FOTOS: ERIC ROJAS

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OCTUBRE 2025

FOTOS: ERIC ROJAS

San Juan aún viven. Todo en clave monumental,

como si cada minuto dijera:

“Esto somos y esto le mostramos al

mundo”.

El impacto no se quedaba únicamente

en el estadio. En las calles de San

Juan, durante esas semanas, el eco de la

residencia se sentía como un carnaval

extendido. Los bares, los kioscos y las

plazas reproducían en loop los mismos

hits que sonaban en el Choliseo, y hasta

quienes no entraron al show sentían que

eran parte de algo mayor. Era como si

la isla entera se hubiera puesto en modo

celebración, un fenómeno cultural que

excedía lo musical para convertirse en

un estado de ánimo colectivo.

Además, lo que pasó en Puerto Rico

tiene una lectura política innegable. En

un país marcado por la discusión sobre

identidad y pertenencia, Benito se plantó

como símbolo de soberanía cultural.

Sin necesidad de discursos explícitos, el

mensaje era claro: Puerto Rico puede ser

pequeño en territorio, pero es gigante en

cultura. Cada tema, cada colaboración,

cada visual en pantalla reforzaba esa

declaración de independencia simbólica

que solo la música puede transmitir con

tanta potencia.

Pero lo más potente fue la proyección

hacia adelante. Esta residencia no se

cerró en sí misma: fue el inicio de una

nueva gira mundial que promete arrasar

en cada continente. Y ya tiene tres fechas

marcadas en el calendario argentino:

13, 14 y 15 de febrero en el Estadio

de River. Ahí, Buenos Aires recibirá ese

mismo aire caribeño que se sintió en

San Juan. No será solo un recital: será la

exportación directa de un espíritu que

nació en la isla y que ahora viaja para

encender otras geografías.

Me gusta pensar que lo que viví en

Puerto Rico fue una especie de prólogo.

Una introducción al capítulo que pronto

se escribirá en nuestro país. La conexión

emocional entre la isla y el sur se dará en

carne viva cuando suenen esos mismos

beats frente a un público argentino acostumbrado

a apropiarse de cada artista

que pisa el escenario con esa entrega

total.

Salí del estadio con la sensación de

haber presenciado un capítulo histórico.

No era solo Benito cantando, era Puerto

Rico entero celebrándose, proclamándose

y proyectándose hacia el futuro. Y

también, era el anuncio de que lo que

empezó en San Juan pronto recorrerá el

mundo entero. Una isla pequeña, un artista

gigante, y un pueblo que convirtió a

su hijo en emblema. Lo que nació como

residencia, en realidad fue un punto de

partida: el inicio de una travesía que en

febrero tendrá escala en Argentina, y

que ya palpita como uno de los momentos

musicales más intensos que nos tocará

vivir en mucho tiempo.

SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 39

Charly, Spinetta y el bait que los

unió en 1980

A 45 años del show que juntó a Serú Girán y Spinetta Jade,

los entretelones de un encuentro histórico.

POR NICOLÁS IGARZÁBAL

En septiembre de 1980, Charly García y

Luis Alberto Spinetta se juntaron por primera

vez en un escenario. Estuvieron acompañados

por sus bandas de entonces: Serú Girán y Spinetta

Jade. Unas 20.000 personas fueron a verlos

durante tres noches seguidas a Obras Sanitarias.

¿Cómo se gestó esta unión histórica?

La revista Hurra, publicación de la editorial

De la Urraca apuntada al público joven, había

sacado su primer número a la calle con una

tapa polémica: "Charly García VS. Louis Al

Spinetta. ¿El rock es un partido de fútbol?".

Adentro, una ilustración mostraba a los dos

ídolos con camisetas de fútbol, uno con la de

Boca y el otro, con la de River… Aunque ambos

fueran del millonario.

"Fue una idea del director de la revista, Andrés

Cascioli, que se le ocurrió jugar con esa

dicotomía para vender un poco más, planteando

como si Charly fuera Boca (más popular,

de barrio) y Spinetta fuera River (más fino, por

su poesía)", explica Gloria Guerrero, jefa de

redacción. "El resto no estábamos de acuerdo.

Entendíamos que el problema no era entre nosotros,

el problema

era con la dictadura

y con la policía,

en una época donde

había desaparecidos

y detenciones

a las salidas de los

recitales. Yo me

opuse, pero no podía

hacer nada".

El texto, firmado

por el periodista

Eduardo Mileo,

detectaba dos vertientes

dentro del

movimiento local:

el clan García y

"la decadencia del

rock", y la "corriente

almendrística",

con más vuelo artístico,

encabezada

por Spinetta.

"Charly García

representa, en este

momento, la cabeza

visible de un

sector que ha comenzado su declinación irremediable".

Así arrancaba la diatriba de Mileo.

Sus argumentos: lo criticaba por estar "emblocado

y aislado en una sola grabadora (Sazam

Records)" y por mostrarse "emparentado a

sectores absolutamente adversos a él por principios

morales". No le perdonaba su aparición

en el programa de Mirtha Legrand.

Sobre la diáspora de Spinetta, en cambio,

sostenía: "Este sector es el que ha mantenido

el mismo espíritu de los inicios, conservando

una actitud artística honesta y en crecimiento.

Es el sector más sensible del movimiento, por

cuanto recibe constantemente las mayores presiones

sociales del mismo y a la vez expresa el

sentimiento primario, la raíz que absorbe, los

cimientos donde descansa todo el edificio".

La nota era más bait que otra cosa, apenas

una página y media, sin demasiados fundamentos.

Para mediados de 1980, García se

había posicionado con Serú Girán y estaban

presentando su tercer disco, Bicicleta. Luis recién

empezaba con su nuevo grupo, Jade. Pero

venía en alza con el regreso de Almendra a

fines del '79 y la grabación en Los Ángeles del

disco en inglés Only Love Can Sustain.

El correo de lectores —las redes sociales de

antes— estallaron contra Mileo en el segundo

número de la revista. Charly y Luis también

se indignaron. Y entonces se reunieron con

sus managers, Daniel Grinbank y Alberto

Ohanian, y acordaron una serie de shows en

conjunto para terminar con la controversia.

En principio, para el viernes 12 y sábado 13

de septiembre en Obras Sanitarias. Después,

dada la demanda de entradas, se agregó una

segunda función el mismo 13, y otra fecha el

domingo 14.

Los días previos, el Flaco explicó en la revista

Expreso Imaginario: "Hay mucha gente

que siempre trató de separar García de Spinetta:

a ver quién es mejor, a ver quién tira

mejor onda. Eso es

una pavada. ¡Es la

apología de la estupidez!

No le hace

bien a nadie y no

sirve para nada. Al

contrario, agrega

confusión".

García acotó en

la misma charla:

"Tanto a él como a

mí nos pareció que

sería bueno hacerlo

ahora, con un buen

nivel y muy tranquilos.

A veces, a

Luis le gritan cosas

sobre mí en los recitales,

o a Pedro

[Aznar] cuando

toca con Jade. Y

a mí me pasa otro

tanto, pibes que se

acercan a hablarme

en contra de Luis.

Es como si siempre

hubiera habido un

mito de la competencia entre los dos".

Los ensayos tuvieron lugar en la propia redacción

de la Expreso Imaginario, publicación

financiada por Alberto Ohanian, manager de

Spinetta. Recuerda Juan del Barrio, tecladista

de Jade: "Se acondicionó acústicamente todo

un salón que había y nos instalamos ahí, era

muy divertido. Estaba todo el personal: Pettinato,

que era el jefe de redacción, Pistocchi,

Lernoud, Kleiman, Rosso, Fontova… Ensayábamos

solo los temas que íbamos a tocar las

dos bandas juntas, todo con mucha naturalidad.

Charly + Spinetta: nada podía salir mal en

esa ecuación".

Los líderes consensuaron abrir los conciertos

con el tema preferido del otro. Entonces

empezaron cada noche con "Que ves el cielo",

de Invisible, y "Cuando ya me empiece a quedar

solo", de Sui Generis. Ellos dos solos; Luis

en la guitarra, y Charly en los teclados, cantando

una estrofa cada uno. Después se sumaba

David Lebón para "Música del alma".

El primer bloque era todo de Serú Girán.

Hacían un mix de sus tres discos, de "Canción

de Hollywood" a "Seminare", pasando por

"Cuánto tiempo más llevará" y "A los jóvenes

de ayer". Jade aparecía en la segunda parte y

adelantaba el material de su debut, como "Dale

gracias", "Alma de diamante" y "La diosa salvaje".

Una súplica de Spinetta al público: "Solamente

les quiero pedir una cosa, hay muchísima

gente y hay muchísima energía, estemos

ahí, tranquilos y no hagamos lío, no rompamos

nada, por favor se lo pedimos".

El único invitado era Gustavo Bazterrica

para "Solo el amor puede sostener", tal como lo

había grabado en Los Ángeles como guitarrista

invitado del Flaco. El vasco había tocado con

Charly en La Máquina de Hacer Pájaros, era el

nexo perfecto entre ambos popes.

Para el final, las dos bandas se unían en

"Despiértate, nena", el clásico de Pescado Rabioso,

que volvía a cruzar a Lebón con Spinetta

como en aquellos tiempos de 1973. "Esto

es, sin demagogias ni pensamientos raros, una

unión". Esas fueron las últimas palabras del

Flaco sobre el escenario. Y otro pedido para

el público: "Salgan todos juntitos, todos en

grupo".

