Billboard AR Marzo 2026

JORGE DREXLER BAD BUNNY JUANA MOLINA

TURNSTILE

ESTO ES HARDCORE

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90.000

almas latiendo

¡Nos vemos en 2027!

REVIVILO EN:

Evento enmarcado en Ley 10.032 Gobierno de la Provincia de Córdoba

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SALE S DATA

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

CO MPIL ED B Y

FOTO: POPI GRAÑA

“La Villa”, de Ryan Castro,

Kapo y Gangsta, logra su

tercera semana en la cima

Bad Bunny se queda con el récord de mayor presencias en lo que va

de 2026, con 17.

POR BILLBOARD ARGENTINA

Ryan Castro, Kapo y Gangsta

mantienen la cima gracias al

éxito de “La Villa”, track que

llegó a lo más alto a finales de enero

y que actualmente lleva el liderazgo

en la mayor cantidad de semanas en

el No.1 en 2026. El Top 10 se vio alterado

con la presencia nuevamente

de Bad Bunny, con “BAILE INoLVI-

DABLE” Y “DtMF”, en los No. 7 y 8

respectivamente.

Además, el artista puertorriqueño

reingresó al chart con “TiTí Me Preguntó”,

“No Me Quiero Casar”, “Café

CON RON”, “Moscow Mule”, “Turista”

y “PERFuMITO NUEVO”, lo que

hizo que llegara a 17 presencias en el

Billboard Argentina Hot 100 y marcara

un nuevo récord anual. También

se quedó con el Greatest Gainer gracias

a “La Canción”, junto a J Balvin,

que subió 41 lugares del No.73 al

No.32.

“Cuéntame”, de Félix Record, se quedó

con el Hot Shot Debut de la Semana

en el No.97.

Semana

pasada

1

2

6

4

5

3

21

24

7

8

Esta

semana

1

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Título

#1 por 1 SEMANA

LA VILLA

Cuando No Era Cantante

Tu Misterioso Alguien

Soy Favela

Tu Jardin Con Enanitos

UWAIE (versión cumbia)

BAILE INoLVIDABLE

DtMF

La Perla

Daddy Yankee: Bzrp Music

Sessions, Vol. 0/66

Artista

Ryan Castro, Kapo, Gangsta

El Bogueto & Yung Beef

Luck Ra Feat. Miranda!

La T y La M

Roze Oficial, Max Carra, Valen,

Ramky En Los Controles

Max Carra

Bad Bunny

Bad Bunny

ROSALIA & YAHRITZA Y SU ESENCIA

Bizarrap & Daddy Yankee

VARIACIÓN

-

-

↑

-

-

↓

↑

↑

↓

↓

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 3

---

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 14 DE FEBERO

CRÉDITO: @POPIIFT

Semana

pasada

12

Esta

semana

21

Título

W Sound 05 "LA PLENA"

Artista

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

VARIACIÓN

↓

CRÉDITO: POPI GRAÑA

52

22

EoO

Bad Bunny

↑

13

23

Amor De Vago

LA T Y LA M ft MALANDRO

DE AMERICA

↓

16

24

HACE CALOR

Maria Becerra, El Alfa, XROSS

↓

20

25

Suena en la Previa Vol. 3

cumbia rocha

↓

53

26

Que Pasaria...

Rauw Alejandro, Bad Bunny

↑

17

27

Hasta Que Me Enamoro

Maria Becerra, Tini, Xross

↓

49

28

WELTiTA

Bad Bunny, Chuwi

↑

18

29

Con Otra

Cazzu

↓

23

30

Yo y Tú

Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums

↓

22

31

Soleao

Myke Towers & Quevedo

↓

73

32

LA CANCIÓN

Bad Bunny, J Balvin

↑

Semana

pasada

9

10

33

11

25

45

19

14

4

SOY FAVELA

LA T Y LA M

Esta

semana

11

12

13

14

15

16

17

18

Título

J Balvin: Bzrp Music Sessions, Vol. 62/66

Tu Vas Sin (Fav)

VOY A LLeVARTE PA PR

No Tiene Sentido

8

NUEVAYoL

Puñaladas

Ladrón

11

12

13

14

15

16

17

18

Artista

Bizarrap, J Balvin

Rels B

Bad Bunny

Beéle

BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz

Bad Bunny

Amigo de Artistas, Lauta, Tote

Luck Ra, Karina, Ramky En Los Controles,

Zaira, Bauletti

VARIACIÓN

↓

↓

↑

↓

↑

↑

↑

↓

26

30

35

29

63

28

41

31

32

36

60

38

42

37

40

43

33

34

35

36

37

38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

TENGO UN FEELING

I Just Might

Torteval

Pensamientos

KLOuFRENS

Capaz

36 VIDAS

Mi Rfe

END OF BEGINNING

No Se Va

Diles Remix

Por Mil Noches

A Las Nueve

EL PROBLEMA DEL AMOR

La Noche Sin Tí

Como Eran las Cosas

PEPU, Pizzu

Bruno Mars

Gustavo Cerati

Airbag

Bad Bunny

Alleh & Yorghaki

TINI

Beéle, Ovy On The Drums

Djo

La T y L a M

Bad Bunny, Ozuna, Farruko, Arcangel,

Ñengo Flow

Airbag

No Te Va Gustar

Tan Bionica

Los Huayra

Babasonicos

↓

↓

-

↓

↑

↓

↑

↓

↓

↓

↑

↓

↓

↓

↓

↓

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

15

19

The Fate Of Ophelia

19

Taylor Swift

↓

47

49

Obsesionario En La Mayor

Tan Bionica, Abel Pintos

↓

27

20

Cambiaré

20

Feid, Luis Fonsi

↑

46

50

Las Guapas

Alejandro Sanz

↓

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

4 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 14 DE FEBRERO

Semana

pasada

Esta

semana

51

Título

Tití Me Preguntó

Artista

Bad Bunny

VARIACIÓN

RE

LA CANCIÓN

BAD BUNNY

Y J. BALVIN

32

CRÉDITO: @POPIIFT

39

52

Niño

Milo J

↓

34

53

Mix Cumbia 1

The La Planta, Junior

↓

50

54

amor de veraNO

La T Y La M

↓

48

55

Si Antes Te Hubiera Conocido

Karol G

↓

91

56

Hagamos Que

Juanes

↑

51

57

Octubre

Coti

↓

55

58

Yogurcito

Blessd

↓

59

Opalite

Taylor Swift

RE

71

60

Esperando Por Tí

Roze & Abel Pintos

↑

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

VARIACIÓN

44

61

Canción Para Regresar

Sebastián Yatra, Lucho RK, Belinda,

Gente De Zona

↓

89

81

Nunca quise

Intoxicados

↑

58

62

Vagabundo (Spanish Version)

Sebastián Yatra, Manuel Turizo, Beéle

↓

82

CAFé CON RON

Bad Bunny, Los Pleneros de la Cresta

RE

70

56

59

57

65

54

61

79

75

72

67

66

81

82

69

74

63

64

65

66

67

68

69

70

71

72

73

74

75

76

77

78

Loco (Tu Forma De Ser)

Loco Enamorado I Varieté #4

Pasos Al Costado

Romantica

444

Hielo Al Vino

Si No Es Muy Tarde

Tan Lejos

6 De Febrero

Secrets

QLOO*

Un Osito De Peluche De Taiwan

La Morocha

Adios

Favorita

Campanas En La Noche

Los Autenticos Decadentes

Max Carra, Tincho Di Salvo & Javi Zurro

TURF & MILO J

Maria Becerra, Jay Wheeler, XROSS

Yan Block & Panda Black

Abel Pintos

Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave,

Un Poco de Ruido y Pinky SD

No Te Va Gustar

Aitana

Miley Cyrus, Lindsey Buckingham,

Mick Fleetwood

Young Cister, Kreamly

Los Autenticos Decadentes

Luck Ra & Bm

Gustavo Cerati

Ángela Torres

Los Tipitos

↑

↓

↓

↓

↓

↓

↓

↑

↑

-

↓

↓

↑

↑

↓

↓

62

68

77

87

80

88

86

85

92

83

84

90

83

84

85

86

87

88

89

90

91

92

93

94

95

96

97

98

PIEL

Cuidado Que Te Supero,

Los Herrera

Corazón

Nunca Lo Olvides

BICHO DE CIUDAD

Extraño

Moscow Mule

Me Gusta

Más Amor X Favor

Una Y Otra Vez

DARDOS

Irresponsables

TURISTA

PERFuMITO NUEVO

Cuentame

Every Breath You Take

KE PERSONAJES, TIAGO PZK

Q' Lokura

Cielo Razzo

Airbag

Los Piojos

Miranda! & Santiago Motorizado

Bad Bunny

Ciro Y Los Persas

La T Y La M

Marcela Morelo, Luciano Pereyra

Prince Royce, Romeo Santos

Babasonicos

Bad Bunny

Bad Bunny, RaiNao

Felix Record

The Police

↓

↓

↓

↑

↓

-

RE

↑

↓

-

↓

↓

RE

RE

NEW

↓

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79

NO ME QUIERO CASAR

BAD BUNNY

RE

95

99

El Doctorado

La T Y La M

↓

64

80

Far Away

Nico Valdi, PEPU, Pizzu

↓

100

Creo

Callejeros

RE

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

6 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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PRESIDENTE

Jorge R. Arias

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Juan Pedro Dondo

Analía Arias

Gonzalo Luzza

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ezequiel Ruiz

Julián Mastrángelo

Gabriel Sotelo

CONTENIDOS

Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /

Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna

Colaboraron en esta edición:

Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo / Gabriel Plaza /

Gabriel Hernando

IMAGEN Y DISEÑO

Sofía Graña / Magdalena Medina /

Valentino Luzza Schimpke

BRAND PARTNERSHIPS

Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla / Melanie Lomas

IT / TECNOLOGIA

Franco Di Nitto

DEPARTAMENTO CONTABLE

Marcela Dermgerd

CONTACTANOS

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Administración: administracion@billboard.ar

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Billboard Argentina es una licencia de

ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.

Dardo Rocha 2188, San Isidro, Buenos Aires, Argentina

Tel: +54 011 7917 1024

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CHAIRMAN & CEO

Jay Penske

CHIEF OPERATING OFFICER

George Grobar

MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS

Debashish Ghosh

ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS

Gurjeet Chima

ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND

& PARTNERSHIP OPERATIONS

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EDITORIAL DIRECTOR

Hannah Karp

SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT

Silvio Pietroluongo

CREATIVE DIRECTOR

Alexis Cook

CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL

Leila Cobo

INTERNATIONAL EDITOR

Alexei Barrionuevo

DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL

Sigal Ratner Arias

Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de

los artículos sin la previa autorización del director. El material

periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.

RNPI: 5349798

Bad Bunny hizo historia en Buenos Aires. Leé más en la página 14. ISSN 2344-9276 · Año 12 · Nº 148 · Marzo 2026 · Argentina: $20000

FOTO: POPI GRAÑA

8 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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Contenidos

CHARTS

3. Billboard Argentina Hot 100

INTRO

13. Soda Stereo Ecos

ENTREVISTAS

26. Jorge Drexler

30. Turnstile

40. Juana Molina

42. KMI 420

48. Mora Bianchi y Toti Spangenberg, de Margarita

50. Emanero

60. Zeca Veloso

62. Leire

ESPECIALES

14. Grammy 2026

16. Cosquín Rock

18. Track x Track: Joaquín Levinton

20. Ultra Buenos Aires

24. Discos del mes

28. Soledad y los 30 años en Cosquín Folklore

44. 40 años de Tango, el proyecto de Charly García y

Pedro Aznar

46. Charli XCX y la banda sonora de Wuthering Heights

52. Vivo: Nicki Nicole, Sin Bandera, Yandel, Ke Personajes,

The Hives, My Chemical Romance, K4OS, The Cardigans

64. Lanzamientos

78. Emergentes

EN LA TAPA

Turnstile, por Alexis Gross

10

BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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TU MISTERIOSO

10

SEMANAS

EN EL N.1º

ALGUIEN (CUARTETO) 37

LUCK RA, MIRANDA!

