Billboard AR Noviembre 2025

ESPECIAL

FOLKLORE

MILO J

LOS TEKIS

NUEVA OLA

ANDRÉS

CALAMARO

DE ESTE LADO DE LA MECHA

FOTO: GENTILEZA PRENSA

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

SALE S DATA

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

CO MPIL ED B Y

“Tu Misterioso Alguien (Cuarteto)”

mantiene la cima del Billboard

Argentina Hot 100

Es la quinta semana en la cima para Luck Ra y Miranda!

L

a semana del 18 de octubre

dejó nuevamente a

Lucka Ra y Miranda! en la

cima del Billboard Argentina

Hot 100 con su éxito

“Tu Misterioso Alguien (Cuarteto)”.

Es la quinta semana consecutiva en

lo más alto para este éxito cuartetero,

igualando así su versión original protagonizada

por Miranda!. “Tu Jardín

Con Enanitos” y “Con Otra” - ambas

antiguas No.1 - completan el top 2 y

top 3 de la semana.

The La Planta y Junior se quedan

con el Hot Shot Debut de la Semana

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

gracias a “Mix Cumbia 1”, que debuta en

el No.14. Esta canción marca la cuarta

presencia para The La Planta luego de

“Hoy” - canción que ostentó el récord

de semanas en el No.1 de 2024 -, en el

No.60; Fingí Demencia (Cuarteto), que

debutó esta semana en el No.74 y “Mix

Cumbia Vv2”, que escaló del No.99 hasta

el No.83.

Rauw Alejandro, por su parte, se quedó

con el Greatest Gainer de la Semana

gracias a “Khé?”, track que comparte

con Romeo Santos. La canción escaló

35 posiciones, desde el No.97 hasta el

No.62.

Semana

pasada

2

8

3

7

5

4

6

9

11

Esta

semana

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Título

#1 por 1 SEMANA

TU MISTERIOSO ALGUIEN

Tu Jardin Con Enanitos

Con Otra

Todo Ke Ver

Tu Vas Sin (Fav)

Hasta Que Me Enamoro

The Fate Of Ophelia

W Sound 05 "LA PLENA"

Yo y Tú

QLOO*

Maria Becerra ingresó

al chart con “Infinitos

Como El Mar”

Artista

Luck Ra, Miranda!

Roze Oficial, Max Carra, Valen,

Ramky En Los Controles

Cazzu

JERE KLEIN X KATTEYES

Rels B

Maria Becerra, Tini, Xross

Taylor Swift

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums

Young Cister, Kreamly

-VARIACIÓN

-

↑

↓

↑

↓

↓

↓

-

↑

NOVIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 3

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 18 DE OCTUBRE

Semana

pasada

26

22

Esta

semana

21

22

Título

Por Mil Noches

Si No Es Muy Tarde

Artista

Airbag

Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave,

Un Poco de Ruido y Pinky SD

VARIACIÓN

↑

-

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

31

23

UWAIE (versión cumbia)

Max Carra

↑

27

24

Mejor Que Vos

Lali & Miranda!

↑

23

25

Motinha 2.0

Dennis, Luisa Sonza, Emilia

↓

32

26

Como Eran las Cosas

Babasonicos

↑

29

27

amor de veraNO

La T Y La M

↑

30

28

Si Te Pillara

Beele

↑

28

29

VelDA

BAD BUNNY ft. Dei V,

Omar Courtz

↓

39

30

A Las Nueve

No Te Va Gustar

↑

44

31

Golden

HUNTR/X, EJAE, Audrey Nuna

& Rei Ami

↑

32

Una Noche Más

TINI

NEW

Semana

pasada

13

10

12

16

14

15

19

38

OPALITE

TAYLOR SWIFT

Esta

semana

11

12

13

14

15

16

17

18

Título

Amor de Vago

Cuidado Que Te Supero,

Los Herrera

No Tiene Sentido

Mix Cumbia 1

Soleao

Shiny

Niño

Capaz

11

12

13

14

15

16

17

18

Artista

LA T Y LA M ft MALANDRO

DE AMERICA

Los Herrera, Q' Lokura

Beéle

The La Planta, Junior

Myke Towers & Quevedo

Easykid

Milo J

Alleh & Yorghaki

VARIACIÓN

↑

↓

↓

NEW

↑

↓

↓

↑

37

36

38

34

25

17

33

41

40

47

46

58

33

34

35

36

37

38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

Si Antes Te Hubiera

Conocido

Me Gusta

Mi Refe

BAILE INoLVIDABLE

Bajo De La Piel

Opalite

7 VIDAS

Que Pasaria...

Nunca Lo Olvides

MASNA REMIX

A MEDIO VIVIR

Ramen Para Dos

Típica Argentina

Perfecta

PIEL

Fronteo

Karol G

Miranda! & TINI

Beéle, Ovy On The Drums

Bad Bunny

Milo J

Taylor Swift

Maria Becerra, Xross

Rauw Alejandro, Bad Bunny

Airbag

FMK, Emilia, Nicki Nicole,

Tiago PZK

Ricky Martin, Carín León

Maria Becerra, Paulo Londra

Nico Valdi x Chofer x El Lobo

Miranda

KE PERSONAJES, TIAGO PZK

Plan B

↑

↑

↑

↓

↓

↓

↓

↑

NEW

↓

NEW

↑

↑

RE

RE

↑



18

19

Gil

19

Milo J, Trueno

↓

51

49

Blackout

Emilia, Tini & Nicki Nicole

↑

20

20

Favorita

20

Ángela Torres

-

43

50

Coqueta

Fuerza Regida & Grupo Frontera

↓

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

4

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 18 DE OCTUBRE

Semana

pasada

54

21

Esta

semana

51

52

Título

Resentia

y ke pa (Remix)

Artista

Pablo Chill-E

Julianno Sosa, benjitalkapone

Ft Jairo Vera

VARIACIÓN

↑

↓

PUESTO

BABASONICOS

94

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

65

53

SINVERGÜENZA

Emanero, Karina, J Mena,

Angela Torres

↑

63

54

Un Osito De Peluche

De Taiwan

Los Autenticos Decadentes

↑

60

55

Perdonarte

¿Para Qué?

Los Ángeles Azules, Emilia

↑

59

56

Diles Remix

Bad Bunny, Ozuna, Farruko,

Arcangel, Ñengo Flow

↑

77

57

Perreo Th 7

DJ Plaga, Mamiyosoyelth

↑

62

58

Mambinho Brasileño

Benjitalkapone

↑

68

59

No Podrás

Eugenia Quevedo | Angela Leiva |

La Banda De Carlitos (En Vivo)

↑

61

60

Hoy

Valentino Merlo x The La Planta

↑

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

VARIACIÓN

53

61

Hola Perdida

Luck Ra, KHEA

↓

84

81

Ya No Vuelvas

Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes

↑

97

62

Khé?

Rauw Alejandro y Romeo Santos

↓

93

82

Nunca quise

Intoxicados

↑

64

73

69

85

71

66

75

83

74

67

76

78

91

87

63

64

65

66

67

68

69

70

71

72

73

74

75

76

77

78

Tan Lejos

Flaca

Luna

Yogurcito

Que Me Falte Todo

DtMF

Loco (Tu Forma De Ser)

Don’t Say You Love Me

444

Obsesionario En

La Mayor

Solifican12

FINGI DEMENCIA

(CUARTETO)

Adios

VOY A LLeVARTE PA PR

Ella Dijo

Lose Control

No Te Va Gustar

Andrés Calamaro

Feid, Atl Jacob

Blessd

Luck Ra & Abel Pintos

Bad Bunny

Los Autenticos Decadentes

Jin

Yan Block & Panda Black

Tan Bionica, Abel Pintos

Milo J

Luck Ra, RAMKY EN LOS CONTROLES,

The La Planta, La K'onga

Gustavo Cerati

Bad Bunny

Estelares

Teddy Swims

↑

↑

↑

↑

↑

↓

↑

RE

↑

↑

↓

NEW

↑

↑

↑

↑

99

98

92

82

100

25

95

83

84

85

86

87

88

89

90

91

92

93

94

95

96

97

98

Mix Cumbia VV2 (Herederos,

Cómo Mirarte, Vas A Quedarte)

More

Irresponsables

EoO

Entre Nosotros

top diesel

Es Un Secreto

Tratame Suavemente

Suena en la Previa, Vol. 1

Túnel de la Vida

Amanece

Puesto

Yo Era

Elizabeth Taylor

CICATRICES

Loco Enamorado

| Varieté #4

Valen Vargas x The la planta

Zion x Ken-Y, Zion

Babasonicos

Bad Bunny

Cindy Cats, Tiago PZK

Beéle

Plan B

Soda Stereo

Cumbia rocha

El Plan De La Mariposa

Anuel AA & Haze

Babasonicos

Q' Lokura

Taylor Swift

Airbag

Max Carra, Tincho Di Salvo,

Javi Zurro

↑

RE

↑

↑

NEW

↓

RE

↑

NEW

NEW

RE

RE

RE

↓

↓

NEW



86

79

Yo sé

Yan Block, TORRRES

↑

99

Pensamientos

Airbag

NEW

96

80

Ese Maldito Momento

BabasonicosLa Vela Puerca

↑

72

100

Ama De Mi Sol

Milo J

↓

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

6

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

PRESIDENTE

Jorge R. Arias

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Juan Pedro Dondo

Analía Arias

Gonzalo Luzza

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ezequiel Ruiz

Julián Mastrángelo

Gabriel Sotelo

Agustín Contepomi

CONTENIDOS

Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /

Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna

Colaboraron en esta edición:

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IMAGEN Y DISEÑO

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IT / TECNOLOGIA

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ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS

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Akapellah es el protagonista del primer episodio de En La Cabina, las sessions

grabadas en Billboard House. Enterate más en la página 28.

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INTERNATIONAL EDITOR

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DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL

Sigal Ratner Arias

Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de

los artículos sin la previa autorización del director. El material

periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.

RNPI: 5349798

ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 144 · Noviembre 2025 · Argentina: $20000

8

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NOVIEMBRE 2025

Contenidos

CHARTS

3. Billboard Argentina Hot 100

INTRO

13. Billboard Latin Music Week

ENTREVISTAS

18. Lola Índigo

24. Primal Scream

26. Frescolate

30. Andrés Calamaro

40. Chapa y Castelo

50. Louis Tomlinson

54. Matteo Bocelli

62. Drake Bell

64. 3AM

66. Ecko

ESPECIALES

14. Lo mejor de Sonría, Estamos en Billboard

16. 40 años de Nada Personal, el disco de Soda Stereo

20. Track x Track: Juana Molina

22. Creamfields 2025

28. En La Cabina, nuestro ciclo de sessions

42. Folklore Hoy: La nueva ola, el álbum de Milo J y Los Tekis

48. Discos del mes

55. Vivo: Rauw Alejandro, Kendrick Lamar, Silvio Rodríguez, Anuel AA, Ca7riel & Paco Amoroso

68. Lanzamientos

82. Emergentes

EN LA TAPA

Andrés Calamaro, por Tomás Canet

10

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

TU MISTERIOSO ALGUIEN

(CUARTETO)

LUCK RA, MIRANDA!

05

SEMANAS

EN EL N.1º

05

SEMANAS

EN EL CHART

TU JARDIN CON ENANITOS

ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,

RAMKY EN LOS CONTROLES

CON OTRA

CAZZU

HASTA QUE ME ENAMORO

MARIA BECERRA, TINI, XROSS

AMOR DE VAGO

LA T Y LA M FT MALANDRO DE AMERICA

CUIDADO QUE TE SUPERO

LOS HERRERA, Q' LOKURA

NIÑO

MILO J

GIL

MILO J, TRUENO

FAVORITA

ÁNGELA TORRES

POR MIL NOCHES

AIRBAG

12

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

INTRO

Shows, premios, conversaciones, fiestas y todo el sabor

reunido en Miami

El evento de música latina más importante del mundo tuvo como epicentro el Teatro Fillmore con shows estelares,

conversaciones exclusivas y momentos inolvidables en la previa a los Premios Billboard de la Música Latina.

POR EZEQUIEL RUIZ

LATIN MUSIC WEEK 2025

FOTO: POPI GRAÑA

addy Yankee hablando

de su regreso a la música

de la mano de Dios.

D

Kali Uchis comentando cómo la

inspira su flamante maternidad.

Tokischa contrastando su irreverencia

musical con su tranquilidad

doméstica. Anuel AA y DJ Khaled

discurriendo acerca de la importancia

de los crossover. Gloria y

Emilio Estefan emanando vigencia.

Laura Pausini destilando carisma

cantando a capella y respondiendo

a las preguntas del público. Carlos

Vives recordando cómo lo marcó

la música del mundial de fútbol de

Italia 90. Estas escenas y muchas

más se dieron en el Teatro Fillmore

de Miami en lo que duró la Billboard

Latin Music Week 2025.

Argentina tuvo su presencia con

Yami Safdie (en un panel que reunió

el poder femenino actual junto

con Aitana, Ela Taubert, Silvana

Estrada y Yailin), Luck Ra (en

otro, sobre la explosión tropical en

la música latina), Afo Verde (en

una interesante conversación sobre

la cruza entre la música y el cine)

y también Soledad, quien compartió

con Silvestre Dangond un panel

titulado Desde la raíz, producido

por Billboard Argentina y Billboard

Colombia, en donde ambos

hablaron sobre la importancia de la

música folclórica en sus respectivos

países.

La música estuvo por todas partes

y no solo en el bellísimo teatro art

decó de fachada lavanda, sino también

en distintos spots de la ciudad

que hicieron las veces de afterparties.

Una fiesta organizada por el

festival Bombastic que tuvo mini

shows de Luck Ra, Yami (acompañada

por La Sole), Yas, J Álvarez

y Bröder, dj de Bresh, pinchando

entre presentaciones; otra en la disco

LIV protagonizada por Danny

Ocean; y un recital de los venezolanos

Rawayana en el M2.

La maestra de ceremonias fue

Leila Cobo, directora de contenidos

de Billboard Español, quien

estuvo acompañada por su dream

team de superpoderosas: Sigal Ratner-Arias,

Ingrid Fajardo, Isabela

Raygoza, Pamela Bustios, Griselda

Flores y Jessica Roiz, quienes no

sólo moderaron distintos paneles,

sino que también estuvieron cubriéndolo

todo minuto a minuto.

El momento más esperado de

la semana, tanto para el público

como para los artistas, fueron los

Premios Billboard de la Música

Latina, celebrados en el James

L. Knight Center. Allí, Bad Bunny

hizo su aparición acompañado por

el coro boricua que interpretó “Café

con ron” y dio un largo discurso al

recibir, de la mano de la legendaria

artista Rita Moreno, el premio Billboard

al Artista Latino del Siglo

XXI. “Me considero un joven que

sigue soñando, con muchas metas

y cosas por hacer”, resumió el autor

de DeBÍ TiRAR MáS FOToS frente

al micrófono.

El Conejo Malo se llevó once

premios (incluyendo el de Artista

del año), Karol G lo siguió con seis

galardones (entre ellos, el Global

200 Canción Latina del Año por

“Si antes te hubiera conocido”) y

los mexicanos de Fuerza Regida

se alzaron con cinco. Además de

Bad Bunny, hubo otros homenajes

especiales, como el de Laura

Pausini, quien recibió el Premio

Billboard Ícono; Elvis Crespo, quien

se llevó el Premio Billboard Salón

de la Fama; y Peso Pluma, ganador

del primer Premio Billboard

Vanguardia.

La semana cerró a puro glitter y

humo con una fiesta Bresh que reunió

a varios de los protagonistas

de los días previos. Entre música

y tragos, apenas hubo tiempo para

un rápido balance de lo vivido y

un brindis con la ilusión de que se

repita. Y en el aire, un interrogante

para terminar de absorber la experiencia

de la “capital latinoamericana”.

“¿Dónde está hoy el sabor de

Miami, Leila?”, le pregunté sabiendo

de su background y vínculo con

este lugar. “En todos lados”, dijo

Cobo, guiñando un ojo y obligando

a seguir prestando atención. Es

que, como dicen Los Fabulosos

Cadillacs en su canción “Miami”, la

ciudad estadounidense se ve como

un lugar ideal “para acampar en este

infierno”.


SONRÍA, ESTAMOS EN BILLBOARD

La música que salva, une y trasciende

En octubre, recibimos a artistas que nos recordaron por qué la música es mucho más que canciones: es voz, es

refugio, es vida.

POR GABRIEL SOTELO

O

ctubre trajo una energía

imparable a nuestro

estudio, y no podíamos estar

más felices de compartir todo lo

que pasó en este nuevo capítulo

de Sonría, estamos en Billboard.

En esta edición, nos visitaron

artistas que están dejando huella

con su música, su historia y su

autenticidad.

El Villano nos sorprendió

con una charla sincera sobre

su evolución artística, su

conexión con el público y cómo

logró reinventarse sin perder

su esencia. Un Muerto Más

trajo la intensidad del under

con letras que golpean y una

propuesta sonora que no pasa

desapercibida, en la previa de

su show en Vorterix. Por su

parte, la artista Zaymi y Sofía

Mora nos cautivaron con sus

miradas frescas sobre la industria,

dejando en claro que la nueva

generación viene con fuerza y

personalidad propia.

También contamos con la

presencia de la DJ mendocina

Rocío Portillo; la talentosa Yas

Gagliardi; el primer campeón

mundial de freestyle, Frescolate; y

el compositor, multiinstrumentista

y cantante brasileño de soul, funk

y jazz, Ed Motta. Desde el pop

con identidad hasta el freestyle

más afilado, cada uno compartió

su historia, su música y su visión,

generando momentos de

inspiración y conexión real.

Cruzando el Charco

Little Boogie

Tuvimos el honor de recibir a Fran y Nahuel de Cruzando el Charco,

que nos llenaron de emoción con sus letras honestas y ese sonido

tan característico que los posiciona como una de las bandas más

queridas del país. Además de una extensa charla sobre su camino,

palpitamos el show en el Movistar Arena del próximo 5 de diciembre.

“Será una fecha muy especial que estamos preparando hace

mucho tiempo. Cantaremos canciones nuevas y tendremos

un setlist muy pensado. Hay invitados confirmados que están

buenísimos y que no han visto en vivo con nosotros”, adelantaron

generando expectativas sobre la fecha.

Agus Bernasconi

En un encuentro íntimo y lleno de emoción, el artista abrió su

corazón para hablar del poder sanador de la música y cómo, en los

momentos más oscuros, crear y conectar a través del arte puede ser

una verdadera tabla de salvación. Fue una conversación profunda y

sincera, donde se reflexiona sobre la importancia de expresarse, de

encontrar un refugio en las canciones, y de cómo la música no solo

acompaña, sino que también puede salvar vidas —incluso la propia.

“Soy chorro porque vengo a robar la industria. Soy villero porque

vengo de un barrio bajo. Soy negro porque soy negro. Soy un genio

porque por ahora estoy acá. Me gusta hacer referencia a grandes

ídolos como Ricky Espinosa, Flema, entre otros capos”, dijo mientras

mostraba una remera que marcaba esos conceptos.

Juli Castro, Anto Podesta y Valen G

Con su reciente separación de MYA y el comienzo de su carrera

solista, Agus está más que dispuesto a tomar riesgos a nivel musical

y personal. “Aventura” es su última canción, y es un claro ejemplo

de la madurez artística que buscó en lo que llevamos de 2025.

Este track lo lleva a la bachata por primera vez y demuestra el gran

abanico de posibilidades sonoras con el que cuenta el joven artista.

Además, dio detalles también de su carrera actoral, de la cual se

había separado hace ocho años y decidió retomar con el estreno

de una nueva serie. “Voy a encarnar un boxeador. Fue algo que

realmente me emocionó… Volver al mundo actoral era algo que

quería mucho. La serie la van a ver el año que viene, espero que les

guste”, compartió.

Playback es la nueva serie de Disney que protagonizan Juli, Anto y

Valen, y donde encuentran su camino musical a base de canciones

románticas y alguna que otra rompecorazones.

Las protagonistas visitaron nuestras oficinas para hablar del

álbum oficial de la serie, que cuenta con más de 13 canciones

y refleja el camino que se encontrarán en la obra de televisión.

Además, el álbum cuenta con covers de la talla de “Flowers”, de Miley

Cirus, interpretado por Valen G. “Tuvimos que hacer este tema en el

casting y también “Vampires”, de Olivia Rodrigo, fue el casting más

difícil por lejos”, afirmaron.

FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA

14

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

DISTRIBUYE

40 años de Nada Personal

El disco que disparó a

Soda Stereo a la conquista

de Latinoamérica

Hablamos con Zeta Bosio y Alberto Ohanian sobre el disco

que les dio confianza a la banda, potenció su estilo y con el

que comenzaron la conquista de nuevos mercados.

POR POR JUAN CRUZ REVELLO

Puede que no sea el

álbum más destacado

de Soda Stereo,

pero sin duda es clave

en su discografía y

en el imaginario de

la cultura pop en Argentina.

Se metió en

todos los hogares y radios FM -que

apenas comenzaban su gran despegue-,

impactando en los adolescentes

y causando curiosidad y dudas -se lo

tildaba de frívolos, de grupo de plástico-

en los adultos del universo rock.

“Comunicación sin emoción. Una

voz en off, con expresión deforme”.

“Nada Personal” abre y le da nombra

al disco con una declaración futurista.

Si no fuera porque fue publicada

en 1985, parecería que Gustavo

Cerati la hubiera escrito pensando

en una IA o tecnología similar con la

que convivimos permanentemente

40 años después de su edición. Comienza

con un riff penetrante y tiene

un estribillo muy fácil de aprender.

Automáticamente la cantó todo el

mundo, incluyendo a aquellas personas

que no confiaban en la credibilidad

de la banda.

El periodista y editor

Roque Di Pietro, en

su libro Esta noche toca

Charly, un viaje por los

recitales de Charly García

entre 1956 y 1993, escribe

sobre el músico refiriéndose

a Gustavo Cerati: “Vale

la pena recordar lo que

García le dijo luego de su

primer disco con Soda Stereo:

¿Queres hacer un hit?

Hacé un tema que diga:

‘Oh oh oh’”. La anécdota la

recordó el propio Charly

cuando lo entrevistaron a

la salida del velatorio del

líder de Soda: “Y Gustavo

lo hizo”, remató entre risas.

En declaraciones

para Billboard Argentina,

Zeta Bosio, bajista

del grupo, cuenta: “En

la época de la Facultad,

cuando todavía estábamos

poniéndole nombre a la banda

y empezamos a componer, Gustavo

me dijo que se había dado cuenta

no sólo de las onomatopeyas,

sino que también descubrió que las

esdrújulas tenían el mismo efecto,

porque como tienen muchas sílabas,

te permiten separarlas como en

onomatopeyas. Fijate que las letras

de Gustavo empezaron a tener muchas

esdrújulas. Así que no creo que

haya sido Charly… Se deformó un

poco la leyenda, me parece más una

cosa de la cabeza de Gustavo”.

El segundo single del álbum, cuya

letra describe goce, deseo y fantasía, fue

“Juego de Seducción”. Zeta relata que la

venían tocando desde la primera época,

cuando se llamaba “Trae Cola”.

En una entrevista a pocos días de

la salida del disco, que el grupo hizo

con Fabián Loyato y Alejandro Pujalte

en el programa Este es nuestro

rock en Radio Nacional, Cerati decía

esto: “‘Juego de seducción’ creo que,

quizás, es el mejor tema del disco, el

más logrado. Me gusta mucho la letra,

creo que tiene una dirección sensual

o sexual bastante evidente; sin

embargo, en un momento cae en lo

burdo. Me resulta atractivo, es al que

más le presto atención a la letra. Por

otro lado, la cadencia melódica que

tiene, me parece muy linda”.

Otro que fue un hitazo es “Cuando

pase el temblor”. Lo llamativo

estuvo en lo poco habitual para el

momento, de confluir conceptos del

folklore argentino con estructuras

pop. La guitarra induce una especie

de carnavalito reggae, los teclados simulan

vientos como si fueran sikus.

El disco se transforma en un

todo con un puñado de canciones

también reconocibles. “Danza rota”,

“Estoy azulado”, “El cuerpo del delito”,

“Imágenes retro” y “Ecos”, todas

fundamentales en el armado total de

un sonido y un concepto que hizo de

la segunda producción de la banda,

el material que le abrió puertas para

allanar el camino a la conquista de

Latinoamérica.

“Quizás el sonido un poco más

internacional le haya facilitado la

entrada, además de tener una estructura

más avanzada que en la primera

etapa. Estábamos con Alberto

Ohanian, nuestro manager, que creía

mucho en las posibilidades que tenía

la banda a nivel latinoamericano.

Además, tenía contactos. Así que, si

bien el sonido nos dio confianza y

seguridad, eso influyó también, no es

solamente el disco”, recuerda Zeta.

Entre el período de exposición de

su disco debut y la construcción de

su sucesor, Soda cambia de agencia

de representación y comienzan

a trabajar con Ohanian. En diálogo

con Billboard Argentina, el manager

recuerda: “Me iba enamorando

del grupo. Las reuniones de trabajo

eran asado mediante, ellos tres, yo

y la parrilla. Con Soda me pasó que

más allá del talento artístico, fue

total la dedicación a su carrera. No

tuve un ‘no’ en ninguna de las locas

propuestas que se fueron dando. Eso

también tuvo mucho que ver con su

éxito, porque tomaron todo como

parte de la profesión. Eran muy

chicos, pero con mucha voluntad

de trabajar. Eso también bañó Nada

Personal y todo lo que sucedió”.