"Ensamblar las bandas no fue fácil, si bien

existía una relación fluida entre todos, pero los

shows fueron un éxito", asegura Pomo Lorenzo

, baterista de Jade. "La idea de la supuesta

competencia no era del todo errada. Competíamos

sanamente, por así decir, para sonar

mejor todo el tiempo, para superarnos unos a

otros. No había lugar para la mediocridad".

Este acercamiento entre Charly y Luis serviría

para que, unos años más tarde, grabaran

juntos en "Peluca telefónica" (Yendo de la cama

al living, 1982) y compusieran "Rezo por vos"

(1985). Un hit que incluyeron por separado

en sus posteriores discos solistas, y que los

volvería a unir en el Show Subacuático y el de

las Bandas Eternas. Ambos en Vélez, ambos

en 2009.

Pero la semilla se plantó en 1980.

Así que ya saben: gracias, Cascioli.


TASH SULTANA

cias ni comparaciones posibles, porque todavía no

tenía otro material editado. Ese fue, en definitiva, el

punto de partida del sonido.

Cuando hablás de hacer música "real",

¿a qué te referís en un momento donde

casi todo pasa por el filtro del estudio y la

edición?

Hoy vivimos en un mundo donde parece aceptable

hacer música sin tener un talento real detrás. Hay

gente que no practica, no se esfuerza, simplemente

abre la computadora y ya está. Sobre todo en el

mainstream, donde casi todos trabajan con los mismos

sellos, productores y compositores, y al final

todo termina sonando igual.

Para mí, la manera más clara de reconocer a un

verdadero artista es verlo en vivo. Cuando alguien

sube a un escenario y te vuela la cabeza, entendés

que sabe lo que hace. No tiene que ser el más técnico

ni el más virtuoso: se trata de la vibra, de lo

que transmite. Enseguida se percibe si es un artista

legítimo o no.

“La manera más clara de

reconocer a un verdadero

artista es verlo tocar en vivo”

Lo fugaz del hype digital, su último EP Return to the Roots, sus batallas con la

salud mental y la distancia con su propio país: la estrella aterriza en Argentina

con un sonido que se construye en vivo.

ANTONELLA LOPREATO

Volvés con un EP que se llama Return

to the Roots. ¿Qué raíces son esas? ¿A

dónde estás volviendo realmente?

Al comienzo de mi carrera ni siquiera tenía

música publicada. El primer trabajo que lancé

fue Notion, que terminó siendo la puerta

de entrada para mucha gente gracias a temas

como "Jungle". De esa época me quedó un recuerdo

muy particular: un sonido crudo, libre,

sin intención de lograr nada más que tocar y

dejar que todo fluyera. Era música sin referenna

pizza con hongos mal medidos,

un trastorno psicótico, meses de

U

rehabilitación y una certeza que se

aferraba a lo único que quedaba en pie: la música

como mecanismo de defensa. La carrera

de Taj Hendrix Sultana, más conocido como

Tash Sultana, empezó como una descarga de

demonios. Australia, su tierra natal, miraba

de reojo su arte; el mundo, con el pulgar hacia

arriba, lo recibió sin preguntas. Sin discográficas

detrás ni padrinos que le abrieran puertas,

empezó a trazar su camino mostrando sus cicatrices

al mundo, convencido de que la única

forma de no extraviarse por completo era dejarlo

todo en su obra, y así, reconstruirse pedazo

a pedazo frente a quien quisiera mirar.

Aquella libertad se reafirma en Return to the

Roots, su último EP, donde las tomas de voz

en primera pasada, sin retoques, se mezclan

con indie pop, rock alternativo y destellos de

reggae psicodélico. "Me devuelve a ese lugar

inicial, cuando hacía música solo por el disfrute,

sin preguntarme si iba a ser un hit", confiesa

en diálogo con Billboard Argentina. Ese sonido

se hará comprobable el 2 de noviembre en

Mandarine Park, cuando el público argentino

se deje arrastrar por la precisión instrumental

de Sultana en el festival Music Wins.

En "Hazard to Myself" abordás de manera

muy directa tu experiencia con la medicación

y la salud mental. ¿Qué te llevó a transformar

esa vivencia en canción en lugar de guardarla

solo para vos?

Todo en mí ya está expuesto, no puedo evitarlo: escribo

música a partir de mis propias experiencias.

No siempre revelo todos los significados, pero lo

que ocurre en mi vida está presente en mis canciones,

guste o no, y forma parte de mi historia y de mis

decisiones.

Por ejemplo, mi EP Sugar, lo escribí justo cuando

empecé a tomar Lexapro por primera vez. Esa medicación

me anuló por completo las emociones, no

podía sentir nada auténtico, ni alegría ni tristeza;

todo era sintético. Durante tres años no lloré y vivía

como en mute. Ese proyecto, que precede a Return to

the Roots, trataba justamente de eso, componer bajo

los efectos de la medicación, lo que, inevitablemente,

cambió totalmente la forma en que escribía.

En una entrevista reciente contaste que

"Hold On" surgió a partir de un momento

particular, la enfermedad de tu pareja. ¿De

qué manera ese tema cambió tu forma de

ver la música?

No sé si cambió mi forma de ver la música. Fue simplemente

lo único que sentí que podía hacer en ese

momento, cuando todavía no teníamos respuestas.

Descubrir que tu pareja tiene cáncer no es algo

que pensás que te va a tocar a los 29; uno siempre

cree que esas cosas les pasan a otros. Pero nadie está

exento, es parte de la vida, de la experiencia humana.

Y, lamentablemente, hay que atravesar tragedias

y situaciones inesperadas, seguir adelante e intentar

darle sentido a todo, y a uno mismo.

Mencionás que Australia no te abrazó

como lo hicieron otros países. ¿Creés que

hay un problema cultural en cómo tu país

trata a sus artistas, o es una deuda que

todavía te duele a nivel personal?

Creo que es un problema cultural, sinceramente.

En Australia existe algo que llamamos Síndrome de

Procusto. Básicamente significa que nuestra cultura

no sabe celebrar el éxito ajeno. En cuanto alguien se

destaca demasiado, aparecen los haters.

FOTOS: GENTILEZA PRENSA

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OCTUBRE 2025

L

TEENAGE FANCLUB

bamos. Lo increíble fue haberlos visto

incluso antes del gran fenómeno: los

conocimos durante la gira de Bleach,

y luego fuimos testigos de cómo todo

explotaba con Nevermind. Era un

momento previo a que se convirtieran

en las superestrellas del rock que

luego todos conocimos.

De los elogios de Nirvana y Oasis al

recuerdo de Maradona

Norman Blake y Raymond McGinley comparten detalles de su última producción,

recuerdos con leyendas y su visión del britpop.


M

ucho de lo que escuchamos

y celebramos

como propio, en realidad,

proviene de algún

otro lado. Charly García no sería

el mismo sin su obsesión por los

Beatles; Andrés Calamaro encontró

en Bob Dylan una especie de osadía

en sus letras; y así podría escribirse

una larga lista de referencias que se

superponen en una misma historia.

Algunas veces, esos ídolos iniciales

alcanzan la posteridad al mismo nivel

que sus discípulos; otras, quedan

en una segunda fila, como una referencia

de culto que sólo los iniciados

saben rastrear. Y, como suele pasar,

los elogios de esos grandes terminan

dando forma a la fama de quienes

los inspiraron.

Algo parecido ocurre con Teenage

Fanclub, una banda que jamás aspiró

a ser estandarte mediático, pero que

recibió de otros una suerte de certificado

de grandeza. No explotaron

estadios como Oasis ni cambiaron

el rumbo cultural como Nirvana,

pero fueron los favoritos de quienes

sí lo hicieron. Kurt Cobain los llamó

"la mejor banda del mundo" y Liam

Gallagher, con ese ego que lo define,

los ubicó segundos, solo detrás de su

proyecto. Ese es el lugar que les tocó

ocupar por mucho tiempo: ser el

grupo que aplauden tus ídolos, la que

aparece en los libros de Nick Hornby,

la que descubrís sin querer cuando

repasás tus playlists y decís: "Ah, esta

canción también es de ellos".

En el britpop siempre se los

nombró junto a bandas como

Pulp, Blur y Oasis. ¿Se reconocían

en esa escena?

Norman: Realmente no nos consideráramos

parte de esa escena, porque

siempre estuvimos basados en Glasgow.

Como suele pasar con muchas

escenas, en su momento era algo

interesante, pero, especialmente en

el Reino Unido, gran parte de esa narrativa

fue construida por la prensa

musical, que disfruta agrupar bandas

y ponerles etiquetas.

Claro que éramos compañeros de sello

con algunas de esas bandas, como

The Creation, al igual que Oasis, y

tocamos con Blur y Pulp, así que conocíamos

a mucha gente de la escena.

Pero nosotros estábamos en Glasgow

y ellos, sobre todo, en Londres, así

que siempre sentimos cierta distancia

respecto a todo eso.

Hablando de Nirvana… Kurt

Cobain los llamó "la mejor

banda del mundo" y Liam Gallagher

los colocó justo detrás

de Oasis. ¿Qué significa para

ustedes ser recordados por

comentarios como esos?

Raymond: Esa historia viene de una

noche que pasamos en el estudio con

Oasis. Estábamos en el mismo edificio,

mezclando canciones para nuestro

disco Songs from Northern Britain.