SEMANAS

EN EL CHART

SOY FAVELA

TU JARDIN CON ENANITOS

UWAIE (VERSIÓN CUMBIA)

DADDY YANKEE: BZRP MUSIC

SESSIONS, VOL. 0/66

J BALVIN: BZRP MUSIC

SESSIONS, VOL. 62/66

PUÑALADAS

LADRÓN

AMOR DE VAGO

HACE CALOR

LA T Y LA M

ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,

RAMKY EN LOS CONTROLES

MAX CARRA

BIZARRAP & DADDY YANKEE

BIZZARAP, J BALVIN

AMIGO DE ARTISTAS, LAUTA, TOTE

LUCK RA, KARINA, RAMKY EN LOS

CONTROLES, ZAIRA, BAULETTI

LA T Y LA M FT MALANDRO

DE AMERICA

MARIA BECERRA, EL ALFA, XROSS

12 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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Soda Stereo Ecos

INTRO

El regreso imposible de la gran banda de América

Zeta Bosio y Charly Alberti traen al presente la música del trío en un ambicioso formato tecnológico que revolucionará a la

escena en español.

POR KARIN LEIVA

FOTOS: NORA LEZANO

s

oda Stereo regresa a los escenarios

con su gira Soda Stereo

- Ecos. El 21 de marzo en el Movistar

Arena de Buenos Aires, la banda

iniciará el viaje que contará con 10

funciones en el mismo recinto y se

extenderá por Latinoamérica, Estados

Unidos y España hasta septiembre.

Tal es la expectativa que el espectáculo

ya vendió más de 265 mil entradas.

El anuncio se dió el pasado 29 de

septiembre. Tras unas publicaciones

misteriosas que crearon gran expectativa

entre sus fanáticos, el grupo

anunció su vuelta. En aquella primera

comunicación, la prensa del evento

resaltó: “Gustavo, Charly y Zeta

nuevamente juntos en un escenario.

Imaginemos un lugar donde lo irreal

se vuelve real, donde nos transportamos

a momentos soñados y los deseos

se convierten en realidad, permitiéndonos,

gracias a la tecnología,

vivir el reencuentro más esperado”.

Sin embargo, con Soda Stereo Ecos

la banda no busca repetir el pasado.

A diferencia de su gira Gracias Totales

- Soda Stereo, considerada la despedida

definitiva del grupo, esta nueva

propuesta plantea una experiencia distinta.

En esa ocasión se había utilizado

audio pregrabado de Cerati y hubieron

artistas invitados. Ahora, la banda

aclaró: “No es tributo. No es homenaje.

No es película. Es Soda, en vivo”.

Entonces surge la verdadera incógnita:

¿cómo estará Gustavo Cerati en

el escenario? Para esto, se habla de que

se replicará una lógica similar a los

avatares hiperrealistas utilizados en la

residencia ABBA Voyage de la famosa

banda sueca de pop. El funcionamiento

cuenta con una pantalla que da la

ilusión de presentación en vivo, a través

de la coordinación de efectos visuales e

iluminación. Esto será acompañado de

la voz y guitarras originales de Gustavo.

Por otro lado, la producción se

maneja bajo un fuerte hermetismo.

Charly Alberti trabaja en Buenos Aires

mientras Zeta Bosio avanza desde Miami,

revisando material audiovisual y

registros completos de giras anteriores.

Según trascendió, el equipo está analizando

minuciosamente grabaciones

de la histórica gira Me Verás Volver de

2007, el último reencuentro de la banda

antes del fallecimiento de Cerati en

2014. Aquella serie de recitales marcó a

una generación y reafirmó a Soda como

una de las bandas más influyentes del

rock en español.

Además, para mantener bajo llave

los detalles del espectáculo, los artistas

hicieron público que firmaron un

acuerdo de confidencialidad que no les

permite revelar nada de lo que se viene.

Incluso no dan notas a los medios

para evitar que se les escape cualquier

mínimo detalle. Sin embargo, Alberti

dio una entrevista en donde aprovechó

para hablar un poco de este espectáculo.

“Sabemos que Gustavo no está,

pero vamos a tocar los tres, el audio va

a ser los tres juntos tocando. Entonces

la gente va a ver y a escuchar a Soda

Stereo”, dijo.

Asimismo, agregó: “Estamos trabajando

muchísimo en el show hace

mucho tiempo, poniendo lo mejor

que se pueda para generar un espectáculo

que creo va a ser disruptivo”.

Si algo demostró Soda a lo largo

de su historia es que supo reinventarse

en cada etapa. Ahora, casi cuatro

décadas después de su irrupción en

la escena musical, el desafío es otro:

traer el pasado al presente sin que

pierda su esencia.

Con clásicos como “Persiana americana”,

“En la ciudad de la furia” y

“De música ligera” como posibles

protagonistas del setlist, Soda Stereo

Ecos promete convertirse no solo en

uno de los eventos del año, sino en un

nuevo capítulo dentro del legado del

trío. De este modo, este no es solo un

regreso, sino que es uno de los experimentos

tecnológicos más ambiciosos

del rock en español.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 13

---

BAD BUNNY

EN ARGENTINA

---

Tradición boricua con sabor porteño:

así fue la pasada del Debí Tirar Más

Fotos World Tour por Buenos Aires

“Este show trata de la unión de Argentina con Puerto Rico”, aseguró la superestrella, y lo respaldó con hechos: referencias a

su identidad cultural, participación de figuras de la escena local y una puesta que convirtió al Monumental en un espacio de

encuentro latinoamericano.

POR ANTONELLA LOPREATO

FOTO: POPI GRAÑA

SI POR UN RATO SE DEJAN DE LADO LAS DEFINICIONES

y se escucha cómo suena una identidad cuando

se dice con orgullo: "Acho, PR es otra cosa", con

esa "a" estirada y dicha desde una voz caribeña y

llena de memoria, alcanza y sobra para entender

el presente de Bad Bunny. Esa misma frase

actúa hoy como la llave que el puertorriqueño

gira para abrir una fiesta que celebra las raíces

latinoamericanas, como la que armó durante un

fin de semana de febrero en Buenos Aires para

presentar su sexto disco, Debí Tirar Más Fotos, al

público porteño. Fueron tres fechas en el Estadio

River Plate, a lleno total.

En junio de 2017, el artista llegó por primera vez

al país para montar un tour rápido y furioso por

distintas bailantas entre la capital argentina y el

conurbano bonaerense. En ese raid vino a mostra

un proyecto que todavía estaba en pleno crecimiento.

Pocos sabían su nombre, pero varios ya

cantaban de memoria "Diles", "Soy Peor" o incluso

"Me Mata", canciones que empezaban a correr de

celular en celular. Tenía 23 años y todavía no había

editado su primer álbum cuando llegó con una gira

que, vista hoy, parecía anunciar algo mucho más

grande de lo que cualquiera podía imaginar.

Tal vez el reggaetón sí le cambió la vida a muchos

y Benito Antonio Martínez Ocasio es uno

de ellos. Hijo de un chofer de camiones y de una

maestra de inglés, ya no es el mismo chico de

hace diez años, aunque conserve la misma convicción

al hablar de dónde viene. Entre aquellas

noches febriles -donde también conoció de primera

mano la ebullición de la incipiente escena

trap argentina- y esta serie de estadios del Debí

Tirar Más Fotos World Tour, vivió una década

intensa en tierras nacionales: tres Luna Park en

2018, el Buenos Aires Trap en febrero de 2019 y

dos estadios de Vélez en 2022, agotados al calor

del fenómeno de Un Verano Sin Ti.

Este año, Argentina recibió a un artista que

llegó después de consagrarse en los Grammy

como el primer latino en ganar el Álbum del

Año con un trabajo íntegramente en español; de

ponerse al frente del show del Super Bowl ante

128 millones de espectadores -una actuación

que provocó el enojo público de Donald Trump,

quien dijo que fue "el peor show que vio"-; y

como autor de un trabajo que vuelve a sus raíces.

Entre salsa, bolero y plena, pone en escena el

colonialismo, la migración forzada y la tensión

con Estados Unidos. En una isla atravesada por

el avance del turismo, la emigración juvenil y el

retroceso del español, el reggaetonero responde

con un disco que martilla: "De aquí nadie me

saca".

La segunda noche, sábado 14, Día de los

Enamorados, empezó antes de lo pautado, con

amenaza de tormenta y un cielo grisáceo sobre

Núñez que apuró los tiempos. En la previa

sonaron "No voy en tren" de Charly García y

"Mágico" de Joe Vasconcellos, un cóctel de rock

y ritmos latinos que ya tiraba pistas de hacia

dónde iba la cosa. El disparo de largada fue "La

Mudanza", después de un video introductorio

grabado en un conventillo del barrio de La Boca,

y casi sin pausa, "Callaíta" terminó de prender

fuego al estadio. José Eduardo Santana se sumó

desde la pantalla para abrir "Pitorro de coco" y

Benito levantó la botella para brindar por los

suyos. Después llegó Lorén, del dúo Chuwi, en

"Weltita", y "Turista" bajó un cambio, todo con

los 17 músicos de la formación.

"Este show es bien sencillo, bien básico y bien

simple. Este show trata de la unión de Argentina

como pueblo con Puerto Rico y con América Latina.

Trata de disfrutar las cosas más sencillas de

la vida. Cantar, bailar, brindar, reír, llorar, amar.

Ustedes tienen el poder de convertir esta noche

en una que no olvidemos nunca", dijo cuando

el recital llevaba poco más de media hora. Enseguida,

Sebastián Torres tomó el teclado y abrió

"Baile inolvidable" con una introducción que dio

lugar a una pareja de bailarines que llevó la escena

hacia la salsa y la tradición boricua. El bloque

cerró con "Nuevayol", en una versión más cercana

al ritmo original del sample de "Un verano

en Nueva York", el clásico de El Gran Combo de

Puerto Rico.

Después de encadenar varios temas, la acción

se mudó a La Casita (stage que representa los

hogares más austeros de la isla), esa estructura

montada en el campo que días atrás había generado

ruido entre los fanáticos por su ubicación

en el sector más económico del recinto. La elección

convirtió ese rincón en el centro del show y

desplazó, al menos por unos minutos, la lógica

tradicional de jerarquías dentro de la cancha. Las

cámaras empezaron a recorrer al público desde

adentro del set y el juego de reconocimientos

comenzó. Guillermo Novellis, cantante de La

Mosca, y Callejero Fino aparecieron en pantalla

y saludaron desde la tribuna VIP, mientras el foco

se movía entre famosos y anónimos.

Cuando sonaron "Veldá", "Tití me preguntó",

"Neverita" y "Si veo a tu mamá" ya no quedaba nadie

quieto en el campo. A partir de ahí, el espectáculo

volvió a plantarse en el escenario del fondo

y el dembow tomó otra vez el control con "Voy

a llevarte pa' PR". Antes de que entrara la base,

Benito hizo subir a un fan argentino y le pasó el

micrófono para que soltara la primera línea. El

estadio estalló cuando ese "Acho, PR es otra cosa"

salió con acento porteño.

La seguidilla siguió con "Me porto bonito" y

el remix de "No me conoce", dos golpes al centro

del campo, hasta desembocar en "Mónaco", que

levantó la temperatura con esa línea futbolera -"Es

como meter un gol después de Messi y Maradona"-

dicha en el lugar exacto para que River respondiera.

Cuando parecía que el bloque ya estaba

cerrado, la pantalla anunció una sorpresa exclusiva

de esa noche. Mora apareció para cantar "Una

vez" y la tribuna volvió a encenderse. El tramo

terminó con "Café con ron" junto a Los Pleneros

de la Cresta, cerrando el círculo caribeño en pleno

Monumental, como si Puerto Rico se hubiera

mudado por un rato a Buenos Aires.

LA ESCENA QUE LO RECIBIÓ PRIMERO

Al volver al escenario principal, todavía quedaban

algunas cartas por jugar. El Conejo Malo giró

la mirada hacia la escena local y convocó a Khea,

Duki y Cazzu para encender "Loca Remix", un

cruce que recuerda a los primeros años del trap

argentino y a aquel vínculo amistoso que empezó

mucho antes de los estadios, allá por el 2018.