Zeta: Tocábamos mucho, y eso tuvo

mucha incidencia en Nada Personal.

Todavía vivíamos con nuestros

padres y decidimos irnos juntos a

una quinta a preparar el disco, pero

finalmente lo que hacíamos era ir a

tocar y volver a dormir allí. Tuvimos

muy poco tiempo de ensayos, todo

fue muy vertiginoso”.

Mientras vivían juntos en la quinta

de Parque Leloir, comenzó la lucha

con CBS –la compañía discográfica-

por la grabación del disco.

Ohanian: Me trataron como el orto,

porque no le tenían fe al grupo. Me

asignaron, suponete, seis mil dólares

para la grabación y mezcla, y únicamente

se podía grabar en horarios

discontinuos en sus estudios. Me

negué, me había tocado inaugurar

con Spinetta para Los niños escriben

en el cielo un estudio de Carlos Piris,

Moebio. Pagué la grabación, no me

arrepiento en toda mi vida, el estudio

cerrado, 10 días completos, las 24 horas.

Costó cuarenta mil dólares. Llevé

colchones para que durmieran ahí.

Zeta: Sin estar tan maduros, sentíamos

que teníamos un proyecto más

concreto. También sabíamos un poco

más lo que queríamos y experimentamos

en el estudio, lo cual se evidenció

en el sonido final.

Mariano López fue el ingeniero de

grabación, que según relata Zeta, fue

quien les abrió las puertas para lograr

ese sonido que buscaban, incluso

fabricando ellos mismos las cámaras

de reverberación que querían. En

ese sentido, Charly Alberti destacó

el trabajo artesanal en una entrevista

con Bebe Sanzo para FM 100, donde

dijo: “La batería de Nada Personal la

grabé casco por casco, no toqué todo

junto. Primero tocaba el tambor,

después el bombo, después el hit hat,

después los tones. Una toma por cada

cuerpo”.

Nada Personal tuvo a Fabián Zorrito

Quintiero y Gonzo Palacios

como músicos invitados.

Se presentó en el estadio

de Obras, que por esos

días, era la catedral del

rock: “Fue muy especial,

Obras era lo máximo.

Sentimos que ya habíamos

llegado a lo más alto (risas)

y no estábamos ni en

la mitad”, recuerda Zeta.

Ohanian: Nada Personal

fue mi base para meterme

en otro mercado. Cuando

viajé por primera vez a

Latinoamérica, había vendido

dos estadios llenos

con Piero en Ecuador. Ahí

fue la decisión de exportar

y los Soda colaboraron en

todo. Parecía un corredor

con valija que iba vendiendo

cacharros de cocina,

recorriendo las sedes

de la CBS. Sufrí humillaciones,

no me daban bola,

el rock en castellano no podía entrar.

Salvo en Chile que prendió más rápido

y pude meterlos por dos mangos

en el festival de Viña del Mar. Pero

en Perú, el presidente de la CBS,

mientras le mostraba entusiasmado

el video de Obras, firmaba cheques.

En Puerto Rico me dijeron: “Esto no

va a andar”, y dije gracias, es la cábala

mía. Luego hicimos una gira de

promoción por toda Latinoamérica,

llevé también al Zorrito y nos fuimos

los cinco como luchadores, tocando

gratis, haciendo grupo soporte de

cualquiera, lo que fuera.


Lola Índigo: mate, cuarteto y final de

temporada

La española volvió a la Argentina a bordo de su Nave Dragón y pasó por el Teatro Vorterix.

POR GABRIEL SOTELO

E

n Buenos Aires, Lola

Índigo pisó otra vez el

escenario del Teatro Vorterix

y confirmó lo que ya se siente

en la calle: su vínculo con el país es

real, cotidiano y emocional. Antes

de que se enciendan las luces —y

narrado ahora, cuando el show ya

quedó atrás— la española conversa

con Billboard Argentina y dejó

frases que explican por qué su presente

artístico la ubica tan alto.

“Me dijeron que esta es la onceava

vez que vengo”, dice apenas se

sienta, mitad asombro, mitad complicidad

con un público que ya la

adoptó. ¿Porteña honoraria? Sonríe:

“Me acostumbré hasta al mate…

A veces le pongo un poco de miel,

pero me gusta amargo”. En Madrid,

cuenta, se lo prepara “con la montañita

de yerba y agua para que dure

todo el día” y lo comparte con una

comunidad cercana: “Tengo mu-

chos entrenadores argentinos y una

de mis mejores amigas es de aquí.

Hay comunidad”.

Hay otros guiños rioplatenses en

su rutina. “El dulce de leche me encanta,

aunque solo lo como cuando

estoy acá, no hay que abusar. Las

medialunas son increíbles”, admite.

Y, en la playlist, late el pulso local:

“Me encanta el cuarteto. Estoy obsesionada

con ‘Típica argentina’

de Nico Valdi… Escucho mucho

a artistas de aquí: Callejero Fino,

BM… Y claro, a mis amigos, gente

que me acogió con cariño”.

El idilio con Argentina arranca

post pandemia. “Fue en 2021.

Apenas abrieron los aeropuertos me

vine. Fue el primer país”, recuerda. El

punto de partida tiene nombre propio:

“Vine con Tini a Misiones, me

invitó a cantar ‘La niña de la escuela’”.

Desde entonces, la frecuencia no

baja: “No paré: ¡ya van once veces!”.

TRES ETAPAS, UNA ARTISTA

En escena, Lola ordena su universo

en tríptico: “La bruja, la niña

y el dragón”. Lo explica simple y potente:

“Hicimos una gira de estadios

con tres escenarios, uno por cada

etapa de mis discos. El mayor era

el del dragón, el mediano la bruja

y el pequeño la niña”. Vorterix se

vuelve, otra vez, territorio de ese

relato visual y sonoro. “Amamos ese

recinto… Tiene magia el Vorterix”,

confía. Y suma la clave de esta etapa:

“Ahora venimos con el dragón y con

‘El último viaje’, porque esta etapa se

cierra. Nos da pena, pero también es

un nuevo comienzo”.

Ese nuevo comienzo tiene nombre:

NAVE DRAGÓN, álbum donde

Lola condensa pop, reggaetón y electrónica

en un lenguaje propio. Ella

misma lo pilotea: el viaje es lineal,

cita su propia mitología y abre juego

a colaboraciones de peso. Dentro

del tracklist aparecen perlas que justifican

su ambición: “MI COLETA”,

reggaetón lento que coquetea con la

cumbia; “SIN AUTOTUNE”, nostalgia

y cuerdas para unir lo clásico

con lo contemporáneo; “Q SOMOS”,

junto a Kidd Voodoo, en clave de

amistad/amor sin etiquetas; y un

cierre que mira a la estética Y2K

con “YOTELLEVO”. En el medio,

hits ya probados conviven con la

novedad y ajustan el pulso de un año

hiperactivo.

TERAPIA, PAUSA Y SINCERIDAD

La conversación también baja a

tierra, sin maquillaje. “Es algo que

trabajo en terapia: agradecerle a esa

niña, la primera chispa de lo que

soy… Necesitaba una cheerleader y

mi niña lo sería para mí”. De esa honestidad

nace la necesidad de frenar:

“Dije que me iba a tomar un break,

que literalmente es un descanso breve”,

explica. Y aclara, por si hiciera

falta: “Yo me hago cargo de lo que

digo, no de lo que titulan… Voy a

parar porque estoy agotada; es importante

hacerlo”. Sobre el ruido mediático,

no duda: “Frustra que quieras

ser clara y aparezcan titulares de

clickbait… Igual, sigo comunicando

desde la sinceridad”.

UN LAZO QUE SE CELEBRA EN VIVO

En Vorterix, el lazo se verifica con

el cuerpo. La banda, las visuales y

la narrativa de “El dragón” convierten

el show en cierre y plataforma a

la vez. La artista que un día fue “La

bruja” en Akelarre y “La niña” en

su etapa de pop dosmilero, hoy es

un “Dragón” que protege, empuja y

crece. El público acompaña ese tránsito,

y ella lo devuelve con escenas

de alto voltaje y una entrega que no

especula.

Lola aprendió a volar porque antes

eligió construir alas. En la entrevista,

deja pistas; en el escenario, las

confirma. Entre el mate amargo, el

cuarteto, las medialunas y un teatro

que “tiene magia”, la granadina

reafirma este presente argentino. Y

mientras NAVE DRAGÓN sigue su

ruta, queda una certeza: la historia

que empezó con un hechizo y pasó

por la niñez ahora ruge adulta, sin

perder la chispa. “Nos da pena que

esta etapa se cierre, pero es un nuevo

comienzo”, dice. Y el aplauso en Vorterix

—ya pasado, narrado hoy— la

empuja hacia lo que sigue.

FOTO: UNIVERSAL MUSIC ARGENTINA

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NOVIEMBRE 2025

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ULTRABUENOSAIRES.COM

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Track X Track

DOGADOGADOGADOGADOGA

LA MÚSICA SIN MANUAL DE JUANA MOLINA

La artista abre las puertas

de su proceso creativo,

explicando cómo cada

canción nace y se desarrolla

sin fórmulas.

POR ANTONELLA LOPREATO

N

o hay nada detrás de las

canciones, siempre

está todo por delante.

No hay preconceptos, jamás”,

dice Juana Molina, y ya con eso

te da la pista: meterse en DOGA

es cuestión de dejarse arrastrar.

Casi treinta años después de

Rara (1996), su disco debut

que la sacó de la actuación

y la puso en el mapa

de la música nacional, sigue

haciendo lo que quiere. La

artista aprendió temprano

que las reglas no eran para

ella. París, el exilio adoles-

cente tras el golpe de 1976, le

dio esa libertad y todos esos

sonidos que luego se convirtieron

en su sello. Su octavo

y último álbum es la continuación

natural de esa lógica.

Imprevisible, fluido y completamente

suyo.

FOTO TAPA DE DOGA: ALEJANDRO ROS/

FOTOS: VERENA ALGRANTI

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BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

1_ “UNO ES ÁRBOL” 2_“LA PARADOJA”

La letra surgió mientras

componía; es la única del disco

que nació al mismo tiempo que

la música. Desde el principio

supe que iba a ser la primera.

Sigo pensando los álbumes

como una unidad, por eso la

secuencia de las canciones es

fundamental para mí. Me gusta

que un tema le ceda espacio al

siguiente, como en esos bailes

antiguos en los que uno le da la

mano al otro para continuar el

paso. Es hermoso ponerle play

y sentir que cada canción es

la consecuencia natural de la

anterior. Cuando esta melodía

quedó al inicio, todo lo demás se

acomodó con más facilidad.

5_“SIESTAS AHÍ”

La lanzamos primero porque

me parecía distinta a todo lo

que había hecho antes. Tenía

algo nuevo en comparación con

las canciones de mis discos

anteriores. La historia gira en

torno a un beso que finalmente

se da. Describe ese momento

de enamoramiento absoluto que

ocurre en las primeras semanas

de una relación, cuando todo

es una página en blanco. Lo

desconocido se imagina solo

como cosas buenas: felicidad,

amor, pasión, esa sensación de

flotar, como dice la canción. Son

esos instantes tan hermosos

del amor que espero que todos

puedan experimentar alguna vez,

que nutren y fortalecen.

Nació en un ensayo. No suelo

ensayar los temas completos; más

bien, repaso cuestiones técnicas,

porque mi set es un caos. Pero salió

bastante completa, las estrofas se

fueron formando en orden, una tras

otra, como si ya estuvieran armadas.

Los arreglos vinieron después, pero

la estructura esencial ya estaba

presente. La letra transmite cierta

rabia, una herida abierta. Habla de

alguien que, por un lado, detesta a

otra persona por sus defectos y, al

mismo tiempo, la ama por sus virtudes.

Es un conflicto constante con la

misma persona, alguien que encarna

aspectos contradictorios… pero, al fin

y al cabo, ¿no somos todos un poco

contradictorios?.

3_“DESINHUMANO”

La palabra clave es “inhumano”.

Me inspiré en un libro anónimo

chino, Las aventuras del Rey Mono. Justo estaba leyendo la historia

cuando apareció la palabra. Retrata un momento puntual: cuando el

mono, soberbio y altanero, traiciona al sabio que lo había elegido como

discípulo. El maestro le enseña secretos que no comparte con nadie

más, y el mono, en su ego, hace alarde de sus poderes.

4_“CARAVANAS”

Es una de las canciones que más me

gustan. Nos costó bastante lograr que

funcionara, porque los arreglos eran muy distintos entre sí. La base

estaba excelente, y cuando la cantaba fuera del estudio me parecía un

temazo. Sin embargo, al escucharla, sentía que todavía no terminaba

de funcionar del todo.Parte de la solución llegó gracias a la intervención

de Emilio Haro, y también a un viaje que hice a Canadá. Allí, una amiga

me dijo: “Che, mirá, a los chicos que tocan conmigo les encantaría

hacer una sesión y grabar algo con vos”. Alquilaron un estudio por dos

días. Éramos muchos, y al principio me dio un poco de miedo: no quería

hacerles perder el tiempo si no salía nada. Entonces se me ocurrió

que podrían grabar aportes para algunas de las canciones en las que

estaba trabajando. Lo propuse, y terminaron registrando un montón de

cosas que quedaron preciosas, sobre todo en la base de esta canción.

6_ “INDIGNAN A UN ZORZAL”

Salió de una improvisación con

Odín Schwartz. Habíamos armado

un sistema de sintetizadores,

secuenciadores y controladores,

donde muchas cosas ocurrían de

manera aleatoria e irrepetible. De ese

caos surgió la base de la canción.

Fue un proceso experimental, casi

imposible de reproducir. Sabíamos

que nada de lo que tocáramos

sonaría igual, por lo que grabábamos

constantemente. Cada vez que

encontraba algo que me gustaba, lo

registraba con todas sus posibles

variaciones para disponer de

diferentes opciones. El mundo de

los sintetizadores analógicos es

literalmente infinito, y al combinarlo

con los digitales, la imprevisibilidad

se multiplica: cientos de parámetros

alteran el resultado, y replicarlo

exactamente resulta casi imposible.

7_“VA RARA”

Para mí, las letras son algo

secundario. Importantes, claro,

porque no me gusta escribir

cualquier cosa, pero siempre llegan

después de lo esencial: la música.

Aparecen como un complemento

necesario para poder cantar, y así

fue con esta canción. Aunque pueda

parecer autorreferencial, no lo es.

Hace tiempo que vengo diciendo,

o amenazando, que algún día voy a

componer canciones sin letra.

Suelo anotar términos que me

gustan. En este caso, uno de ellos

es “escapulario”. Me encanta esa

palabra, y además necesitaba una

que terminara en “-ario”. Una vez que

sé más o menos de qué trata una

canción, me gusta buscar palabras

que respeten los sonidos de la

melodía.

8_ “MIRO TODO”

Aunque tiene letra, es imposible

comprenderla, ni siquiera yo puedo.

Fue una elección artística; me interesa que la voz tenga esa

presencia que surge de un lugar desconocido. Me imaginaba

que podía ser un marciano. De hecho, lo relacioné con el final de

La máquina del tiempo, de H. G. Wells, cuando el protagonista

llega al futuro y encuentra a la gente lobotomizada. Hay una chica

que se está ahogando y nadie la ayuda; él la salva, y ella ni le

agradece. Después descubre que todos están controlados por

unos seres que les succionan la información del cerebro. La voz

de “Miro todo" era algo así, una presencia que ejerce poder sobre

nosotros.

10_ “RINA SOI”

9_ “INTRINGULADO”

Siempre me pareció que eran dos

personas discutiendo sobre un

tema, hablando de lo mismo pero

con matices distintos. Se grabó con

violines. Empezamos a tocarlos sin

preocuparnos demasiado por quién

ejecutaba cada parte. Grabamos

mucho y luego editamos todo junto

con Emilio. Es una canción que me

gusta mucho, aunque no sabría decir

exactamente por qué. Son pasajes

musicales que disfruto, en los que

me atrae el tiempo que toman y

cómo todo se desarrolla con lentitud.

Aunque la melodía es bastante ágil, me encanta cómo todo se expande con

calma. La improvisé con Odín; él se fue y yo me quedé enganchada con lo que

habíamos creado. La melodía surgió de golpe, como la mayoría de mis canciones: voces, estructura, todo

aparece en 5 minutos. Obvio, depende del día, del oído, del ánimo. Sobre la ubicación de esta canción

al final del disco, no era para empezar un álbum de ninguna manera. Tiene un final muy abstracto, con

sonidos que Diego trajo y que me volvían loca. Empieza y termina con ese sonido, y creo que eso le da un

carácter propio. Es como un renacimiento.


Creamfields Argentina 2025

REPASÁ LO MEJOR DE LA NOCHE

EN EL PARQUE DE LA CIUDAD

David Guetta, Armin Van Buuren, Miss Monique y más de 60 DJs protagonizaron una nueva edición del festival.


El sábado 11 de octubre, el

Parque de la Ciudad fue

sede de una nueva edición

de Creamfields Argentina, que

llegaba con mucha expectativa

y un lineup que no tenía nada

que envidiar a otros festivales

internacionales.

El clima jugó un papel muy importante

a lo largo de la jornada,

volviendo incluso más épicas las

presentaciones con una lluvia

que azotó a DJs como MATHA-

ME o Miss Monique mientras

llegaba el atardecer y los headliners

preparaban sus sets. Las

más de 30 mil personas que

asistieron a Creamfields disfrutaron

de seis escenarios donde

se presentaron más de 60 artistas,

volviendo así una jornada

apta para todos los gustos dentro

del género de la electrónica.

Uno de los puntos fuertes del

día fue la llegada al Main Stage

del DJ francés David Guetta,

quién había sido galardonado

una vez más como Mejor DJ del

Mundo por DJ Mag y prometía repasar

sus clásicos en una versión

pocas veces antes escuchada.

“I’m Good” fue el tema elegido

para empezar el set, y marcó el

ritmo para la más de hora y media

que mantuvo vibrando a todos

los presentes. “Titanium”, “Sexy

Bitch” o “Eclipse of The Heart”

fueron tracks que no podían faltar

y claramente no defraudó: “Wow,

Argentina is still the best”, compartió

al ver nuevamente al público

argentino.

Armin Van Buuren, Claptone,

Mind Against y Chris Liebing en

su B2B con Ben Klock fueron los

encargados del cierre de la fecha

en sus respectivos escenarios,

dejando así al festival como

un nuevo punto de encuentro y

abriendo las puertas a la posibilidad

del regreso de Creamfields al

país durante muchos años.

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BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

FOTOS: JONO WHITE

HARRY MCVEIGH, DE WHITE LIES

“Nuestras influencias vienen de

todas partes del mundo”

El líder de la banda británica explica cómo sonidos de distintas épocas y rincones

moldearon su séptimo disco, Night Light.


D

esde los pubs de Camden

hasta los estudios que alguna

vez alojaron a David Bowie y a

Kate Bush, Londres siempre fue una

ciudad conocida por ser la cuna de

la música. Allí, entre recuerdos de

post-punk y prog rock, White Lies

terminó de darle forma a Night Light,

su séptimo álbum. El disco llega

como un enlace entre la Inglaterra

que los vio nacer como banda y las

memorias de un pasado que aún

suenan en sus auriculares.

¿Les preocupaba conservar la

“marca registrada” de White

Lies o se dieron el gusto de

perderle el respeto a su propio

sonido y ver hasta dónde

podían llevarlo?

Con este disco decidimos enfocarnos

en experimentar. Ya tenemos varios

álbumes encima, y antes de empezar

a escribir o grabar, hablamos

mucho sobre qué queríamos lograr

realmente. Estamos en una etapa

distinta de nuestras vidas: Jack y yo

somos padres, y Charles combina la

banda con su trabajo en fotografía

y una relación estable. Eso nos obligó

a pensar el proyecto desde otro

lugar, con más conciencia del tiempo

y de la energía que invertimos.

Queríamos asegurarnos de que el

álbum valiera la pena, de que todos

estuviéramos igual de involucrados.

Por supuesto, hay rastros del sonido

clásico de White Lies, pero también

nos dimos permiso para explorar y

divertirnos un poco más, hacerlo sin

cálculo, simplemente porque todavía

nos gusta hacer música juntos.

En este disco se nota una

fusión de post-punk con matices

del progresivo de los ’70.

¿Cómo eligen esas influencias

y qué quieren comunicar con

ese sonido?

Nuestras influencias son muchas;

escuchamos música de todo tipo.

Hoy, con plataformas como Spotify,

nuestro gusto se volvió muy amplio

y ecléctico. Para este disco, mientras

escribíamos, pasábamos mucho tiempo

viendo The Midnight Special, una

serie musical estadounidense de los

años 70 con actuaciones de todas las

grandes bandas de la época. Aunque

el sonido y las mezclas eran bastante

crudos, se sentía la energía de los músicos

tocando en vivo. Eso nos inspiró

muchísimo, no solo por la música de

los ’70 que amamos, prog rock, Steely

Dan, entre otros, sino por esa sensación

de performance en vivo que

resulta tan emocionante. Queríamos

capturar esa energía en el disco.

Mencionaron a bandas como

Genesis y Gong como influencias.

¿Cómo se vincula White

Lies con la historia del rock

británico y europeo a lo largo

de su trayectoria?

Es difícil de precisar. Creo que la

inspiración que tomamos de esas

bandas de prog rock viene de su

constante búsqueda de algo diferente.

Su música es técnicamente compleja,

pero va más allá. Juegan con

compases inusuales, escalas extrañas

o melodías inesperadas. Me encanta

esa sensación de sorpresa, cuando

escuchás algo que no esperabas, una

nota rara, un giro melódico distinto.

Eso nos inspira mucho y tratamos

de reflejarlo en nuestra música.

Supongo que es parte de la tradición

del songwriting británico: las canciones

que destacan suelen ser un poco

excéntricas, con algo que las hace

únicas, que casi te pone la piel de

gallina. Es un rasgo muy británico,

aunque no siento que seamos una

banda particularmente “británica”,

simplemente hacemos la música que

nos gusta, y nuestras influencias vienen

de todas partes del mundo.

¿Piensan que los oyentes perciben

estas referencias, o son más

un placer interno para la banda?

Creo que es un poco de ambas cosas.

Algunos de nuestros oyentes quizá

hayan crecido en los años 70 y reconozcan

ciertas referencias, pero no

escribimos música para parecer inteligentes,

hacemos lo que realmente

nos gusta. Al mismo tiempo, compartimos

muchos gustos con nuestros

fans, así que siempre estamos algo

conectados con ellos.

Además, al crear y grabar este álbum,

nos aseguramos de tocar las canciones

en vivo antes de entrar al estudio.

Imaginábamos cómo reaccionaría la

audiencia, cómo se sentirían si estuviéramos

en la misma sala tocando.

Creo que esa es una parte clave de

trabajar como banda: pensar en la experiencia

en vivo desde el principio.

Desde To Lose My Life hasta

hoy, ¿qué aprendieron sobre la

fama y sobre mantenerse fieles

a ustedes mismos, y cómo se

refleja eso en este álbum?

No somos tan famosos; la gente conoce

la banda, pero no nos paran

en la calle ni nada por el estilo. Lo

más importante que aprendimos es

a ser honestos con nuestra música:

siempre intentamos hablar desde el

corazón y no pretender ser algo que

no somos. Creo que eso es algo que

nuestros fans valoran mucho.

Con los años también adquirimos

experiencia técnica, entendimos

cómo funciona un estudio y cómo

aprovechar el tiempo. Por ejemplo,

en este álbum estuvimos solo dos

semanas en el estudio, el período

más corto que hemos dedicado a

grabar un disco. Llegar a trabajar

así nos llevó unos quince años de

aprendizaje; ahora sabemos exactamente

qué hacer en cada momento

para que todo fluya.


BOBBY GILLESPIE DE PRIMAL SCREAM

El artista habla sobre el lugar del arte en la sociedad, la

influencia de Jean Genet, la energía progresista de los más

jóvenes y su vuelta a Argentina.


S

i uno quisiera encontrar

el punto de partida en la

historia de Bobby Gillespie,

podría detenerse en esa noche

de 1977 en la que John Peel

pinchó "God Save the Queen" de los Sex

Pistols en la BBC. Al día siguiente, según

relata el propio artista en sus memorias Tenement

Kid (2021), caminó por las calles de

Rottenrow con una picardía recién descubierta,

compró el single en la primera disquería

que se cruzó y, al volver a casa, comprendió

de golpe que la música podía ser

una manera de decir, sin vueltas, "no me vas

a domesticar". Como lo describió él mismo:

"Mi hermano y yo sentimos que escapábamos

de nuestra cárcel psiquiátrica".

Nacido el 22 de junio de 1961, Gillespie

creció en un Glasgow postindustrial que

parecía escenario de película de terror de

bajo presupuesto. Su casa respiraba militancia,

con padres socialistas, un poster de

Tommie Smith y John Carlos levantando

los brazos durante los Juegos Olímpicos de

México 68 y un cuadro del Che pegado en

la cocina como vigilante permanente. La

política, para él, nunca fue abstracta, era su

día a día, y, eventualmente, el sonido de su

propia insurgencia. "Siempre necesitás tener

algo contra lo cual descargar tu ira o tu

frustración", dice en diálogo con Billboard

Argentina, resumiendo toda su biografía.

Entre argentinos y británicos existe un

vínculo que va más allá del idioma y se

manifiesta en la pasión por el fútbol. Como

Teenage Fanclub se declara devotamente

maradoniana, y Noel Gallagher idolatra al

Manchester City, Bobby juró lealtad al Celtic

Football Club. Tanto, que llegó a meterse

en la iglesia solo para poder jugar en su

equipo. Pero la pelota, por más fanatismo

que le tuviera, no era la vía hacia la fama.