No había nadie más en el estudio de

abajo; nosotros estábamos arriba y

terminamos pasando tiempo con

Liam. Creo que estaba en Londres

por asuntos de su compañía, y terminó

escuchando todo nuestro álbum

frente a nosotros.

Norman: En cuanto a Kurt, nosotros

los conocimos durante la gira de Nevermind.

No sé si éramos su banda favorita,

pero definitivamente le gustá-

¿Cuál es su relación con Argentina?

Raymond: Supongo que hay que decir

que, cuando la gente piensa en Argentina,

lo primero que viene a la mente

es el fútbol. Esa es la asociación más

común. Nosotros siempre contamos la

misma historia: vimos el primer partido

de Diego Maradona con la Selección

Argentina en Glasgow, a fines de

los años 70, cuando él tenía 17 años.

Mencionaron que estuvieron

en el debut internacional de

Maradona. Mirando hacia

atrás, ¿qué significado tiene

esa experiencia para ustedes?

Norman: Recuerdo que ya se hablaba

de él mucho antes del partido. Todos

decían que iba a ser un jugador increíble.

Creo que Argentina le ganó

a Escocia 3 a 1, aunque no recuerdo

con exactitud el marcador ni los goles

de Maradona. Lo que sí tengo claro es

que había un chico que entró como

suplente: Diego Maradona. Estaba allí,

en la cancha… fue impresionante.

Años después, pude volver a verlo en

Glasgow cuando dirigía la selección

argentina y jugaron un amistoso contra

Escocia, fue la primera vez que

regresaba al Estadio Nacional desde

aquel partido. Al salir al campo, caminó

por el estadio y todo el público le

dio una ovación. Estaba muy emocionado,

consciente de que ese lugar había

sido fundamental en su formación

con la camiseta. Ver eso tantos años

después fue algo realmente especial.

Por último, después de tantos

años, ¿qué permanece inmutable?

Raymond: Es curioso, pero sentimos

que seguimos haciendo las cosas de

la misma manera que cuando empezamos.

Entramos al estudio en 1989

para grabar nuestro primer disco, hace

36 años, y recuerdo la sensación de entonces.

Esa misma emoción de crear,

de estar ahí, sigue presente.

Intentamos abordar todo sin demasiadas

ideas preconcebidas. Nos gusta hacer

las cosas en el momento, guiados

por lo que sentimos, sin imponer un

concepto o narrativa. Se trata simplemente

de ser nosotros mismos en cada

instante, y eso no ha cambiado. Claro

que la manera de hacerlo evoluciona

porque ya no somos las mismas personas

que hace 36 años, pero nuestro

enfoque sigue siendo el mismo.


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OCTUBRE 2025


Cuatro discos con “ mugre ”

Deftones, Turnstile, El Nota, Las Tussi y una selección de álbumes del mes cargada de suciedad, distorsión y emoción.

POR FACUNDO ARROYO

Private Music

Deftones

Never Enough

Turnstile

Subidos al Pony

El Nota

El álbum rosa

Las Tussi

Es divertido cuando la tribu del metal discute qué etiqueta agregarle a bandas como Deftones.

En este caso, hay una seguridad: fueron uno de los creadores del nü metal pero la crítica

lo suele resolver con el puerto de partida del metal alternativo, y es bastante justo. Private

Music es el décimo disco de la banda y fue producido por Nick Raskulinecz (Underground

Cult), quien ya había trabajado en Diamond Eyes (2010) y Koino Yokan (2012). Este es el

primer trabajo sin el bajista Sergio Vega y contiene once canciones extremadamente explosivas

y con mucha identidad. Más allá de la versatilidad para el sonido pesado, la banda creó

un lenguaje que, con el correr de los discos, fue echando raíces y hoy en día es totalmente

reconocible. Cuando suena Deftones, todo el mundo lo sabe y este décimo LP lo viene a reafirmar.

Ese paradigma claro de transformar la depresión en hermosa agresión. “Cut hands”, la

canción de rap-metal del disco, es la prueba exacta de todo lo dicho.

Hasta en su página oficial tienen la palabra / concepto hardcore incorporada. Y es obvio, vienen de ahí,

pero en este nuevo disco el mensaje de la banda de Baltimore es claro: también pueden pertenecer a

ambientes un poco más relajados. Los mensajes del vivo de la banda son claros. Desde participar en

festivales como el Lollapalooza hasta volver por segunda vez al ciclo Tiny Desk, a probar estas nuevas

canciones. En esa visita a la radio pública hay algo que también se detecta en el disco. Está la calma

y la profundidad de la composición de Brendan Yates pero también la furia agazapada. Escuchen

lo que pasa con el cierre del video mientras tocan “Birds”: la letra dice que los pájaros que el loco está

viendo en su canción no están para volar solos entonces va, se sube a la mesa, y sí, vuela junto a sus

fans amontonados en la biblioteca. Esa pulsión de vuelo también suena en “Dreaming”, otra de las

canciones que dan cuenta de que, más allá de los acercamientos actuales de Turnstile, el espíritu

siempre va a estar sucio y saturado. O como dicen en ese tema: “No quiero vivir de caridad”.

Lo dice tan brutal que termina siendo verdad. Todos saben que un psicólogo no puede recetar Clonazepán

pero eso no importa. Cuando El Nota canta “Le conté a mi psicólogo de vos” para su disco debut el

guardapolvo de radiólogo se le abrocha solo. Es como una especie de pacman nocturno de Rafael Castillo

que mastica todo lo que hay en su camino. La observación de clase en “Movimiento social ascendente”

es brillante y deja en claro qué tipo de conductor energético es este muchacho con aspecto de desahuciado.

Lo más fácil es anexarlo a la cadena genética del Pity Álvarez de Intoxicados. Pero la verdad es

que su sensibilidad suburbana tiene más que ver con Korneta Suárez (Gardelitos). Picardía y sensibilidad.

En este caso con algo más de delirio y puesta en escena mental. La furia y la ternura de las guitarras

del disco (tanto acústicas como eléctricas), porque hay momentos hardcore pero también folk, parecen

ser la banda de sonido de una generación rota, una que actualmente lidia con problemas de salud mental

pero que también está componiendo las mejores canciones del circuito independiente del país.

El trío femenino de Mar del Plata continúa con la actitud punk en sus tracks pero las capas de su

sonido se van acumulando entre el noise y la desfachatez del rock garaje. En el grito de las guitarras

también se escucha mucho grunge alternativo. A Iggy Pop le gustaría la actualidad de Las Tussi

que se hicieron desear un par de semanas más para la salida de este, su primer larga duración.

“Corpiños” funcionó como uno de los adelantos y desconcertó un poco con lo anterior, la canción

dura cuatro minutos donde la seducción y el descontrol se hacen desear hasta el último segundo. Es

decir, era lógico que la cosa se desabrochara rápido pero con ellas –y sus capas- no. La música de la

banda está cada vez más cerca a la opresión que propone Mar del Plata en invierno. Ellas dicen: o te

expresás o te deprimís. O como cantan en la ahogada y saturada “Trampa”: “Todas las canciones me

llevan a vos”. ¿Le están hablando al mar aunque sea el último día del verano?.

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OCTUBRE 2025


KHEA

LOS SECRETOS DE SU NUEVO EP

TAROT: DEL CIELO AL INFIERNO

El rapero estrenó un trabajo que marca su regreso a las raíces del género, fusionando

el estilo clásico con las tendencias más frescas del trap centroamericano.


E

l ep cuenta con siete tracks: “Oreo

de Fresa”, “Almas Gemelas”, “Nudes”,

“Range Rover”, “Con Otra”, “Del Cielo al

Infierno” y “Dices” - donde se pueden encontrar

colaboraciones de la talla de Almighty, Lucho SSJ

y Salastkbron. “Tuvimos una búsqueda de recordarle

a la gente ‘Cómo le Digo’. Quería volver a las

raíces de ese KHEA medio sad trap”, compartió en

conversación con Billboard Argentina.

En el plano visual, Tarot: Del Cielo al Infierno

se apoya en un concepto creativo tan original

como disruptivo: cada canción tiene su propio

visualizer con una carta única, inspirada en la

iconografía del tarot. Esta fusión de símbolos

convierte al EP en una obra donde música y arte

se potencian mutuamente.

Grabado en los estudios de Interscope Capitol

en Miami, el proceso creativo estuvo liderado por

Awesome Pierre como director de sonido, con la

participación de un equipo de reconocidos productores:

YoPoppi, Lil Geniuz, MaddBoy y ElHigh, entre

otros. “Nuestro productor nunca había grabado

en Miami así que fue una experiencia mística desde

el principio tanto para él como para nosotros”.

¿Sentís la misma sensación al sacar un

EP como la primera vez?

Creo que cuando empezás a volverte más profesional,

todo se vuelve más caótico porque te corre

el tiempo… Mi equipo no me deja mentir, se disfruta

el proceso, obvio, pero siento que no es lo

mismo que antes. Capaz se corrió la fecha de lan-

zamiento porque pasó algo, después cuando

creés que ya está listo se vuelve a cambiar por

otra cosa… Ahora tenemos una necesidad

de completar todos los checks para que salga

como tiene que salir.

¿Con este nuevo trabajo cómo fueron las

fechas?

Creo que cambiamos la fecha tres veces. La

publicidad y la promoción del disco la manejé

muy tranquilo por ese motivo también, porque

no sabía cuándo iba a salir, por lo que hacía

todo muy relajado.