"Quiero que les den una vez más todo el amor,

como siempre lo han hecho, a las personas que

me abrieron las puertas de su movimiento aquí

hace muchos años", dijo el puertorriqueño, antes

de correrse y dejar que Cazzu tomara el centro

para cantar "Con otra".

En el cierre, "Ojitos lindos", "La canción", "Dákiti"

y "El apagón" cayeron una atrás de la otra,

todavía con la energía caliente que había dejado

el trío trapero. "DTMF" plantó la bandera en el

centro del estadio y "Eoo" cerró a pura descarga,

como para que nadie se fuera masticando

melancolía.

El show admite más de una lectura -y no significa

lo mismo en cada país-, pero en Argentina

tuvo algo de "cachetazo" para esa élite que todavía

mira el reggaetón por encima del hombro. Porque

cuando el género más masivo de la región deja de

ser simple música de fiesta y se convierte en punto

de encuentro, identidad y hasta toma de posición,

el viejo "no es lo mío" pierde peso y la discusión

deja de ser una cuestión de gusto.

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Cosquín Rock 2026

POSTALES DEL FESTIVAL EN LO QUE TODO PUEDE SUCEDER

El 14 y 15 de febrero, en el Aeródromo de Santa María de Punilla, se realizó el encuentro musical que junta a la mayor

cantidad de artistas de la plana musical del país. Asistieron más de 90 mil personas, reafirmando que la mística de la

montaña crece año a año.

POR JUAN CRUZ REVELLO Y EZEQUIEL RUIZ

lásicos y emergentes,

de todo se escuchó

C en el festival más federal

del país. Fueron 109

artistas los que se presentaron en

Cosquin Rock 2026, demostrando

una amplitud musical sin escalas.

Entre todo lo que se pudo disfrutar,

se dieron sorpresas con presencias de

clásicos del rock argentino, fusiones

de estilos, mashups generacionales y

universos paralelos. En Billboard Argentina

destacamos esos momentos

irrepetibles, que le dan un plus especial

y único al evento.

ESTIRANDO LÍMITES CON ABEL PINTOS

Para los puristas del rock, la inclusión

de Abel en la grilla causó cierta controversia

a pesar de ser un músico que

ha declarado en reiteradas oportunidades

su pasión rockera. Justamente

Lula Bertoldi, voz y guitarra de Eruca

Sativa, declaraba en Billboard Argentina

como previa de esta edición 2026

de Cosquín Rock, que la variedad de

estilos era algo a destacar del festival.

Coherente con esa apertura, apenas

iniciado el día 1 en el Escenario Norte,

la banda lo invitó a cantar “Amor Ausente”,

canción que ya los había juntado

en otras oportunidades. Una de las

novedades de este Cosquín Rock, fue

la inclusión de un Escenario Sorpresa.

De dimensiones más pequeñas, entre

el Norte y el Montaña, se encontraba

este espacio en el que nadie sabía que

podía pasar. Así, con la noche cayendo

lentamente, Kurz comenzó a tocar

con su banda y un sinfín de invitados.

Entre esos estuvo Pintos que hizo una

celebrada versión de “Ji-ji-ji”, el clasicazo

de los Redonditos de Ricota. “Me

alegra mucho que me hayan invitado

Eruca y Ale Kurz, porque no había tenido

la oportunidad de vivir el festival.

Hacer un concierto propio ya es una

emoción muy grande, pero además

poder visitar todo el predio, encontrarme

con amigos, ser un poco parte

del rock a través de las canciones que

todos conocemos y amamos, eso es un

honor para mí”, declaró el músico ante

la consulta de Billboard Argentina.

EL DÍA EN QUE LITTO NEBBIA HIZO

SALIR EL SOL

El pionero indiscutido del rock argentino

estuvo presente por primera

vez en un Cosquín Rock. No en un

show propio, sino como invitado de

El Kuelgue, para hacer juntos dos

canciones: “Solo se trata de vivir” y

“Peluquita”. El clima nublado de la jornada

se disipó cuando entró en juego

la voz eterna de Litto, quien hizo que

Abel Pintos

Litto Nebia

FOTOS: GENTILEZA PRENSA COSQUÍN / FOTO YSA: MARIANO KAPLAN

16 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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FOTOS: GENTILEZA PRENSA COSQUÍN / FOTO YSA: MARIANO KAPLAN

saliera el sol. “Es una aventura linda de

compartir, con música. El encuentro

se dio luego de que pasamos por la

experiencia de tocar juntos en el ciclo

Portal Sessions. Grabamos, filmamos y

nos hicimos bastante pegotines con los

chicos de El Kuelgue. Yo los conocía

porque me gustaban cosas que hacían

y ellos conocen canciones mías. Armamos

un repertorio de cinco canciones

y ahí dijimos: ‘Para qué vamos a hacer

esto solo, hagamos algo más’, y así me

invitaron a tocar en Cosquín y en otro

festival”, detalló Nebbia en diálogo con

Billboard Argentina. También manifestó

estar contento por estar en Cosquín

Rock y por “relacionarme con

otros músicos. No importa la edad,

Cuarteto de Nos

León Gieco

Ysy A

siempre que haya coincidencia en el

buen gusto por la música, en el repertorio

compositivo y en la tímbrica sonora.

Se da por gusto propio de la música,

como he tocado con Los Reyes

del Falsete, Leo García, y últimamente

hemos compartido fechas con la hija

de León Gieco, que está haciendo una

música instrumental buenísima”.

EL DEBUT DE EL CUARTETO DE NOS

Los uruguayos se presentaron por

primera vez en el festival y lo hicieron

con mucho público presente. Respecto

a la popularidad que tomó la banda

a lo largo de los años, su cantante y

principal compositor, Roberto Musso,

dijo: “Nunca pensamos en este

Lali

presente, y tal vez ahí está el secreto.

Siempre lo tomamos como un divertimento

mientras hacíamos nuestras

carreras académicas. Pero la banda fue

creciendo y casi sin quererlo, la música

nos fue ganando. En un momento

decidimos si seguir siendo una banda

part time o nos dedicábamos 100% a

la música, bueno, se ve la decisión”. En

Cosquín Rock sentían el desafío de seducir

al público del festival: “Nosotros

lo llamamos la ingeniería del set list en

los festivales… Es un equilibrio para

nosotros. Obviamente van las canciones

que son caballito de batalla, pero

también hay un montón de gente que

hay que seducir porque viene a ver a

otros artistas. Y que a veces dice: ‘Ah,

mira, estos son los que tocaban la canción

de Damián, o los sentí en la radio

una vuelta, no son tan malos en vivo

(risas)’. Entonces también metemos

algunas canciones del disco nuevo y

asumimos riesgos con otras que son

más performáticas, que no son tan instrumentalmente

rockeras”.

LEÓN GIECO, EL GRAN INVITADO

La de León fue una presencia que

duró todo el día domingo. No estaba

dentro de la grilla del festival, sin

embargo, temprano por la tarde subió

con Beats Modernos, la banda que

llevan adelante el Zorrito Von Quintiero,

Rosario Ortega y Fernando

Samalea, músicos que tocaron con

Charly García en distintas etapas.

Apenas empezada la jornada, ya teníamos

uno de los momentos más

conmovedores de los dos días. Se

escucharon “Los Salieris de Charly”,

“Pensar en nada” y “El fantasma de

Canterville”. Pero con “Yo no quiero

volverme Lali tan loco” las emociones colectivas

realmente llegaron a su punto

máximo. Un rato después, Gieco también

estuvo presente en el show de

Agarrate Catalina –vienen tocando

juntos desde hace un tiempo-, que se

dio en el Escenario Sorpresa. Y a la

noche sorprendió subiendo a cantar

con Trueno, en el espacio Sur: la propia

“5 siglos igual” y “Tierra Zanta”

–del rapero xeneize- para generar un

desborde absoluto. Lejos de quedarse

ahí, más tarde volvió al Escenario

Sorpresa para tocar nuevamente

con Agarrate Catalina y El Plan de la

Mariposa para hacer otra versión de

“Pensar en nada”.

LA HUELLA DE SUMO EN LALI

¿Se juntaron los Sumo? No. Pero

Cosquín Rock tiene esos momentos

en donde todo fluye y se relaciona,

a pesar de que sean generaciones y

músicas diferentes. En ese sentido, se

dieron colaboraciones y universos paralelos

increíbles. Andres Ciro invitó a

tocar a Ricardo Mollo –voz y guitarra

de Divididos–, y cuando lo presentó

dijo que fue integrante de “la banda

más grande de rock de la Argentina,

la que tuvo la característica de mirar

hacia el futuro”. Si bien tocaron “Morella”,

clásico de Los Piojos, hubo algo

del aura prodanesca en la interpretación

de Ciro. Más tarde, Lali le dio

vida a una inesperada versión de “Los

Viejos Vinagres”. “Para vos, lo peor, es

la libertad”, gritó la popstar con ganas,

quien siempre tiene algo para decir y

quien quiera oir, que oiga. A la misma

hora, pero en el escenario de enfrente,

estaban tocando Las Pelotas, una

de las bandas surgidas tras el final de

Sumo. La línea de tiempo alternativa

no quedó solo en eso. Antes de que

todo esto sucediera, Lali y Las Pelotas

compartieron espacio en camarines

y charlaron como si se conocieran de

toda la vida. “Festivales como estos te

dan la oportunidad de tener una charla

con alguien a quien admirás. Estuvimos

toda la tarde acá, comiendo,

tomando algo, charlando. Nunca había

compartido con los muchachos de Las

Pelotas, así que se dio un lindo cruce.

Fue muy lindo pasar un rato con ellos”,

le dijo Lali a Billboard Argentina.

EL ESPIRITANGO DE YSY A

El rapper volvió a sellar su cruce con

el género ciudadano por excelencia y

sumó nuevamente a Hernán Cucuza

Castiello, músico, letrista y compositor

tanguero, quien también tiene una

seductora raigambre rockera. Juntos

hicieron una interesante fusión entre

tango y trap, que lejos de sonar forzado,

resultó genuino y hasta novedoso.

Luego, Cucuza dijo que “hay algo

en el tango y el rock que forma parte

de la lírica urbana”, una frase de Luis

Alberto Spinetta quien a esa fusión

la diagnosticó como “tangolencia

rockera”. “Ysy lo lleva a la cancha de

Huracán con 45.000 pibes y pibas o

al Cosquín Rock, poniendo el sentir

de Spinetta, el nuestro, en el marco

de semejante festival o llevándolo a

Suiza, a Bariloche, a París, a La Plata,

a Bogotá… A todos los lugares que

puede y quiere”, cerró el tanguero.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 17

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Track X Track

JOAQUIN LEVINTON ESTRENA YO SOY JOAQUÍN, SU PRIMER ÁLBUM EN SOLITARIO

Mientras celebra 30 años con

Turf, el cantante rescata del

pasado un puñado de canciones

muy personales que no tendrán

presentación en vivo. “No voy a ser

solista”, asegura.

POR EZEQUIEL RUIZ

“N

o es que ahora vaya a ser solista.

Es un material que grabé hace

muchos años, después de Sponsors y

antes de que volviéramos a juntarnos

con Turf. Empecé a hacer canciones que

tenían más que ver con mi vida, con mis

propios sentimientos. Y ahí me encerré en

mi casa, cuando vivía en Almagro, a escribir.

Lo hicimos en soledad,

con Ezequiel Araujo, productor

del álbum”, explica

Joaquín Levinton en diálogo

con Billboard Argentina

acerca de Yo soy Joaquín, su

primer disco en solitario.

“Es un disco sin pretensiones.