Más bien, fueron las páginas de Dylan y

Baez, la obsesión por los Ramones, The

Byrds, The Velvet Underground y The Fall,

las que le mostraron la ruta hacia la escena

musical, llevándolo en 1982 a formar Primal

Scream junto a Andrew Innes, su viejo

cómplice de The Drains.

El encuentro con Alan McGee, la peregrinación

hacia Brighton y la inmersión en

los campos del acid house fueron dándole

vida a la identidad del grupo. Se convirtió

en un híbrido entre rock alternativo, dance

y neo-psicodelia, con el don de arrasar en

festivales y aún así mantener un filo ideológico

que no se vende al mejor postor. En ese

terreno de experimentación, le pasaron al DJ

Andrew Weatherall un demo de "I'm Losing

More Than I'll Ever Have". Ante esto, el productor

añadió un loop de batería tomado de

un bootleg de Edie Brickell, un fragmento de

Gillespie entonando una línea de Robert Johnson

y, como remate, la introducción de la

película de serie B The Wild Angels.

De ese cruce creativo nació "Loaded", el

primer gran hit de la banda y el anticipo de

la obra que los consagraría, Screamadelica

(1991), tras los tanteos de Sonic Flower Groo-


24

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

ve (1987) y Primal Scream (1989).

Posteriormente publicaron varios

discos, entre los que destacan Vanishing

Point (1997) y Evil Heat (2002),

y también llegaron los tropiezos,

como el recordado set de Glastonbury

en 2005, donde Bobby llevó la

provocación hasta rozar lo incómodo

y fue acusado de realizar gestos nazis

durante la interpretación de "Swastika

Eyes", o mismo los cambios más

radicales en la formación, entre ellos

la salida del bajista Mani en 2011,

decidido a reformar The Stone Roses.

La prensa los miraba de reojo, y las

grandes ligas se resistían a abrazar su

desparpajo. Pero esa incomodidad

siempre fue su terreno natural: Gillespie

comprendió que la rebeldía

no se negocia.

En 2024, Primal Scream volvió al

ruedo con Come Ahead, ocho años

después de su última entrega. El

frontman suena más introspectivo,

pero igual de curioso. El jazz-soul

de los setenta se cruza con el indie

pop, siempre salpicado de su ironía

característica; los coros femeninos

remiten a su época dorada, mientras

que las canciones coquetean con

nombres como Celebrate the Nun,

Red Flag, Depeche Mode y Prince.

"Antes éramos más experimentales,

ahora trabajamos de manera más

clásica. Pero la sublevación no se

neutraliza", advierte.

Este mismo álbum los trae nuevamente

al país, escenario que frecuentan

desde 1998, para tocar el 2 de

noviembre en Mandarine Park, dentro

del Music Wins Festival. Previo

al show, Gillespie se toma un tiempo

para conversar sobre política, las

nuevas generaciones y, claro, sobre

su propio regreso a Buenos Aires.

Son referentes de la experimentación

y, de hecho, esa

mezcla de sonidos los impulsó

a ir un paso por fuera de la

industria. En Tenement Kid

citás a Jean Genet diciendo

algo como "no quiero que el

mundo cambie, quiero estar

en contra del mundo". ¿Mantenés

todavía esa postura?

Sí, creo que sí. Hay que recordar que

a Genet le ofrecieron la Legión de

Honor, uno de los máximos reconocimientos

del gobierno francés,

y la rechazó. Siempre fue un artista

outsider, y eso es clave: cuando dependés

del Estado, perdés libertad.

Siempre necesitás un blanco contra

el que canalizar tu ira o frustración.

Al final, no importa cuán exitoso

seas, él se puso del lado de los marginados

y oprimidos. Es un ejemplo,

tanto por su visión poética como

por su sensibilidad hacia los más

vulnerables: los outsiders, los negros,

los palestinos, la clase trabajadora.

Esa mirada solidaria es lo que yo

llamo "el flujo poético de los pobres".

Me siento muy identificado con esa

idea. Es alguien con empatía por los

demás y desprecio por las élites que

complican la vida de las masas, nunca

buscó ser aprobado ni abrazado

por nadie más.

“”

El rock and roll es un negocio,

hay que pagar sueldos,

mantener la banda, cumplir

con impuestos.

organizaciones benéficas. Recaudamos

más de 120.000 libras y seguimos

planeando shows para sumar

más. Muchas bandas no hacen nada;

se quedan en casa, evitando riesgos

políticos o artísticos. Nosotros, en

cambio, tratamos de actuar dentro

de nuestras posibilidades, combinando

música y acción, sin renunciar

a nuestra postura.

transformar la cultura: entre los 60 y

70 influyó en los jóvenes, fomentó

la tolerancia y abrió puertas a otras

culturas. Bandas de esa época, el indie

posterior y géneros como el funk

o el soul empezaron a incorporar sonidos

de todo el mundo. Incluso The

Clash mezclaba funk, disco, rockabilly,

country, soul y blues, especialmente

música estadounidense, para

enriquecer su paleta y escapar del

provincialismo. En los 90, en cambio,

la música se volvió mucho más

localista; parecía que el mundo terminaba

en la costa del Reino Unido.

La política británica siempre estuvo

presente en tu obra, ¿creés

que las nuevas generaciones

ven la música con el mismo

compromiso social que vos?

Los jóvenes me dan mucha esperanza.

¿Y a vos? ¿Qué aprendizajes

Tienen una mirada progresista, te dejó la música que toda-

tolerante y humanitaria; su política

vía llevás con vos, arriba del

suele inclinarse a la izquierda y escenario o fuera de él?

muestran una sensibilidad social que La música me enseñó que los seres

a veces falta en nuestra generación.

humanos estamos conectados.

En cambio, muchas personas de mi Es un lenguaje universal que todos

Al mirar hacia los años 90,

el sonido de Primal Scream

se percibe como un terreno

donde coexisten My Bloody

Se podría decir que es una

postura contestataria, más en

tiempos en los que ser transgresor

no vende. ¿Qué significa

para vos ser "rebelde" hoy?

Hoy vivimos en un mundo completamente

atravesado por el capitalismo;

es casi imposible no cruzarse con

corporaciones o grandes empresas.

Pero eso no impide mantener una

postura crítica. Ser rebelde hoy no

significa necesariamente estar afuera

del sistema, sino cuestionarlo desde

adentro. The Clash lo demostraron:

edad tienden más hacia la derecha,

y eso se nota tanto en Gran Bretaña

como en otros lugares.

Lo que más me entusiasma de los jóvenes

es su apertura: son más receptivos

a otras culturas, más respetuosos

con las diferencias y más libres

respecto a la sexualidad. Todo eso

resulta alentador. A veces siento que

encarnan la rebeldía que nosotros

tuvimos en su momento, pero con

mayor conciencia y tolerancia.

Mirando el panorama actual,

comprendemos y que puede generar

vínculos inmediatos. Algo tan simple

como compartir una misma canción

puede acercar a las personas: podés

mandar música desde Argentina y

alguien en cualquier otro lugar la va a

sentir igual; podés escuchar a Young

Thug o a cualquier artista de Atlanta

y, aun así, crear una conexión.

Mis hijos también se enganchan con la

música, disfrutan las letras y se sienten

identificados, y eso demuestra cómo

trasciende fronteras, colores de piel,

idiomas, nacionalidades e incluso religiones.

Valentine, Happy Mondays, Joe Strummer hablaba de injusticias

El

¿pensás

rock

que podría surgir un

and

Para mí, la música tiene un

rol

carácter

casi espiritual; a veces siento que

The Stone Roses y otras bandas

de la época. ¿Qué parte una multinacional enorme. La clave misma fuerza disruptiva que es una especie de voz divina. Quizás

mientras sus discos salían por CBS, movimiento cultural con la

de ese espíritu sigue presente está en usar la plataforma para amplificar

tu mensaje sin perder el filo. Podría ser, pero no creo que una los músicos, porque, de algún modo,

tuvo el punk o el acid house? por eso la gente se siente atraída por

en Come Ahead?

La verdad, no creo que quede mucho Nosotros, con Primal Scream, buscamos

hacer exactamente eso. El rock ducir las mismas formas del pasado. podría llamarse lo divino.

revolución cultural vuelva a repro-

los acerca a algo más grande, a lo que

negocio, que

de los '90 en este disco. Desde entonces

hemos evolucionado como compositores;

mis letras, si las comparás pagar sueldos, mantener la banda, otra época, al siglo XX. En cierto sen-

Para cerrar, mirando toda tu

and roll es un hay que El punk y el acid house pertenecen a

con las de antes, muestran un salto cumplir con impuestos. Pero eso no tido, el rock no ha avanzado demasiado

carrera, ¿hay alguna pregunta

evidente. No se pueden equiparar directamente

elimina la rebeldía. Se puede estar

en los últimos veinte años. En que todavía no hayas logrado

sueldos,

las canciones de aquella dentro del sistema y seguir siendo

mantener

los 90 hubo un destello interesante de responder?

la b

época con las de ahora. Antes, gran crítico, defender a los marginados, fusiones entre rock, dance y electrónica,

con bandas como Happy Mon-

intriga, es por qué algunos artistas

Si hay una pregunta que aún me

parte de la música de Primal Scream los oprimidos, los pobres. Es una

era más bien abstracta: tomábamos cuestión de coherencia y acción, no days, Massive Attack o The Prodigy venden millones de discos. Escuchás

fragmentos que nos interesaban y de aislamiento.

abriendo caminos, pero nadie tomó su música y pensás: "¿Eso es rock?".

luego les agregábamos letras. En este Hace

cumplir

poco tocamos junto a Paul realmente el relevo; la mayoría

con

se dedicó

a recrear sonidos de los 60 o 70, al final… no hay una respuesta cla-

Toda mi vida me

impu

lo he preguntado, y

álbum, en cambio, todo empezó al Weller en el Gig for Gaza 2025 para

revés: primero escribimos las canciones

y después las grabamos.

además de colaborar con distintas El rock ya tuvo su momento de gustos, no hay nada escrito.

recaudar fondos para Palestina, lo que resultó bastante regresivo. ra. Como dice el viejo dicho: sobre


de batallar ya componía y producía.

En 2003 firmé mi primer contrato

y a raíz de ahí empezó mi carrera

como compositor. Cuando llegaron

las batallas me ayudaron un montón

a dar visualización. Cuando salí

campeón la gente se interesó por mí

y empezó a encontrarse con las canciones

que ya había hecho.

¿Sentís que ahora hay más

oferta que hace algunos años?

Hay mucha más información que

antes, totalmente, pero también es

verdad que si uno se pone a buscar

puede encontrar cosas muy buenas

y de altísima calidad. Los que somos

bien hiphoperos estamos acostumbrados

a la búsqueda constante de

ese sonido. En Argentina hay muy

buenos referentes, como Acru, T&K,

Fianru… Hacen boombap y logran

mantener la esencia del hip-hop.

Frescolate: 20 años de historia

El primer Campeón Internacional de Red Bull Batalla se presentará el 29 de noviembre

en Tecnópolis.


S

er el primer Campeón

Internacional de Red Bull

Batalla, es una distinción

que Frescolate llevará por siempre

y con la que representará a la

Argentina vaya donde vaya. El 2 de

octubre de 2005 en San Juan, Puerto

Rico, Sebastián Paoli venció a Eric

El Niño para dejar huella en la historia

y marcar el camino para varias

generaciones de freestylers, raperos,

b-boys y b-girls. “Lo primero que recuerdo

es emoción, es una sensación

muy linda que, hoy, celebrando 20

años, se hace más fuerte”, comentó

en conversación exclusiva con Billboard

Argentina.

El 29 de noviembre de este año,

Frescolate volverá a los escenarios

bajo el marco de Red Bull Batalla

Nueva Historia, un evento que celebrará

20 años de freestyle, hip-hop,

batallas y recuerdos. El evento congregará

a algunos de los Campeones

Internacionales de Red Bull,

como Aczino, Arkano, Bnet, Chuty,

Skone o Rapder, así como también

nuevas estrellas como Exe, el segundo

argentino convocado luego de

Frescolate.

A lo largo de esta conversación,

Sebastián recuerda qué significó

para él aquella victoria y cómo siente

que influyó en la cultura argentina

del hip-hop.

Qué buen año para el freestyle,

las batallas y el hip-hop,

¿cómo estás viviendo esta

celebración?

A full, son 20 años de celebración,

un aniversario que tengo muchas

ganas de que llegue. Van a venir a

batallar de todos los países así que va

a ser una locura.

¿Qué recuerdo tenés de

aquella primera Final Internacional

ahora que se acerca el

aniversario?

Mucha emoción, es lo primero que

siento. Tengo muchas ganas de estar

de vuelta y vivir la experiencia de

compartir escenario con amigos y

compañeros, que con algunos ya batallé

pero con otros todavía no. Estoy

esperando a que llegue el día y estoy

realmente muy motivado.

¿Sentís que la gente está esperando

este evento?

Creo que sí. El evento “5 Vidas” que

se hizo hace unos meses también

motivó bastante a la gente que por

ahí estaba un poco escéptica a las

batallas. Están esperando mucho los

cruces de nueva escuela contra vieja

escuela, es el condimento principal.

¿En qué etapa de tu carrera te

encuentra este evento?

Estoy haciendo canciones. Preparando

mucho contenido con videos y

todo más armado.

¿Fue difícil para ti pasar de las

batallas a la música?

Realmente no mucho porque antes

¿Te gustaría poder colaborar

con ellos?

Estaría muy bueno poder grabar algo.

Uno como artista, a la hora de colaborar

tiene que dejar su marca y mostrar

su mayor nivel. Me pasó muchas

veces grabando con artistas de Chile

o España, que tienen alto nivel, por

lo que tuve que esforzarme realmente

para sacar mi mejor versión.

Qué bueno poder cruzar

generaciones de raperos en

canciones y eventos como

Nueva Historia.

La verdad es que sí, porque uno se

encuentra también con referentes que

vienen haciendo grande los diferentes

elementos de la cultura, que recordemos

que son cuatro. Siempre está bueno

que estén todos unidos porque así

crece la cultura.

En el evento de fin de año se va a

poder aprovechar esto porque están

confirmados referentes como Aczino

o Gazir, que hacen que la competencia

gane incluso más emoción todavía.

¿Es difícil mantenerse vigente

tanto tiempo como ustedes?

Cuesta mucho, sobre todo si son

padres o tienen responsabilidades

como muchas de las leyendas que

van a venir. Mantenerse es lo más

difícil de todo.

¿Extrañas la época de plaza,

batallas y hip-hop más crudo?

Totalmente, antes era mucho más

hip-hop. A todos los lugares que ibas

te podías encontrar con los cuatro

elementos y muchos raperos amigos.

En su momento estuvo muy de

moda y su pico fue con El Quinto Escalón,

ahora cayó un poco.

FOTO: VALENTINO LUZZA

26

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

EN LA CABINA

Akapellah y Paloma Mami protagonizaron

las primeras sesiones

Conocé este nuevo formato, pensado para dar a conocer los últimos tracks de los artistas más relevantes a nivel

nacional e internacional.


L

a cabina es un espacio para

que los artistas interpreten

una canción que los represente, su

último lanzamiento o algún track

inédito que no pueden dejar pasar.

Grabado en vivo en nuestras

oficinas, el espacio ya contó con

la presencia de la leyenda del

rap venezolano Akapellah y una

de las princesas del pop chileno,

Paloma Mami.

Akapellah, por su parte,

interpretó “Dá Professor”, canción

presente en su último álbum

Pneuma. Como particularidad,

esta Cabina contó con la

presencia de Dani Rodríguez, su

pareja y encargada de los coros

originales del track.

Paloma Mami eligió su canción

“Mi KAMA”, también derivada de

su último trabajo discográfico

Códigos de Muñeka, del que

pudimos conocer todos los

detalles a través de nuestra

entrevista en Chile - disponible en

nuestra edición de agosto -.

Con más de 60 mil

reproducciones en YouTube

y una sumatoria de más de 2

millones de views entre todas

las plataformas, En La Cabina se

perfila como un nuevo espacio de

creación y expresión para los y las

artistas que deseen mostrar su

nuevos tracks.

# 1 # 2


28

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

'THE LIFE OF A SHOWGIRL':

5 CLAVES PARA ENTENDER EL NUEVO ÁLBUM

DE TAYLOR SWIFT

Una showgirl que no solo brilla, sino que sobrevive, ama

y responde. Taylor mezcla drama, deseo y pop en su

duodécimo álbum de estudio.

POR AGUSTINA SZESZURAK

FOTOS: UNIVERSAL MUSIC

T

aylor swift volvió a sorprender. The Life of a Showgirl,

su nuevo álbum de estudio, no solo recupera el pulso pop

que la llevó a lo más alto de las listas globales, sino que lo

combina con una narrativa íntima, teatral y emocionalmente

expuesta. Entre confesiones personales, ironías afiladas, el disco se

siente como una obra en varios actos, donde Taylor juega a ser la

estrella… Pero también la mujer detrás del telón.

Estas son cinco claves para volver a escuchar el álbum con otros

oídos (y ojos):

1

TRAVIS

2

LOS

KELCE, EL NUEVO MUSO

Aunque nunca lo menciona explícitamente, Travis Kelce está presente

de manera simbólica en casi todas las canciones. En este álbum,

Taylor lo retrata como quien la "salva" de sus propios abismos emocionales,

transformando la vulnerabilidad en fortaleza. En "Opalite", agradece su

presencia y, a la vez, lanza mensajes dirigidos a ex

parejas. Pero es en "Eldest Daughter" donde deja una

frase contundente sobre su cambio de perspectiva

respecto al amor y el compromiso: "Cuando dije que no

creía en el matrimonio, eso era mentira".

PRODUCTORES CLÁSICOS

VUELVEN AL CENTRO DEL ESCENARIO

Taylor vuelve a coproducir con Max Martin y

Shellback, recuperando la química que la llevó

al éxito en discos como 1989 y Reputation. Este

regreso a sus productores históricos marca un

quiebre con el sonido más introspectivo y lírico

de su último trabajo, para reconectar con un pop

directo, teatral y contagioso que es su sello.

3

TAYLOR

REESCRIBE EL FINAL

DE OPHELIA

El álbum abre con "The Fate of Ophelia",

una reinterpretación de la trágica figura

shakespeariana. Taylor transforma el símbolo

del ahogamiento en un acto de salvación:

"Juré lealtad a mí misma, justo antes de que

iluminaras mi cielo."

La portada del álbum también refleja esta

estética acuática: Taylor aparece flotando

bajo el agua, atrapando la idea de estar en el

borde entre desaparecer y renacer.

4

SABRINA

CARPENTER, CHARLI XCX

Y LOS MENSAJES ENTRE LÍNEAS

La colaboración con Sabrina Carpenter en The Life

of a Showgirl aporta frescura y complicidad femenina

al disco, mientras que en "Actually Romantic" (con un

inconfundible guiño al "Where is my Mind" de Pixies)

varios fans interpretaron una indirecta hacia Charli

XCX. La canción parece responder con ironía a las

críticas sobre el "pop comercial", dejando claro que

"actuar romántica" no es lo mismo que sentirlo.

5

TAYLOR,

FAMILIA Y UN FUTURO

QUE ANTES NEGABA

En "Eldest Daughter", Taylor reconoce un cambio

profundo en su visión del amor y el compromiso,

mientras que en "Wi$h Li$t" va más allá, imaginando

una vida tranquila, con hijos y pareja estable.

Además, en "Wood" explora una faceta más madura

y honesta, jugando con el erotismo y la metáfora

sexual de forma directa, elevando el voltaje del álbum.

Un disco para escuchar con atención

The Life of a Showgirl no es solo un disco, es una

confesión íntima y una renovación artística. Entre

sus pistas, Swift invita a sus fans a descubrir una

nueva era, repleta de drama, sinceridad y ese pop

teatral que tanto la caracteriza.


El cantante se la pasó el año girando por el

mundo y cierra el año en Buenos Aires. Su

nueva banda, la música por venir, la libertad,

la corrección política, el anti caretismo y

mucho más en una charla real y virtual.

POR EZEQUIEL RUIZ

FOTOS: TOMÁS CANET

FOTOS EN VIVO: EDGARDO KEVORKIAN

PPPP

Para concretar esta portada de Billboard Argentina,

Andrés Calamaro propuso un encuentro informal como

prólogo y una entrevista escrita. Lo sabe la prensa musical:

el cantante no tiene drama en conversar pero prefiere

responder siempre por e-mail. Recomendación que hace

muchos años le hizo el poeta Alberto Girri, amigo de su

padre Eduardo, y que él adoptó como norma. Así, invitó

a un café por su barrio, “Palermoishe”, cuadrante de edificios

delimitado por el ex zoológico y el Parque las Heras,

al norte de la Ciudad de Buenos Aires. Sin cámaras

ni grabadores. Sobre la mesa, una lágrima y un jugo de

naranja para él, que revolvió antes de cada sorbo.

Comenzó el año casándose con Natalí Franco y se

la pasó combinando vida doméstica con compromisos

musicales. A finales de este mes dará tres funciones en

el Movistar Arena como punto especial de una larga gira

que lo llevó por casi toda la Argentina, América, Europa

y que finalizará en diciembre en Chile. Si bien en su horizonte

inmediato no hay un álbum de novedades, revela

que grabó para el disco de regreso de Tan Biónica , a publicarse

este 4 de noviembre.

En el bar sonó una playlist de “puro rock nacional”.

Soda Stereo, Enanitos Verdes, Los Piojos, Babasónicos,

Coti Sorokin… Y también él: “Te quiero igual”,

“Mil horas” (Abuelos de la Nada), “Mucho mejor” (Los

Rodríguez). Cuando llegó “Flaca”, le pregunto qué le pasa

con esta canción. “Me da igual cómo voy a ser recordado,

pero que no sea solo por cinco canciones. Mi idea es vivir”,

cerró. Y abrió el juego a que la sigamos por mail.

¿En qué momento de tu vida te encuentra esta

entrevista?

¿Musical, personal, financiero, filosófico? Me encuentras

en un período entre volver de la gira y empezar la

siguiente. Más que un respiro, un suspiro. No obstante,

empezamos el año pagando facturas con el culo, me

reconvertí en un cliente vivaz de buenas tiendas de ropa

donde me reciben como a un jeque árabe o, algo es algo,

me convidan con café y agua mineral embotellada. Lo

único que lamento de vivir en Buenos Aires es que me

resulta imposible comprar siquiera calzoncillos. Empezamos

el año no sin ciertas complicaciones pero hicimos la

gira intacta y cumpliendo con los compromisos. Giramos

entre Argentina, Uruguay, Brasil, Bolivia, Perú, Ecuador,

Colombia, Bélgica, Francia, España, Dinamarca e Irlanda,

entre marzo y julio. Musicalmente nos encontramos

muy bien, creciendo hacia arriba y hacia los costados

desde el primer ensayo.

Este año leí por encima de mi promedio mediano de

lecturas medianas, desde los “americanistas” Easton Ellis

y Jay McInerney, hasta Agustin de Foxa y Juan Manuel

de Prada, incluyendo -entre otras lecturas- las lindas

memorias de Jacques Dutronc con las que me encontré

bastante identificado. Tomamos cuarenta vuelos hasta la

fecha, algunos se hicieron esperar, perdimos alguno, de

algún avión me bajó la policía, intenté moderar la rabia

en algún aeroparque kafkiano, estrené una formidable

guitarra hueca de Gibson que pienso honrar adquiriendo

dos o tres más de modelos similares. Paradójicamente,

mi destino es viajar por trabajo, aunque no me agradan

los viajes largos ni tomarme vacaciones. De todas maneras

viajo y no solo para la música: tengo una preciosa

familia ensamblada y amigos fuera de Argentina, entonces

me sacrifico yendo de vacaciones y con escapadas -sin

fines musicales- fuera de nuestro país. Mi dinero me lo

gasto en elegancia aunque, nadie es perfecto, luego cultivo

un estilo campechano y sin estridencias. Lo de siempre,

sufro de insomnio; no obstante despierto al alba y me gusta

estar vivo en las primeras horas del día.

"QUIZÁS ESTAMOS EN

UNA CRISIS MUNDIAL

DE CREACIONES

AUNQUE, ESPERO

EQUIVOCARME"

¿Por qué te resulta imposible comprar calzoncillos

en Buenos Aires? ¿Por la calidad de la ropa,

por lo caro que cuesta, porque te acosan cuando

salís a la calle...?

Soy un transeúnte normal, camino a la vista de todo el

mundo como toda la vida. El asunto de la “compra de

calzoncillos” no es textual, es una broma donde me presento

como croto y dandy al mismo tiempo. Citando

“El Oso”: “Las calles son mías”. No hay día que no salga

caminando a hacer mi vida normal. Jamás hubo que lamentar

una escena desagradable ni una falta de respeto.

Al contrario; mayormente me cruzo con adultos que me

saludan con familiaridad y respeto, una inclinación de

cabeza, una fotografía, a veces también escenas emotivas

frente a las que, pudorosamente, no se como reaccionar

fuera de agradecer con un abrazo. Como sea, prometo

vestir con ropa interior fabricada en nuestro país, acaso

manufacturada con algodones peruanos.

¿Te sigue honrando que la prensa musical te tenga

en cuenta para ser portada?

“La música es lo que nos dice que la raza humana es más

grande de lo que creemos” (cita a Napoleón Bonaparte).