Este EP salió de la galera porque no estaba con

música en camino. Tengo mucha música guardada

de puertas para adentro pero todavía estamos

definiendo qué vamos a hacer. Es más,

dentro de poco voy a viajar para Brasil para

terminar el disco pero tenía que sacar algo

igual para darle algo a mis fans. Viajamos a

Miami, hicimos algunas canciones y finalmente

decidimos sacar Tarot.

¿Cuántas otras canciones crearon y

no eligieron?

En Miami hicimos 11 canciones en 9 días…

Un ritmo intenso. Sabes que cuándo vas ahí

vas a eso. Me gusta ir dos semanas a trabajar

100%. Durante el resto del año hicimos muchas

más canciones que son las que estamos

ordenando ahora, no te podría decir un número

exacto pero son muchísimas.

Track x Track

El origen de Tarot:

del Cielo al Infierno

Mi productor no conocía Miami, por lo que decidimos

viajar para allá con él. Lo llevamos y se volvió loco, no

lo podía creer. Para hacer música, Miami es increíble.

Eso ya generó mística porque era la primera vez para él

haciendo música ahí.

“Oreo de Fresa”

El videoclip fue increíble, grabarlo fue muy gracioso. La

pasamos muy bien porque salimos a filmar una noche

de joda, naturalmente. Obviamente natural 100% era

imposible pero realmente fue eso, totalmente orgánica.

“Dices”

Tuvimos una búsqueda de recordarle a la gente “Cómo le

Digo”. Quería volver a las raíces de ese KHEA medio “sad

trap”. “Dices” es uno de los dos temas que no hicimos en

el campamento, junto con “Nudes”, que hicimos en esta

casa. Esa canción la hicimos un día de lluvia prácticamente

de freestyle, necesitaba crear algo y nació.

Más adelante, cuando teníamos que masterizar también

estaba lloviendo, por lo que sentimos que tenía que ser

parte de la canción sí o sí. Cuando le dábamos forma al

videoclip también seguía lloviendo, era increíble, así que

llamamos a todo el equipo y lo grabamos en el momento.

Hay otra anécdota con esta canción que es que tenemos

una versión en cuarteto. Se la mandamos a Luck Ra, no se

pudo dar pero la tenemos ahí en lista que quizás sale.

“Range Rover”

Esa canción con Luchito y Salas también nació en Miami.

Fue el último tema que hicimos. Estábamos quemadísimos

con Piero pero necesitábamos hacer algo así juntos, así que

le metimos casi todo de freestyle. Me encanta cómo quedó.

FOTO: @IMRUSSO

50

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OCTUBRE 2025

Porsuigieco lanza una versión remasterizada de su disco,

50 años después

Raúl Porchetto, Charly García,

Nito Mestre, León Gieco y

María Rosa Yorio se reunieron

en el estudio para revisar la

nueva edición del álbum.


aúl Porchetto, Charly

García, Nito Mestre, León

R

Gieco y María Rosa Yorio se

encontraron de nuevo para escuchar

juntos una obra que, medio siglo después,

sigue hablando por sí misma. La

reedición remasterizada de Porsuigieco,

el disco que en 1975 unió cinco caminos

musicales ya sobresalientes por

separado, volvió a la vida gracias a la

recuperación del histórico catálogo de

Music Hall por parte del Instituto Nacional

de la Música (INAMU).

Bernabé "Buco" Cantlon, presidente

del INAMU, definió la experiencia

como una "arqueología sonora".

"No se trata solo de algo comercial",

explicó, "sino de entender por qué se

creó. Cada uno tenía su carrera, sus

discos, sus proyectos, y aun así se juntaron

con la idea de formar un grupo,

grabar este disco y armar una especie

de súper banda". "Para nosotros no

solo era importante buscar la mejor

calidad de sonido sino también que

estuvieran juntos escuchándolo y participando

del audio", agrega.

El reencuentro tuvo lugar en el Estudio

Crazy Diamond, donde Gustavo

Gauvry, ingeniero de sonido, presentó

la versión final a los artistas. "En

dos minutos parecía que estábamos

otra vez en esa época: hablaban del

momento, de la historia, no de que

estaban escuchando un disco 50 años

después, sino que volvían a ese lugar",

comenta Buco sobre la experiencia. El

álbum 2025 incluye dos canciones remezcladas

"El fantasma de Canterville"

y "La mamá de Jimmy", un insert

doble con fotografías inéditas y, como

joya de coleccionista, el primer afiche

del grupo dibujado por García.

El álbum original se gestó entre mediados

y fines de 1975, con la colaboración

de músicos que luego se volverían

imprescindibles para la historia

del rock y el folclore argentino: Oscar

Charly firmó vinilos y posters de la reedición.

Moro, Gustavo Bazterrica, Rinaldo

Rafanelli, Alfredo Toth, José Luis

Fernández, Leo Sujatovich, Pino

Marrone, Horacio Josebachvilli,

Frank Ojstersek, Gonzalo Farrugia

y Juan Rodríguez. Algunas canciones

fueron censuradas en su momento;

escucharlas hoy tal como fueron concebidas

es un triunfo tanto cultural

como político. "Ellos tradujeron en

sus temas lo que la sociedad buscaba

expresar, y por eso sus letras tienen

tanta magnitud. La sociedad se siente

reflejada en lo que escriben, y el arte,

de alguna manera, genera ruidos de

todo tipo para mostrar su mensaje",

reflexiona.

Cantlon explica que el proceso de

remasterización implicó una revisión

exhaustiva de cada detalle sonoro,

abordada con el mismo rigor de un

trabajo de archivo y con la pasión

de quien se enfrenta a una obra que

considera parte del patrimonio cultural.

"Buscamos la mejor calidad de

sonido, gracias a la cinta multipista,

con los tracks separados para poder

remezclar cada canción", dice. La tecnología

y la historia se encontraron

en un punto común en el respeto por

la intención original y el espíritu de

experimentación.

Cuidar, rescatar y difundir este tipo de

obras implica defender la identidad

colectiva, la memoria y la producción

cultural del país. El riesgo que señala

Cantlon es que mucha gente -incluso

artistas, instituciones y público- no

conoce o no comprende los derechos

de autor (los llamados derechos

intelectuales). Esa ignorancia puede

llevar a abusos, pérdida de ingresos

justos para los músicos y falta de valoración

de su trabajo. "La educación

sobre los derechos debería estar en las

escuelas, de la misma forma que se

enseña sobre, por ejemplo, la actividad

comercial. Nos entendemos con

un auto, pero no ocurre lo mismo con

la propiedad intelectual. La sociedad

necesita entender que los derechos de

un autor son tan válidos y reales como

cualquier otra propiedad", expone.

En ese sentido, insiste en la necesidad

de revitalizar estas piezas para enriquecer

el mercado musical. "Siempre

habrá música nueva, y que un disco

viejo vuelva a salir no quita lugar a lo

actual. Al contrario, estos discos son

inspiradores; motivan a los artistas

a preguntarse: 'Si ellos pudieron, yo

también puedo'", explica. "Esa es la

motivación principal, mostrar que lo

que se hizo sigue vigente y puede seguir

inspirando", cierra.

La reedición propone volver a escuchar

ese registro colectivo que funcionó

como punto de cruce entre

varias trayectorias decisivas del rock

argentino.


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OCTUBRE 2025


SEAFRET

es lo que más importa. Hoy las redes son casi la

única forma de difusión. Las necesitás, aunque

a veces desearía no depender tanto. Pero también

tiene su lado divertido: cada plataforma

es un mundo distinto, un laberinto, y aprender

a moverse en él se volvió parte del juego. Al final,

hasta termina gustándome.

Hablando de "Oceans", el video con

Maisie Williams tiene un enfoque casi

cinematográfico y les presentó a un

público completamente nuevo. ¿Qué

aprendieron de esta experiencia sobre

cómo lo visual y la historia que contás

puede potenciar la música?

Nos enseñó un montón. La canción ya estaba

hecha, y que Maisie aceptara participar en

el video fue increíble para nosotros, porque

siempre la admiramos. Cuando salió, el video

explotó en vistas y eso nos abrió puertas a un

público mucho más amplio.

Fue una experiencia increíble y estamos súper

agradecidos de que haya querido sumarse.

Además, saber que ella es una fan de verdad

hace que todo sea todavía más especial; poder

compartir eso con ella fue genial.

“Nos gusta tanto lo que hacemos juntos

que nunca se siente como trabajo”

Harry Draper reflexiona sobre la fugacidad de la viralidad, la química como dúo y las

historias detrás de sus canciones más reconocidas.


¿Cómo hicieron para contactarla y

lograr que se sumara al video?

Todo surgió a través del director del video.

Tenía en mente a varios actores y quería ver si

alguno se animaba a participar; nosotros no

sabíamos quiénes serían. Entonces, de manera

inesperada, Maisie tuiteó sobre la canción,

diciendo que le encantaba Seafret. Quedamos

en shock. Resulta que el director ya la había

contactado, y ella aceptó de inmediato porque

realmente le gustó la canción.

n un bar de Bridlington, Jack Sedman

y Harry Draper compartieron un

E micrófono por primera vez. Era 2011, una

noche de karaoke que parecía un juego inocente y,

sin embargo, bastó para encender algo que hoy sigue

llenando escenarios de Londres, Nueva York y,

finalmente, Buenos Aires. Seafret volvió al país, tres

años después de su fugaz visita que dejó memorias

intactas de un público enloquecido.