Cuando lo hice, la

idea original era sacarlo sin

ninguna compañía, regalarlo

y chau Pinela. No va a tener

presentación, gira, ni nada

parecido a eso”, dice. Cuando

estas canciones empezaron

a ser creadas, Levinton

estaba pasando pasando por

un momento de hipercreatividad:

ahí están también, a

la espera de ver la luz algún

día, un álbum con Cucho

Parisi de Auténticos Decadentes

(de título Joacucho),

otro con Daniel Melingo,

uno más con un cantante

peruano de salsa (se llamaría

Salsa Blanca), canciones con

Moris. “Todo eso sucedió al

mismo tiempo. Era un mundo

de aventuras musicales

increíbles”.

“Misteriosamente pasa

que yo vengo a sacar este

disco el 3 de marzo, que es

mi cumpleaños. Y además

casi me muero hace un mes

y medio. Con lo cual es una

especie de renacimiento. Es

un bucle temporal muy raro,

porque estas canciones no

salen en su momento”, contextualiza.

Esta música saldrá

justo después de haberse recuperado

de un infarto y de

operarse de las cuerdas vocales.

“Estoy en un momento

raro. Me estoy cuidando para

estar en forma, es todo día a

día. Me pone contento que

la gente me quiera, porque

el día en que casi me muero,

todo el mundo se preocupó.

¡Me moría si me moría antes

que Mirtha, imaginate!”,

asegura. En el año en que

Turf cumple 30 de recorrido

y él llega a los 51, el cantante

abre el cofre de los temas

más personales que alguna

vez haya escrito.

FOTOS: GUIDO ADLER

18 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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1. “YO SOY JOAQUIN”

“Viéndolo así solo, suena

medio pelotudo. Pero es una

presentación, una especie

de resumen de cómo me

sentía en ese momento.

Me parecía divertido o

chifladísimo que un chabón

en un disco se presentara

así. ¡Es cualquier cosa! En

ese momento tenía una

reputación bastante difusa,

que no es la misma que

tengo hoy, que la gente

me conoce de una manera

más cálida. Estaba más

picantón”.

2. “TE AMO”

“Tiene la gracia de que se diga ‘te

amo’ porque es una canción hecha

bajo la fantasía de cómo sería una

canción absolutamente radiable. Un

chiste de un hit de radio: tiene todos

los trucos, los yeites y los recursos

que tiene una canción que pretende

ser un hit. Pero que nunca lo va a ser.

Quien te dice, en una de esas… Soy

de decir ‘te amo’ en la intimidad. ¿A

quién no se le escapó un ‘te amo’?

(risas)”.

3. “ESTÚPIDO”

“Es terrible, una canción desgarradora. Me había separado,

pero más que separado, me habían dejado. Me

rompieron el corazón… ¡justo en el momento en el que dije

‘te amo’! Y me cagaron. Lo más loco es que me aguanté un

montón para decírselo. Tenía ganas de decirlo pero, ¿viste

cuando uno se cubre con una coraza invisible y no dice lo

que siente por precaución? Se lo dije y a los 40 minutos

se terminó todo. Quedé re deprimido por tres meses, creo

que fue la única vez que estuve así por amor. En la cama,

no me podía levantar, abatido de ánimo… Me empecé a

hablar a mí mismo: ‘¿Cómo puede ser, Joaquín, que estés

así? ¿Por qué no te levantás y andás, como Lázaro?’. Y ahí

empecé: ‘¿Cómo pude ser tan estúpido?’. Quise hacer una

canción tan comprometida y sincera que me voy a reconocer

como estúpido, que todos lo sepan y no avergonzarme

de ello. Fue una canción sanadora. Empecé a cantar eso y

se me fue. Fue como ir al psicólogo”.

4.“SI TE CAES, TE LEVANTO”

“Mercedes, la mujer de

Melingo, me dejaba muchos

mensajes en el contestador.

Ella escribe poesía. Y de uno

de los que me dejó, me gustó

la idea que tiraba. Así que le

hice un estribillo y compuse

la canción. La gracia de la

letra es que dice: ‘Me olvidé la

puerta abierta’. Y eso es algo

que efectivamente fue real: me

dejaba la puerta abierta de mi

casa. Una vez la olvidé abierta

y me fui a Valeria del Mar, con

la famosa casa rodante y todo

eso. Volví varios días después

y seguía la puerta abierta. No

había entrado nadie y eso que

la casa estaba llena de cosas.

Yo creo que los ladrones tenían

pánico de entrar ahí y no salir

más (risas)”.

5. “TE QUIERO (PERO LEJOS)”

“Agustín Della Croce,

el productor con quien

trabajé en la época de

Sponsors, se había puesto

muy hinchapelotas en

un momento. Yo estaba

tratando de grabar una

canción y él caminaba

mucho alrededor mío, sobre

un piso de madera y hacía

ruido. Entonces me propuse

hacer una canción, grabarla,

mezclarla y él no iba a

poder evitarlo. Me hablaba

a los gritos y aprendí a no

escuchar su voz. Podía

estar concentrado en el

tema haciéndolo. La terminé

y se la mostré: ‘Te quiero…

Pero lejos’”.

6. “LA PARED”

“Habla de un amigo, que

se llama Fede, con el

que pasábamos mucho

tiempo juntos. De repente,

nos distanciamos. Pero

es algo normal en mucha

gente que está muy

unida, de pronto necesita

separarse y al tiempo, se

vuelve a juntar. Se trata de

entender y comprender:

a veces uno no tiene que

entender al otro, sino que

lo tiene que comprender.

Es algo que aprendí

haciendo esta canción”.

7. “PARA SABER”

“Tiene una onda a los

Decadentes, es muy

alegre. Tiene muchos

guiños, es un culto a

los trucos: tiene un

bajo a ‘Walk on the

Wild Side’ (Lou Reed),

tiene un fraseo de

‘Viento dile a la lluvia’,

algo de Virus en la

letra, otro poco de

Almendra… Es una

canción que nos trajo

mucha alegría, nos

daba ganas de bailar”.

8. “RESPUESTA PERFECTA”

“La respuesta perfecta es el ‘sí’, dice la

canción. Es un guiño a John Lennon:

‘Yes is the answer / And you know

that, for sure’ (‘Mind Games’). También

había un manager que me hinchaba

mucho, que me decía a todo que ‘no’.

Y cuando me tenía que decir sí, decía:

‘Seeeh’. Con ‘e’. ¡Me daban ganas de

asesinarlo! Después, tiene un sentido

más profundo, buceando en el amor,

a lo Leonardo Favio. ‘Dicen que es

bueno prevenir pero yo siempre tengo

que curar’, dice la letra. ¿Será porque

soy impredecible? En esa época

estaba medio salvajón. Entonces,

después tuve que curar”.

9. “ADIVINARME”

“Habla de una noche de rocanrol, de lo

lindo del amor y de adivinar al otro. El

contraste entre el vacío y el amor. No

me gusta mucho andar descifrando

la canción porque es muy feo cuando

vos toda la vida pensabas que una letra

hablaba de una cosa y tenía que ver

con otra. Me pasó con ese tema tan

lindo de Julio Iglesias, ‘La carretera’,

que se lo escribió a un perro que tenía

en Mar del Plata… Bueno, nada más

profundo que el amor de un perro. Me

gusta que en este disco haya cosas

sobre las que cada uno pueda entender

lo que quiera”.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 19

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POR JULIÁN MASTRÁNGELO

ULTRA BUENOS AIRES 2026

RESUMEN Y ENTREVISTAS DE LO MEJOR DE LA DÉCIMA

EDICIÓN EN EL PARQUE DE LA CIUDAD

El cierre del festival contó con el anuncio oficial de la edición de 2027, que será los días 2 y 3 de abril.

urante dos días, ULTRA

D Buenos Aires desplegó una

gran producción en el

Parque de la Ciudad, ofreciendo una

experiencia de escala internacional

que volvió a reunir a miles de fanáticos

de todo el país y la región. Con

una convocatoria superior a 80.000

asistentes, el festival vivió un nuevo

capítulo histórico y reafirmó su lugar

como uno de los encuentros electrónicos

más importantes de Argentina.

Con un line-up compuesto por

más de 70 artistas, ULTRA Buenos

Aires 2026 presentó cuatro escenarios

con propuestas únicas: el espectacular

Main Stage, junto a los espacios

más intensos y celebrados del festival

como RESISTANCE, RESISTANCE 2

y ULTRA Park Stage, ofreciendo una

variedad sonora que recorrió desde el

EDM y el progressive hasta el techno

más crudo y contundente.

Además de la música, el público

disfrutó de una experiencia integral

que elevó aún más el estándar del

festival, con una propuesta gastronómica

de primer nivel, múltiples

opciones de food trucks y espacios

gourmet, y una puesta en escena

impecable en cada rincón del predio.

Los asistentes también recorrieron

stands interactivos y activaciones de

marca cuidadosamente diseñadas,

con un despliegue de color, luces y

experiencias inmersivas que dejaron

la vara en lo más alto y reafirmaron

a ULTRA Buenos Aires como un

evento donde la música, la cultura y

el lifestyle conviven al máximo nivel.

En el primer día, el Main Stage

vibró con los potentes shows de KS-

HMR, Steve Angello y Dom Dolla,

antes de un cierre imponente a cargo

de Zedd. En paralelo, RESIS-

TANCE vivió una jornada inolvidable

con sets destacados de Carlita,

Cloonee y Joseph Capriati B2B

Mau P, culminando con un cierre

a puro groove con Jamie Jones. Por

su parte, RESISTANCE 2 ofreció

uno de los recorridos más extremos

del festival con presentaciones

demoledoras de Klangkuestler,

Patrick Mason e Indira Paganotto,

antes del tramo final protagonizado

por 999999999 y el cierre explosivo

de Fantasm.

SPACE 92 Y POPOF

EL PÚBLICO ESTABA ENLOQUECIDO.

Space: Sí, tuvimos mucha suerte.

Todos los parámetros fueron muy

bonitos: el clima nos acompañó, la

gente también, todo estaba con nosotros.

Tuvimos un momento muy

especial y fuimos muy felices de

actuar por primera vez juntos para

este proyecto en Buenos Aires.

¿CÓMO EMPEZÓ EL PROYECTO?

Popof: Inició hace como 6 años.

Nos conocimos durante el Covid. Escuché su música y le envié un mensaje.

Luego nos dimos cuenta de que teníamos mucho en común, como

amistades y música, y eso sigue creciendo con los años. Empecemos en

2020 y ahora estamos aquí y aún es lo mismo.

Space: También tuvimos muchas experiencias con muchas otras culturas

de todo el mundo, como Perú, Brasil, Corea del Sur, mucho. Y es emocionante

terminar con uno de nuestros públicos favoritos en el mundo.

Para nosotros es muy especial esta noche.

Popof: Esta fue nuestra primera presentación en Buenos Aires. Teníamos

la presión, pero nos encantó.

YA NO ES NECESARIO TENER HERRAMIENTAS GRANDES O ESTUDIOS MASIVOS PARA GRABAR, ¿VERDAD?

Space: No, puedes trabajar con un laptop. Yo trabajaba con un laptop

en 2020 durante el Covid. No es necesario tener sintetizadores locos.

La única cosa que necesitas es la creatividad y el flujo para proponer

algo a la gente y después de eso es tu suerte y tú.

FOTO: GENTILEZA ULTRA BUENOS AIRES

20 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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APASHE

¿DÓNDE NACIÓ LA IDEA

DE FUSIONAR LA OR-

QUESTA CON LA MÚSICA

ELECTRÓNICA?

El proyecto empezó

hace unos

cinco años como

una idea que tenía

de samplear momentos

de música

clásica y orquesta.

Durante los 90’

lo hacían mucho

en la industria del

hip-hop y eso me

encantó. Crecí

escuchando esas

mezclas y cuando me fui haciendo mayor me di

cuenta que yo mismo podía crear esos beats, así

que me dediqué por completo.

¿CÓMO ES TU CONEXIÓN CON LA ARGENTINA? ES TU PRIMERA VEZ CON

NOSOTROS.

Exactamente, es mi primera vez en Sudamérica directamente.

Estoy con muchísima expectativa de su público.

AGENTS OF TIME

¿CÓMO VIVIERON ESTA EXPERIENCIA, ANDREA, LUIGI?