Bueno, prefiero insistir con un bajo perfil dentro de lo

posible. No soy un músico que aprecie “promocionarme”

apareciendo, contando anécdotas en la televisión o los

streaming, en los premios, las alfombras y esas cosas. La

palabra abona el malentendido y la experiencia musical

es completa en las giras buenas, tocando para un público

que siempre celebra emocionado, gustándonos en vivo

y viviendo como músicos sin necesidad de hacernos ver

como productos que necesitan de marketing, inundar

Internet con batiburrillo ni contar mucho. Me parece


bien hablar de música pero lo mío son los

ensayos y las giras, tampoco soy un divulgador

musical ni un storyteller. Hacer una

portada consiste en elegir una buena foto

y un título que, mucho mejor si no es mi

peor frase; luego descarto ser portada de la

Forbes a menos que ocurra algo sorpresivo

realmente.

La portada de Forbes, en Argentina,

parece estar reservada únicamente

para productos como Bizarrap. ¿Los

músicos están ganando menos de lo

que corresponde?

Mencionar la Forbes es una broma, no estaba

dirigida a los colegas ni estrictamente

al dinero; más bien a suponer que para un

músico es más atinado ser portada de una

revista cultural o musical, que sea por un

recital, un disco o una entrevista y no por

un patrimonio. Tampoco estoy educado

para quejarme de nada, las cosas como son:

algunos músicos terminan con la “guitarra

en el ropero” y otros sabemos ganarnos la

vida. No se cuánto dinero ganan mis compañeros,

no pregunto esas cosas; aprecio

una buena conversación iconoclasta y me

alegro si mis colegas celebran un buen pasar.

Este es año de revelaciones y cambios

que podrían afectar en mi corpus financiero

sin llegar a ser portada de revistas especializadas:

tomamos La Bastilla. Leí unos

cuantos libros y derroché un poco en trapos.

No soy demasiado ambicioso, sé decir

que no, eventualmente puedo despreciar la

guita por orgullo o por vagancia.

¿Cómo vivís la gira por América, parte

de Europa y esta vuelta que estás por

concretar a la Argentina?

No me gusta demasiado ser el centro de la

atención de tanta gente. En venues enormes

sufro un poco, me cuesta bastante

encontrar el ritmo y la naturalidad en los

escenarios, busco con tenacidad (tampoco

con resiliencia) mis sensaciones plenas interpretando,

me distraen bastante los celulares

en las primeras filas y mi punto débil

son los grandes festivales… Una lástima

porque son buenísimos caché, pero luego

tocamos lo mismo para 1.200 personas y

disfruto más. Este año disfruté bastante en sitios

enormes como en Lima y en locales medianos

como el histórico Bataclan, de París,

donde tocamos empapados de sudor, para un

público abigarrado y emocionante que daba

la vuelta a la manzana antes de entrar.

Las sensaciones en el escenario son

todo para mí. Si bien somos músicos de

conciencia pura, nos encanta ensayar y

disfrutamos incluso de las pruebas de sonido,

estamos librados a una cierta suerte

-o azar- en las circunstancias, como los

toreros que dependen de la suerte que sale

de los corrales, o los corredores de Fórmula

Uno que sienten el motor, el estado de los

neumáticos y cada detalle en el organis-

mo de la máquina que eventualmente les

permita restar décimas de segundo. Me

considero un “músico torero” en tanto

intento abrazar conceptos que podrían

asociarse con la interpretación torera.

Humildemente, percibo influencias de mi

amigo Jose Antonio Morante, un torero

distinto a todo y un artista espiritual

inalcanzable por el momento de pureza

e inspiración con la que ha vuelto de sus

precipicios interiores.

Hablemos de tu música desde el

punto de vista de los ensayos. ¿Le

encontrás cosas nuevas a tus canciones

cada vez que las recreás, por

más de que las venís tocando hace

varias décadas?

Sí, por supuesto. Interpretar siempre. Soy

incapaz de repetir dos veces una melodía

idéntica, supongo que hice una virtud de

la circunstancia. Es una forma de hacer

las cosas dentro y fuera de la música.

También importa la expresión en la música

de las partituras, rígidas con las melodías

escritas pero sensibles a una cierta

“teatralidad” de intérprete. Es una época

extraña y linda, todo al mismo tiempo,

no se si el público está dispuesto a descubrir

música nueva, no se si quieren cantar

fuerte mientras tocamos o estar con el teléfono.

No voy a menospreciar la calidad

del público y -afortunadamente- cantamos

para dos o tres generaciones y es posible

que arrastren estos nuevos hábitos.

Reproches ninguno, a veces me distraigo

con las pantallas y puedo rezongar pero

el público nos ofrece candor y emociones

que sabemos apreciar.

No sé si ya hice mil o dos mil recitales

para veinte millones de personas

porque no hay estadísticas para eso, pero

la música llega a presidentes, la realeza,

futbolistas de élite, hinchadas, gente de la

calle, el trabajador de jornada completa.

Del campeón al derrotado. Del millonario

al que vive en la calle. Del intelectual

al que no tiene la primaria, del Rey hasta

el mendigo, del científico premiado al taxista

o mecánico.

En ese "crecer hacia arriba y hacia

los costados" desde los ensayos,

¿qué sentís que le aportaron a tu

banda y, sobre todo, a tus canciones,

los ingresos de Brian Figueroa

y Andrés Litwin?

El año pasado sumamos a Brian y Andrés,

y este año a Pablo y El Niño, en vientos.

Ensayamos mucho para luego tocar las

canciones siempre distintas, mi idea es

conocer el repertorio para luego apelar a la

naturalidad y el enfoque artístico, improvisar

o ejecutar interpretando. Eso lo entendemos

con el blues, el jazz, el flamenco,

el rock n roll y casi todos los géneros

que nos gustan o nos importan. Andrés y

“

Hay que

hablar

mucho de

las ideas,

poco de

las cosas

y nada

de las

personas”

(Juan

Domingo

Perón)

Brian son excepcionales, cálidos compañeros

y músicos inspirados y superdotados

que ofrecen todo al servicio de la música.

Eso de “crecer arriba y hacia los costados”

lo decía Miguel Abuelo haciendo referencia

a lo musical y al tamaño “espiritual” de

ser grandes, supongo. Tampoco hay que

interpretar literalmente estas frases cortas, a

veces con el tiempo le encontramos sentido

a algo que escuchamos hace veinte años, o

cuarenta en este caso. Si bien es posible que

haya sido un enfoque poético de la realidad,

la realidad cambia y es una frase que bien

podría desarrollarse tanto para la Forbes

como para la Billboard.

A lo largo de tu recorrido armaste

bandas con músicos de todo tipo:

algunos más virtuosos, otros más

pirotécnicos, otros con más cartel,

otros más funcionales a las canciones,

otros más propensos a la situación

jam... ¿Qué tiene que tener un

músico para que te llame la atención y

decidas convocarlo a tu equipo?

Aha, hace muchos años que armamos

grupos con músicos extraordinarios que

entienden el rock desde un conocimiento

práctico y poliédrico, lo improvisan y cantan

bien, entonces quedo relegado al papel

de cantante esforzado y músico secundario

rodeado de virtuosos, consiste en un privilegio

lujoso. Podría armar grupos con otro

rango para destacar tocando instrumentos

pero me gusta rodearme de compañeros

comprometidos con la música, el instrumento

y el ensamble. No soy un cantante

solista natural, prefiero ser parte de un grupo

y me gusta que los chicos destaquen, demuestren

y sean protagonistas, así funciona

un recital de rock. Creemos que el siguiente

puede y debería ser el mejor que hacemos.

Este año, en el Quilmes Rock, sorprendió

el ingreso de una dupla de

metales, elemento al que muchos

artistas (desde Los Piojos a Iggy Pop,

por nombrar tan solo dos ejemplos)

apelan para sumar nuevos arreglos a

sus canciones clásicas. ¿Por dónde

pasó esa decisión de darle una nueva

vuelta a tus canciones?

Primero pensamos en sumarnos a los

chicos en un racimo de canciones pero

en cada ensayo el repertorio se puso más

interesante, Germán (Wiedemer, pianista

y director musical del grupo) estaba

encendido escribiendo arreglos casi para

cada ensayo. Quizás -anteriormente- tenía

mis reservas con la inclusión de metales,

afortunadamente cambié de idea. Soy un

gran admirador de los artistas del viento

y los arreglos extraordinarios en el jazz y

la salsa. Nunca habíamos tocado en vivo

los arreglos que grabamos en discos, pero

fuimos más allá, cada ensayo más y mejor,

y disfrutando cosas nuevas en todos los

32

BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

“”

NO ME GUSTA DEMASIADO SER

EL CENTRO DE ATENCIÓN DE

TANTA GENTE. EN VENUES

ENORMES SUFRO UN POCO.

recitales. Sumamos mucho vuelo musical, cada

recital es más emocionante e interesante.

Hace 20 años fue tu “comeback” en

Cosquín Siempre Rock, algo que por

aquel momento definiste como “tortuoso”.

¿Sentís que cambió tu vínculo con el

público / pueblo desde entonces?

El Cosquín alternativo fue el primero después

de una temporada sin tocar, no teníamos calibrado

el repertorio. Perder la continuidad

hace que recuperar las buenas sensaciones en

el escenario tarde un poco en suceder, a veces

semanas. Al segundo Luna Park lo disfrutamos

mucho todos, después tocamos en España

y cerramos en Buenos Aires con muy buenas

sensaciones. Las sensaciones en el escenario

son como son, empezar después de unos meses

sin tocar, algún asunto practico, la altura. Pero

son sensaciones, tampoco recitales flojos. Puedo

sentirme genial y otro de mis compañeros

sufre un poco por el motivo que sea. Otra cosa

es afuera, bien iluminados y sonando fuerte.

Normal si soy agradecido con el público porque

se portan genial conmigo, llenando todo

hace cuarenta años, hace veinte y ahora. Este

año dimos recitales emocionantes, sudorosos,

escuchándonos muy bien, estrenando una guitarra

y gustándonos. Como hacemos giras de

muchos kilómetros no siempre tocamos para

el público cautivo pero siempre convencemos y

todos terminan conformes. Todos o casi todos,

en los festivales el público es más “generalista” y

quizás tienen una sensibilidad mas internauta, en

la multitud, alguien puede ofenderse por un comentario

mordaz de los míos. Manejo la ironía y

el sarcasmo porteño que aplico a mis reales convicciones

para razonar ofendiendo un poco.

Todos agradecemos mucho la excelente actitud

del público, se vuelcan con las canciones y con

la banda de forma extraordinaria.

"BUENA GENTE

QUE CONOZCO

ME RECLAMA UN

CIERTO CONTROL,

QUE TAMPOCO

CONSISTE EN

AUTOCENSURA

DURA. PERO

ME CUESTA NO

SER SINCERO O

LEGÍTIMO"

"Quiero hacer un disco del que se hable

en 50 años", le dijiste a Susana Giménez

en el año 2000, previo a que saliera

El Salmón. Pasaron 25 años y se sigue

hablando no solo del álbum sino también

de sus derivaciones. Pero quizás sigue

sin ser del todo descubierto. ¿Creés que

tiene que ver con que no muchas llegaron

a tu repertorio en vivo?

El Salmón es la versión resumida de una exploración

“submarina”, la inconsciencia y las

grabaciones informales, fueron cientos o miles

de grabaciones. Pero aun resumido, son cinco

horas de música y es más sencillo “no descubrirlo”

que estudiarlo. Para colmo es la versión

“prolija” de una cantidad sobrehumana de grabaciones

que existen, el Salmón Sashimi. No

obstante no fue pensado como un disco, estaba

dignamente resignado a no compartir esas

grabaciones, a que sean (fueran) un episodio

secreto entre la música y yo: una duda razonable:

“Si la música existe tampoco es demasiado

importante compartirla, exhibirse, darla a conocer”.

Un desafío existencial. Además fueron

meses de temeridad en la búsqueda de la intensidad,

menos mal que no me agrada contar

anécdotas. Y si, tocamos cosas de El Salmón en

vivo. Curiosamente fue un álbum rentable, Dro

Warner recuperó la inversión en veinte minutos,

tampoco lo que gastamos en farra.

Durante esos años escribiste casi una

canción por día y sacaste discos monumentales.

¿Qué aprendiste sobre tu propio

límite creativo y humano? ¿Dirías que

el precio de tu creatividad fue demasiado

alto o valió la pena?

Llegué a escribir muchas canciones por día

como quien escribe veinte páginas en un día,

imposible no es. Tampoco creo que hayan sido

canciones solamente, eran grabaciones, experiencias

con la música. Las canciones no siempre

alcanzan para mover el rock como sustancia,

no son el núcleo del átomo rockero. O sea…

Acordes y una letra pueden ser interesantes o

aburridas, mientras que un riff puede sacudir al

mundo. Como “Highway To Hell” o “Sex Machine”,

“Black Dog” o “Smoke on the Water”, que

no son “solamente” canciones o enormes canciones

como las de Cole Porter o Aníbal Troilo.

Es posible que haya abusado de la cosecha de

canciones pero quizás estamos en una “crisis”

mundial de creaciones aunque, lógicamente,

espero equivocarme; no me consta que se estrenen

cosas brutales y geniales todos los días, ni se

publiquen los mejores discos de la historia, y no

es que rechace géneros ni música exitosa, intento

que me guste todo y me comprometo como

intruso en otros géneros y sonidos fuera de mis

querencias habituales. No soy adicto a la nostalgia.

Creo que apelo a la facilidad para vivir vidas

virtuales que podrían dar la espalda al acto creativo,

a tratar a los oyentes como seguidores o a

la superpoblación informativa.

La Agenda 1999 le dio paso a la Agenda

2025 en este segundo tramo de la

gira. ¿Hay posibilidades de escuchar

música nueva de tu autoría en lo

inmediato?

No creo que eso ocurra inmediatamente.

No obstante tenemos discos en marcha,

canciones ocultas pero vivas. Me gustaría

poder decir que no voy a publicar mas nada

pero tampoco me lo creo, sé que estoy en

condiciones inmejorables para aportar y

descubrir cosas nuevas dentro del universo

discográfico del que me siento parte quizás

como reliquia del siglo pasado. Como dice

(Ernest) Hemingway, “uno escribe aunque

esté lejos de una máquina de escribir”.

¿Por qué decís que te "gustaría poder

decir que no voy a publicar más nada

pero tampoco me lo creo"?. ¿El Diego

Armando Canciones está guardado en

un ropero?

No podemos descartar una “crisis de atención”

en el mundo oyente y ahora esclavizado

en línea. No me entusiasman los “influencer”

de rock, ni el rock en Instagram,

no me gusta promocionarme, ni tiene

sentido esperar la validación de desconocidos

si no sabemos quienes son. El rock

en los discos y en los recitales es noble y

digno, los que nos vienen a ver -y los que

escucharon los discos- tienen mi gratitud

y mi humildad, les aprecio. Fuera de

eso, es sanata: Internet hace del rock una

máquina infame de chismes y post verdad.

En esos términos, sí, prefiero que me

olviden, que no vuelvan a pronunciar mi

nombre, jamás. Hablando en serio, vender

entradas es honorable, agotar un teatro es

muy importante, una persona escuchando

nuestro disco es algo lindo y emocionante,

como lo es habitar en la memoria colectiva

a través de recuerdos musicales o ser parte

del sonido de la calle y la vida de gentes.

Lo demás es menor, el consenso de internautas

que no saben atarse los cordones, la

popularidad en Internet y la televisión es

inversamente proporcional a una hipotética

honorabilidad personal y rockera. Para

mi, porque tengo afecto y simpatía por

artistas (entretenedores) que si se proyectan

en internet como “influyentes” y son

grandes desde estas plataformas. Estoy encantado

en participar en otra naturaleza de

grabaciones y explorar en registros allende

donde pueda aportar con eficacia.

¿Sentís que ya escribiste tus mejores

canciones?

No me nombren que es pecado/ Y no comenten

mis trinos/ Yo me voy con mi destino

/Pa'l lao donde Sol se pierde/ Tal vez alguno

se acuerde/ Que aquí cantó un argentino.

Ojalá estuviese seguro de que “ya escribí”

mis mejores canciones, hablaría bien del repertorio.

Si ya están escritas -las mejores- no

se cuales son o no van a ser las más celebradas

ni las que llenan teatros. Tengo 600 canciones

registradas y me gustaría tener mil o


1200. Pero entre una gira y otra no toco instrumentos,

a veces ni escucho música. Y entiendo la interpretación

en vivo como un evento creativo completo.

Tenemos tres discos en marcha desde el año

pasado pero no me dedico todos los días a las grabaciones

domésticas que son el método para llegar

a un disco con canciones de sobra. Lo mío no son

exactamente canciones, son grabaciones musicales

con letra, no hago demos con una guitarra o el

piano, me gusta escuchar que la canción suena, un

esbozo de diseño de producción. Si supiera jugar

bien al golf, probablemente estaría pensando en dedicarme

casi exclusivamente a eso. Podría llamarme

a barbecho y completar un disco con orquesta,

otro de canciones de rock, otro en vivo y varios de

archivo. Casi todos los autores consagrados en el

mundo, publican cajas llenas de CD con inéditos;

no obstante siguen de gira con más de ochenta

años. Según este teorema, me quedan veinte discos

y veinte años. Mi anhelo es tener mi propia sala de

ensayos con instrumentos siempre armados. El golf

está casi descartado, qué pena.

¿Te incomoda que las redes sociales operen

en favor de lo viral y, a veces, eso haga

que a Buenos Aires lleguen noticias extra

musicales de tus recitales en el exterior?

“Saben bien los demagogos que el lenguaje –como

nos enseña Wittgenstein– modula el pensamiento

y determina la forma en la que percibimos la realidad;

y que, por lo tanto, puede ser utilizado como

arma política, para poder manipular la realidad y

encarcelar la mente. Cuando no entendemos una

ironía, un calambur o una metonimia hay una parte

del mundo que queda fuera de nuestro entendimiento;

y nuestro entendimiento, a la vez, queda

prisionero en una cárcel. Orwell, en su célebre

distopía, nos mostraba cómo una extrema simplificación

del lenguaje impedía el pensamiento crítico

y reducía a las personas a gurruños de carne obediente”

(CIta a Juan Manuel de Prada).

Supongo que lo dices -asimismo- por el honorable

episodio de Enrique (Bunbury) harto de los

celulares que le distraen en las primeras filas; le

entiendo y acompaño porque me ha pasado de

distraerme con un panorama distinto a lo de los

recitales tal y como los conocemos. O Fito (Páez)

en el Perú recordando la vivacidad del espíritu sublimado

por la música y la reunión humana, quizás

por mi provocación en Cali para solidarizarme

con persecuciones que me constan infantiles,

autoritarias y trágicamente falaces. Hay quienes

reclaman, disputan, protestan. Yo sólo hago un

gesto: me pongo mi abrigo, doy la espalda y cambio

de opinión. Y todo lo contrario.

Ocurre que hacemos cientos de recitales muy

celebrados e incluso aquellos que pudieren ser

sensibles de un cortocircuito técnico o personal,

siguen siendo recitales poderosos, ensayados y

aplaudidos. A veces reaccionamos así, espontáneamente.

Si después ochenta personas se regocijan

siendo ácidos o acusándonos de “asesinos de

animales o fascistas que hablan con un papa en la

boca”, que dios los perdone y les haga llover del

cielo miles de seguidores.

“El significado de las palabras no se reduce

a la suma de sus elementos literales, sino que

“NO SOY UN CANTANTE

SOLISTA NATURAL,

PREFIERO SER PARTE

DE UN GRUPO Y

ME GUSTA QUE LOS

CHICOS DESTAQUEN,

DEMUESTREN Y SEAN

PROTAGONISTAS”

opera en un plano simbólico que las trasciende; y

tratar de censurar a quien utiliza el lenguaje en un

plano simbólico es un error típicamente «burgués

y regresivo». Ahora, en cambio, nos lo presentan

como un rasgo de progresismo. Qué asco de época”

(Cita a Juan Manuel de Prada).

Adrián Dárgelos dice que los esclavos

modernos son los "creadores de contenido",

una idea que la anexo a esto que decís

de los "influencers del rock". Al margen de

esto, solés tenés períodos activos en Instagram

e, incluso, TikTok. Y tuviste alta rotación

en X con tus distintos alter egos. ¿Le

ves algo de atractivo a las redes sociales?

Amén. Tenía una cuenta de parodia política con

seudónimo Ezra Pound, “stand up fascista”, que

intentaba burlar con ironía las muecas “progresistas”,

hacer frente a la ingenuidad y el cinismo

del “bien pensante” presumido. Supongo que

otros Ezra Pound continuaron con la tarea una

vez me borré cuando los portales violaron los

códigos del anonimato apócrifo. Solo uso WhatsApp

y prefiero que no se me llene el culo de

mensajes.

Menos redes es enredarme menos. Lo interesante

sería alentar a un movimiento masivo para

silenciar las telecomunicaciones no imprescindibles.

Es verdad -y obviedad- que el tiempo que

ahorramos en Internet lo podemos invertir en

lecturas o ver cine, escuchar música o juntarnos

con un amigo a almorzar.

En varias de tus canciones, la espera es

casi un personaje: esperar a alguien, esperar

que pase algo, esperar que algo regrese...

¿De dónde nace esa obsesión?

No se, tampoco creo que sea una constante en las

letras. Como a la mayoría, no me gusta esperar,

además sufro de insomnio. Y otra cosa no menos

importante; las letras una vez escritas son sílabas

que vamos a cantar. Entonces, no soy alguien que

necesite esperar mucho por nada, lo máximo que

espere por algo importante fueron ocho días.

Algunos de tus colegas, como por ejemplo

Indio Solari, dicen que el rock argentino

consiste en algo así como traducir el rock

original (o, dicho palabras de Indio, nuestro

rock son "boleros acelerados"). ¿Te reconocés

en esa idea?

Sí, en parte. Lo de los boleros acelerados lo había

pensado, hacer del rock algo fonético y agradable

es lo que la mayoría intenta, al fin de cuentas escuchamos

música en inglés sin hablarlo coloquialmente

ni leerlo. Afortunadamente existen el tango

y el folklore, con sus poetas contrastados, y buenos

letristas poéticos en el rock también. Luego podríamos

parafrasear a Ricardo Iorio cuando sostiene

que la música que escuchábamos con quince

años no nos dejó casi aprendizaje, egoísta y funcional

a momentos infames.

El año pasado estuviste cerca de Lali (grabó

"Mil horas" con Cachorro López) y Dillom

("Mi peor enemigo"). Cada uno a su manera,

se asumió como una especie de "oposición

artística" al gobierno actual. ¿Cuál considerás

que debería ser el "campo de batalla" de

los artistas?

En esta versión de “Mil Horas” no participé; lógicamente

alenté esta colaboración y la agradecí

con puntual sinceridad, muy contento que Lali

cane Mil Horas.

Con Dillon nos involucramos preciosamente, como

amigos y asociados en “Mi Peor Enemigo”; cantamos

en vivo, me invitaron a un cameo en un video,

luego en el disco desde el loop, los coros y las rimas.

En el estudio siempre se aprende algo, también los

limites de uno. Los micrófonos mienten poco.

Tengo un trato fraternal con mis pares y soy flexible

con las ideas incluso si no me las tomo demasiado

en serio. Dudo un poco de la importancia

de manifestarse en público, somos músicos, tampoco

estudiosos ni intelectuales.

Mi inclino por la militancia cultural en las tertulias, la

lectura, la conversación cerrada, aprender y escuchar.

Los consumos culturales nos definen mejor que las

utopias. También la cortesía y el sentido del humor.

"Flaca" es una canción que cada semana

está en el Hot 100 de Billboard Argentina.

Es, quizás, el mayor hit de Alta Suciedad,

un disco que siempre lo definiste como

"instrumental con letra", dada la importancia

de los músicos que te acompañaron en

la grabación. Sin embargo, hay en la letra y

en la melodía de este tema algo que la hace

irresistible, casi treinta años después. ¿Descubriste

cuál es su secreto?

La hice de un golpe en unas horas, primero lo primero:

batería, acordes, instrumentos para que suene bien

la maqueta; quizás empecé por el título y es una letra

breve que pude haber terminado en media hora máximo.

Grabé ese demo tocando todos los instrumentos y

después -el disco- en New Jersey y Manhattan con Joe

(Blaney, productor) y los músicos. Existen entonces

dos versiones que yo sepa. Demo y disco.

Cada cual puede interpretar esta letra como más

le guste. Yo no necesito saber quien es “Muchacha,

ojos de papel”, si era ciega o si tenía lindas tetas o si

lo amuró a Luis Alberto (Spinetta) hace 55 años.

Una cuestión de respeto y buen gusto. Me resulta

desagradable hasta pensarlo.

Un “secreto” o dos: “Gustarse primero para gustar

después”. “Mejor si la letra y la música llegan juntas”.

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NOVIEMBRE 2025

“Flaca” y “Loco” son dos partes de una

misma cosa, unos Adán y Eva bonaerenses.

Podrían ser “Loca” y “Flaco”. Ni notaríamos la

diferencia.

No me importa reconocer cuando una canción

no tiene aspiraciones poéticas o no consiste

en una revelación personal. Acordes mayores

y menores. Tengo un repertorio fecundo y espero

compensar con otros textos más interesantes,

marginales, disparatados, graciosos, terribles

o metafóricos, como “Gomontonera”, “Flor de

Samurai”, “El Pasodoble de los Amigos Ausentes”,

“El Camino Entero” o El Salmón (completo)

como opereta marginal grabada en cassettes.