Lo que empezó como un experimento juvenil se

convirtió en un fenómeno musical de doble filo: dos

discos, un puñado de EPs y canciones que explotaron

en la viralidad digital. Su primera obra, Give Me

Something, marcó la transición de la costa de Yorkshire

a los estudios londinenses. Pero el reconocimiento

global llegó por vías inesperadas... TikTok.

La plataforma convirtió al dúo en un fenómeno que

ellos mismos describen como "un caos increíble".

La viralidad no les robó la esencia; al contrario,

les enseñó a dialogar con el público moderno sin

perder la intimidad de sus composiciones. "Fue extraño,

es raro ver cómo millones de personas usan

tu canción para sus videos; en ese momento nos

dimos cuenta de que los temas ya no eran nuestros,

sino que le pertenecían al público", recuerda Draper

sobre el boom de "Oceans" y "Atlantis".

Previo al show, Harry habló con Billboard Argentina

sobre la música, la viralidad y el delicado

equilibrio entre la exposición digital y la intimidad

de sus canciones.

¿Queda algo de ese mar fundacional detrás

del nombre, o a esta altura es apenas una marca

como cualquier otra?

Sí, seguimos muy ligados. Es el lugar donde crecimos

y de donde venimos, y por más que ya no

viva allí, cada vez que vuelvo siento que estoy en

casa. Cambiarlo ahora sería extraño, hemos construido

demasiado alrededor de eso.

Con el tiempo terminó por significar todo: cada

canción de Seafret, el hecho de tocar juntos, la

sensación de tener un espacio seguro. Es nuestra

identidad, lo que hacemos y lo que somos. Para

nosotros lo es todo, y me encanta.

Canciones como "Oceans" y "Atlantis" encontraron

en la viralidad digital una suerte

de impulso. ¿Cómo dialogan hoy con esa

fugacidad tan propia de las redes?

Es una sensación increíble, aunque al principio

es medio raro de asimilar. Cuando escribís una

canción no pensás que la estás regalando al mundo,

pero en realidad sí lo estás haciendo. No es

fácil adaptarse. Somos bastante old school, así que

cuando nos volvimos virales en TikTok, tuvimos

que aprender sobre la marcha.

Con el tiempo le fuimos agarrando la mano, y ahora

sirve para mostrar nuestra música y, sobre todo,

para conectar con la gente que nos escucha. Poder

contarles qué hacemos y compartir nuestro trabajo

Están trabajando en música nueva…

¿Cómo manejan el proceso creativo

cuando uno de los dos se siente inspirado

y el otro no?

Sí, estamos en pleno proceso de grabación. El

último año escribimos un montón y empezamos

a estrenar nuevas canciones a principios

de este.

Nos motivamos mutuamente, antes era más

como subirse al mismo autobús y que uno

arrastrara al otro, pero en este disco coincidimos

en los momentos de creatividad. Eso hizo

que todo el proceso fuera mucho más fácil y

emocionante. Nos retroalimentamos constantemente,

y cuando a uno le baja el ánimo, el

otro lo levanta. Nos gusta tanto lo que hacemos

juntos que nunca se siente como trabajo.

Llevan más de una década haciendo

música juntos. ¿Cuál es el secreto para

no desgastarse en el camino?

Mantenemos las cosas simples. Nos llevamos

muy bien, somos como hermanos, y creativamente

estamos siempre en sintonía. Nos sentimos

afortunados por eso. La honestidad es

clave, si algo nos molesta o no nos convence, lo

charlamos. Cuanto más abiertos somos, mejor

funciona todo. Nos evita malentendidos y peleas

innecesarias: hablamos las cosas antes de

que crezcan y se vuelvan más grandes de lo que

realmente son.


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OCTUBRE 2025


V

VIVO

// LALI

“Les prometo la mejor fiesta del pop”, dijo Lali

tras “2 son 3”, tercer tema de la lista de temas

no sólo de sus funciones consagratorias en

Vélez Sarsfield de septiembre, sino también

de toda su gira nacional, que está coronando

este mes con un puñado de fechas en el Sur

argentino. La popstar cumplió su promesa al

montar un show de estirpe rocker en cuanto

a formas y texturas, ideal para lucir no sólo

las canciones de No vayas a atender cuando

el demonio llama, sino también lo más clásico

de su repertorio. En esta serie, además,

se dio el gusto de presentar una canción

nueva (“Payaso”, que continúa la saga

pendenciera iniciada por “Fanático”) y de

versionar a Patricio Rey y sus Redonditos

de Ricota con “Vencedores vencidos”, todo

un mensaje. Para extender su buena racha,

anunció una función más en la cancha de

Vélez para el 16 de diciembre.

FOTO: POPI GRAÑA

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SEPTIEMBRE 2025

VIVO

V

// GREEN DAY

El punk nació como rareza y terminó canonizado,

y Green Day cargó con esa paradoja;

de Dookie (1994), que los sacó del under, a

American Idiot (2004), donde transformaron

la rabia adolescente en crítica política. Tres

décadas después, siguen girando para

mantener viva la rebeldía. El 3 de septiembre

volvieron a Argentina por quinta vez, con un

estadio desbordado de merch, banderas y

filas interminables. La previa estuvo a cargo

de 2 Minutos, fieles a Valentín Alsina, y Bad

Nerves, que se guardaron revancha para

otro día. A las 21, el pogo explotó con “American

Idiot” y un setlist que repasó su historia,

himnos como “Boulevard of Broken Dreams”

y “Basket Case”, homenajes a Ozzy Osbourne,

guiños a Lionel Messi y mucha pirotecnia.

Armstrong alternó arengas futboleras

con momentos íntimos como “Wake Me Up

When September Ends”. El cierre con “Jesus

of Suburbia”, “Bobby Sox” y “Good Riddance”

confirmó el ritual: un caballero punk que

sigue sabiendo hasta dónde llegar.

FOTO: MARIANO KAPLAN


V

VIVO

IGGY POP //

Piñas al aire, pasitos cortos e irregulares

condicionados por su notoria escoliosis, chaleco

revoleado al piso para revelar su cuero

arrugado y bronceado. Rengo, pero vengo,

pareció decir la Iguana al hacer su entrada al

escenario del Movistar Arena, justo antes de

soltar su descarga punkie acompañado por

una inesperada banda extendida. En lugar

del formato clásico guitarra-bajo-batería,

sumó teclados y vientos que le dieron otra

dimensión a su repertorio clásico, entre sus

temas solistas y las páginas sucias de The

Stooges.Tras un arranque marcado por "TV

Eye" y "Raw Power", aprovechados para acomodar

el audio, el coro popular se multiplicó

con "The Passenger" y "Lust For Life". Y no

aflojó hasta el final. Tanto calor provocó que

Iggy soltara una confesión en un castellano

murmurado: "No quiero morir. No todavía".

El cierre tuvo una sorpresa local cuando en

"Louie Louie" se sumó Gaspar Benegas,

guitarrista de Los Fundamentalistas del Aire

Acondicionado, con unos solos chispeantes.

FOTO: GONZALO LÓPEZ

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SEPTIEMBRE 2025

VIVO

V

// KATY PERRY

En seis actos, la popstar presentó su idea del apocalipsis

y cómo renacer desde allí. La historia / hilo conductor

del show aparecía en pantallas y dividía en

bloques temáticos las canciones. La misión de una

Katy androide, junto a su gato ídem, era devolverle

las mariposas al mundo, algo que finalmente cumplirían.

Pero como lo más importante eran las canciones,

eso fue lo que mayores ovaciones despertó

durante las dos funciones que la estadounidense

realizó en el Movistar Arena de Buenos Aires. Así,

no faltaron temas como "I Kissed a Girl", "California

Gurls" o "Hot n Cold", mechados entre las novedades

que presentaba 143, su nuevo disco ("NIRVANA"

y "CRUSH", entre las más festejadas).

La Perry se mostró muy cercana a su gente, con

largas parrafadas en las que reveló su gusto por las

empanadas locales, lo mucho que extrañó a la Argentina

y hasta invitó a dos fans a que la acompañaran

en su banda para el momento acústico. El cierre,

a todo trapo, lo marcaron los hits “Roar” y “Firework”.

FOTO: POPI GRAÑA


V

VIVO

// SANTIAGO MOTORIZADO

El cantautor presentó El Retorno, su primer disco solista, con un

show sold out en el emblemático Teatro Gran Rex. Pero no sólo hizo

sonar las páginas de este trabajo, sino que también revisitó parte de

la banda sonora de Okupas y varios covers que develaron influencias.

“Soy rebelde” (el clásico de Jeanette que suele versionar),

“Camino de piedras”, “Google Maps” y “El pastor me dio su mano”

fueron algunas de las que sonaron en la primera parte. Más adelante,

también hubo tiempo para invitados: Blair (en “Mil derrotas”) y

Dillom, con quién se unió para recrear “Cirugía”. Para el final, hubo

una media docena de clásicos de El mató a un policía motorizado:

“El tesoro”, “La noche eterna”, “Diamante roto”, “El mundo extraño”,

“Chica de oro” y “Mi próximo movimiento”.

FOTO: CHARLIE RIOBUENO

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SEPTIEMBRE 2025

VIVO

V

// CAZZU

Con tres funciones colmadas en el Movistar

Arena, presentó Latinaje en un show que se vivió

como una obra teatral: cuatro actos, escenografía

cambiante, varios cambios de vestuario y

un recorrido por canciones que van de la intensidad

a la vulnerabilidad. Durante dos horas, la

artista jujeña alternó coplas, trap, reguetón y folclore,

construyendo un universo propio donde

tradición y modernidad conviven sin fricciones.