¿ESTÁN FELICES?

Andrea: No podemos estar más felices,

nos tocó presentarnos con el atardecer

y fue hermoso. Había muchísima gente

por lo que también queremos agradecerles.

Ojalá haya mucho más de esto.

¿NOTARON EL CARIÑO DEL PÚBLICO QUE SE ACERCÓ A

SU ESCENARIO?

Luigi: Venimos construyendo la relación año tras año en Buenos Aires. Siento que la

gente quiere demostrar su afecto cada vez que nos ve y eso se nota en todos los shows.

Al final nosotros tocamos para ellos, no para nosotros, queremos que sean felices.

¿TENDRÁN TIEMPO DE VOLVER A ITALIA PARA RELAJARSE Y PREPARAR NUEVOS PROYECTOS?

Andrea: Primero vamos a Brasil para los carnavales y después sí ya volvemos a Italia

para estar con la familia y seguir haciendo música. Tenemos un track con Miss Monique

que va a salir en marzo.

Luigi: Creo que va a ser una bomba, es un súper remix. Creo que para la gente de

Latinoamérica en general será un track muy fuerte.

¿VAN A VER ALGÚN SET ANTES DE IRTE?

Andrea: Totalmente. Venir a ULTRA es formar parte de una comunidad. Aprender

de nuevos artistas y nutrirse, por eso nos gustar ver también y disfrutar como

espectador.

FOTO: GENTILEZA ULTRA BUENOS AIRES

BOB TOSH

LA REPRESENTACIÓN ARGENTINA

EN ULTRA BUENOS AIRES TENÍA

QUE ESTAR QUÉ LINDO TAMBIÉN

COMPARTIR LINE UP CON SEME-

JANTES MONSTRUOS, ¿NO?

La verdad, increíble.

Con la mayoría hemos

compartido escenario,

pero en un festival como

lo es Ultra, la verdad es

que cambia. Estamos

súper agradecidos con

Ultra de darnos el slot que nos dieron, el horario, estaba lleno

de gente. Muy contentos. Ver a la gente viéndonos, es una muy

linda sensación.

Ya el año pasado habíamos tocado más temprano que este

año y también habíamos sentido el apoyo de un montón de gente

que vino temprano a vernos y este año lo mismo. Así que no

podemos pedir más nada.

¿Y LO DISFRUTAN COMO ESPECTADORES TAMBIÉN? ¿VAN A VER ALGÚN SHOWCITO?

Sí, obvio. Nosotros la primera ULTRA que vinimos era modo raver,

a escuchar. Venimos desde la primera ULTRA Buenos Aires

y estamos acá presentes. Estar ahora acá en un escenario como

el Resistance 2 es una locura, se vive todo diferente y es más

divertido.

¿TIENEN ALGUN DJ EN PARTICULAR QUE LO SIGUIERON DURANTE MUCHO TIEMPO?

La verdad que siempre nos marcó muy fuerte Solomun, por su

versatilidad con los géneros.

Así que lo tenemos ahí como figurita. Pero todo el tiempo se

van renovando. Hoy en día nos encanta Frankie Rizzardo, Mau

P... Tenemos ahí un abanico bastante variado de artistas que nos

gustan.

En el segundo día, el Main Stage mantuvo la energía en lo más

alto con los shows de Apashe y deadmau5, seguido por uno de

los sets más emotivos del fin de semana de la mano de Above

& Beyond, antes del cierre monumental a cargo de Alesso. En

RESISTANCE, la intensidad fue total con presentaciones de Anfisa

Letyago y Enrico Sangiuliano, además del esperado set de

Richie Hawtin , culminando con un cierre encabezado por Charlotte

de Witte. En RESISTANCE 2, el público vivió una noche

cargada de melodía y potencia con Agents of Time, CamelPhat

y Kevin de Vries, antes del cierre final a cargo de Massano.

KEVIN DE VRIES

¿CÓMO TE RECIBIMOS, KEVIN?

¡Muy bien! Argentina es como mi segunda casa, siempre me reciben de

la mejor manera posible. Desde el aeropuerto hasta el hotel, la energía es

espectacular, hacen que parezca que no estoy en otro país que no sea el

mío. Siempre me dicen “mi casa es tu casa” (en español).

¿TUVISTE TIEMPO DE COMER ALGO O DISFRUTAR LA CIUDAD?

Sí, siempre aprovecho para comer o pasear. Llegamos por la mañana

desde Chile, que toqué en Viña del Mar. Desde ahí directamente a comer

algo de carne, verduras, una siesta y ahora ULTRA. Buena comida para un

buen show esta noche.

¿HAY ALGÚN SECRETO PARA VOS AL VIAJAR TANTO Y SEGUIR CREANDO NUEVA MÚSICA

CONSTANTEMENTE?

De hecho es algo agotador, pero cuando subo al escenario y el público

me da tanto amor como en Argentina me olvido del cansancio y me

motivo. Pensar en ese momento hace que vuelva a casa y tenga ganas de

seguir haciendo música para ellos. Ahí hay que encontrar el balance para

sacar el máximo rendimiento. Me gusta mucho salir a correr también para

contrastar el tiempo que estoy sentado en el avión, por ejemplo, mantenerme

activo me ayuda mucho a la cabeza.

EL RESSISTANCE STAGE TE TUVO A VOS, CAMELPHAT, AGENTS OF TIME Y MASSANO, ¿QUÉ SENTÍS

COMPARTIR UN LINE UP ASÍ?

Es increíble. Generalmente tenemos nuestros propios shows y explotan, y

ahora tenernos a todos en un mismo lugar siento que fue lo mejor para la

gente. Nos conocemos entre todos y sabíamos que teníamos que dar lo

mejor de cada uno de nosotros para estar a la altura.

PARA 2026, ¿HAY ALGO QUE TE GUSTARÍA COMPARTIRNOS?

Estoy trabajando en mi nuevo álbum. Va a llevar un tiempo en terminarse,

pero estoy con la cabeza en ello. Esta misma noche voy a soltar

varios tracks inéditos para ver cómo los recibe la gente.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 21

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Above & Beyond

Emoción, nuevos comienzos y un reencuentro clave

con el público argentino

El trío regresó como headliner de ULTRA Buenos Aires en un momento especialmente significativo de su carrera.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

de radio semanal.

PAAVO: Y yo estoy en Finlandia, en

casa, trabajando en nuevas mezclas

y algunas compilaciones que todavía

no podemos anunciar.

Finlandia suena bastante distinta

a Buenos Aires.

PAAVO: Totalmente. Es un gran lugar

para resetear después de girar

tanto. Acabamos de pasar la semana

más fría en años, con -30 grados.

Estuve descongelando caños para

que funcionen la ducha y el baño.

Pero también es hermoso: nieve, silencio,

y hasta nadar en un lago congelado.

Te recuerda lo básico.

A

lo largo de más de dos décadas,

Above & Beyond construyó

algo que va mucho más allá

de la pista de baile. Su vínculo con

el público argentino —forjado entre

playas, clubes pequeños y escenarios

masivos— se sostiene en una sensibilidad

compartida: la emoción como

lenguaje universal. En ese camino,

Buenos Aires se volvió una parada

esencial.

Ahora, el trío regresó como headliner

de ULTRA Buenos Aires en un

momento especialmente significativo

de su carrera. Con un nuevo álbum

bajo el brazo, Bigger Than All Of Us, y

después de una gira que reafirmó la

vigencia de su propuesta, Tony Mc-

Guinness y Paavo Siljamäki reflexionan

sobre el presente creativo del

proyecto, la energía única del público

argentino y el valor de la experiencia

humana en plena era tecnológica.

¿Qué representa Argentina para

Above & Beyond después de tantos

años de visitas?

TONY: Es un país increíble. La escena,

la gente, la arquitectura, la comida,

el vino, la música, el clima… Todo

suma. Somos fans desde la primera

vez que fuimos, en 2006. Desde

entonces siempre sentimos algo

especial ahí.

PAAVO: Hay una conexión muy apasionada

con la emoción: en la vida,

en el baile, en la música. Y eso encaja

mucho con lo que hacemos,

porque gran parte de nuestra

música está basada en experiencias

reales. Sentimos que

resuena muy fuerte con el público

argentino.

¿Tienen algún recuerdo especial

de ULTRA en otra parte

del mundo?

PAAVO: El ULTRA de Miami

del año pasado fue inolvidable.

Había una tormenta enorme,

pensamos que el show no iba

a suceder. Estaban evacuando

gente, todo era estrés. Pero

cuando finalmente tocamos,

gracias a nuestro ingeniero de

sonido, salió todo perfecto y

se transformó en uno de los

momentos más eufóricos del

año. Fue una gran lección sobre

cómo algo que parece un

desastre puede convertirse en

un highlight.

Llegan con un nuevo álbum

que el público argentino

espera escuchar en vivo.

¿Qué tan importante es seguir

editando discos después de

tantos años?

TONY: Podríamos tocar solo

hits del pasado y funcionar

igual. Tenemos más de 25 años

de música. Pero para nosotros

lo vital es seguir avanzando, se-

guir escribiendo, seguir creando.

Eso es lo que mantiene vivo

al proyecto. Tocamos canciones

nuevas por primera vez en

Coachella y luego en giras por

Estados Unidos y Europa, y la

reacción fue increíble. Escuchar

al público cantar canciones

nuevas es una sensación única.

El álbum también vino acompañado

de un documental

donde muestran el proceso

creativo. ¿Por qué decidieron

abrir esa intimidad?

PAAVO: Siempre nos vimos

como personas normales en

una situación muy afortunada.

Venimos de lugares muy

simples y de repente estamos

viajando por el mundo. Muchas

canciones nacen de esa vida

real. Mostrar cómo hacemos

un álbum ayuda a que la gente

entienda ese proceso. Y ahora,

con toda la respuesta positiva

que recibimos, incluso estamos

pensando en un documental

post-álbum, porque el viaje

continúa.

Después de tantos años juntos,

¿cómo es hoy la dinámica

entre ustedes?

TONY: Ahora mismo estoy en

Londres, en uno de nuestros estudios,

preparando el programa

El programa de radio del grupo

lleva cientos de episodios. ¿Por

qué sigue siendo tan central para

Above & Beyond?

TONY: Nos turnamos para hacerlo

y así siempre hay alguien al frente.

Es clave porque es nuestra forma

directa de comunicarnos con la

audiencia: mostrar música nueva,

hablar de nuestros sellos, presentar

artistas. Nos permitió mantenernos

independientes todos estos años.

Lleva mucho tiempo, pero siempre

vamos a encontrar el espacio para

hacerlo.

Si tuvieran que elegir una canción

propia que represente un quiebre

creativo, ¿cuál sería?

PAAVO: Hoy diría “Sun In Your

Eyes”. Fue una de las primeras canciones

sin percusión que tocamos

en vivo y funcionó increíble. Nos

abrió la cabeza sobre lo que puede

pasar en una pista de baile.

En un mundo cada vez más dominado

por la tecnología, ¿cómo

ven el futuro de la música y del

vínculo con el público?

PAAVO: Amo la tecnología, siempre

me interesó, incluso el código y la

inteligencia artificial. Pero cuanto

más virtual se vuelve todo, más

valiosa es la conexión humana real.

Los shows, los viajes, compartir un

momento con miles de personas…

Eso no se puede descargar. Y me

encanta que gran parte de nuestra

vida siga girando en torno a eso.

TONY: Especialmente cuando esos

humanos son argentinos.

FOTO/S: LUKE DYSON

22

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MARZO 2026

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Steve Angello

"Divertirse es la clave de la longevidad"

El DJ sueco repasó los éxitos de Swedish House Mafia y su carrera solista en la última edición de ULTRA Buenos Aires.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

A más de veinte años de sus primeros

lanzamientos, Steve Angello

sigue en movimiento. Entre la nostalgia

de los himnos que marcaron

una generación y la búsqueda

constante de nuevos sonidos, su

carrera es un testimonio de evolución

dentro de una escena que

cambia a velocidad vertiginosa. Y

cada vez que pisa suelo argentino,

esa historia global encuentra un

capítulo propio, escrito al ritmo de

bombos en cuatro tiempos y multitudes

entregadas a la pista.