Alguna vez dijiste que, con "Crímenes

perfectos" sentiste haber tocado en "la

fibra interior" del pueblo. ¿Esa es tu mayor

satisfacción como escritor de canciones?

Prefiero -en tanto a la medida de la satisfacción

mis grabaciones más ásperas como “El

Manifiesto Común”, “Hop de Realidad” o “La

Verdad Congelada”, las grabaciones con Jerry

Gonzalez, los instrumentales y las grabaciones

insólitas que son cientos o miles. Además

me presentan como artista desopilante y extrañamente

virtuoso. El afecto del pueblo, la

complicidad y la gratitud de aquellos que me

saludan respetuosamente en la calle todos los

días, siempre se agradece. De ninguna manera

niego la importancia satisfactoria de cantar para

todas las gentes, los de arriba, los de abajo y los

del medio, pero no me considero un “escritor

de canciones” o compositor diplomado. Necesitamos

canciones para cantar algo. También me

gusta mucho cantar versiones de compositores

certificados, meterme dentro de esas melodías

armónicas y textos de primera categoría.

¿Qué significa hoy, para vos, la libertad

(otro concepto que aparece en muchas

de tus canciones), en un mundo de autocensura

y corrección política?

La libertad es abstracta o tangible, una metáfora

o el tesoro más apreciado. Libertad resuena en

significados para mi generación, como alternativa

a una vida adocenada o llegando a salvo a

casa tarde en la noche, también se resignifica

en la vida de tantos paisanos sensibles de pasar

temporadas en el presidio o en un país poblado

de antepasados que llegaron evitando la guerra,

la miseria y los campos de concentración. Asimismo

es un concepto abstracto, como de ateos

hablando de dios.

La “corrección política”, por algo lo escribimos

entre comillas, fueron los psico-bolches y

luego los adalides de la discriminación positiva

o el nuevo moralismo de finales de los noventa,

citado por Phillip Roth en La Mancha Humana.

Nos burlamos de los cantantes de protesta

desde hace décadas, no hay motivos sólidos

para negar el hedonismo o arrepentirse de la

ironía y el sarcasmo que define a los porteños.

Buena gente que conozco me reclama un

cierto control, que tampoco consiste en autocensura

dura. Pero me cuesta no ser sincero

o legítimo, adopto el estilo lenguaraz del

Martin Fierro incluso si convocan manifestaciones

en repudio de servidor. Ni chivatos

ni membrillos. Araca que el caretaje y

la delación van por barrios y no distinguen

la derecha de la izquierda. Caramba, presento

pruebas homologadas por Nietzsche,

Schopenhauer, Easton Ellis, Houllebecq, Ismael

Rivera y Lemmy de Motorhead.

L

A

COMBINACIÓN

DE MÚSICA

Y FUMO FUE

-PARA MÍ- UN

RITO INICIÁTICO

SALUDABLE

PARA EL ESPÍRITU

Y LA MENTE, SIN

ÁNIMO DE SER

APOLOGÉTICO.

Alguna vez parafraseaste a Diego Maradona

acerca de que el único título que te

interesaría ostentar es el del “menos careta

del año en la Argentina”. ¿Creés que sos el

menos careta de, al menos, tu generación?

No tiene importancia. Siempre hay alguien

más suelto, atrevido o elocuente; lo que nos

importa son los de enfrente. Ni chivatos ni

membrillos. En algún momento -en los años

ochenta- salimos a la calle y nos reconocimos

con un saludo de mentón (la barbita) o una

inclinación de cabeza, cómplice y gentil. Era

menester. Antes de eso, salíamos a la calle y

nos esperaban con palos o todos a un colectivo

directo a una comisaría, si naufragábamos

en el centro nos llevaban a Huergo, toxicomanía.

Incluso adolescentes y menores de edad.

¿Qué cualidades debería reunir, en tu

criterio, una persona para no ser considerada

careta?

En el siglo pasado, discutimos la legitimidad

del autoritarismo conservador contra

toda una sociedad intolerante. Ahora la intolerancia

va por barrios y se excusa en un

dudoso puritanismo moralista que presume

de virtudes ideológicas sin ningún sustento

intelectual visible, lo que entendemos como

progresismo reaccionario. Una explicación

que coincide -o actualiza- la del anti caretaje

citado por Diego que asociamos con: ofender

a las autoridades, blasfemias, conductas

hedonistas y una interpretación generacional

de la libertad; expresiones de libertad ahora

sensibles de ser condenadas por la checa

borrica que pulula en las pantallas del ball

& chain.

“Tendría que decir que entré en la música

para fumar marihuana”, dijiste alguna

vez. ¿Cuál dirías que fue tu período musical

más influido por eso? ¿Qué vínculo

tenés hoy con el porro?

La combinación de música y fumo fue -para

mí- un rito iniciático saludable para el espíritu

y la mente, sin ánimo de ser apologético.

Quien sabe si fuera reglamentario (como las

vacunas) sería este un mundo más armónico y

pacífico. Quizás aquello lo dije aludiendo a esta

combinación imbatible o a un supuesto status

que imaginamos o percibimos en los recitales,

el contraste entre estar en el escenario o estar

en el público en aquella época.

Importa que consideremos, Ezequiel, el

contexto histórico; fumar es legal hasta en

los Estados Unidos pero nuestra generación

aguantaba acoso policial, conflictos judiciales,

amenaza nocturna, incluso cárcel o turbias

detenciones en las siniestras instalaciones policías

en los peores años que nuestro país recuerda,

detenidos en 1978/1979.

Vínculo actual: un gourmet con hábitos moderados

pero exquisitos.

Períodos bajo el influjo del cannabis, casi

todos; temporadas tomando “la del papa”, ya

nunca. Es tentador el boost creativo pero ni me

lo planteo, es la única forma, como ocurre con

el tabaco y las bebidas espirituosas.

Ahora son micro cosas o cuarenta cortisonas

nada más, y un maní para mascar.

Fumar tabaco es casi delictivo, hay reglas

para pasear al perro y se consumen drogas

legales para palear esto y aquello. Millones de

blíster por segundo para palear esto y aquello.

Que mundo hostil, sufrir es permitido.

En algo nos equivocamos cuando cambiamos

las sustancias ilegales por otras recetadas.

Es pregunta.

En varias ocasiones hablaste de… e

incluso escribiste canciones para tributar

a tus amigos bandidos. ¿Siempre

se mostraron agradecidos con estos

gestos? ¿Alguna vez te pidieron mayor

discreción sobre ellos?

Soy muy discreto. Me gusta la conversación

privada y no divulgar mis algoritmos personales.

Cuando nos encontramos, omito

decir en donde me encontraron y donde nos

juntamos, me salían bifes de chorizo de la

nariz. Ahora me despierto en la madrugada y

preparo café con leche para cinco. Ya entonces

apreciaban mi espontaneidad sin filtro.

Escribimos canciones juntos, cuentos y un

guión de cine.

Más importante que eso: la amistad blindada,

la que cita Yupanqui.

Sí. De adolescente, entre músicos, me llamaron

a discreción alguna vez. Fue hace siglos,

lo entendí y nunca hizo falta que me lo

repitan o recuerden. Fueron dos palabras y lo

entendí, soy de esa clase de músico y persona

que apenas si necesita explicaciones y las

acepto con agrado.


Chapa y Castelo celebran 10 años de carrera en el

Estadio Uno de La Plata

El dúo se presentará el 29 de noviembre con una propuesta

histórica.

E

l dúo argentino Chapa

& Castelo cumple

diez años de trayectoria y lo

celebra con un show especial

el 29 de noviembre en el Estadio

UNO de La Plata, su única presentación

en Buenos Aires. Después

del éxito de su primera edición en

el mismo estadio, regresan con una

propuesta más grande que ocupará

la cancha completa y reunirá a más

de 10.000 personas.

Con un sonido que se mueve entre

el house y sus distintas variantes,

Chapa & Castelo se convirtieron en

uno de los proyectos más reconocidos

del país. En los últimos años, su

música los llevó por escenarios de

todo el mundo con presentaciones

en Ibiza, Ámsterdam, Madrid, Copenhague,

Barcelona, Tulum, Río de

Janeiro, Medellín, Bogotá, Santiago

De Chile y Punta del Este, entre

otras ciudades.

Este show en La Plata llega justo

después de tocar por Europa, donde

continuaron consolidando su presencia

internacional y su conexión

con distintos públicos.

A lo largo de su carrera compartieron

cabina con referentes de la es-

cena global como Marco Carola, Hot

Since 82, Paul Kalkbrenner, Colyn,

WhoMadeWho, Bedouin, Massano

y Claptone entre otros. Además impulsan

su propio sello discográfico,

La Juanita desde donde promueven

lanzamientos de artistas de distintas

partes del mundo y fortalecen el intercambio

dentro de la escena.

Entre sus producciones más destacadas

se encuentran “Lento”, junto

a C.R.O, y “Kisses”, dos tracks que

reflejan la versatilidad del dúo y su

capacidad de integrar distintos géneros

sin perder identidad. Hoy se

encuentran trabajando en muchas

colaboraciones, una de ellas es Vinito

Tinto junto a Santiago Sáez que ya

se encuentra sonando en todos sus

sets. Creen que fusionando el house

con artistas de otros géneros hace

una combinación muy poderosa e

interesante.

El 29 de noviembre será una fecha

especial: diez años de historia, amistad

y crecimiento, celebrados con

una noche que promete reunir a una

comunidad que los acompaña desde

el inicio y que hoy los ve llegar a uno

de los escenarios más importantes

del país.

FOTO: LA JUANITA / FRAGMENT

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NOVIEMBRE 2025

Maggie Cullen

De la peña a las redes: un puente entre la

tradición y el presente del género

Milena Salamanca, Maggie Cullen y Campedrinos, tres exponentes del folklore actual que inclinan las

tendencias hacia escuchas masivas en espacios donde el género no era tenido en cuenta.

POR JUAN CRUZ REVELLO

Es 26 de enero de 1996 y en el escenario

de Cosquín Folklore acaba de subir

una piba de 16 años que interpreta “A

don Ata”. Se siente un temblor. “El tifón de

Arequito”, la describieron después. Soledad Pastorutti,

La Sole, arrasó con todo: hizo que amantes

del género o ajenos, revolearan el poncho, remera,

buzo, guardapolvo, lo que sea. El estilo nunca dejó

de ser un fenómeno regional, por eso existían las

“Soles”. Pero se estaba trasladando desde el campo

popular hacia algo más grande aún donde se sumaban

otros artistas como El Chaqueño Palave-

cino, Los Nocheros, Los Tekis y más.

Aún con cambios rotundos en las pautas

de consumo (Internet, redes sociales), Jorge

Rojas, Luciano Pereyra, Abel Pintos, Raly

Barrionuevo y otros, fueron claros exponentes

de que el folklore argentino se mantuviera con

intensidad y demanda de parte de gran público

en las primeras décadas del siglo XXI.

Hoy existe una nueva oleada de interés que

domina las tendencias. Aunque siempre está y

estuvo, el folklore una vez más se mete en espacios

mediáticos y sociales donde no estaba siendo

tenido en cuenta. Mientras La Sole se prepara para

Lollapalooza 2026, Milo J promueve junto a Mex

Urtizberea el ciclo ¡FAlklore! donde conviven el

Chango Spasiuk, Peteco Carabajal y Teresa Parodi

con Julián Kartún y Coscu. También sacó un disco

que incluye a Roberto y Cuti Carabajal, como la

voz rescatada de Mercedes Sosa. Cazzu, con origen

en la cumbia y luego el trap, saca Latinaje, material

que se destaca por el folklore. Además, estos dos

últimos, van a ser parte del Cosquín Folklore 2026,

un escenario generalmente esquivo a propuestas que

nacen desde otros estilos musicales.

FOTOS: Andy Cherniavsky / Marcelo Blanc

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BILLBOARD.AR

NOVIEMBRE 2025

En este contexto, muchos artistas siguen difundiendo

el estilo, tocando todas las semanas, como

Nadia Larcher que redimensiona la música popular

argentina y latinoamericana; Garupá, que lleva

el chamamé de gira a Europa; Juan Fuentes, Los

Chaza, Juanjo Abregú, Lázaro Caballero, Dos

Más Uno y Piko Frank, son otros ejemplos.

MILENA SALAMANCA

Milena Salamanca

La cantautora y bailarina que este año brilló en La

Voz Argentina siendo parte del Team Sole, entiende

que “el folklore es un fenómeno cultural silencioso

que no dejó de ser nunca popular y masivo”, pero

que “en algún punto había perdido esa llegada a

los medios, que no hacía visible lo que sucedía”. “El

tema es la conexión entre lo que vemos cotidianamente

o está medio de moda, versus lo que siempre

estuvo o sigue sucediendo”, agrega.

Milena prácticamente nació en La Salamanca,

una peña que fundaron su madre y su padre en

La Plata. “Hacer una peña es una decisión, lo que

pasa en el folklore es generacional, transmisión

cultural y La Salamanca es un espacio no solo cultural

y político, sino que también familiar”, explica.

“Existe ese pensamiento medio básico de que el

folklore es para gente grande, un poco aburrido, y

nada que ver, es todo lo contrario”, insiste.

En el Cosquín 2012 obtuvo el premio revelación

como cantante y en 2017 el mismo galardón

como bailarina, formando parte de la compañía

Pucará. “A los 18 años yo quería estar en

Cosquín y en ese momento para lograrlo había

que poner mucha plata o participar del Pre Cosquín.

Me anoté y terminó sucediendo. Son certámenes

que te empujan, te dan cierto estatus”.

Entrar a La Voz fue una decisión que tomó en

pos de lograr más visibilidad: “Estaba buscando

entrar al mainstream (risas). Una controversia

fue que hace muchos años que me dedico a

esto, hasta preguntaban si me llamó la producción

y nada que ver, fue por mi intención y mi

necesidad de estar en lugares donde no estaba.

La ecuación que hice fue: ‘Por un poco de exposición

y un poco de prensa y publicidad, me voy

a meter en el certamen’. Real eh, porque por ahí

tal vez esta nota nunca hubiera existido, o capaz

sucedía de acá a diez años. Y siento que es ahora

el tiempo que le quiero dedicar a la música”.

MAGGIE CULLEN

Campedrinos

Ella también participó del reality, pero en 2021.

Tiene dos premios Gardel (Mejor interpretación

y Mejor disco de folklore) y en 2025 fue mención

de honor en Jesús María, festival al que volverá

en 2026. Este verano, en Cosquín, estará por

cuarto año consecutivo. Apareció como la gran

promesa del folklore joven y acaba de publicar

Décima, un disco que la encuentra como compositora

e intérprete con invitados de la talla de

Kevin Johansen, Raly Barrionuevo e Ivonne Guzmán de

La Delio Valdéz.

“No hay nada forzado en la nueva escena, simplemente hacemos

lo que nos gusta y es parte de lo que somos”, dice sobre

las nuevas generaciones. “Vivíamos desde chicos el folklore

como algo muy cotidiano, en casa, compartiendo guitarreadas.

Sin embargo, hay otros chicos que vienen de la música

urbana o indie y abren el juego fusionando con el folklore.

Eso ha hecho que mucha gente que quizás era ajena a esta

música, se acerque. Milo J, Nahuel Pennisi, Benito Cerati o

Paz Carrara son de diferentes ámbitos, pero todos coincidimos

en que está bueno que esté ocurriendo esto”.

Sobre su nuevo material, apunta: “Fue muy lindo el proceso

de desarrollar la herramienta de componer, darme el

tiempo para saber qué quería decir y llegar a la conclusión

de que hay cosas que quiero escucharlas en una canción

propia. Hay una parte de mi corazón puesta en esas canciones”.

Y reflexiona sobre la exposición masiva: “Charlo con

gente que lo ha pasado, que tienen años haciéndolo. Hace

poco lo hablé con la Sole y siempre tiene la palabra justa.

Con León Gieco hablo mucho también de esto. Le digo:

‘¿Cómo hacés para ser así transparente, buena gente?’. Y me

dice: ‘La humildad, Maggie. La clave es la humildad’”.

CAMPEDRINOS

Sergio y Agustín se conocieron en la cola para ver si podían

formar parte del reality Talento Argentino. Por sus gustos

similares se hicieron amigos, uno vivía en Campana y el

otro en San Pedro. Sus padres los empezaron a llevar de una

ciudad a la otra porque se juntaban a guitarrear. Hasta que dijeron

de hacer una banda y por sus ciudades de origen le pusieron

el nombre: Campedrinos. Tres meses después de verse

por primera vez, debutaron en Ramallo. Tenían 15 años.

Agus: Se percibe dónde vamos que se empezó a sumar

otra camada de pibes. Sentimos que tiene mucho que ver

lo que pasó con Milo en el ciclo FA, donde nos pasó algo

muy loco con “La Taleñita”... La viralidad que tomó esa

canción, que tiene 40 años.

Sergio: Rusherking grabó con Onofre Paz de Los Manseros

Santiagueños. Duki con Bizarrap hicieron una canción

que tiene base de chacarera… Cosas que fueron pasando y

hacen que el género llegue a nuevas generaciones, utilizando

recursos que contagian. También nos pasó, charlando

con Milo, que nos dijo que “La Taleñita” la conoció por

nosotros. Y nosotros por El Chaqueño, y este por Horacio

Guaraní. Es re loco como fue pasando por las generaciones.

Agus: Hay que romper el mito de que el folklore es para

gente grande. Lo que nos unió fue encontrar a otros pibes

que les gustaba escuchar folklore. Por ahí se empezaban a

sentir identificados con esta imagen, en la forma de vestirnos,

porque éramos pibes, lo que sea. Además, el folklore

en un momento no estaba muy afín a las redes, y nosotros

seguíamos haciendo contenido. Hasta que en un pasillito de

una radio en Tucumán hicimos “Jazmín de Luna”, y se viralizó.

Hoy la red es un puente, son señales que muestran que

realmente la gente sí necesitaba el folklore en redes sociales.

Sergio: Somos independientes, nadie nos dijo cómo hacer.

Hoy el entretenimiento de la gente es mirar reels o TikTok

y por ahí descubren una canción. Nos ocupamos de que el

contenido musical se convierta en contenido para redes.

Agus: No es lo principal, lo principal es hacer una canción

que nos guste. Pero sí, en el momento de crear el video,

pensamos en los ganchos.


MILO J, CUTI CARABAJAL Y UNA

SOCIEDAD QUE LLEGÓ HASTA

LA VIDA ERA MÁS CORTA

El todavía flamante álbum del jóven rapero está cruzado por el folklore y Santiago del Estero. En diálogo con

Billboard Argentina, ambos hablan de esta singular junta.

POR GABRIEL PLAZA

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NOVIEMBRE 2025

H

ace dos años el disco La vida

era más corta se empezó a cocinar

a fuego lento en el estudio Unísono

de Gustavo Cerati. Para esas

sesiones el productor santiagueño Santi

Alvarado convocó a Cuti Carabajal. La

idea era que el folklorista grabara algunos

temas que podrían utilizarse para el nuevo

proyecto de Milo J, donde también participó

el productor Tatool. El joven artista de

Morón estaba fanatizado con las canciones

de Cuti y Roberto Carabajal. Ese día grabaron

varias chacareras. Entre ellas, estaba

“El invisible”, la composición de Cuti con

letra de Nicolás Urquiza, que quedó finalmente

en el álbum.

“La primera vez que nos vimos con Milo

fue ahí en el estudio de Cerati. Pasamos

toda la tarde con él, su madre y amigos.

Ahí nació una amistad. Se ve que estaba

emocionado y nos preguntó dónde cantábamos

ese fin de semana. Nosotros nos íbamos

a una peña en Tucumán y se largó para

allá. Cuando lo invitamos a cantar, la gente

no podía entender qué hacía ahí”, dice Carabajal,

en diálogo con Billboard Argentina.

El cantante y compositor es un histórico

referente de la familia Carabajal y gran

creador de hits folklóricos como “Cuando

me abandone el alma”.

El músico santiagueño no es un folklorista

cualquiera. Comenzó a cantar a los 12

años y un lustro después fue invitado a participar

de la primera formación del grupo

Los Carabajal, en los ’60, que proyectó las

chacareras a todo el país. “Primero hablaron

con la familia porque era chico. Ensayábamos

en el patio de la casa vieja en pleno

verano. Regábamos el patio con el agua

sacada de la bomba y cuando amainaba el

calor empezábamos a tocar con un entusiasmo

bárbaro. Buenos Aires era la meta”,

recuerda de esos orígenes en La Banda.

La historia de Cuti está inscripta a fuego

en la cultura folklórica. Sus chacareras

(“Déjame que me vaya”, “Aquel tiempo de

mi infancia”, “Amor en las trincheras”, “La

pucha con el hombre”) no paran de sonar

en guitarreadas y en festivales, y lo grabaron

desde Mercedes Sosa a Soledad.

“Para mí básicamente fue conectar con

una de las leyendas del folklore más grandes

que existen y conectar no solamente

como artista, sino como amigo también”,

dice Milo J, desde Madrid, en un alto de su

viaje por España, y en la previa de lo que

serán sus dos conciertos en el estadio Vélez

el 18 y 19 de diciembre.

Ese primer acercamiento en la grabación

de La vida era más corta generó una amistad

inesperada. “Pasó algo muy lindo con

Milo y es que a poco de conocernos se vino

a mi cumpleaños en La Banda y me trajo

de regalo una remera del Gallito de Morón.

Hasta se alquiló una casita en mi barrio y se

quedó unos días”, dice el Cuti, unas semanas

después de lo que fue la presentación con

Milo J en el Movistar Arena, donde cantaron

juntos “La pucha con el hombre”, el tema que

compuso junto al poeta Pablo Raúl Trullenque

y que se volvió un hit viral: en Spotify la

versión original supera las dos millones de

reproducciones.

Milo J cuenta que su nueva obra está inspirada

en lugares como Atamishqui, Suncho

Corral (donde se grabaron los videos y visualizers

del disco, a cargo de la productora

The Movement), pero sobre todo en la

figura de Carabajal, que aparece en el video

de “Debajo de la piel”. “Para este disco tuve

que conectar conmigo más en profundidad

por lo que también elegí las raíces folklóricas

para dar con ese núcleo en Santiago del Estero,

y de la mano del Cuti, que me hizo un

tour por toda La Banda”, dice sobre ese ritual

de iniciación en la mística santiagueña.

Ese recorrido por la tierra de sus ancestros

lo movilizó. Del viaje se trajo no sólo un

bombo legüero sino todo ese paisaje de algarrobos,

monte y atardeceres del Río Dulce.

“La verdad es que mi bisabuela de sangre es

santiagueña. Entonces, también, era necesario

conectar ancestralmente conmigo, con

mis familiares. Santiago del Estero es la base

de todo este disco como idea, como concepto,

como sonido, y el Cuti tiene un nivel de

influencia gigante”, dice el joven artista, que

se volvió un difusor inesperado de la música

folklórica entre la generación, y que actuará

en el Festival Nacional de Folklore de Cosquín

el próximo domingo 1 de febrero de

2026.

Cuti tiene 78 años y Milo, 19. El folklore

los unió y es difícil que se vuelvan a separar.

En un futuro cercano es posible que

compartan gira,

o compongan un

tema juntos. “Milo

conoce perfectamente

las métricas

del folklore así que

podríamos hacer

algo”, desliza Cuti.

Del otro lado del

atlántico, el joven

se entusiasma con

esa relación que

forjó con el músico,

al que le dice cariñosamente

“El tío

Cuti”: “Poder guitarrear

y comer con

él, siempre es una

oportunidad única.

Es el lado premium

de la vida”.

Radamel,

niño estrella

En el último disco de Milo J no solo

sorprendieron las colaboraciones

con Silvio Rodríguez, Akriila, la

recuperación de una grabación de

Mercedes Sosa en “Jangadero”,

o la participación de referentes

como Cuti y Roberto Carabajal,

sino la presencia de Radamel. Es

un artista de 15 años de la localidad

de Suncho Corral, a 170 kilómetros

de la capital santiagueña, que toma

clases de guitarra desde los siete

años. Fue elegido entre el casting

de chicos para la grabación del

video de “Jangadero”. Y en una

pausa del rodaje, el muchacho se

puso a cantar unas chacareras

y Milo quedó hipnotizado con su

voz de monte. Tras esto, lo invitó

al Movistar que hizo en agosto

con ¡FAlklore!, donde estuvieron

Los Manseros Santiagueños,

leyendas de su provincia. Ese

bautismo en un escenario porteño

se coronó con la invitación a grabar

a dúo “Zamba para un bohemio

guitarrero”, que Milo rebautizó

como “Radamel”. En el disco su voz

cruda y silvestre no solo electriza

el aire, sino que anuncia el futuro.


LOS TEKIS ENCABEZAN EL

FOLKLORE AL MAR

¿A qué edad arrancaron?

A tocar juntos, a los 10 años. Existió un lugar de cuatro

hermanos peluqueros músicos y mientras cortaban el pelo,

enseñaban a tocar quena, charango, sikus... Si te querían un

poquito más, contrabajo o violín, toda una escuela de música

impresionante, y gratis. Éramos 50 changuitos dando

vueltas. Así empezamos y de repente nos juntamos a tocar

en los colegios y nos empezamos a subir a los festivales de

Jujuy. En el camino ese nos estábamos quedando sin repertorio

así que empezamos a componer como una forma

hermosa de expresarse, de liberarse de todo. Hoy mayoría

de las canciones del show son de autoría nuestra.