El público, fiel y entregado, acompañó cada

transición como parte de una dramaturgia musical.

Durante las noches contó con la venezolana

Elena Rose como invitada para cantar juntas

“Engreída”. La noche cerró en alto con “Con

Otra”, su hit más potente del momento, que selló

un ritual íntimo y multitudinario a la vez.

FOTO: POPI GRAÑA


X

is

for Lovers

XXXXX

El sábado 18 de octubre habrá una nueva edición del evento curado por

el reconocido dúo Adriatique.

F

LAMA presenta una nueva edición

del festival X, el evento curado

por el reconocido dúo suizo Adriatique.

Tras el gran impacto de su debut el año

pasado, el festival regresa a Buenos Aires con

una propuesta aún más ambiciosa. Será el

próximo 18 de octubre en el Autódromo Juan

Galvez de la Ciudad de Buenos Aires.

Esta segunda entrega se perfila como un

nuevo hito para la escena local, con un lineup

que marca una clara evolución sonora: más

moderno, más audaz y con una visión decididamente

orientada al futuro de la música electrónica.

Fiel a su espíritu, X se caracteriza por

combinar locaciones impactantes, producción

de alto nivel y una curaduría artística que va

más allá del sonido, creando una experiencia

inmersiva, sensorial y visual.

En esta edición, Adriatique liderará el cartel

con un set extendido de cuatro horas, donde

desplegarán su característico viaje emocional

acompañado por un impactante show audiovisual.

Acompañando esta propuesta artística

se presentan Rivo, uno de los nombres más

frescos del underground europeo, conocido

por su mezcla entre profundidad melódica e

intensidad rítmica. Y también, Son of Son, un

artista emergente cuya identidad sonora desafía

etiquetas, oscilando entre la oscuridad atmosférica

y la energía de club más sofisticada.

Ambos representan una nueva generación de

productores y DJs que están marcando el pulso

del sonido actual, con una visión innovadora y

experimental que redefine las pistas de baile.

Desde la escena local, el argentino NIM

aportará su propuesta distintiva: sets cargados

de tensión y groove, consolidándose como uno

de los nombres con mayor proyección del país.

Este line up marca una evolución en la identidad

del festival: una apuesta por un sonido

más actual, innovador y con visión de futuro.

Un reflejo de hacia dónde se dirige la escena

electrónica global, y de cómo Buenos Aires

se conecta con esa conversación siendo uno

de los capitales de la música electrónica por

excelencia.

Adriatique X vuelve a Buenos Aires. Un ritual

futurista. Una visión compartida. Un viaje

inolvidable. Adquirí tus tickets a través de venti.com.ar


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OCTUBRE 2025

Rauw

Alejandro

presenta “GuabanSexxx”

Se trata del

single que

concluye

con los

adelantos

de su

próximo

álbum,

Cosa

Nuestra:

Capítulo 0.

L

a superestrella global Rauw Alejandro,

ganador de 2 Latin Grammy

y nominado en cuatro ocasiones a los

Grammy, comparte su nuevo sencillo y video de

“GuabanSexxx”, el último adelanto de su esperado

sexto álbum de estudio, Cosa Nuestra: Capítulo 0.

La nueva canción, inspirada en Guabancex, la

diosa taína de las tormentas y el caos, fusiona house,

bomba y plena, en una mezcla perfecta de lo

sensual y lo ancestral. Rauw insinuó el lanzamiento

durante su participación sorpresa en la residencia

de Bad Bunny en Puerto Rico, cuando apareció

con un paraguas en referencia a la deidad caribeña.

Su vestuario también rindió homenaje al próximo

álbum, Cosa Nuestra: Capítulo 0, con una camiseta

personalizada de Herman Nadal con un cero en la

espalda, una pieza de cabeza también diseñada por

Nadal y pantalones exclusivos de Willy Chavarría.

Un tributo moderno a los ritmos afrocaribeños y

la bomba puertorriqueña, Capítulo 0 es la historia

original de Cosa Nuestra, en la que se rinde tributo

al Caribe en un viaje eterno de ritmos, sangre y

memoria. Esta es la precuela oficial de su anterior

álbum Cosa Nuestra, el cual se convirtió en finalista

a los Premios Billboard a la Música Latina 2025

en la categoría Top Latin Album del Año y que debutó

en el puesto #1 del Latin Albums Chart, #6

en el Billboard 200. Además hizo historia como

el primer álbum latino en colocar 15 temas en el

Spotify Global Top 200. En total, Rauw es finalista

en 14 Premios Billboard a la Música Latina, incluyendo

Artista y Gira del Año, convirtiéndose en

uno de los artistas con más nominaciones.

Antes de este estreno, Rauw ya había compartido

dos adelantos de Capítulo 0. El más reciente, la

intensa y tóxica “Buenos Términos”, en la que canta

sobre una relación sensual, tormentosa y difícil de

abandonar. El video musical, dirigido por Martin

Seipel y El Zorro , mezcla referencias estilísticas a

la cultura afrocaribeña con una atmósfera cinematográfica,

abriendo con Rauw sobre el techo de una

casa en plena tormenta, alternando escenas con su

pareja y secuencias de baile que destacan su fuerza

como cantante, actor y bailarín.

Rauw había iniciado esta nueva etapa con el

éxito neo-bomba “Carita Linda”, un homenaje

a su herencia y ancestros puertorriqueños, que

rápidamente se convirtió en su décimo segundo

número uno, al liderar los listados Latin Airplay y

Latin Pop Airplay. La canción fue lanzada durante

la primera noche de la gira mundial Cosa Nuestra

en Seattle y se volvió viral en redes sociales. El

video es una carta de amor a la Isla del Encanto,

resaltando la riqueza cultural de Puerto Rico, con

símbolos como los icónicos vejigantes y tradiciones

afroboricuas, además de escenas de su crianza

en Carolina, Loíza y Canóvanas.

FOTO: LUIS ABAD

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OCTUBRE 2025

The Blaze publica ‘FOLK’, un registro en vivo

desde el Royal Albert Hall

El dúo francés presenta un álbum que reúne dieciocho composiciones de su trayectoria, grabadas durante un

concierto en Londres.

l dúo francés The Blaze, integrado

por los primos Guillaume

E y Jonathan Alric, lanzó FOLK, un

álbum en vivo que reúne 18 piezas

de su repertorio interpretadas en el Royal Albert

Hall de Londres.

El proyecto funciona como una síntesis del

camino recorrido por el grupo, con un arco

narrativo que incluye sus composiciones más

reconocidas y las reinterpreta en un formato que

enfatiza la interacción con el público.

La banda desarrolla su obra desde la intersección

entre música y cine. Su propuesta articula

lo sonoro con lo visual a través de un trabajo que

combina producción, dirección creativa y exploración

narrativa.

En FOLK, los Alric buscan ampliar la mirada

hacia la dimensión colectiva del arte. La propia

elección del título remite a la idea de comunidad,

mientras que el contexto de grabación en

uno de los escenarios más emblemáticos de Europa

subraya la escala del proyecto.

TRACKLIST//

1_HAZE

2_HEAVEN

3_EYES

4_SHE

5_RISE

6_CLASH

7_VIRILE

8_RUNAWAY

9_DREAMER

10_BLOOM

11_PLACES

12_BREATH

13_QUEEN OF DUS

14_JUVENILE

15_SIREN

16_TERRITORY

17_MADLY


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OCTUBRE 2025


La banda revelación del K-Pop que

la está rompiendo con “Gabriela”

y quiere conquistar el mundo

Conocé la historia de este grupo multicultural de mujeres que ya conquista

grandes audiencias alrededor del mundo.

KATSEYE

o es ninguna novedad

N

que el movimiento musical

conocido como K-Pop

se ha expandido con éxito rotundo

a nivel global. El género goza de

la popularidad de millones de fans

por fuera de Asia, en un auténtico

plan de conquistar el mundo. Y

lo están consiguiendo con artistas

como Katseye, una banda que sigue

los lineamientos del género pero que

tuvo su propia génesis. La reconocida

discográfica surcoreana Hybe

y la estadounidense Geffen unieron

fuerzas para lanzar un gigantesco

casting multicultural con el objetivo

de formar una banda femenina.

El primer paso fue hacer audiciones

en Corea del Sur, Estados Unidos, Japón

e Inglaterra, totalizando 120.000

aspirantes en el mundo, con tan

solo 20 chicas llegando a vivir juntas

mientras se desarrollaban como

trainees: practicando baile, canto y

coreografía grupal. Después de un

agosto del año pasado lanzaron el

EP SIS (Soft is Strong), en simultáneo

con el documental de Netflix

titulado Pop Star Academy: Katseye,

en el que se muestra el proceso de

formación del grupo.

Con los motores encendidos a toda

potencia, Katseye empezó a transitar

el camino del éxito en 2025.

Después de la salida de “Gnarly”, su

primera canción en llegar al Hot

100 de Billboard en Estados Unidos

y creando un fenómeno viral

en redes sociales, Katseye rompió el

récord de asistencia en el Lollapalooza

de Chicago presentando su

nuevo EP Beautiful Chaos.