¿Emocionado por el show, Steve?

Por supuesto, la energía en Argentina

siempre es espectacular. El público

es hermoso, el país es hermoso…

FOTO/S: LUKE DYSON

H

ablar de Steve Angello es

hablar de una de las figuras más

influyentes de la música electrónica

de las últimas dos décadas. DJ,

productor, curador y empresario, el

artista sueco de ascendencia griega

construyó una identidad propia tanto

dentro como fuera de Swedish

House Mafia, el trío que redefinió el

alcance global del house progresivo y

llevó la cultura EDM a estadios y festivales

masivos alrededor del mundo.

Desde sus comienzos en la escena

underground de Estocolmo hasta

convertirse en headliner de los principales

festivales internacionales, Angello

combinó sensibilidad melódica

con potencia de pista. Pero fue junto

a Axwell y Sebastian Ingrosso cuando

su nombre quedó definitivamente

inscrito en la historia grande de

la electrónica. Con Swedish House

Mafia lanzó himnos generacionales

como “One (Your Name)”, “Save the

World” y, especialmente, “Don’t You

Worry Child”, single que en 2012 marcó

un punto de inflexión: éxito comercial

global, millones de reproducciones

y una despedida —en aquel

momento— que parecía definitiva.

Tras la separación del trío en 2013,

Angello profundizó su perfil artístico

en solitario. Fundó SIZE Records y

apostó por una búsqueda más conceptual

y oscura, que quedó plasmada

en discos como Wild Youth (2016)

y Human (2018). En esos trabajos

mostró una faceta más introspectiva,

con estructuras menos

previsibles y una narrativa sonora

que escapaba del molde

festivalero tradicional.

La historia, sin embargo, no

terminó allí. En 2018 Swedish

House Mafia anunció su regreso

en Ultra Miami y desató

una ola de expectativa global.

Ese renacimiento artístico se

consolidó con el lanzamiento

de Paradise Again (2022),

el primer álbum de estudio del

grupo, que incluyó colaboraciones

con The Weeknd, Sting

y Ty Dolla $ign. El single “Moth

to a Flame” confirmó que el trío

no solo podía apelar a la nostalgia,

sino también dialogar con

el pop contemporáneo sin perder

identidad. Más tarde, tracks

como “Heaven Takes You

Home” y “Ray of Solar” reforzaron

la vigencia del proyecto en

la nueva etapa.

En paralelo a su recorrido

internacional, Argentina ocupó

un lugar especial en la conexión

de Angello con el público

latinoamericano. El DJ visitó el

país en múltiples oportunidades,

tanto como solista como

junto a Swedish House Mafia.

Sus presentaciones en Buenos

Aires —en festivales masivos y

eventos propios— siempre se

caracterizaron por una energía

particular: sets extensos, drops

contundentes y una interacción

constante con el público local,

reconocido mundialmente por

su intensidad.

Uno de los hitos más recordados

fue la histórica presentación

de Swedish House Mafia

en el estadio de Ferro en 2012,

en el marco de su gira despedida

One Last Tour. Aquella

noche condensó el fenómeno

global del trío y confirmó la devoción

argentina por el sonido

escandinavo. Años después,

ya en su etapa solista, Angello

regresó con shows en clubes

y festivales que lo encontraron

explorando un repertorio más

amplio, combinando clásicos

del trío con material propio y

nuevas producciones.

El regreso oficial de Swedish

House Mafia también incluyó

a Sudamérica dentro de

sus planes, reafirmando el lazo

con un mercado que siempre

respondió con convocatoria y

fervor. Para Angello, Argentina

no fue simplemente una parada

más en el tour: fue un territorio

donde la electrónica alcanzó

dimensiones casi rockeras, con

público coreando melodías instrumentales

como si se tratara

de canciones de estadio.

¿Te recibimos bien?

Claro que sí, llegué esta mañana

pero ya tuve tiempo de comer algo,

dormir un poco y preparar el set de

esta noche.

¿Hay algún secreto para mantenerte

vigente durante tantos

años y seguir construyendo una

carrera?

Creo que el secreto es divertirse

siempre. Si la estás pasando

bien uno lo disfruta y no se cansa.

Hago esto desde hace mucho

tiempo y todavía logro encontrar

esa diversión, esa es la llave para la

longevidad.

¿En qué etapa te encuentras hoy?

¿Cómo viene tu agenda?

Tenemos un año lleno de shows,

empiezo ahora y sigo de largo hasta

diciembre. Hay algunos pequeños

espacios para hacer música pero el

2026 es puramente de gira.

¿Hay tiempo ahí para relajarse y

estar con tu familia?

Claro, es súper importante para mí,

lo hago durante la semana. Cuando

llega el fin de semana llega el momento

de viajar y trabajar.

¿Disfrutas este tipo de festivales

como espectador?

Claro que sí, hay una hermosa vibra.

Todos están felices y emocionados.

Para mí siempre es muy lindo llegar

un rato antes, encontrarme con amigos

y disfrutar algún show.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 23

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JORGE DREXLER

“Siempre tuve en la cabeza hacer un disco de

reconexión uruguaya”

El artista uruguayo habla de Taracá, su nuevo álbum que está atravesado por el beat del candombe,

programaciones, sintes y cuerdas.

POR GABRIEL PLAZA

s febrero del 2025. Montevideo

late al ritmo del tambor. Es lunes y

E

hay Rueda del Candombe, un ciclo

organizado por seis músicos uruguayos que

reivindican el legado patrimonial del candombe

con tambores, acordeón, guitarra y

guitarrón. Jorge Drexler se suma a ese ritual

informal y gratuito al aire libre en el barrio

Sur. El cancionista queda envuelto por la clave

afro que resuena en el golpe de la percusión

y en las palmas del público a su alrededor.

Esa memoria del cuero lo toma por completo.

Tres meses atrás había muerto su padre.

Entonces entiende todo. Es un llamado de su

ciudad natal. Es un llamado de la esquina, la

patria chica del tambor. Es un llamado de las

raíces. De encontrar una brújula en medio del

desconcierto. Nace una idea, un disco.

“De entrada me enamoré profundamente

de la rueda de candombe por el aspecto comunitario.

Entre todos celebramos un patrimonio

que nos une, nos alegra y nos enorgullece.

Ahí nació esta idea que tengo hace años

de hacer un disco de candombe que siempre

la tuve en la cabeza, un disco de reconexión

uruguaya”, dice Drexler en charla con Billboard

Argentina.

Falta poco para el lanzamiento de su nuevo

álbum Taracá, un trabajo magistral con

once canciones atravesadas por el beat del

candombe, programaciones, sintes y cuerdas,

que lo llevó a grabar nuevamente en Montevideo

(además de sesiones en Puerto Rico

y Madrid), rodeado de jóvenes productores

del Uruguay, viejos conocidos como Carlos

Casacuberta y Campi Campón, y artistas

invitados como la murga Falta y Resto, los

integrantes de la Rueda del Candombe, la

boricua Young Miko, la flamenca Angeles

Toledano, el guitarrista Julio Cobelli, compañero

de Alfredo Zitarrosa, la cuerda de

tambores La Dominguera, y el ensamble de

cuerdas La Susi.

En este nuevo capítulo musical, Drexler

traza puentes entre la clave afro, la milonga,

la plena, la canción y el lenguaje contemporáneo

de la música urbana y bailable. “Es un

disco heterogéneo que está unido por el hilo

narrativo de la voz y la clave de candombe”, cuenta el

uruguayo que en febrero estrenó el single “Toco madera”,

y sirvió para entender el rumbo estético de su nueva

producción.

Taracá es la onomatopeya del sonido del tambor chico.

La otra traducción posible es más simbólica y quiere

decir: “Estar acá”, o en términos rioplatenses, “tar’ acá”.

El tambor es el instrumento madre del álbum. Un instrumento

que llegó de África, que encontró su patria en

Montevideo, que asimiló una nueva identidad y que en

el 1800 dio forma a un género llamado candombe con

sus toques madre de Cuareim y Ansina, que se esparcieron

por todos los barrios de la ciudad. “Estuvo prohibido,

se lo confinó a los extramuros de la ciudad antigua y

hoy el candombe es el rey de las calles de Montevideo”,

reflexiona el músico, que en el disco escribió “Ante la

duda baila”, un sorprendente ensayo histórico sobre la

prohibición de los bailes populares que comienza en el

siglo XV y llega hasta el reggaetón.

El cancionista escribe la biografía de su tiempo.

Se pregunta sobre el misterio del amor en “¿Cómo se

ama?”, celebra la vida en “¿Qué será que és?”, filosofa en

“Las palabras”, desmitifica los avances tecnológicos en

“¿Hay alguien A.I?” y se sumerge en la liturgia del can-

FOTO: MANUEL VÉLEZ

24 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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dombe en “Tambor chico”. Todo lo hace sentado

alrededor de ese fuego metafísico, donde

se calienta la lonja de un tambor, en medio de

un proceso de duelo. “Quedarme sin padre,

impulsó esa reflexión sobre la vida. Esa manera

de pensar cuales son las cosas importantes”,

dice sobre el disco que presentará en abril en

la Argentina.

En perspectiva, ¿qué otras cosas influyeron

en este disco?

Después de lo de papá, me hice una casa en

La Serena (Uruguay), que para mí es muy importante

porque es tener un lugar propio, un

asidero, un vínculo muy poderoso con la tierra.

También pasó que cumplí 30 años viviendo

en España y llegué a los 60 años de edad.

Eso es como un llamado a aceptar esta oferta

consagratoria que nos ofrece el mundo, y que

ya está pidiéndonos que entremos en boxes

para disfrutar de la gloria acumulada y grabar

todo muy tranquilo con el mismo equipo. Ahí

me fui a hacer un disco con un productor de

22 años como Tadu Vázquez y colaboradores

como Facu Balta, Rodrigo Cueva, que tienen

entre treinta y cuarenta años menos que yo.

todos un gol en el ángulo. Eso es sumamente

muy raro. Aquí desde el primer día de grabación

que hicimos con Nacho Algorta con

la orquesta La Susi, o la participación de la

Falta y Resto, que volvía después de seis años

al carnaval y cuanto terminó la grabación

nos regaló en secreto la retirada que habían

escrito. Fue de un simbolismo tremendo. Es

decir, yo no sé qué va a significar para otro

país, pero sé muy bien lo que significa para

Uruguay, porque la Falta tiene integrantes de

20 a 70 años de edad. Eso es un puente intergeneracional

increíble.

Con Falta y Resto grabaste “Las palabras”,

una canción que dedicás a tu

padre.

Estaba terminando de cerrar el repertorio

música es poner en fase a las personas. Se hicieron

estudios, donde ponen a dos personas

que bailan al mismo tiempo. Si vos haces una

encuesta, después entre ellos generan más

confianza, son más afines y menos dadas a

dañar al otro. Eso es un puente, que une dos

vertientes de un río y las conecta. En este periodo

de la historia, yo descubrí que esa es mi

función como músico. Nuestro trabajo a veces

parece ridículo desde afuera. Decís: "¿Qué hacemos

cantándole al amor mientras el mundo

se va al carajo?”, como escribo en la canción

“Los puentes/Nuestro trabajo”. Bueno, pues

precisamente por eso, porque ese es tu trabajo,

es tu profesión, crear puentes.

Las canciones también sirven de compañía

en estos tiempos oscuros.

También invitaste a Young Miko y sus

productores Mauro y Gabi Lugo a que

participen.

Quería tener otra perspectiva del sonido desde

afuera. Cuando fuimos a ver a Bad Bunny

en Puerto Rico nos encontramos a trabajar.

Yo quería hacer un reggaetón y ella quería

cantar más y salió “Te llevo tatuada”, que es

una de mis canciones favoritas del disco. Trabajamos

tan bien con Mauro y Gabriel que

decidí invitarlos a participar de todo el proceso

de Taracá. Ellos me dieron otra visión de

la plena uruguaya y del candombe. No podés

trabajar con un puertorriqueño si lo que hacés

no te hace bailar, tan sencillo y tan complicado

como eso. Entonces hicimos mucho

hincapié en eso para que el disco se volviera

realmente bailable.