“Cada show nuestro es la

final de la Copa del Mundo”

El sábado 22 de noviembre se presentan en el Estadio de la Costa,

en un festival donde comparten cartel con el Chaqueño Palavecino,

Pancho Figueroa, Belén Herrera, Los Colorados y artistas locales.

¿La educación musical siempre fue el folklore?

Porque ustedes se especializan en fusionarlo

con elementos de la música pop.

Tiene que ver con trasladar lo que escuchábamos, a los

instrumentos que teníamos a mano. De changuitos sonaba

alguna canción en la radio y la tocamos en el charango.

Ahí se fue haciendo la fusión esta, sin querer. De todas

maneras, en el 95 tocamos en Cosquín con el bombo, el

redoblante, charango, guitarra y viento, sin sello, sin representantes,

sin nada. De coyas insistidores que somos,

salimos consagración del festival. Pero para el 96 queríamos

sonar más power y entran José Puccio (bajo) y Walter

(batería) que venían más del rock y de la música latina.

También hicimos el disco Rock & Tekis, lo presentamos

en el Gran Rex con un montón de invitados: Los Nocheros,

Polo Roman y Pancho Figueroa de Los Chalchaleros,

Juan Carlos Baglietto, Miguel Cantillo... En el camarín

había más joda que arriba, era impresionante. Estaban

Dread Mar I y el Cóndor (Sbarbatti) de la Bersuit,

con Pancho y Polo cantando "Zamba de mi esperanza",

fue algo tan lindo ver esa imagen. Hemos grabado con La

Mona Jiménez, con Piñón Fijo... O sea, por ahí cuando

se habla de género y demás, nosotros preferimos decir "la

gran música popular argentina".

POR JUAN CRUZ REVELLO

a música de Los Tekis tiene, principalmente,

el sello cultural de Jujuy y

L

las raíces andinas. Sin embargo, su estilo

fusiona carnavalitos, bailecitos, huaynos y taquiraris

con elementos del pop, utilizando instrumentos

autóctonos como el sikus, la quena,

zampoñas, erkes y charangos. Con un mensaje

centrado en el amor por la tierra y el cuidado de

la Pachamama, cosecharon numerosos reconocimientos

y compartieron su música con artistas de

diferentes perfiles como Los Nocheros, Luciano

Pereyra, Andrea Echeverri, Los Auténticos Decadentes,

Cacho Castaña o La Delio Valdez.

En el año 1991 fueron revelación en el emblemático

festival Serenata de Cafayate. "Son casi 35

años de llevar el mismo mensaje, levantar la bandera

de lo que es el carnaval, de lo que es Jujuy",

explica Sebastián López (primera voz, guitarra y

charango).

Durante el 2023, realizaron su primera gira

europea, en ciudades como Barcelona, Dublín y

Londres, entre otras. En sus shows todo es fiesta,

nadie se queda sentado. En diálogo con Billboard

Argentina, el músico anticipa que llevarán

al festival Folklore al Mar la energía y alegría del

carnaval. De esta jornada, a realizarse el próximo

sábado 22 de noviembre, también participarán El

Chaqueño Palavecino, Pancho Figueroa, Belén

Herrera y artistas locales.

¿Cómo se preparan para un evento de

la talla de Folklore al Mar?

La energía y la fiesta de nuestra cultura se traslada

a cualquier lado. Nosotros nos criamos en Jujuy,

donde en agosto comienza el mes de la celebración

de la Pachamama, que es donde la tierra está

dispuesta a ser embarazada, le agradecemos por

lo que tenemos y pedimos principalmente por

salud, amor y trabajo. En febrero y marzo se tira

la casa por la ventana. Ahí viene toda la energía, la

alegría, el sacar el diablito simbólicamente durante

una semana para que haga la suya y no juegue

durante todo el año. Nosotros somos el mensaje,

todas las canciones van por ahí. Entonces cuando

subimos al escenario, cada show nuestro es la final

de la Copa del Mundo. Y la gente lo recibe de

esa forma, siempre terminan bailando y cantando

incluso en otros países donde ni nos junaban.

Ahora van a compartir otra vez escenario con

el Chaqueño. ¿Qué los une?

(risas) Nos unen muchas noches, guitarreadas y la vida

misma. La mayoría de esta generación de la música, somos

hijos del remo. Por el año 1998, La Sole rompió con todo y

se armó la movida del folklore joven: ella iba de punta y todos

íbamos de atrás agarrados, porque rompía con todo, la

petisa. Los Nocheros también, somos toda esa camada. Y el

Chaqueño también es un remador y uno de los íconos del

folklore. Vamos a estar con él, yendo de Salta y de Jujuy al

mar. Nosotros vamos a llevar toda la alegría del carnaval, la

vivencia, con un show interactivo que por más que tengas

el mar al lado, te vamos a traer el cerro.


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NOVIEMBRE 2025

L

Cuatro discos de pop de autor

Jeff Tweedy, Ed Sheeran, The Divine Comedy, Lucas Finocchi y sus distintas maneras de abordar la canción pop.

POR FACUNDO ARROYO

Twilight Override

Jeff Tweedy

Una vez Andrés Calamaro dijo: “Si ustedes escriben una nota por día, nosotros tenemos que hacer lo

mismo con las canciones. Es una forma de respeto al oficio”. Y es verdad. Twilight Override tiene referencias,

por duración y contenido, al álbum blanco de The Beatles y al narcótico Self Portrait, el doble LP de

Bob Dylan de 1970. Pero también a El Salmón. Sin entrar en las medidas exactas, da la sensación que

Jeff Tweedy estaba preparando este festín de canciones hace largo tiempo. Son treinta, paralelas a

Wilco, que sirven para un viaje en auto de casi dos horas. En un comunicado oficial, dijo: “Lo que realmente

quiero hacer es que mi corazón crezca lo suficiente como para amar a todos. Y si quiero un corazón lo

suficientemente grande como para estar a la altura de este momento, se requiere algo expansivo”. Más

inmersivo que delirante, este disco triple no debería asustar a nadie. A fin de cuentas, fijate en tus rendimientos:

estás más tiempo en una red social que escuchando un disco así. Y si se trata de mirarnos a nosotros

mismos, Tweedy canta en la genial “Mirror”: “Eres un espejo y la cara. / Eres un objeto y el espacio”.

Play

Ed Sheeran

Para la música pop, con compositores que basan su obra principalmente en lo que dicen, no es necesario

estar izando la bandera de lo que tiene que hacer su público generacional. Y menos un artista como

Ed Sheeran, que busca descansar en la cima. Es más, si el compositor está tranquilo no debe llamar la

atención en términos peyorativos. Sheeran puede ver a la distancia las necesidades de un pop maduro

de Taylor Swift y Madonna. Además, también puede ser un gran mensaje para su generación: la tranquilidad

después de la paliza es posible. Las canciones de este octavo álbum van en ese tono. Un juego

regular, los colores más vívidos y algunos estribillos entradores para que los hits no sean otra ausencia.

Para que los hits sean parte, también, de esa tranquilidad. Una que Sheeran tiene después de una década

y media de carrera masiva y gloriosa. O como dice en la balada mundialista titulada “Azizam”: “No me

importa lo que digan, podemos hacerlo a nuestra manera”.

Rainy Sunday Afternoon

The Divine Comedy

Rainy Sunday Afternoon tiene la textura de una película de Tim Burton. Puede ser una comedia oscura

y también una de acción dramática. Si bien hay un sonido pop con un hilo narrativo de principio a fin en

los once tracks, el disco también se presta a distintos estados de ánimo. Podés estar en un funeral o

en navidad, las situaciones son extremas aunque Brian Hannon –el capitán de toda esta historia- no

pierda la línea. En el plano real del mundo onírico del LP, se puede escuchar una descripción cruda del

alzheimer de su padre y también las bondades de un domingo a la tarde con lluvia. A su vez, este duodécimo

disco es el más íntimo e introspectivo de su carrera. Se asume que un compositor británico y

culto se va a mover sólo por ese escalón de la cultura pero Hannon siempre introduce sabores populares

que también hay que descifrar. En ese marco puede ser punk por su simpleza, como en la canción

“I want you” que dice que si lo querés, podés tenerlo. Y que si lo necesitás, andá y conseguilo. Un modo

“corta la bocha” británico que justifica un poco también su sentir contemporáneo.

El almacén existencial

Lucas Finocchi

Dicen en La Plata que las canciones de este compositor local están ligadas a la raíz del líder de Wilco.

También de Luis Alberto Spinetta, en efecto. No se puede escuchar a Lucas Finocchi con la guardia

baja porque te podés quedar sin obra social para la terapia semanal. Es como un monje cotidiano lleno

de estribillos redondos afincado en el barrio, lindero y fundacional, de Tolosa. El LP es amoroso y sensible,

cotidiano y pacífico. En “Aire gris”, dice: “Soy un hombre de lo más común, extrañando a su mujer”.

Llevar una vida tranquila, rodeado de amor, parece algo contra hegemónico hoy en día. Todo cuesta

tanto, hasta ir al almacén. Finocchi es uno de los compositores, guitarristas y cantante de Mostruo!

Una banda de rock que supo recomendar Gustavo Cerati y que Richard Coleman, siempre que

puede, toca o graba con ellos. Como Tweedy o Calamaro, Lucas tiene, además, otro disco solista (La

velocidad, 2017) y ahora mismo está participando de Un Desastre, un proyecto comandado por los ex

Guacho. Si nosotros no paramos de hacer notas, ellos no van a parar de hacer canciones.

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NOVIEMBRE 2025

EDM lifestyle

Fragment 2025: lo que no te podés perder

Conocé los eventos que la productora traerá a la Argentina y Uruguay este 2025 .

EDM -

LA JUANITA STADIUM

29/11 – Estadio Uno, La Plata

Chapa & Castelo, referente indiscutido de la escena nacional, cumple

10 años de trayectoria y lo festeja en el imponente Estadio Uno de La

Plata, el 29 de noviembre frente a 10.000 personas.

La fecha reúne a un line up exclusivo de artistas nacionales,

confirmando la riqueza y la fuerza de una escena que crece con

identidad propia. Chapa & Castelo, cuyo sonido ha resonado tanto en

clubes como en festivales, encarna el espíritu de una generación que

llevó la electrónica del underground a las grandes ligas.

FRAGMENT – MAR DEL PLATA

Este verano, Fragment vuelve a posicionarse en el centro de la escena

con una serie de fechas en Mar del Plata, ciudad que en los últimos

años se transformó en uno de los epicentros más activos de la música

electrónica en Argentina.

El ciclo se llevará a cabo todos los viernes de enero, convirtiéndose en una

cita fija para el público local y para los visitantes que cada temporada eligen la

costa como punto de encuentro.

Cinco de los seis artistas que formarán parte del ciclo ya fueron anunciados,

entre ellos Guy J, Sasha & Digweed, Chapa & Castelo, Eelke Kleijn y Nick

Warren, figuras que reflejan el nivel y la diversidad de la propuesta.

Con esta nueva edición, Fragment reafirma el crecimiento de Mar del

Plata como punto clave dentro del mapa electrónico nacional, sumando

cada año más público y una producción cada vez más sólida.

THE SOUNDGARDEN BY NICK WARREN

21/11 – Estadio Obras

El DJ y productor británico Nick Warren vuelve a Buenos Aires con

The Soundgarden, su proyecto que combina música, visuales y una

curaduría sonora centrada en el house y el progressive. El evento se

realizará en el Estadio Obras, marcando la primera vez que el formato

llega a este espacio icónico.

Warren, con más de treinta años de trayectoria, mantiene una relación

especial con la Argentina, donde cuenta con una de sus audiencias más fieles.

En un momento de crecimiento para la escena electrónica local, la llegada

de The Soundgarden reafirma la conexión entre el público argentino y una

de las figuras más respetadas de la música electrónica internacional.

PM BY MOCHAKK

El brasileño Mochakk llega por primera vez a Punta del Este para

presentarse el viernes 26 de diciembre en lo que será una de las fechas

más esperadas del verano.

El show forma parte de PM, una propuesta que combina buena

música, aire libre y la energía del atardecer uruguayo. La fecha, que

prácticamente abre la temporada, promete un encuentro relajado pero

intenso, con el estilo y la frescura que caracterizan al artista.

En su primera vez en Punta del Este, traerá esa misma energía que lo

distingue: ritmo, conexión y una vibra positiva que invita a disfrutar. PM

by Mochakk se perfila como una de las grandes citas del verano, ideal

para arrancar la temporada con música, amigos y el mar cerca.


E

l artista británico Louis

Tomlinson lanzó recientemente "Lemonade",

el primer adelanto de su

nuevo álbum How Did I Get Here?. Este nuevo

y tan esperado proyecto saldrá a la venta el 23

de enero de 2026.

Al mismo tiempo, el artista anunció que el

año que viene saldrá de gira con How Did We

Get Here? World Tour. Con esta, el ex One Direction

recorrerá algunos de los recintos más

icónicos de Europa y Reino Unido.

La primera etapa arranca el 23 de marzo en

Hamburgo. Luego, pasará por ciudades como

Oslo, Estocolmo, Berlín, Milán, Barcelona

y París, desplegando su talento en estadios

destacados como el Palau Sant Jordi o el Accor

Arena.

A continuación, Tomlinson irá rumbo al

Reino Unido donde dará inicio a la segunda

tanda de conciertos el 24 de abril en Mánchester.

Este culminará el 3 de mayo en Londres

con un esperado show en el The O2.

La pregunta es, ¿pasará Louis Tomlinson por

Argentina? Billboard Argentina tuvo la oportunidad

de preguntárselo y el artista respondió:

"Argentina, no. No voy a ir a Argentina de

gira… Es una broma. Obviamente, voy a acabar

llegando a Argentina. Solo quería ver tu

cara. Pero sí, estaré ahí en algún momento".

Lamentablemente, no hay fecha confirmada,

pero Louis dejó claras sus intenciones de

reencontrarse con sus fanáticos argentinos en

algún momento.

Louis Tomlinson anunció su nuevo

tour, ¿habrá alguna fecha en

Argentina?

Tras el anuncio de su gira, Billboard Argentina pudo hablar con el ex One Direction

y preguntarle sobre la posibilidad de su regreso al país.

POR KARIN LEIVA

Repercusiones de "Lemonade" en Argentina

Al ser consultado por la respuesta del público

argentino a su nuevo sencillo, Louis Tomlinson

señaló: "Argentina es uno de esos países que definitivamente

me apoya mucho. No paso mucho

tiempo en las redes sociales, pero en el día de la

publicación estoy todo el día... Quiero ver lo que

la gente dice, obviamente".

Asimismo, agregó: "Argentina definitivamente

es uno de esos lugares donde siempre hay una

presencia bastante fuerte y me recuerda lo mucho

que me quieren y me apoyan. Eso significa

el mundo para mí. Pero nunca me sorprendo

tanto porque los shows son muy eléctricos. Pero

obviamente muy, muy agradecido y agradecido

por siempre".

Su nueva canción es una mezcla de guitarras

funk, teclados brillantes y percusión orgánica que

conduce a un estribillo cautivador. "Es tan amarga,

tan dulce, solo necesito probarla un poco",

dice su letra.

Respecto a "Lemonade", Louis afirmó: "Lo más

importante era que el primer sencillo tuviera un

sonido ambicioso. Tenía que ser grande y divertido.

Para mí, 'Lemonade' tiene una personalidad

instantánea y natural. Al final, resultó ser la forma

perfecta de comenzar este capítulo".


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NOVIEMBRE 2025

DE LOS FOGONES AL ARENA:

el presente de Cruzando el Charco

¿Son conscientes del lugar que ganaron

en estos años?

Viene de a poco, pero firme. Hoy el desafío es

sostener el lugar. Antes todo era trepar y llegar

a distintos escenarios; ahora crece la responsabilidad.

Pasás de tocar para 200 a 500, 1000,

5000 o más, y todo se multiplica.

El equipo también se agranda: luces, pantallas,

monitores, filmmakers, CM, fotógrafos. Hoy somos

25 personas viajando. Eso nos acerca a bandas

como Guasones o No Te Va Gustar, que además

de colegas son amigos que nos aconsejan.

Al final, lo esencial no cambia: entrar a la

sala y hacer canciones buenas, populares, que

cualquiera pueda tocar en un fogón. Eso nos

conecta con públicos muy diversos, de chicos

de 5 años a personas de 70. Es hermoso ver la

misma canción vivir en todos esos mundos.

¿Qué lugar ocupa el vivo?

Es la parte que más disfrutamos. El estudio nos

encanta, pero el vivo tiene una adrenalina única.

Es como un partido de fútbol: transpirás la

camiseta, el público canta más fuerte que vos,

la banda se mira y entiende que está pasando

algo especial.

En los shows ocurren cosas mágicas: desde

propuestas de casamiento en medio del recital

hasta momentos en que dejás de cantar porque

la gente se adueña del tema. Esa vibra es

irreemplazable.


La banda platense despide Esencia en el Movistar Arena y sorprende con

Reversiones Acústicas, un registro íntimo en YouTube junto a referentes del

rock nacional.

POR GABRIEL SOTELO

C

ruzando el Charco se prepara

para despedir Esencia a lo grande: el

viernes 5 de diciembre en el Movistar

Arena, tras una gira que marcó un antes y un

después en su historia, con más de 12 países

visitados y más de 80 shows.

Mientras tanto, la banda platense sorprende

con un lanzamiento especial: Reversiones

Acústicas, un registro íntimo en YouTube que

reimagina tres de sus canciones más queridas

con invitados de lujo: Juan Subirá (Bersuit),

Maximiliano Timczyszyn (Guasones) y un ensamble

de cuerdas dirigido por Javier Casalla.

En diálogo con Billboard Argentina, Francisco

Lago y Nahuel Piscitelli repasan el presente

del grupo, su vínculo con referentes del

rock nacional, el crecimiento del público y la

adrenalina de un vivo que los llevó de los fogones

a los grandes estadios.

¿Cómo están viviendo este presente?

Acá andamos, visitando amigos en Buenos

Aires, haciendo prensa y enfocándonos en lo

que viene. Tenemos varios shows en puerta y

acabamos de lanzar unas reversiones acústicas

en YouTube.

En esas reversiones aparece Juan

Subirá, un histórico. ¿Cómo nació esa

relación?

Con Juan tenemos contacto desde hace años.

Fue de los primeros invitados de nuestro segundo

disco. Yo le escribí un mail hace más

de una década para proponerle participar; respondió

tiempo después y terminó sumándose

en otro álbum. Desde entonces se armó una

hermosa amistad.

Él y Pepe Céspedes, ambos de Bersuit, produjeron

la mayoría de nuestros discos. Eso nos

unió muchísimo: giras en México, shows en

Baradero, sesiones de grabación. Para esta versión

de “Mi partida” queríamos un clima más

arrabalero e íntimo, y sabíamos que el acordeón

de Juan le iba a dar ese toque especial.

Así fue: mágico.

Bersuit aparece muy presente en sus raíces.

Sin dudas. Bersuit fue el primer show que elegí

ver en Atenas, en La Plata. Me metí en el pogo

y sentí esa energía impresionante. Desde aquel

día hasta hoy, compartir escenarios, giras y

grabaciones con ellos es un flash.

El otro día, mientras grabábamos en un estudio

de La Plata, se pasó Facu Soto (Guasones)

a saludar. Fue increíble. Me regaló un par de

zapatillas —sabe que me pierden— y nos tiró

la mejor. Lo mismo con Maxi, que participa en

las reversiones tocando pedal steel: un instrumento

particular que le aportó una onda medio

country a las canciones.

En un momento sorprendieron con una

versión de Floricienta. ¿Cómo surgió?

Fue una locura que empezó en Olga, por una

invitación de Nati Jota al Cris Morena Day. Yo

ya conocía el tema y me gustaba, pero propuse

algunos cambios para llevarlo a nuestro estilo.

La tocamos en el Gran Rex.

Después Migue Granados nos dijo: “No sabés

cómo explotó en Twitter, tienen que grabarla”.

Y lo hicimos. Generó nostalgia en gente de

treinta y pico que la veía de chicos, y al mismo

tiempo llegó a nuevas generaciones. Igual,

no somos una banda de covers. Cada tanto

metemos alguno de Bersuit, La Vela, Calamaro,

Charly o Callejeros, pero no es nuestra

característica.

Fran, llevás tatuada la firma del Diego

¿Qué significa para vos?

El Diego me marcó. Cada vez que pude, lo

vi; lo que no, lo busqué en YouTube. Soy de

Gimnasia y, cuando fue técnico del Lobo, iba

siempre a la cancha. Vivía cerca: era imposible

no ir. Me gusta el fútbol más allá de mi club;

tengo amigos de todos los equipos y disfruto

cualquier estadio. Me hubiera encantado conocerlo,

pero no se dio. La firma tatuada es un

homenaje y un recordatorio de lo que significó.

Cruzando el Charco cierra el círculo de

Esencia con una despedida a estadio lleno y

abre, al mismo tiempo, una puerta íntima con

Reversiones Acústicas. Entre amigos, maestros

y canciones de fogón que ya habitan los grandes

escenarios, la banda confirma su momento:

el de crecer sin perder el pulso popular que

la trajo hasta acá.


Brigado Crew

presentó

“Fading Away”

Con esta canción la banda inicia una

nueva etapa decisiva en su carrera.

E

on “Fading Away”, Brigado

Crew inicia una nueva etapa decisiva

en su carrera. Se trata de una propuesta

sonora y visual que refleja la madurez y

evolución artística del dúo argentino, marcando

el comienzo de un camino renovado tanto

en el estudio como en los escenarios.

Este lanzamiento representa la nueva propuesta

del dúo, un single que funciona como

anticipo de lo que se viene: un universo sonoro

más ambicioso, cargado de emociones,

melodías envolventes y una impronta visual

innovadora.

Además, abre el terreno para una próxima

colaboración con una gran figura del pop argentino,

que verá la luz muy pronto.

"Fading Away" simboliza el comienzo de

un camino renovado en la carrera de Brigado

Crew. El track mezcla indie dance con vocales

actuales, en un guiño a la época contemporánea,

pero sin perder la impronta del house y el

techno que caracteriza al dúo.

Por eso, han decidido que esta obra sea la

primera en contar con un videoclip oficial, una

pieza audiovisual que acompaña el espíritu del

lanzamiento. Además, la salida del single viene

acompañada de un rebrand integral de Brigado

Crew, marcando una nueva identidad estética

y creativa que será el sello de esta etapa.

Brian Harrison y Martín Kasall se conocieron

en 2012, compartiendo una visión musical

que pronto dio origen a Brigado Crew, nombre

inspirado en la palabra portuguesa obrigado

(“gracias”).

Con una trayectoria de más de una década,

el dúo ha publicado música en sellos de

referencia internacional como Stil vor Talent,

Tomorrowland Music, Bedrock, Radikon,

Katermukke, MoBlack, Diynamic, Sincopat y

Toolroom Records, entre muchos otros.

En 2017, su sencillo “Zulu” editado por

Diynamic —el sello de Solomun— alcanzó

el puesto #1 en el chart de Deep House de

Beatport durante más de 20 días, recibiendo

el apoyo de referentes como Âme, Black Coffee,

Oliver Koletzki, Seth Troxler y el propio

Solomun.

Su estilo, en constante evolución, ha contado

con el respaldo de artistas como Tale of

Us, Adriatique, Pete Tong, Armin Van Buuren,

Vintage Culture, Joris Voorn y Nick Warren.

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NOVIEMBRE 2025

MATTEO BOCELLI

Falling In Love: raíces italianas, cine

francés y la influencia de su familia

El artista cuenta cómo surgió su nuevo disco, la vida de estudio en Toscana y el

peso de ser hijo de Andrea Bocelli.


M

atteo Bocelli es dicharachero,

mezcla inglés e italiano, habla

con emoción de un enamoramiento

real que lo llevó a escribir su

segundo disco Falling In Love, pero también

de sus pasiones cinéfilas, del arte contemporáneo,

de su familia, de la raíz italiana que lleva

tatuada, y de su amor por América Latina. Ser

hijo de Andrea es llevar consigo una historia

que todos conocen, desde sus primeros pasos

en el piano y el debut en el escenario junto a

su padre en "Fall on Me" (2018), hasta cómo

la prensa ya lo definía antes de que hablara en

público.

Su primer disco, Matteo (2023), mostraba

ese talento que mezcla pop en diferentes idiomas,

baladas clásicas, pero un yo artístico aún

en construcción. Para este segundo trabajo,

armó una banda con músicos de su generación

y decidió grabar en su casa en la Toscana. "Era

importante producirlo en mi hogar. La música

nace de las emociones, y para que eso suceda

es fundamental conectar entre nosotros. Compartir

tiempo, no solo en el estudio, sino también en

la vida cotidiana", dice.

Durante semanas convivieron, tocaron y grabaron.

Esa elección marcó la diferencia respecto

al primer disco, producido en plena pandemia,

donde la distancia física limitaba la interacción

creativa. Este nuevo proyecto apuesta por un sonido

orgánico, con guitarras, batería, bajo, cuerdas

y piano construyen un registro más cercano al

directo que a la producción digital.

Tu disco se titula Falling in Love. ¿Ese enamoramiento

del que hablás es real o lo usás

más como metáfora de tu carrera?

Diría que es algo muy personal, pero al mismo

tiempo representa un amor en 360 grados. No

se limita a una sola persona: abarca la vida, las

personas que quiero e incluso la naturaleza. Soy

de esos que se enamoran fácil de los paisajes y de

lo que me rodea. Valoro esas pequeñas cosas que,

para mí, son el verdadero sentido de vivir.

En este segundo álbum, ¿qué descubriste

sobre tus propios límites como

compositor y sobre las decisiones que

tomás al crear?