El segundo single del EP, “Gabriela”,

co-escrita con Charli XCX, es una

canción en la que el grupo muestra

todo su poderío. Siguiendo las pautas

del género, el sexteto se despachó

con una gran canción pop, acompañada

por un excelente video armado

como una telenovela, con un destaaño

de entrenamiento y un constante

casting tanto en redes como en diferentes

partes del mundo, se lanzó el

concurso de supervivencia titulado

Dream Academy donde debían competir

tanto por su talento como por

el apoyo del público.

De ahí salieron las seis integrantes

del supergrupo bautizado Katseye.

Auténtica formación multicultural,

la novedosa banda quedó integrada

por Sophia, líder de la banda, que

es filipina; Manon, suiza; Daniela,

estadounidense; Lara, india; Megan,

hawaiana y Yoonchae, surcoreana.

Katseye publicó su primer single

en junio de 2024, titulado “Debut”,

acompañado por un video grabado

en Medellín, Colombia: en apenas

tres días tuvo 2.3 millones de vistas.

El segundo single fue “Touch”, lanzado

en julio, y es el primer hit de la

banda, apoyado en una coreografía

que explotó en todas las plataformas,

especialmente TikTok. En

cado cameo de la actriz Jessica Alba.

Indudablemente, la coreografía es

uno de los elementos destacados de

la banda, tan importante como la

música misma.

Katseye sigue acumulando momentos

virales tras su colaboración

con Monster High, re imaginando

“Fright Song”, y también la campaña

para los nuevos jeans de GAP

con la coreografía siendo replicada

por todo el mundo. En agosto

se anunció la noticia más esperada

por la multitud de fans que la banda

tiene en Argentina: Katseye estará

en marzo de 2026 en el escenario

del festival Lollapalooza Argentina.

A juzgar por lo que se vio en

los shows que han realizado, es una

banda que vale la pena ver y escuchar,

que aporta frescura y contundencia

al género K-Pop. Esto que

nació como el sueño de un grupo de

chicas de distintas partes del mundo

ya es una realidad.

FOTO: AGUSTÍN GINESTA

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OCTUBRE 2025

Damiano David lanza lanza la versión

extendida de su álbum debut en solitario

E

l aclamado cantautor

italiano Damiano David

lanzó Funny Little Fears

Dreams. La nueva edición presenta

cinco canciones nuevas como un regalo

especial para los fanáticos antes

de su gira mundial. Al anunciar

el álbum sorpresa en sus redes sociales,

Damiano dijo: "Convertí mis

miedos en sueños. Este es mi regalo

para ti y para todos los que se unen

a mí en la gira".

La nueva versión se abre con el

nuevo single “Talk to Me”, con la

sensación sudafricana Tyla y el legendario

Nile Rodgers. La canción

marca una colaboración emocionante

que une a Damiano con el

estilo vocal distintivo de Tyla y el

ritmo inconfundible del guitarrista.

"Damiano me envió este disco

e instantáneamente me enamoré

de lo nostálgico que se sentía. Me

escuché a mí misma de inmediato.

Estoy emocionada por lo nuevo que

se siente para mí, mis tygrs van a

Funny Little Fears Dreams incluye el nuevo single “Talk to Me”, junto a Tyla y Nile Rodgers.

amarlo", dijo Tyla. "Cuando recibí

la canción de Damiano y Tyla, realmente

me encantó la vibra y quería

que mi guitarra fuera la tercera voz.

Fue divertido trabajar en esta canción",

agregó Rodgers.

El álbum continúa con “Cinnamon”,

con Albert Hammond Jr

(The Strokes), una pista vibrante

dirigida por la guitarra donde los

riffs característicos de Hammond

Jr se entrelazan con la intensidad

melódica de Damiano, aportando

una energía edificante a la colección.

En “Naked”, Damiano presenta

una balada íntima y despojada,

que explora la vulnerabilidad y la

honestidad emocional. “Mysterious

Girl” ofrece una atmósfera pegadiza,

cinematográfica y de pop oscuro

con un gancho irresistible, que

muestra la narración de Damiano

y su capacidad para crear intriga a

través de la música. La última nueva

pista en el extendido es “Over”, una

pista catártica en la que la angustia

se transforma en esperanza, encapsulando

perfectamente el viaje del

álbum del miedo al sueño.

Por otra parte, Damiano presentó

en vivo seis canciones en la noche

de apertura de su gira mundial en

Varsovia a través de TikTok. La

transmisión en vivo incluyó dos pistas

de la edición extendida, “Mysterious

Girl” y “Cinnamon”, junto con

los favoritos de los fanáticos “Born

With A Broken Heart”, “The First

Time”, “Voices”, así como una versión

de “Pink Pony Club” de Chappell

Roan y el nuevo single “Talk

To Me”.

Tras el éxito de Funny Little Fears,

que cuenta con colaboraciones con

Suki Waterhouse y d4vd, estas nuevas

incorporaciones consolidan aún

más el compromiso de Damiano de

expandir sus horizontes musicales a

través de asociaciones creativas audaces

y que traspasan los límites.

El lanzamiento sigue al muy esperado

álbum debut en solitario

de Damiano, Funny Little Fears. El

álbum ya ha acumulado más de 800

millones de reproducciones globales

hasta la fecha, y recientemente

ha sido certificado oro en Francia

e Italia.

Con este trabajo, Damiano consolida

aún más su reputación como

una de las voces más atrevidas y

dinámicas de la música contemporánea.

Asimismo, esto le valió una

nominación a los MTV VMA 2025

al Mejor Video de Formato Largo.

Los fanáticos podrán escuchar

canciones de Funny Little Fears

Dreams en vivo a finales de este año,

ya que Damiano se embarcará en

una gira mundial masiva de 2025

con fechas en Australia, América

del Norte, América del Sur, Asia y

una serie de espectáculos completamente

agotados en Europa. En

Argentina se presentará el próximo

11 de noviembre en el C Art Media,

con entradas completamente

agotadas.


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OCTUBRE 2025

Dj Alex presenta

“NANANA” junto a Ecko

y Ezequiel Matthysse

D

a cantautora argentina

JAZ presentó “Vibra”, su

nuevo single, ya disponible en

todas las plataformas digitales.

El lanzamiento marca el inicio

de una nueva etapa en su carrera,

caracterizada por un sonido fresco

que fusiona R&B, afrobeat y pop

alternativo.

La canción transmite un mensaje

relajado y motivador, inspirado en la

conexión energética que puede trascender

lo cotidiano. Compuesta por

Jaz junto a Diego Maturro y producida

por Axel Follin, el tema refleja

la evolución personal y artística de

la joven intérprete.

“Siento que la canción está muy

atravesada por lo genuino del amor,

pero visto desde una conexión superior

a la simple atracción de gustar

de alguien; se trata de conectar. Este

lanzamiento representa un quiej

alex suma una nueva

apuesta con el lanzamiento

de “NaNaNa”, junto a

Ecko y Ezequiel Matthysse, ya

disponible en todas las plataformas

digitales. La canción propone

un sonido fresco, donde el RKT se

encuentra con matices melódicos

y la cadencia del dancehall, dando

vida a lo que el productor denomina

RKT Chill. El video oficial ya

se encuentra disponible, complementando

con imágenes la energía

y frescura de la canción.

“Con Ezequiel Matthysse veníamos

craneando varios temas, pero

cuando me mostró este, me voló

la cabeza. Enseguida le pregunté a

Ecko si estaba para sumarse y ni lo

dudó”, cuenta DJ Alex.

Más allá del beat potente, la

canción sorprende con una letra

profunda, que inspiró a Alex a

explorar nuevas fusiones: “Sentí

que la tenía que partir, pero con

un género diferente a lo que vengo

haciendo. Me tiré para el lado del

dancehall mezclándolo con el RKT

para que no se pierda la esencia”.

En su nueva etapa como productor,

DJ Alex se enfoca en sus nuevas

colaboraciones como “NaNa-

Na”, la primera de muchas que se

irán lanzando hasta fin de año. El

productor ya tiene nuevos proyectos

en camino. “El próximo lanzamiento

es una guaracha súper explosiva,

bien arriba, con una artista

que promete demasiado”, adelanta.

Su objetivo es claro: cerrar 2025

con fuerza y encarar un nuevo nivel

de su carrera. Próximamente

DJ Alex anunciará el venue donde

cerrará este 2025, con un show

rodeado de amigos y música para

bailar. “Mucha gente ve el final de

año como una excusa para descansar.

Para mí, el 2025 no termina;

evoluciona, explota y da paso a un

nuevo nivel”, afirma.

L

Jaz presentó “VIBRA” y

anuncia su primer show

en Buenos Aires

bre dentro de mi proyecto. Es una

evolución musical y emocional, una

búsqueda de luz que marque el camino

por donde seguir”, explica Jaz.

Como parte de este nuevo capítulo,

Jaz ofrecerá su primer show oficial el

9 de noviembre en el centro cultural

La Tangente en Buenos Aires. La

propuesta recorrerá distintos estados

emocionales, desde la vulnerabilidad

hasta la celebración, y contará con

visuales, colaboraciones especiales e

intervenciones artísticas en vivo.

El show nace a partir del espíritu

de “Vibra”, que no solo da inicio a

esta etapa, sino que también inspira

su concepto: vibrar en una sintonía

diferente y positiva. En ese marco, el

video oficial del single será grabado

durante la presentación, convirtiendo

al show en un momento clave y

profundamente simbólico para el

proyecto.