FOTO: MANUEL VÉLEZ

¿Esta nueva experiencia musical tiene

puntos de conexión con el álbum Frontera

de 1999, un disco donde estaba muy

presente el candombe y la electrónica?

En aquel momento tuve otro quiebre. Fui

padre de Pablo, mi primer hijo. Venía de dos

discos clásicos. La sociedad mandaba que me

quedara con lo conseguido, una elegancia

atemporal, un sonido de cajón, piano, guitarras

acústicas, para un público nostálgico,

pero desvinculado de su tiempo. Hice todo

lo contrario. Volví a Uruguay a vincularme

con mi momento y mi lugar para hacer una

apuesta radical, grabar con computadoras y

trabajar sobre el candombe con dos productores

noveles como Casacuberta y Campodónico.

Para mí, Frontera es un disco que va en

paralelo con Taracá.

¿Cómo fue volver a grabar en Montevideo?.

Fue sin duda el período de tiempo más densamente

musical que viví en mi vida en cuanto

a los resultados, porque fueron prácticamente

del disco y Presser, mi socio, amigo y manager,

me dijo: "No tenés ninguna canción para

tu padre.” Y claro, justo el año de la composición

fue el año que murió papá. Uno no escribe

solo lo que quiere ni cuando quiere, escribe

sobre lo que puede y cuando puede. Y

algunos procesos, como el duelo, son de los

que tienen más inercia, tienen sus propios

tiempos completamente. No pude escribir

nada sobre mi viejo en este momento, pero

de alguna manera la necesidad imperiosa de

volver a Uruguay en este disco está claramente

relacionada con eso.

¿Qué importancia le das a la canción en

este tiempo?

Una de las funciones más importantes de la

El género canción es una herramienta de

identificación narrativa. Eso que te pasa a

vos concretamente, eso que está diciendo la

persona que canta una canción donde dice:

“Te fuiste y quedé con el pecho vacío mirando

llover por la ventana”, también me pasa a mí.

Si le pasó a otro y lo pudo escribir quiere decir

que lo sobrevivió, con lo cual yo también

lo puedo sobrevivir. Ser acompañado en un

dolor, en un miedo, una nostalgia, es un acto

de generosidad de un autor tan grande que

ahí podes llegar a entender el grado demencial

de agradecimiento que tenemos los escuchas

de canciones, y que tiene el público con

el cancionista. Sentir que te acompaña en las

cosas más íntimas de un dolor, o hasta en las

celebraciones.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 25

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SOLEDAD EN COSQUÍN FOLKLORE

LUNA COMPLETA, LLUVIA

CONSTANTE, ÉPICA CANCIONERA,

INVITADOS Y UN RITUAL

MULTITUDINARIO

En una Plaza Próspero Molina colmada, la cantante celebró tres décadas de historia

con el Festival Nacional de Folklore con un show de más de tres horas; Pedro Capó,

Cazzu y Teresa Parodi como figuras invitadas; y una postal final que ya es parte de la

memoria del folklore argentino.

POR EZEQUIEL RUIZ

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l pasado 31 de enero, aunque en

E

realidad ya era 1ro de febrero, la Plaza

Próspero Molina volvió a convertirse en

territorio sagrado. Allí, en el corazón del festival

mayor del folklore argentino, Soledad Pastorutti,

La Sole protagonizó uno de los capítulos más

emotivos de su historia con el Festival Nacional de

Folklore de Cosquín, en la provincia de Córdoba:

un show de más de tres horas bajo una lluvia persistente

y ante un predio colmado que no se movió

ni un segundo.

Treinta años después de aquella irrupción

adolescente que cambió su destino —cuando con

apenas 15 años revolucionó el escenario Atahualpa

Yupanqui a pura revoleada de poncho y acompañada

por su hermana Natalia— Soledad regresó

con una propuesta ambiciosa, atravesada por distintos

climas sonoros, una puesta de alto impacto

y una lista de invitados que confirmó su capacidad

para dialogar con generaciones y géneros diversos.

La postal fue tan épica como simbólica. Pasada

la medianoche, mientras la lluvia comenzaba a intensificarse,

la expectativa crecía en paralelo. Lejos

de dispersar al público, el agua terminó de sellar

el clima de comunión: pilotos de colores, familias

enteras desde bebés hasta adultos mayores y una

marea de voces dispuestas a acompañar cada estrofa.

Cosquín no sólo estaba lleno: estaba entregado.

A la 1.30 de la madrugada, una grúa avanzó

hacia el escenario cargando una luna. Desde lo

alto, suspendida en el aire, bajó Soledad en medio

de una ovación que por momentos silenció el

ruido de la lluvia. La apertura con “Sigo siendo yo”

y “Vivir es hoy” marcó el pulso de un espectáculo

dividido que a partir de allí sería en tres actos: una

primera parte más eléctrica y contemporánea, un

bloque con invitados y un tramo final dedicado a

los clásicos que cimentaron su carrera.

Tras “Adonde vayas”, llegó el primer cambio de

vestuario y un giro hacia la raíz folklórica con “La

copla” e “Hispano”, antes de dar paso al desfile de

artistas que quisieron ser parte de la celebración. El

primero en aparecer fue el puertorriqueño Pedro

Capó, con quien compartió una versión de “Piel

y canela” que amplió el mapa sonoro de la noche.

La seguidilla continuó con Teresa Parodi en

“El cielo del albañil”, Nahuel Pennisi en “Como

un cisne” y Cazzu, quien aportó su impronta

urbana en “Cómo será”, en uno de los cruces

más comentados del set. Más tarde, La Delio

Valdez llevó el repertorio hacia una clave festiva

con “Nada tengo de ti” y “Que nadie sepa mi

sufrir”, confirmando que el folklore puede dialogar

con la cumbia sin perder identidad.

La lluvia seguía cayendo y el público respondía

con una energía inquebrantable, convirtiendo

la Plaza en una escena multicolor de pilotos

improvisados y baile colectivo. En ese contexto,

la noche también encontró espacio para la intimidad:

tras una tanda de chacareras, Soledad

dejó el escenario y cedió el centro a Natalia,

quien interpretó “Sapo cancionero”. Minutos

“ME COSTÓ MUCHO CREER

EN MÍ COMO ARTISTA”

después, ambas compartieron “Amor en vuelo”,

“De mi madre”, “Alma, corazón y vida” y “Rosario

de Santa Fe”, en un pasaje atravesado por la

memoria y la complicidad familiar.

Pasadas las 4 de la mañana, con el público

aún firme, llegaron los himnos generacionales:

“Bahiano”, “Tren del cielo” y “Entre a mi pago”

desataron uno de los puntos más altos de la

madrugada. La “despedida” con “Salteñita de los

Valles” funcionó como guiño a aquella primera

vez que marcó su destino artístico. Pero todavía

quedaba una escena final.

Antes del cierre, la artista nacida en Arequito

presentó a su banda y llamó al escenario a sus

hijas y a su marido. Ellos le obsequiaron un

bombo y le colocaron un poncho que ya no se

quitaría. Y así llegó “Brindis”. En medio de la

interpretación, le acercaron desde el público a

Bautista, un bebé de siete meses, al que sostuvo

en brazos mientras la multitud coreaba la

canción. La imagen —el poncho empapado, la

lluvia cayendo sin tregua y la plaza cantando al

unísono— condensó el espíritu de la noche.

“Fue el festejo de mis 30 años. Lo esperé mucho

tiempo. No es un número casual, para mí.

Siento que ya 30 años me ponen en un lugar

mucho más interesante. No lo digo ni por el

público ni por ustedes, sino que lo digo por mí.

Me costó mucho creer en mí como artista. Al

principio creí que era un golpe de suerte. Fueron

muchos años y yo seguía pensando que hay mucho

por hacer. Creo que hay mucho por hacer,

pero esta noche sentí que el personaje que la

gente eligió en 1996 pudo demostrar que además

de eso es una artista. Esa era mi gran mochila

esta noche. Yo acá vengo a rendir examen, la verdad

es que nunca me ha ido mal. Pero a medida

en que pasa el tiempo, seguir poniendo ganas,

seguir creyendo que hay más, seguir creyendo

que el público va a estar ahí, se pone más difícil.

Entonces, me sigo sorprendiendo”, le dijo Sole a

Billboard Argentina tras el show.

Lejos de cerrar con el último acorde, Soledad

prolongó el ritual. Tras la conferencia

de prensa, cerca de las cinco de la mañana, se

despidió en caravana, subida a una autobomba

que la trasladó desde la Plaza Próspero Molina

hasta la Plaza San Martín, escoltada por una

multitud que se resistía a que la celebración

terminara. Y siguió cantando hasta pasadas las

6 en una peña improvisada.

Treinta años después de su debut en Cosquín,

Soledad no solo celebró su historia: la

revalidó. Con un show de escala mayor, cruces

estilísticos y una convocatoria transversal,

reafirmó su rol como una de las figuras clave

del folklore argentino contemporáneo, capaz

de honrar la tradición mientras la proyecta

hacia nuevas generaciones. Bajo la lluvia, en

la madrugada cordobesa, Cosquín volvió a ser

su casa. Y ella, una vez más, su protagonista

indiscutida.

Cazzu

LOS INVITADOS DE LA SOLE EN COSQUÍN

Teresa Parodi

Pedro Capó

FOTOS: POPI GRAÑA

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 27

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40 AÑOS DE TANGO

LA HUELLA DE LA AVENTURA TECNO POP DE CHARLY

GARCÍA Y PEDRO AZNAR EN EL ROCK ARGENTINO

El bajista revela detalles de la histórica grabación en Nueva York y Goyo Degano (Bandalos Chinos), Mateo Sujatovich

(Conociendo Rusia), Leo García y Joaquín Vítola (Indios) hablan de la influencia que el disco tuvo en sus recorridos.

POR GABRIEL HERNANDO

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Y

o me había mudado de Boston a Nueva

York hacía un par de meses cuando en

diciembre de 1985 llegó Charly de visita

y me llamó para encontrarnos. En la charla nos

pusimos al día con nuestras cosas y vimos que los

dos estábamos bastante sacudidos, sintiéndonos un

poco como peces fuera del agua”, recuerda Pedro

Aznar en exclusiva para Billboard Argentina a la

hora de hablar de la génesis de Tango, el proyectodisco

que firmó junto a Charly García.

“Yo acababa de dejar el grupo de Pat Metheny

y él venía de tener varios desencuentros con un

empresario discográfico. Ambos teníamos un

gran signo de interrogación por delante. Entonces

surgió la idea de algo que nos sacara de ese estado.

‘¡Hagamos un disco!’, dijimos. Los dos teníamos

canciones a medio terminar y nos ayudamos

mutuamente a darles los toques

finales. Charly llamó entonces al

productor Joe Blaney (con quien

ya habíamos trabajado en Clics

Modernos) para que consiguiera

un estudio de inmediato

y nos pusimos a trabajar.

Teníamos seis canciones

y sólo una semana para

registrarlas. Trabajamos a toda

velocidad, pero muy divertidos

y entusiasmados”, agrega.

Efectivamente, en apenas

siete días ambos trabajaron sin

descanso y en la medida en que

el proyecto fue tomando forma

decidieron bautizarlo como

Tango. “Pensamos que es un

buen nombre para un grupo:

es argentino, es moderno, es

internacional y también antiguo.

En el disco hay un poco de todo.

Es psicodélico y se llama así por

lo argentino”, explicaba García

en una entrevista publicada

por la revista Pelo poco

antes de la salida del álbum.