En este segundo disco aprendí mucho sobre

producción y descubrí lo fundamental que es

estar conectado con las personas con las que

trabajás, compartiendo la misma sala. En el primer

álbum, viniendo del período de Covid, no

era fácil coincidir en un mismo espacio, y eso se

notaba en cierta distancia en las canciones.

Mi objetivo con este disco era lograr un sonido

orgánico. La base está en guitarra eléctrica

y acústica, batería, bajo y teclados, junto con

cuerdas y piano. Muchos oyentes perciben esa

vibra de directo porque quisimos usar lo menos

posible sonidos de biblioteca o artificiales.

Tocar instrumentos reales en la misma sala, y

cantar juntos, genera una magia que no se consigue

de otra manera.

"To Get to Love You" toma una melodía de

La Leçon Particulière, película francesa de

Michel Boisrond de 1968. ¿Qué fue lo que

te llamó la atención de esa canción?

Creo que es importante rescatar ciertos temas

musicales que tienen algo especial, y la idea era

construir una canción alrededor de esa hermosa

melodía. Trabajé en esto con una amiga

muy querida y cercana, un talento increíble y

una gran persona.

Disfruté mucho trabajar en "To Get to Love

You". Fue el primer sencillo del disco porque,

a mi juicio, lograba conectar las canciones más

modernas del álbum con los clásicos, que también

incluí a pedido de mis fans.

Hablando de clásicos, me surge preguntarte

por tu papá. Muchos te perciben

como "el hijo de…". ¿Qué parte de vos

rechaza esa etiqueta y qué parte la

abraza?

En mi opinión, en la música no existen las recomendaciones.

Cuando haces música, la gente

elige escucharla, comprar entradas y venir a tus

shows. Mientras tengas un público que aprecia

tu trabajo, nadie los está obligando a estar ahí.

Al mismo tiempo, hay que merecerlo y trabajar

duro. La música requiere esfuerzo, pero también

hay un 50% que viene de un nivel superior, eso

que todos llaman talento.

Disfruto cada momento de mi carrera. Me siento

un privilegiado por poder viajar por el mundo

llevando mi música. Para mí es una de las cosas

más bellas que existen. Y creo que lo más importante

en la vida es poner amor en lo que hagas.

¿Se te viene a la mente algún momento

en que tu nombre haya jugado más en tu

contra que a tu favor?

Sí, claro. Cuando era chico en la escuela, muchos

compañeros sentían cierta envidia de mi

realidad. Pero al crecer empecé a darle valor

no a lo superficial, sino a lo que realmente

cuenta: la amistad.

De algún modo necesitaba pasar por esos juicios.

Sé que suena extraño, pero esas experiencias

me ayudaron a ser más humilde y a apreciar

las cosas simples, que al final son las que

más importan en la vida.


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NOVIEMBRE 2025

VIVO

V

// RAUW ALEJANDRO

Rauw Alejandro cerró tres funciones agotadas en Buenos

Aires con un show de impronta Broadway y dirección

creativa teatral. En cuatro actos, combinó música,

danza y actuación guiado por un host, con visuales

cinematográficos, pirotecnia, fuego y luces milimétricas.

El repertorio recorrió Cosa Nuestra, su reciente Capítulo

0 y hits como “El Efecto”, “Punto 40” y “Diluvio”, hilando

una historia amorosa situada en los 60 en Brooklyn con

mafia italiana, en un formato exclusivo para Latinoamérica

que fusiona reggaetón, salsa, bachata y neo bomba.

Con banda en vivo y más de diez bailarines, las

coreografías —potentes y narrativas— fueron

ovacionadas. El público cantó todo; la energía no bajó.

“Estoy aquí con el mejor show de mi carrera…”, agradeció

Rauw. Se consolidó como performer integral.

FOTO: GENTILEZA CZ COMUNICACIÓN


V

VIVO

// KENDRICK LAMAR

Kendrick Lamar volvió a Buenos Aires después

de seis años y eligió el Estadio River Plate

como escenario para presentar su “Grand

National Tour”. Con la producción de DF

Entertainment, el rapero de Compton ofreció un

set de 28 canciones y casi dos horas de show

que recorrieron gran parte de su obra, desde

good kid, m.A.A.d city hasta GNX, su último

álbum. Entre proyecciones que simulaban un

interrogatorio y momentos de introspección,

unió clásicos como “HUMBLE”, “DNA.” y

“Alright” con nuevas piezas como “Luther” y “Tv

Off”. Aunque las plateas altas permanecieron

cerradas, la energía del público se volvió tema

viral en redes sociales. Antes de despedirse, el

artista dejó una promesa: “Trust my word, I will be

back” (“Confíen en mi palabra, volveré”).

FOTO: ACHRAF ISSAMI

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NOVIEMBRE 2025

VIVO

V

SILVIO RODRÍGUEZ //

Volvió Silvio Rodríguez a la Argentina y el Movistar

Arena se volvió íntimo a lo largo de tres noches en las

que el trovador cubano encendió una conversación

de décadas con poemas, guiños a José Martí, un

recuerdo a Pepe Mujica y un repertorio que fue de “Ala

de colibrí” a “Sueño con serpientes”.

La puesta, austera y precisa, descansó en un septeto

de alta fineza: entre ellos, Niurka González, eximia

clarinetista y esposa del cantante, y Malva Rodríguez,

que aportaron aire y cercanía. Hubo pasajes con la

voz resentida y él lo señaló sin dramatismos; el público

respondió elevando cada canción. Entre clásicos,

asomó el pulso de un clásico como “Unicornio”.

Balance de residencia: funciones agotadas, devoción

sin pose y una lista que cruza memoria y presente

(“Quién fuera”, “Ángel para un final”) sin caer en la

nostalgia fácil. Lo impredecible, como siempre con

Silvio, fue qué himno terminaron cantando todos.

FOTO: KALOIAN SANTOS


V

VIVO

ANUEL AA //

Tecnópolis vibró de punta a punta con el regreso de Anuel AA y

su Real Hasta la Muerte 2 Tour. Desde la primera salida, el estadio

se volvió un coro único: banderas, celulares en alto y una dosis

de trap caribeño junto a luces a pleno, visuales contundentes y

una puesta que entendió perfectamente a la audiencia local.

El set navegó entre clásicos y materiales recientes: “Más rica

que ayer”, “Amanece” y “Medusa” marcaron la primera mitad;

“Sola”, “Adicto” y “Hasta que Dios diga” sostuvieron la euforia,

mientras que “China” cerró con efecto de himno.

Además, Billboard Argentina llevó a 10 ganadores a recorrer

el backstage y los acompañó en el camino del camarín al

escenario junto a Anuel: una “walk to stage” de película que

puso a los fans a centímetros del artista y selló la noche con una

experiencia verdaderamente única.

FOTO: POPI GRAÑA

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NOVIEMBRE 2025

VIVO

V

// CA7RIEL & PACO AMOROSO

Casi como una serendipia, la gira latinoamericana de Kendrick Lamar acercó a

CA7RIEL y Paco a su ciudad de origen. Luego de abrirle los shows al rapero en

México, Brasil, Argentina y Chile, el dúo se hizo tiempo para llenar de Papota el

Movistar Arena. En plan tiny desk, el comienzo de la noche los tuvo sentados en

butacas y con esa vibra jazzera que estuvieron emanando en cada escenario

que pisaron durante 2025. El recuento es tan prolongado que no caben en estos

caracteres, pero sin dudas son los artistas argentinos que más giraron en el

año. Ese rodaje se hizo sentir en las interpretaciones de su propia música, algo

que los mostró con soltura y versátiles como nunca, como siempre. Del rebote

de “Dumbai” (en el que aprovecharon el rebote del estribillo para soltar desde

el techo una serie de sombreros como regalo al público) al cyber-pop poguero

de “Ola mina XD”, el universo de este dúo está en plena expansión. Y no vemos

la hora de que frenen un instante para encerrarse en un estudio a redondear las

nuevas canciones con las que van a volver a hacer cantar al mundo.

FOTO: @VICKYDRAGONETTI


ZAMNA FESTIVAL LLEGA

A BUENOS AIRES

Una noche épica con un lineup

internacional de primer nivel

P

or primera vez en la historia,

ZAMNA Festival, uno de los encuentros

de música electrónica más reconocidos

y celebrados a nivel mundial, aterriza

en Buenos Aires de la mano de la productora local

FLAMA. El sábado 20 de diciembre de 2025

la ciudad será el epicentro de una experiencia

única en el Autódromo de Buenos Aires Juan

Gálvez, con un lineup demoledor que reunirá alguno

de los nombres más destacados de la escena

internacional.

El lineup de esta primera edición promete ser

uno de los más potentes y ambiciosos que haya

visto la ciudad: MRAK (Tale of us), OOSTIL,

ZAMNA Soundsystem, Adam Sellouk,

Kasia, Alfa Romero y el talento local

NIM, quienes llevarán al público por un

viaje sonoro incomparable. Esta selección

de artistas refleja la identidad de ZAMNA:

una mezcla perfecta de innovación, calidad

y energía que ha posicionado al festival

como un referente global en destinos

icónicos como Tulum, Barcelona y Miami.

ZAMNA no es solo un festival: es una

experiencia inmersiva. Nacido en el corazón

de la selva maya en Tulum, el festival

ha construido un legado basado en

la producción de primer nivel, escenarios

impactantes y una propuesta artística que

trasciende lo convencional.

Con esta primera edición en Buenos Aires,

ZAMNA marca un nuevo capítulo para

la industria local y regional, mientras que la

ciudad se sigue posicionando como una plaza

clave para los grandes festivales internacionales.

Se espera la asistencia de miles de personas

de Argentina y países vecinos, generando

un impacto cultural y turístico significativo

en el comienzo de la temporada de verano.

Las entradas estan a la venta en Venti.com.ar

Con esta llegada, Buenos Aires se prepara

para vivir una noche histórica, donde la energía,

la música y la pasión se encontrarán en un

escenario inolvidable. Zamna no es solo un

festival: es una celebración global que ahora

tiene a Buenos Aires como protagonista.


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NOVIEMBRE 2025

DRAKE BELL

primera vez y estoy muy emocionado de estar ahí con ustedes

finalmente. Mucha gente de Argentina estuvo viajando

mucho a diferentes shows y países a decirme que vaya

para allá a dar shows. También en redes sociales hace mucha

fuerza para que esté por ahí, por lo que ya los conozco

muy bien pero todavía no los pude ver cara a cara.

Felicidades por tu nuevo álbum, ¿cómo preparas

un setlist con esas canciones sabiendo que

tienes tantas por elegir?

Es un gran álbum la verdad, son 35 canciones, pero lo

tradujimos bastante al vivo porque lo que haremos en

Argentina y el resto de Latinoamérica es llevar la guitarra

y convertirlo en algo íntimo. Eso es lo que me gusta hacer

cuando voy por primera vez a un lugar porque me permite

conectar mucho mejor con el público y así después

puedo volver y dar un gran show. Cuando das un show

grande se vuelve menos personal, hay mucha técnica,

bailarines, luces… Pero cuando estás solo con la guitarra

puedes conectar mejor, escuchar cuando cantan con vos…

Eso es lo que quiero hacer cuando es la primera vez que

veo una audiencia.

¿Con qué nos vamos a encontrar?

Van a encontrar canciones de Non-Stop Flight, de mi

nuevo EP, que saldrá a fines de octubre, también de

Drake y Josh… Es una especie de The Eras Tour (risas).

Canciones como "Found A Way", "Makes Me Happy",

"Down We Fall"... Que son de Drake y Josh. "Hollywood

Girl", que también sale de la serie… Hay de todo.

“Mi show en Argentina será

algo único”

El artista estadounidense se presenta el 9 de noviembre en Club Niceto.


En Non-Stop Flight jugaste con el español también,

estoy seguro que muchos se sorprenderán

cuando te escuchen cantar.

Eso fue algo gracioso para mí. Hace años saqué una

canción llamada "Fuego Lento" y cuando terminé de escribirla

nos dimos cuenta que necesitaba ser cantada en

español. Lo probamos y resultó muy bien, de repente me

sorprendí que podía hacer canciones en español. Seguí

escribiendo, y mientras más mejoraba mi español, más

componía. Empecé a colaborar con más artistas y de

repente ya forma parte de mi repertorio. Mi última canción,

con Kevin Roldán, tiene mucho español y es algo

muy divertido para mí de hacer también.

D

rake Bell regresó a la escena

musical en octubre de 2024 con su álbum

Non Stop Flight, un proyecto compuesto

de 35 tracks que invita a un viaje musical

conociendo la historia del artista estadounidense.

Este trabajo conllevó una gira por Estados Unidos

y México y que ahora llega a Latinoamérica para

mostrar todo su repertorio, con paradas en Argentina,

Brasil, Chile, Perú, Guatemala y El Salvador.

El show en nuestro país será el 9 de noviembre

en Club Niceto, y las expectativas están

más altas que nunca: "Muchos fanáticos de Argentina

viajan a shows para decirme que vaya

a su país, únicamente para eso. Esa disposición

me habla de lo apasionados que son, tengo

muchas ganas de conocerlos y compartir un

momento tan especial", compartió Bell en conversación

con Billboard Argentina.

Dentro de estas novedades, la sorpresa para

el público hispanohablante llegó de la mano de

"Break Your Heart", en compañía de Kevin Roldán.

Es una de las tantas canciones donde Drake

demuestra su manejo del español, y afirma que

cada vez se siente más seguro a la hora de cantar

en este idioma.

En medio de este ascenso, Bell sorprendió a

sus fans con una reunión muy especial junto a su

entrañable compañero Josh Peck en Anaheim,

California, reviviendo la nostalgia de toda una

generación que creció con ellos. Además, dejó

claro que en su show no pueden faltar esas canciones

que marcaron una época.

Al mismo tiempo, Drake continúa mirando

hacia adelante: tiene listo un nuevo EP, que verá

la luz a finales de octubre de 2025, con colaboraciones

junto a Roldán, Adriel Favela, Octavio

Cuadras, entre otros, prometiendo una etapa

aún más vibrante, fresca y comercial.

El encuentro en Niceto Club será una oportunidad

única: revivir aquellas canciones que

marcaron la memoria colectiva y descubrir la

nueva faceta de un músico que nunca dejó de

reinventarse. Una cita íntima, cercana y explosiva,

que convertirá la noche porteña en un

verdadero viaje musical.

¿Qué esperás de tu show en Argentina?

La verdad es que no sé qué esperar porque es mi

Cuando supimos de la colaboración notamos

lo conectado que estabas con la música Latinoamericana.

Adriel Favela también es algo increíble para mí. Es muy

lindo que en mis otros álbumes se pueda escuchar algo

de español y que ahora lo pueda hacer también con otros

artistas que se suman al proyecto. De alguna manera "verifican"

mi español. "Te dejamos probarlo y resultó bien,

puede seguir cantando en español", era el mensaje (risas).

¿Cómo nació esa colaboración? ¿Se conocían

antes de trabajar juntos?

De hecho no, fue algo realmente casual. Él se acercó a mí y

yo justo estaba en el medio del proceso de creación de álbum

buscando colaboraciones. Él estaba en México y me preguntó

si quería juntarnos un rato para hacer una canción, y de repente

estábamos en el estudio trabajando juntos.

¿Fue extraño para vos escuchar tus grabaciones

en español?

No fue raro a la hora de cantar, pero necesité tiempo

para entender por qué mi voz sonaba tan diferente cuando

hablaba en español. Pasa también con mis amigos que

hablan en español y en inglés, cambian el tono de voz y

es raro pero nos vamos acostumbrando de a poco.


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NOVIEMBRE 2025

E

3 AM

“Nuestra conexión con el

público argentino siempre

ha sido una locura”

Richard, uno de los integrantes del

dúo, habló con Billboard Argentina

sobre el regreso a nuestro país y su

nuevo álbum.

POR KARIN LEIVA

l 5 de mayo de 1999, Caracas, Venezuela,

le dio la bienvenida a Richard

y Christian Bermúdez Martínez, los

integrantes de 3AM. Un par de años más tarde,

los mellizos dejaron su tierra natal para comenzar

de cero en Estados Unidos en un pueblo

a las afueras de Boston, donde ejercieron

cualquier oficio que los ayudara a cubrir sus

necesidades.

Aunque esa etapa los marcó para siempre, el

presente de 3AM se ve brillante y su futuro, aún

más. El pasado 29 de mayo lanzaron su álbum

más personal, Forajidos. Este contiene 12 historias

de la vida real que están dedicadas "a todos

los que buscan un hogar, en un lugar que nunca

será del todo suyo", según los propios artistas.

Ahora, tras sus exitosas visitas a Buenos

Aires, 3AM regresará al país como parte del

Forajidos Tour en abril del año que viene, con

fechas en la capital del país, pero también por

Rosario y Córdoba.

Si tuvieras que describir en tres palabras

la energía que 3AM trae para estos

shows en Argentina, ¿cuáles serían?

Diría: "pasión", porque la relación con el público

argentino es muy apasionada; "bonita"

por la energía muy cool que se genera; y "nostalgia",

porque los temas transmiten muchas

emociones. Este álbum está muy pensado para

el en vivo, eso lo va a hacer muy especial. Estamos

súper emocionados. Además, nuestra

conexión con el público argentino siempre ha

sido una locura. Es el primer país que nos dio

una mano, que confió en nosotros, donde hicimos

nuestro primer show. Allá sentimos que

tocamos en casa.

Vinieron a presentar Forajidos, donde

incorporaron el country y hablan de la

búsqueda de un hogar. ¿Qué los inspiró

a experimentar con este género y

este concepto?

Yo siento que el género fluyó de una manera

súper natural. Siempre fuimos fanáticos del

country, aunque sabíamos que era un riesgo

ya que no es lo más mainstream, pero le ha

ido increíble al álbum. El público conectó con

él de una manera muy profunda. El concepto

viene de que un forajido es alguien obligado

a dejar su hogar y así nació nuestra historia.

Nos fuimos de Venezuela a Estados Unidos

y nos sentíamos forajidos. Por eso es de nuestro proyecto

más personal: relata nuestra vida de una manera

cinematográfica.

¿Cuál canción del álbum sentís que fue la

más desafiante o la más significativa para

ustedes de componer dentro de este disco y

por qué?

Todas lo fueron. Nunca había producido country, así

que fue un proceso de aprendizaje. Desde hacer los pedal

steels y la secuencia de los drums. Grabamos más

de 200 canales de guitarra. Fue laborioso, pero valió la

pena porque tiene mucho alma y nos sentimos orgullosos

del resultado.

Su música fusiona varios géneros. ¿Cómo

mantienen la esencia de 3AM?

Toda nuestra música proviene del mismo lugar y eso

hace que siempre tengan algo en común. Están procesadas

en el mismo filtro, que somos nosotros. Entonces,

a pesar de que cambia el género, siempre mantiene

esa esencia y un mensaje bonito.

Colaboraron con artistas como Danny

Ocean, Beret, y los argentinos, Khea y

Yami Safdie. ¿Qué aprendieron de esas

experiencias?

De todos aprendimos algo. Cada uno tiene una manera

de hacer música muy distinta entre sí y de eso

siempre te queda algo. Si te rodeas de personas

que tienen muchas cosas positivas, al final te

vas a terminar influenciando por ellas.

"Por Ti" llegó a las listas virales en más

de 10 países. ¿Cómo viven ese salto

internacional?

Fue súper loco, fue de la noche a la mañana. Es

muy positivo, pero no cambió nuestra manera

de ver las cosas. Nuestro proceso ha sido siempre

muy poco a poco. Hay que seguir trabajando

con las mismas ganas, el mismo enfoque y

el mismo ímpetu. Quizás cambie la situación o

la forma en la que la gente nos percibe, pero en

nosotros no cambia la perspectiva.

¿Cómo manejan la dinámica creativa y

las diferencias al momento de componer

siendo hermanos?

Lo hace más fácil porque no hay individualismo.

No somos solo el mismo equipo, sino

que somos la misma familia. Y si le va bien a

uno, le va bien al otro. No existe razón para el

egocentrismo. Tampoco existe motivo para no

hablar claro. Es una comunicación mucho más

real y directa con un hermano que con cualquier

persona en general.

FOTO: LUIS ABAD

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NOVIEMBRE 2025


“Con Los Clásicos Nunca

Mueren encontré mi lugar”

El rapero dio detalles de su nuevo álbum y sus proyectos

para el próximo verano.


D

espués de estrenar canciones

como “Loquita”, con

Doble P y Los Turros; “Amor

de Chat”, con Román el Original y

Lautygram o “Yo Tengo un Ángel”, en

compañía de La Liga, Ecko reveló que

todo forma parte de su nuevo álbum,

Los Clásicos Nunca Mueren.

Como su nombre indica, es un

disco cargado de clásicos que nunca

van a dejar de sonar y el público

siempre va a seguir cantando, sin importar

el género en el que se haga la

versión. En esta oportunidad, Ecko

decidió elegir canciones que marcaron

su infancia y que significaron

algo más que un simple track para él.

“Son canciones que recuerdo como

si fuera ayer. Poder cantarlas con sus

intérpretes originales es algo muy especial

para mí”, afirma en conversación

con Billboard Argentina.

Si bien todavía no hay fecha de

estreno oficial, Ecko confirmó que

no falta mucho para que su público

pueda disfrutar por completo de esta

obra, que los espera con muchas sorpresas

y colaboraciones inesperadas.

“Ya está todo listo, no falta nada

para que lo estrenemos. Mientras seguimos

trabajando en proyectos para

el verano y mi rol como DJ, es algo

que estoy explorando y lo disfruto

mucho”, reflejó.

¿Cómo estás afrontando esta nueva

etapa de clásicos renovados?

Estoy muy contento porque son

canciones conocidas que marcaron

mi infancia. La gente las recibió real-

mente muy bien así que nos marcó

el camino de lo que está por venir.

Tratamos de ponerle mi estilo a esos

clásicos y por suerte está saliendo

bien. Hay que tener cuidado igual

porque son canciones que tuvieron

éxito y hay que intentar no cagarla,

hay que pensar bien cómo hacerlo.

“Loquita” fue de las primeras

que lanzaste, entró al Billboard

Argentina Hot 100, al

Top Argentina… fue un éxito.

“Loquita” para mí es la mejor de

todo álbum, y sin duda una de mis

preferidas. Peleaba el primer puesto

con una que para mí iba a ser la mejor,

“Amigos con Derecho”, que finalmente

no pudo estar en el álbum.

Ahora vas a recibir la Primavera

con un show a beneficio y vas a

poder mostrar algunas de estas

canciones en vivo por primera vez.

Totalmente. Con mi equipo estábamos

pensando qué hacer en cuanto

a shows y surgió esta posibilidad de

un evento gratuito a beneficio en

Merlo para la gente que a veces no

puede comprar las entradas y quiere

disfrutar un buen show. Es mi tercera

o cuarta vez tocando ahí, tengo

familia… Es un lugar que me representa

muchísimo.

¿Cómo hiciste la elección de las

canciones del álbum?

Fue una elección bastante personal.

Mi equipo me ayudó en cuánto a los

featurings, en quién meter y quién

no. De chico escuchaba muchísima

música e intenté hacer una recopilación

de las que más me marcaron y

más recuerdo.

¿Imaginabas hace algunos

años poder hacer tu versión

de estas canciones e invitar al

artista original?

Lo cierto es que no. Cuando era

chico era una fantasía poder llegar a

cantar… En la adolescencia me volqué

al freestyle, al rap y al hip-hop,

por lo que no imaginaba nunca poder

tener una canción con El Polaco

o Román el Original, que eran ídolos

para mí. Con el paso del tiempo y el

crecimiento de cada uno se fueron

abriendo posibilidades y las oportunidades

fueron llegando, algo por lo

que estoy muy agradecido.

Pasaste por hip-hop, rap, RKT,

guaracha… Con Los Clásicos

Nunca Mueren encontraste un

nuevo sonido incluso para vos.

Totalmente, con Los Clásicos Nunca

Mueren encontré mi lugar, es algo

que elegí y en lo que pude destacar.

Obviamente ahora empiezo con nuevos

proyectos y saliendo un poco de

eso, pero son canciones clásicas que

van a durar para toda mi vida.

¿Cuáles son esos proyectos?

La gente me pide mucho trap, así

que voy a estar sacando algunas

canciones de trap. Para el verano

también estuve preparando canciones

que me identifican un poco más,

algo más arriba, más movido. Algo

que también estoy implementando

son fiestas como DJ. El nuevo formato

que viene después de los clásicos

va a ser así, cantando y después animando

un poco como DJ.

¿Qué tipo de show das como DJ?

Mis shows siempre arrancan con

RKT y trap y suelen terminar con

los tres temas de guaracha que tengo,

que son los más arriba de todo.

Después sigo con algún enganchado

de techengue y guaracha para seguir

con ese hilo. Por ejemplo, “Mi Cubana

Remix” no la canto original, pero

sí la hago remix porque la gente me

la pide y se sorprende siempre.

¿Ya tenés más lanzamientos

planeados?

Lo cierto es que ya tenemos organizada

la agenda hasta mitad del año

que viene. Estuve haciendo mucha

música y sólo queda ordenarla para

ver con qué seguimos. Hay muchas

canciones que pueden salir como

un EP y otras que son totalmente

distintas.

¿Del freestyle te alejaste por

completo?

Estoy fuera de las batallas de freestyle,

pero siempre fue un gran recurso

para crear canciones. Hoy en

día mi prioridad es 100% la música,

además el mundo de las batallas

está en buenas manos, hay enormes

competidores. Lo que más me puede

unir a ese mundo es la Liga Bazooka,

donde ya estuve y no lo descarto

para nada.