FOTOS: GENTILEZA SONY MUSIC

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OCTUBRE 2025

d j a l e x | e c k o | e z e q u i e l m a t t h y s s e

JOACO BURGOS

Dijo presente en Vorterix

y anuncia su nuevo show en

el Teatro Margarita Xirgu

El recital será el próximo 6 de noviembre bajo el concepto Piano y vos.

Las entradas ya están a la venta.

oaco Burgos, uno de los talentos

más prometedores y sensibles de

J

la nueva generación musical argentina,

recientemente firmó con Warner Music

Argentina. Con tan solo 21 años, se destaca

por su frescura, virtuosismo y profundo conocimiento

del rock nacional, características

que lo posicionan como una figura en ascenso

dentro de la escena actual. Su universo musical

ya ha captado la atención de referentes

como Fito Páez, Fernando Samalea y Charly

García, además de comunicadores como

Migue Granados y medios como Página 12,

Crónica y En Orsai, donde fue destacado por

la autenticidad de su obra y la profundidad de

sus composiciones.

El pasado 12 de septiembre, colmó el

Teatro Vorterix con una puesta eléctrica y

magnética que dejó en evidencia la potencia

escénica y la solidez artística que viene construyendo.

Allí, desplegó su faceta más experimental,

cruzando géneros con naturalidad y

confirmando su lugar dentro del nuevo rock

argentino.

Luego de esta presentación Joaco se detiene

para ofrecernos un momento de cercanía

profunda con su concierto Piano y Vos, que

tendrá lugar en el histórico Teatro Margarita

Xirgu. Será el 6 de noviembre y será un

espectáculo íntimo y conmovedor, en un formato

desnudo y esencial: su voz, su piano, y

el alma al frente.

Piano y Vos propone un viaje emocional

a través de su cancionero original, en un

espacio que respira arte, historia y belleza.

Un encuentro sin filtros ni artificios, donde

el público se vuelve parte fundamental de la

experiencia. Solo quedan la música, la palabra

y el silencio compartido entre artista y

espectador.

Joaco atraviesa estilos con total libertad:

del pop barroco al jazz minimalista, del rock

visceral a la canción clásica, todo sostenido

por una lírica poética, sensible y contemporánea.

Su piano no acompaña: narra. Su voz no

canta: confiesa. Este concierto será la oportunidad

perfecta para descubrir su universo, o

para reencontrarse con él desde otro lugar.

FOTO/S: JULI GARCÍA

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OCTUBRE 2025

The Kid Laroi

lanza su nuevo single

“She Don’t Need

To Know”

El videoclip oficial está protagonizado por

Carmen Electra y Anna Van Patten.

L

a superestrella mundial nominada

al Grammy y multiplatino The Kid Laroi

lanza su single, "She Don't Need to Know".

Laroi se reconecta con su equipo detrás del exitoso

single “Girls”, Jon Bellion, Pete Nappi, Rogét Chahayed,

Tenroc y Xplicit, así como con un colaborador

frecuente como es Dopamine. El video, dirigido por

Danica Arias Kleinknecht, está protagonizado por

Carmen Electra y Anna Van Patten con Laroi en un

tórrido triángulo amoroso con temática de tenis.

"She Don't Need to Know" sigue a los recientes

lanzamientos de Laroi en 2025, "Hot Girl Problems",

"All I Want is You" y el favorito de los fanáticos,

"How Does it Feel". Laroi también lanzó un video

musical oficial para "How Does It Feel" dirigido por

Calmatic (colaborador de artistas como Kendrick

Lamar y The Rolling Stones).

El año pasado, Laroi lanzó la versión de lujo de su

álbum debut de larga duración, The First Time, con

cinco nuevas canciones. También se embarcó en The

First Time Tour, que lo llevó por Europa, América

del Norte y Australia. Lanzó tres nuevos singles,

incluido "Girls", que debutó en vivo en la gira antes

del lanzamiento, junto con "Aperol Spritz" y "Slow It

Down" con Quavo.

Sin signos de desaceleración, Laroi seguramente

seguirá emocionando a los fanáticos con sus éxitos y

videos cinematográficos.

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OCTUBRE 2025

NOCHES CAPITALES

Nueva edición y una invitación musical imperdible

Los Auténticos Decadentes, Abel Pintos, Peces Raros, Miranda!, Andrés Calamaro y Guasones desplegarán

sus inigualables shows en el Hipódromo de La Plata.

Los Fabulosos Cadillacs inauguraron la temporada 2025 del festival Noches Capitales.

on el recuerdo aún

latente de lo vivido en

C

2024, Noches Capitales

regresó al Hipódromo de La Plata

con importantes exponentes nacionales.

En septiembre se dieron los

primeros shows, con una espléndida

apertura a cargo de Los Fabulosos

Cadillacs, luego con la presentación

de YSY A y también con una

función de La Plata Baila, a cargo

de Karina La Princesita, Néstor en

Bloque y DJ Pipo.

La temporada, con tónica primaveral

continuará con Los Auténticos

Decadentes el 18 de octubre;

Abel Pintos el 1 de noviembre; Peces

Raros, el 15 de noviembre; Miranda!

con una doble función pautada

para el 28 y 29 de noviembre;

Andrés Calamaro el 6 de diciembre;

y un gran cierre con Guasones,

el 13 de diciembre.

Así, la cartelera para esta edición

2025 reúne talentosos y consagrados

músicos que se encuentran

celebrando trayectorias, estrenando

materiales y marcando el pulso de

la escena artística.

Producido por Gonna Go, Noches

Capitales se presentó en 2024

como un ritual musical en el Hipódromo

de La Plata transformado

en una sala abierta a la experiencia

sonora, supo tener en su cartelera

inaugural a grandes artistas como

Él Mató a un Policía Motorizado,

Cuarteto de Nos, Dillom, Peces

Raros, Usted Señalemelo, CA-

7RIEL & Paco Amoroso, Six Sex y

Cruzando el Charco, entre otros.

El recinto, con su contorno abierto

y su memoria, fue testigo de una

comunión musical que reivindicó

la ciudad y su historia patrimonial

como escenario para la creación

colectiva.

El histórico Hipódromo de La

Plata ubicado sobre avenida 44 y

calle 115, se vuelve a perfilar como

el escenario ideal para disfrutar de

noches memorables, de la mano

de grandes artistas, descubriendo

nuevos talentos y compartiendo con

amigos o en familia. Esta experiencia,

además, se complementa con

comodidades de primer nivel, como

un estacionamiento propio a disposición,

una amplia y ambiciosa

oferta gastronómica con propuestas

locales de todo tipo, un sector VIP

con vista exclusiva, y activaciones

artísticas que se intercalan entre

show y show.

FOTO/S: JC FOTOGRAFÍA

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OCTUBRE 2025


Emergentes

Fede Mottalini

Lenoise

Tus Delirios

“Canciones para calmar el caos mental

y volverlo a desatar”. Con esa frase

se presentan Tus Delirios, la banda

que comanda Zikiel Levinton -sí, el

hermano menor de Joaquín, frontman

de Turf- y que en poco tiempo

empezó a hacerse un lugar en la movida

porteña.

Su propuesta mezcla rock y pop con

un ritmo urbano que respira presente.

Letras sensibles, pero con filo, y un

vivo que contagia energía: esa parece

ser la fórmula que los fue acercando a

una generación que busca herederos

posibles del rock argentino.

Fede Mottalini acaba de publicar

Polvo digital, un álbum que funciona

como fotografía de un período

creativo intenso. El trabajo reúne siete

canciones: una parte son los singles

que fue adelantando en el último año

y medio, y el resto, inéditos que terminan

de darle coherencia al proyecto.

El músico se mueve en un terreno

híbrido, entre la calidez del neo soul

y la energía del postpunk y el pop

alternativo. El disco fue grabado íntegramente

en M77studio entre 2022

y 2025, en un proceso largo que implicó

dejar afuera varios temas para

lograr unidad.

Club 20

Club 20 viene marcando un camino

poco frecuente para una banda del

norte del país. Formados en 2018 por

Maximiliano Montañez, Pablo Garzón

y Piruu Mancia, el proyecto se

mueve entre el indie, el pop y guiños al

rock y lo urbano.

Su primer disco, Feria (2023), fue el

punto de partida que les abrió camino

y les permitió empezar a definir un

sonido reconocible. Este año estrenaron

“El Auge”, su último single, que

funciona como anticipo de lo que

será su próximo trabajo de estudio.

Con esa nueva etapa en el horizonte,

la banda busca consolidar el crecimiento

de estos años y reafirmar su

lugar dentro del mapa de la música

independiente.

Lenoise vuelve con todo, mostrando

un sonido renovado que sigue siendo

fiel a lo que los define. Con “Lejos”, la

banda completa la serie que arrancó

con “El Horizonte” y “Soltar", y adelanta

un poco de lo que será su próximo

disco, que sale a fin de año.

Formados en Resistencia, Chaco,

y ahora radicados en Buenos Aires,

Lenoise lleva más de veinte años

construyendo un camino sólido en

la escena independiente, con discos

como Supernova (2014) y un reconocimiento

nacional tras ganar Destino

Rock, con Gustavo Santaolalla como

presidente del jurado.

“No dormir”

“Polvo digital”

“El auge”

TUS DELIRIOS CLUB 20

CLUB 20

“Lejos”

LENOISE

80

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SEPTIEMBRE 2025

Billboard AR Octubre 2025

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