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NOVIEMBRE 2025

Destino San Javier presenta su nuevo disco

Huracán de Amor

Este nuevo material discográfico propone un viaje musical que atraviesa emociones intensas y paisajes sonoros

diversos.

estino San Javier lanza su

D esperado cuarto disco de estudio,

titulado Huracán de Amor,

una obra que marca una nueva etapa

en su carrera, caracterizada por la

madurez artística, la búsqueda sonora

y la fidelidad a sus raíces.

Huracán de Amor propone un viaje

musical que atraviesa emociones

intensas y paisajes sonoros diversos,

combinando lo mejor del folklore argentino

con una impronta moderna

y personal.

En este disco, Destino San Javier

logra un equilibrio perfecto entre

tradición y evolución. El álbum incluye

chacareras vibrantes, con toda

la fuerza del norte argentino, zambas

íntimas, con arreglos que respetan la

esencia, pero con su propio sello y las

canciones románticas que destacan

al trío.

Cada una de las voces brilla con

fuerza, fusionándose en armonías

que ya son marca registrada del

grupo.

Protagonistas de su propio sonido,

Destino San Javier, por primera vez,

toma completamente las riendas de la producción artística. Esto

les permitió experimentar con nuevos arreglos, texturas instrumentales

y sonidos contemporáneos, sin perder el alma folklórica

que los define.

Temas como “Invéntame” y “Tú sí sabes quererme”, ya lanzados

como adelantos, forman parte de este álbum que contiene 11

canciones.

Huracán de Amor no solo es el título del disco: es una declaración

de principios. Un llamado a los sentimientos, al abrazo

musical con su público, al reencuentro en cada provincia con esas

voces y aplausos que los han acompañado a lo largo de su camino.

“Queríamos que este disco sea auténtico, que refleje lo que somos

hoy y lo que sentimos. Huracán de Amor es fuerza, es pasión,

es raíz y evolución”.

FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA

68

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NOVIEMBRE 2025

Dua Lipa llega a la

Argentina

Presenta su álbum Radical Optimism

en el estadio River Plate

La cantante tocará los días 7 y 8 de noviembre.

ua Lipa vuelve a la Argentina

en el marco del Radical

Optimism Tour con dos

D

fechas en el Estadio River Plate. Serán

los días 7 y 8 de noviembre. De esta

manera, la británica se convierte en

una de las pocas artistas femeninas en

llenar dos noches consecutivas del estadio

más grande de Sudamérica, logro

que sólo comparte con Maria Becerra,

Madonna, Tina Turner, Lady

Gaga, Taylor Swift y Miley Cyrus.

La cantante ya había demostrado

su poder de convocatoria en el país

con sus presentaciones anteriores: en

2017 como telonera de Coldplay y un

Teatro Vorterix agotado, y luego en

2022 con dos shows completamente

agotados en el Campo Argentino de

Polo. Ahora, con un show de escala

aún mayor, regresa con una propuesta

renovada, enmarcada en su más

reciente trabajo discográfico, Radical

Optimism, lanzado en mayo de 2024.

Los shows en Buenos Aires prometen

una experiencia en vivo inigualable

con una puesta en escena poderosa,

banda completa, bailarines,

visuales psicodélicos y un setlist que

combinará lo mejor de su repertorio

principal—incluidos hits como “Levitating”,

“Don’t Start Now” y “New

Rules”— con las nuevas canciones de

su último álbum Radical Optimism

que ya están marcando una nueva

etapa en su carrera.

Este nuevo álbum representa un giro

en su carrera. Inspirado en sonidos

del britpop de los ’90, el trip hop y la

psicodelia, Radical Optimism muestra

una faceta más introspectiva y

arriesgada de Dua Lipa, sin abandonar

del todo el pop bailable que tanto

la caracteriza. Temas como “Houdini”,

“Training Season” e “Illusion”

anticipan esa búsqueda de nuevos

territorios sonoros, con una estética

más audaz tanto en lo musical como

en lo visual.

El concepto del álbum gira en torno

a la idea de atravesar momentos

de caos con optimismo, transformando

la vulnerabilidad en fortaleza.

Es una obra que refleja madurez

artística, pero también una fuerte

conexión con el presente emocional

de toda una generación.

Dua Lipa llega con una propuesta

que equilibra evolución artística y poder

de convocatoria. Su visita no solo

confirma su lugar entre las grandes

figuras del pop global, sino que también

deja en claro que está lista para

seguir marcando tendencia.


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NOVIEMBRE 2025


Las Guerreras K-Pop, el

fenómeno musical del año

Por primera vez una combinación del streaming visual, a través

de Netflix, y una excepcional banda sonora en las plataformas

digitales, desata una fiebre global. Y marca el inicio de una nueva

era en la música pop coreana, confirmándola como un estilo con

sus propias pautas culturales, el exitoso KPop.

D

esde su estreno en Netflix en junio

pasado, el film animado Las Guerreras

K-Pop (K-Pop Demon Hunters),

escaló posiciones hasta convertirse en uno

de los mayores éxitos del año de la plataforma

a nivel mundial, incluyendo la Argentina.

La historia presenta a Rumi, Mira y Zoey,

integrantes del grupo HUNTR/X, un exitoso

trío femenino de música K-Pop que lleva una

doble vida protegiendo a la humanidad de

espíritus malignos que se alimentan de las

almas de los fans. El conflicto surge cuando

aparecen los Saja Boys, una atractiva boy

band rival que en realidad está integrada por

demonios. Las Guerreras K-Pop ofrece una

historia llena de acción, música y efectos visuales

atractivos, que incluso supera el target

de público joven para convertirse en un fenómeno

global para todas las edades.

Sin duda uno de los mayores atractivos de

la película es la música, las canciones originales,

interpretadas por HUNTR/X y los Saja

Boys, han escalado rápidamente las listas globales.

También en Argentina, el soundtrack

del film es un éxito total, liderando los rankings

de las plataformas digitales. En julio pasado

“Golden”, uno de los temas de las HUN-

TR/X se posicionó como la tercera canción

más escuchada a nivel mundial en Spotify

Daily. La banda sonora debutó en el puesto 8

del Billboard 200, marcando el mejor estreno

musical de una película en 2025.

También el reconocido grupo de K-Pop

femenino Twice fue convocado para grabar

una versión especial del tema “Takedown”,

que se escucha durante la aparición

de los créditos del film. “Strategy”, otro de

los hits de la banda femenina, también fue

incluido en la película. El resultado es un

éxito arrollador que convirtió a la banda de

sonido de Las Guerreras K-Pop en un fenómeno

sólo comparable con el de la película

de animación “Encanto”, que arrasó en el

Hot 100 de 2021, con siete canciones de la

banda sonora que aparecieron en la listas,

lideradas por el himno de HUNTR/X "Golden"y

"Your Idol", de su contraparte de la

banda de chicos villanos Saja Boys.

Ambas canciones han rondado la cima

de las listas diarias de streaming de Estados

Unidos y del mundo durante días,

pero también lo han hecho el contundente

tema de apertura de HUNTR/X "How

It's Done", la pegajosa y dulce canción de

la banda de chicos "Soda Pop" y la balada

fundamental "What It Sounds Like", todas

las cuales se encuentran en la lista Daily

Top Songs USA de Spotify.

Hay una historia muy curiosa detrás del

lanzamiento de este álbum multiplatino

global. Cuentan que Jim Roppo,

presidente y director ejecutivo del sello

Republic Records, el fin de semana

del estreno de la película en Netflix,

vio que tres de sus hijos se encerraban

para verla una y otra vez, sin saber

que su papá tenía la banda de sonido

en su compañía. Los niños, de 12, 13

y 15 años, al día siguiente empezaron

a pasar la música a todo volumen. A

Roppo se le encendieron las alarmas y

empezó a prestar atención a los números

de Netflix que mostraban el éxito

de Las Guerreras K-Pop, y a continuación

las sorprendentes cifras del streaming

de la banda de sonido. Un éxito

de un focus group doméstico sirvió para

alertar sobre uno de esos fenómenos orgánicos

virales que suelen arrasar con todos

los pronósticos. Si bien el KPop ya es

un género reconocido mundialmente, el

enorme suceso de “Las guerreras K-pop”

pone el salto de calidad para el KPop,

respaldado también por el éxito de otros

artistas como Twice y las Katseye.

Como para refrendar lo dicho, hace

unos días el popular programa de la televisión

estadounidense Saturday Night Live

armó un sketch en el que cuatro jóvenes

amigos se reúnen en un bar, en una conversación

superficial sobre el encuentro.

Son dos chicas y dos varones, pero uno de

ellos se muestra particularmente incómodo

desde el primer momento, como si su

mente estuviera en otra parte. Los demás

hacen sus comentarios, hasta que este personaje

explota y subiendo el tono de voz

les recrimina que no hablen de lo más interesante

del momento, las K-Pop Demon

Hunters. Sin filtro los califica de “idiotas”

y se enoja regresando a sus pensamientos.

Entonces entra nada menos que uno

de los Demonios del film, y detrás de él

llegan las Twice en un espectacular desenlace.

Por si el espectacular despliegue de

la escena no fuera suficiente, es fácil reconocer

que el personaje que se enoja y trata

de idiotas ignorantes del fenómeno K-Pop

es… ¡Bad Bunny!

Las Guerreras K-Pop han desatado

un fenómeno global inusitado. En

nuestro país la película continúa estando

entre las 10 más vistas en Netflix,

mientras que la banda de sonido continúa

sólida en todas las plataformas digitales.

Como definió Jim Roppo: “Esto

no es un fenómeno del K-Pop. Ahora

es un fenómeno de la cultura pop”.

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NOVIEMBRE 2025

FOTOS: GENTILEZA UNIVERSAL

Alejandro Sanz

anunció su visita a la

Argentina en 2026

Tras arrasar con éxito en sus primeras fechas en México,

el consagrado artista español sumó nuevas ciudades en

Latinoamérica para su gira “¿Y ahora qué?”

E

l artista español expande

su gira mundial “¿Y Ahora

Qué?” tras el éxito rotundo de

su paso por México, donde agotó

localidades en sus primeras paradas

y sigue sumando sold outs en este

territorio. La gira llegará a Colombia,

Chile, Ecuador, Perú y Argentina

en febrero y marzo de 2026.

Tras un arranque de gira triunfal

en México, donde consiguió el

sold out en sus primeras fechas y se

encuentra agotando las últimas entradas

para el resto del tour que está

en marcha, el multipremiado artista

español Alejandro Sanz anuncia su

visita a la Argentina, como parte de

las primeras fechas confirmadas por

Latinoamérica para el año próximo.

Así, con el recuerdo aún latente

de sus últimos show en nuestro país

que reunieron más de 100.000 personas

en mayo del 2023, ahora Sanz

anuncia su vuelta prevista para el

4 de marzo en el Autódromo de la

Ciudad de Rosario, el 6 de marzo en

el Campo de Polo de Buenos Aires

y el 8 de marzo en Estadio Kempes

de la ciudad de Córdoba.

Con el placer eterno de volverlo a

ver en vivo, disfrutando de la experiencia

inigualable de su talento, en

este recorrido, Sanz fusionará sus

grandes clásicos con lo más reciente

de su repertorio, incluyendo su nuevo

trabajo, “¿Y Ahora Qué?”.

En este disco, Alejandro se destaca

por la sutileza emocional de

“Palmeras en el Jardín”, canción que

marcó el inicio de esta nueva etapa,

pasando por “Hoy No Me Siento

Bien” junto a Grupo Frontera, “El

Vino de Tu Boca” junto a Carín

León o incluso con Shakira en “Bésame”,

su tercer tema juntos que ha

alcanzado récords en las listas de

éxitos y plataformas digitales de varios

países.

El merecido éxito de este trabajo,

sumado al increíble arranque de

gira en México, que sigue batiendo

récords, ha impulsado la siguiente

fase del tour, que verá a Alejandro

Sanz llevar su espectáculo a algunos

de los estadios y arenas más importantes

de Latinoamérica.

FOTOS: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA

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NOVIEMBRE 2025

Fianru se hizo presente en

la JoMa Sessions Vol. 7

l proyecto argentino JoMa

Sessions cierra su JoMa Sessions

E

Vol. 7 con una colaboración de peso:

Fianru, uno de los pilares del rap nacional.

Tras haber iniciado esta edición junto a T&K,

gran referente del hip hop en español, el ciclo

presenta ahora un segundo EP de 4 canciones

de la mano de Fianru. Esta nueva sesión que

completa un dream team de raperos que marcaron

historia y abrieron camino para nuevas

generaciones, ya se encuentra disponible en

todas las plataformas digitales.

Fianru suma su voz y presencia a esta edición,

llevando la propuesta de JoMa a un

nuevo nivel. Con su estilo inconfundible y

la solidez de años en la escena, el rapero de-

muestra porqué es considerado una leyenda

del género. Su participación subraya la capacidad

de JoMa para reunir a lo más destacado

del rap argentino, reafirmando su lugar como

un espacio de encuentro que pone en valor

la trayectoria, el respeto y la evolución del

movimiento.

JoMa nació como una propuesta que busca

reimaginar la presentación de artistas del rap

y géneros afines, con una estética cuidada y

una sonoridad única: la banda en vivo. Bajo

la dirección audiovisual de Jota De y la dirección

musical de Maxi Prieto, cada sesión

se convierte en una producción de alto nivel

técnico y artístico, pensada para destacar la

versatilidad del género y su conexión con el

público. La propuesta audiovisual completa se

puede ver en YouTube, donde en esta sesión,

como en todas las anteriores, se evidencia el

nivel de producción y calidad que caracteriza

a JoMa.

Las sesiones de JoMa se graban en un espacio

privado y no anunciado previamente, con

una audiencia reducida y seleccionada especialmente.

Esta atmósfera íntima favorece una

conexión real entre artistas, músicos e invitados.

La banda, conformada por músicos que

conocen y respetan profundamente el lenguaje

del rap, interpreta los temas entendiendo

su esencia y aportando una nueva dimensión

sonora a cada presentación.

Más que una serie de sesiones en vivo,

JoMa es una experiencia cultural que busca

dejar huella. El objetivo es claro: que se convierta

en un punto de referencia dentro de la

escena del hip hop argentino, un espacio donde

confluyan artistas de distintos lugares del

país, y donde cada edición eleve el estándar

tanto en lo visual como en lo musical.

FOTO: GENTILEZA GRACEMUSIC

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NOVIEMBRE 2025

JoMa Sessions

Vol. 7 | FIANRU

Escaneá el QR y descubrí el nuevo

lanzamiento de Grace Music.

VANESA MARTÍN

¿Cómo describís al público

latinoamericano?

Será un concierto muy especial. Mi

público es muy pasional, pero el latinoamericano

lo es aún más. Recuerdo

el Gran Rex, llevé a mis padres

y mi madre decía “¿esto qué locura

es?”. Desde que dije “buenas noches”,

la conexión fue brutal. Mis padres

decían “bueno, estás lejos de casa, pero

realmente te hacen sentir en casa”. Y

sí, la verdad que el cariño es increíble.

Argentina fue el primer país que me

abrió las puertas después de España,

así que siempre estará en mi agenda.

Tus letras son introspectivas

y vulnerables. ¿Escribir te

ayuda a sanar?

Sí, totalmente. He ahorrado mucho

en terapia (risas). Mucha gente me

dice que mis canciones los acompañan

o los impulsan a tomar decisiones.

Aprovecho esa ventana para hablar

de igualdad, porque aún queda

mucho por hacer. El cambio debe ser

real, no solo estético.

“El cariño es increíble, Argentina

fue el primer país que me abrió las

puertas después de España”

Experta en canciones emotivas y defensora acérrima de causas sociales, la

cantautora presenta una colaboración con Camilo y reflexiona sobre la autenticidad

y la conexión con su público.

POR KARIN LEIVA

L

a artista malagueña,

Vanesa Martín, se ha sabido

ganar su lugar en la música

latina. Con una gran trayectoria

y canciones con letras llenas de

sentimiento, la cantautora conquista

corazones, defiende la igualdad

y ayuda a hacer catarsis. “Mucha

gente me dice que mis canciones los

acompañan o los impulsan a tomar

decisiones”, señala.

Recientemente, Vanesa se unió

a Camilo para lanzar la emocional

“Maldita Mudanza”. En este contexto,

habló con Billboard Argentina

sobre la colaboración, su carrera y su

rol en causas sociales.

Estás de estreno con “Maldita

Mudanza”, junto a Camilo. Es

una canción con mucha emoción

pero también muy cálida.

¿Qué buscaban transmitir?

Es una reflexión muy loca sobre esa

búsqueda constante de algo que creemos

que está por llegar, y esa sensa-

ción de ser nómadas, en constante

movimiento. No solo aplica al amor:

también a quien deja su ciudad o su

país en busca de oportunidades, o a

quien se muda de una versión de sí

misma que ya no la representa. Ese

“pude haber sido yo” es demoledor. A

veces vuelvo a Málaga, veo a mis amigas

con sus vidas ordenadas y pienso:

“pude haber sido una de ellas”. Pero mi

vida es una maleta constante, y aun

así estoy muy agradecida. Con Camilo

creamos algo con mucha verdad y corazón;

ojalá la gente la haga suya.

¿Cómo fue el proceso creativo

junto a Camilo?

Surgió de forma muy orgánica.

Coincidimos en Miami, quedamos

para charlar y empezamos a hablar

de decoración, giras, ausencias, rutinas...

Llegamos a la conclusión de

que somos nómadas indomables,

agarramos la guitarra y fluyó. Grabamos

la canción ahí mismo.

¿Qué te sorprendió de trabajar

con él?

Camilo es un ser creativo, generoso

y luminoso. Me hizo sentir muy

cómoda y creo que juntos logramos

un tema que trasciende. Habla de esa

sensación de ser nómadas incluso

dentro de nosotros mismos. Como

artistas vivimos con nostalgia, pero

también con intensidad el presente.

Estás por regresar a Latinoamérica.

¿Qué significa reencontrarte

con este público?

Es un regalo. Casa Mía, mi nuevo

disco, me devuelve a mis raíces y

mezcla mi identidad con la de otros

lugares. Volver a los sitios que me

inspiraron es como si “casa mía” fuera

a su casa. No vengo a sumar un

país más, sino a honrarlo.

¿Notás avances en la industria

musical respecto al lugar de

las mujeres?

Sí, pero todavía queda camino. Al

principio no sabían dónde ubicarme:

“¿es pop, cantautora, fusión?”. Yo solo

decía “hago música”. Siento que abrí

camino, pero en los festivales el 70%

del cartel sigue siendo masculino.

Quiero que prime el talento, no el género.

Hemos avanzado, pero aún falta.

Después de tantos años de

carrera, ¿cuál fue tu mayor

aprendizaje?

Ser yo misma. No dejarme arrastrar

por modas. Agradezco haber

defendido mi identidad y mi música.

Lo que más valoro es respetarme y

respetar al público que compra una

entrada para verme.

Sos embajadora de Ayuda

en Acción. ¿Qué te motivó a

sumarte?

Es uno de los proyectos más bonitos

en los que he participado. Ayuda en

Acción no solo asiste, sino que enseña:

brinda educación, trabajo, acceso

al agua o la luz. No hacen y se van;

acompañan. Todos hemos necesitado

una oportunidad, y poder usar

mi voz para generar conciencia me

enriquece mucho.

¿Qué mensaje le dejarías a las

mujeres jóvenes que sueñan

con dedicarse a la música?

Que confíen en su talento y no intenten

parecerse a nadie. Que sean

auténticas, se rodeen de un buen

equipo y no se rindan ante los primeros

“no”. Tener personalidad no

significa que no valgas, sino que no

saben dónde ubicarte. Hay que tener

foco, identidad y algo que decir que

te diferencie del resto.

FOTO: GENTILEZA UNIVERSAL MUSIC

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NOVIEMBRE 2025

Robbie Williams presentó el nuevo single “Pretty Face”

Esta canción es un nuevo adelanto de su álbum BRITPOP que saldrá el 6 de febrero del 2026.

R

obbie Williams ha lanzado

un nuevo single 'Pretty

Face', extraído de su

esperado próximo álbum BRITPOP,

que se lanzará el 6 de Febrero.

'Spies', “Rocket”, “Human” fueron

los primeros adelantos de 'BRI-

TPOP', que está disponible en una

variedad de formatos, incluyendo

CD, CD de lujo, casete, casete alternativo

y digital, mientras que las

ediciones firmadas también estarán

disponibles por tiempo limitado a

través de la tienda oficial de Robbie

Williams.

Robbie dijo: "Me propuse crear el

álbum que quería escribir y lanzar

después de dejar Take That en 1995.

Fue el apogeo del britpop y una

época dorada para la música británica.

El nuevo disco es crudo, hay

más guitarras y es aún más optimista

y con más himnos de lo habitual.

Estoy inmensamente orgulloso de

esto como cuerpo de trabajo y estoy

emocionado de que los fanáticos escuchen

este álbum".

Tras el éxito de la aclamada etapa

británica de la gira de estadios

y arenas 'BRITPOP', los fans que

reserven el álbum en la tienda de

Robbie Williams recibirán acceso

anticipado a futuras fechas en vivo

en el Reino Unido de 2025. La etapa

británica de la gira terminó el

mes pasado con críticas increíbles y

una variedad de invitados sorpresa

como Lulu, Self Esteem, Lethal Bizzle

y Five, con shows en Londres,

Manchester, Edimburgo y Bath.

Los conciertos, en los que Robbie

actuó ante más de 250.000 personas

en el Reino Unido en solo dos semanas,

marcaron la primera oportunidad

para que los fans escucharán

en vivo la nueva canción 'Rocket',

que abrió espectacularmente

los espectáculos.

La portada de BRITPOP es un

guiño al título del álbum, con una

pintura de uno de los looks más icónicos

de Robbie: su traje de chándal

rojo que usó para asistir al Festival

de Glastonbury en 1995 en el apogeo

de la era del britpop.

Además, Robbie fue confirmado

como Embajador Oficial de la

Música de la FIFA, un papel global

para la FIFA que marca una nueva y

poderosa unión entre la música y el

fútbol en el escenario mundial. En

su primer compromiso en su cargo

actual, Robbie ha escrito, junto a

Karl Brazil y Owen Parker, con Erik

Jan Grob, y ha grabado el primer

himno oficial de la FIFA, 'Desire'.

La nueva canción acompaña a los

jugadores cuando entran al campo

en todos los torneos y partidos de la

FIFA en todo el mundo.

La pista oficial debutó en el partido

inaugural de la Copa Mundial

de Clubes de la FIFA y se jugará en

todos los torneos de la FIFA en el

futuro, incluida la Copa Mundial

de la FIFA 26 y más allá. Como

Embajador Oficial de la Música de

la FIFA, Robbie invitó a la artista

italiana, Laura Pausini, a participar

en la canción, y cantaron juntos la

canción en una espectacular actuación

previa al partido en la final de

la Copa Mundial de Clubes de la

FIFA en Nueva York.

FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA

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NOVIEMBRE 2025


Emergentes

Francis Amante

Memu

Terapia

Terapia, o LA T- para los amigos

del under, viene desde 2016 moviendo

el rock nacional en cada

escenario. Marki, Cappe, Fesco y

Nadir llevan su música a festivales y

salas porteñas, mientras sus letras

conversan con la vida de un músico

argentino y la realidad que atraviesa

toda su generación.

¿Qué van a comer mañana?, su disco

más reciente, se produjo de manera

completamente independiente

y busca reflejar lo que ocurre en

vivo. Entre los invitados aparecen

Pedro Saborido, Edu Schmidt (ex

Árbol), Mike (Kapanga) y varios

amigos de la banda.

Natalia Lopez decidió dejar atrás

los bares y su dúo de jazz Magnolia

para moverse en solitario como

Francis Amante; después del doble

sencillo Corriendo Detrás de 2023,

llega Filosa, su primer álbum completo

disponible en streaming con

visualizers dirigidos por Bosco Cabello,

Ivana Kairiyama y la propia

Lopez; figuras como Juana Aguirre,

Anabella Cartolano y Galgo ya lo

comentaron en la escena.

Julián y Yo

Julián y Yo acaba de lanzar La

Carne Roja, su primer LP, después

de tantear terreno con "Las Cosas

Pasando Afuera" y "Pesto". El disco

se mueve entre el rock alternativo

y un pulso post-punk, con guiños a

Lou Reed, Daniel Johnston, The

Jesus and Mary Chain, Eels, Wilco

y Courtney Barnett. Nueve temas

que giran alrededor del consumo, el

cansancio y la neurosis, sin perder

el costado irónico ni esa manera

tan porteña de reírse de uno mismo

mientras todo se derrumba un poco.

Memu lanza Fin, su primer disco. Detrás

del proyecto está Ailen Cerrano

Marincevic, artista de Necochea instalada

en Buenos Aires, donde lleva

ocho años moviéndose entre música,

danza y teatro. Sus canciones nacen

de la improvisación y cruzan jazz, hiphop,

soul, R&B y pop.

Arrancó a los nueve sobre el escenario

y a los catorce ya era la voz de

Donna Olive, banda tributo a Amy

Winehouse y Stevie Wonder con la

que terminó editando “Mutante”. Con

este álbum, abre una nueva etapa y

pone su búsqueda personal al frente.

¿Qué van a comer mañana?

TERAPIA

Filosa

FRANCIS AMANTE

La Carne Roja

JULIÁN Y YO

Fin

MEMU

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SEPTIEMBRE 2025

JOINT THE COMMUNITY

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