Lanzado el 29 de marzo de

1986 y grabado en los estudios

Unique Recording y Secret

Society de la Gran Manzana,

vio la luz en formato de EP

con apenas media docena

de temas. Una obra de climas variados y en

donde tanto Charly como Pedro se encargaron

de todos los instrumentos, con una marcada

preponderancia de sonidos electrónicos, producto

del uso de sintetizadores y programaciones. Esto

último le otorgó al disco un perfil decididamente

rítmico, optimista y bailable, como quedó

demostrado en “Ángeles y predicadores” y

especialmente en el hit “Hablando a tu corazón”,

Al respecto, Aznar detalla: “Desde el comienzo

la idea fue la de hacer un disco a dúo, tocando

todo nosotros mismos. Yo había comprado

recientemente una cantidad de equipos de última

generación: batería electrónica, secuenciadores

y sintetizadores. Así que echamos mano a todo

eso para construir el sonido del disco. Además de

guitarras, bajos y voces, claro. Los ‘80 siendo los

‘80; las canciones expresaron el color de la música

de ese tiempo”.

Si bien se trató de un proyecto efímero, que

surgió de un impulso conjunto y como una especie

de recreo, divertimento o paréntesis en las carreras

solistas de ambos músicos, lo cierto es que Tango

superó las expectativas iniciales de propios y

extraños. Al punto tal que encontró a los dos ex

miembros de Serú Girán no sólo presentándolo

en vivo en Paladium sino encarando una gira por

trece ciudades del interior del país, lo que evidenció

el enorme interés del público por escuchar dicho

material en vivo.

Hoy, a 40 años de su edición original, y más

allá de que algunos puedan considerarlo quizás

como un capítulo menor en la discografía de

García y Aznar, el interés por esta obra parece no

haber menguado en absoluto. Durante décadas,

y hasta sus últimas presentaciones en vivo, varias

de sus canciones han formado parte del repertorio

habitual de Charly. Y lo mismo sigue ocurriendo

en algunos de los conciertos brindados por Pedro,

dando cuenta de la vigencia de esos temas que

indudablemente han quedado muy firmes en la

memoria y en el inconsciente colectivo.

“Sabíamos que habíamos hecho algo potente,

que reflejaba muy bien la complicidad y

complementariedad artística que siempre tuvimos

entre nosotros. Pero uno nunca sabe qué alcance va

a tener lo que publica hasta verlo años más tarde”,

reconoce Aznar. Y completa: “El juez final de la

longevidad de una obra es, por supuesto, el público.

Hoy me regocija ver que lo que comenzó como un

juego creativo para sacarnos uno al otro la mufa

y la incertidumbre sea abrazado por colegas de

generaciones posteriores como una referencia. Y

por el amor de la gente, como una banda sonora

que acompañó y acompaña sus vidas”.

Esa extraña influencia

A propósito de lo referido por Aznar, sorprende

la influencia que ese trabajo despertó en toda una

nueva generación de músicos locales. Se trata de

una obra que no sólo la cuentan entre sus favoritas

sino que incluso, como en el caso de Bandalos

Chinos, los llevó a plasmar su propia versión

de “Hablando a tu corazón” para un comercial

televisivo durante el último mundial de fútbol que

luego sumaron a su repertorio en vivo.

“Es un discazo que he escuchado mucho a lo largo

de toda mi vida y que ha impactado notablemente

y de distintas maneras en Bandalos Chinos”,

confiesa Goyo Degano, vocalista de la banda. “Es

un álbum que está instalado en el inconsciente

colectivo, que forma parte del ADN de nuestro

rock nacional y que ineludiblemente por algún

lado sus canciones nos pegaron

fuerte y quedaron en nuestras

cabezas para siempre. Es parte

de ese rock fundacional que

nosotros mamamos desde

que éramos muy chiquitos y

que solíamos escuchar mucho

en casa o en la radio junto

a nuestros viejos. Por eso,

grabar ‘Hablando a tu corazón’

resultó algo muy natural para

nosotros”.

Sensaciones muy similares

a las experimentadas por

Mateo Sujatovich, líder de

Conociendo Rusia: “Es uno

de los discos más importantes

de mi infancia. Recuerdo

escucharlo entero en el auto

junto a mi familia cuando

salíamos los fines de semana

o nos íbamos de viaje y

cantar todos cada una de sus

canciones. Es un álbum que

amo, que escucho seguido y

en el que tanto Charly como

Pedro encontraron una química

mortal”.

“Tango salió en 1986 y casi

todos nosotros nacimos en

1989. Pero fue muy loco lo

que ocurrió con ese álbum

porque fue uno de los primeros que escuchamos

y resultó todo un descubrimiento. Quizás no

ejerció una influencia tan directa en el grupo

pero sí está implícita cada vez que recurrimos a

alguna referencia para los sintetizadores por su

sonido tan fresco y actual”, apunta Joaquín Vítola,

cantante de Indios. Mientras que Leo García

aporta: “Me pareció siempre una propuesta muy

synth pop y más vinculada al perfil del Charly de

ese momento que era más tecno. Y en ese sentido,

‘Hablando a tu corazón’ es el gran ejemplo por sus

cajas de ritmos, sus sintetizadores y su sonido de

nivel internacional. Es un álbum que conjuga una

contradicción entre la capacidad de Aznar de tocar

muchas notas ante un García que buscaba una

síntesis mayor. Creo que es un disco que reflejó un

momento muy brillante de Charly en su búsqueda

por hacer algo nuevo”.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 29

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BALTIMORE, MARYLAND - 2010

TURNSTILE

“LA DISCUSIÓN SOBRE SI SOMOS

‘LO SUFICIENTEMENTE HARDCORE’ NUNCA TUVO PESO”

En la previa de su vuelta a Buenos Aires en el marco de Lollapalooza Argentina, el vocalista Brendan Yates habla del

éxito de Never Enough, el juego infinito de la industria y esa comunidad que, más allá del tamaño del escenario, sigue

siendo el verdadero norte de la banda.

POR ANTONELLA LOPREATO

PUEDE QUE HAYA SIDO “BOTTLED VIOLENCE” DE MINOR THREAT O

ESE mazazo de apenas un minuto y medio

que es “Hear Nothing, See Nothing, Say

Nothing” de Discharge. Canciones que al

Brendan Yates adolescente le aceleraban

la sangre y lo arrastraban hacia un género

que, para ya para el 2010, estaba planchado,

esperando que alguien volviera a tocarlo

con hambre. Parecía fácil porque el tramo

más crudo ya lo habían recorrido otros. The

Stoogies, Black Flag y compañía pusieron

el punk a rodar hasta dejarlo en manos de

Bad Brains, que a fines del 70, lo deformó

a lo que hoy conocemos como hardcore.

La vara estaba altísima y el contraste con

los grandes era previsible; pese a ello, ese

mismo antecedente sirvió como una guía de

boca en boca para entender cómo plantar

una banda y hacerla crecer desde abajo.

¿El método? Insistir con los instrumentos,

ensayar en un garage, juntar a los amigos

del barrio, elegir un nombre (robado de un

tema de Hot Water Music que tiene una

letra sobre amistad y pertenencia) y salir

a tocar. Turnstile leyó las instrucciones,

las puso en práctica y fue eso al principio:

pura activación. Yates (voz), Pat McCrory

(guitarra), Franz Lyons (bajo) y Daniel Fang

(batería), junto a Sean Cullen y Brady Ebert

(ambos ex miembros, reemplazados en la

formación actual por el guitarrista Meg

Mills), volcaron todo lo que habían curtido

en sus pasos por Trapped Under Ice y Angel

Du$t, y reconfiguraron esa experiencia

al servicio de algo nuevo.

“Difícil, caótico y hermoso. Como en nuestros

propios shows, hubo muchos altibajos”,

describe Yates, en diálogo con Billboard

Argentina, la historia del grupo. Hasta

2015, los únicos que estaban enterados

de su existencia eran sus amigos y

vecinos de Baltimore, Maryland. Habían

editado los EPs Pressure to Succeed

(2011) y Step 2 Rhythm (2013) previo a

dar el salto al primer LP, Nonstop Feeling.

En la misma ciudad que vio crecer a

Billie Holiday y a Edgar Allan Poe, dieron

pelea y, ampliando de a poco el círculo,

“Gravity” se coló en las radios y los lanzó

a su primer tour de costa a costa junto a

Superheaven.

Después vino Time & Space (2018) -el

verdadero indicio de que el ruido no se

iba a quedar en casa-, y finalmente el

momento de ruptura con Glow On (2021),

donde la colaboración con Mike Elizondo,

productor formado junto a Dr. Dre y

Eminem, abrió el campo sumando dream

pop, R&B, new wave y ritmos latinos a su

discografía. La respuesta fue tan fuerte

que, en cuestión de meses, pasaron de

los bares a girar con My Chemical Romance

y Blink-182, caer en el late night

show de Seth Meyers y meterse en la

grilla de Lollapalooza, incluida la edición

argentina 2022, donde llegaron a superponer

horario con Miley Cyrus.

En marzo de 2025, una valla sobre Sunset

Boulevard empezó a confirmar lo que

hasta entonces era un rumor: la llegada

de su cuarto disco Never Enough. Luego

del paréntesis más largo de su carrera y

la oficialización de Mills como integrante

oficial, Turnstile lanzó un álbum de 45

minutos, definido por el uso de sintetizadores,

bronces con aportes de Bad-

BadNotGood, coros compartidos con

Hayley Williams (Paramore) y Devonté

Hynes (Blood Orange) y una producción

adicional de A. G. Cook. Se ganó un

lugar en la charla crítica y terminó levantando

dos Grammy, incluido el de Mejor

Álbum de Rock.

El salto de escala es notorio. Hacia

adentro, en cambio, casi nada se alteró,

“COMO EN NUESTROS

PROPIOS SHOWS,

HUBO MUCHOS

ALTIBAJOS”

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 31

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dice Yates. “El objetivo siempre fue

el mismo: tocar, hacer música y

lograr que eso conecte de verdad

con la gente”, asegura. Desde su

casa en Baltimore se conecta por

Zoom para hablar de este nuevo

capítulo y de la tercera vuelta

por Buenos Aires, para ser parte

de lo más grande del cartel en la

undécima edición de Lollapalooza

Argentina. Tocan el viernes 13 de

marzo, en la jornada inaugural.

Never Enough fue distinguido por

distintos medios como uno de los

discos destacados de 2025 y también

ganó dos premios Grammy.

¿Cómo asimilás ese reconocimiento

alrededor de tu trabajo?

Es una locura. Nunca trabajamos

esperando ese tipo de respuesta,

pero siempre la recibimos con

gratitud. Hacemos lo que hacemos

al margen de las expectativas

externas; si después encuentra una

recepción positiva -en cualquier

forma-, lo valoramos. Estamos muy

agradecidos.

En Argentina circula la idea de

que el tercer disco es el que termina

de definir a una banda. En su

caso, el gran reconocimiento llegó

con el cuarto. ¿Lo viven como

una consagración tardía o como la

consecuencia lógica del recorrido

que vienen construyendo?

Es difícil explicarlo, porque sólo

podemos hablar desde nuestra

propia perspectiva. Pero la verdad

es que siempre nos dedicamos a

hacer lo que hace una banda: salir

de gira, tocar en vivo, compartir

tours con otros grupos y repetir

ese mismo ritmo durante mucho

tiempo. Lo único que realmente

cambió fue la cantidad de gente

que viene a los shows.

El título Never Enough puede

leerse como una crítica a la lógica

de la industria: nada alcanza,

siempre se pide más. Después de

los Grammy, los grandes festivales

y la exposición global, ¿este

disco responde a esa ansiedad o

intenta correrse de ella?

Hay un intento consciente de tomar

distancia de esa lógica. Es una

sensación bastante natural: forma

parte de la condición humana

sentir que nunca es suficiente y, al

mismo tiempo, querer resistirse a

esa narrativa. Estamos construyendo

todo el tiempo, hacia adentro y

hacia afuera.

Existe esa dificultad persistente de

sentir que tu existencia, tu trabajo,

tu presencia o incluso tu amor

alcanzan. Por eso, construir pers-

“LOS GRAMMY

NUNCA FUERON LA

RAZÓN POR LA QUE

HACEMOS MÚSICA”

32 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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pectiva se vuelve una tarea constante. Esa

sensación probablemente no desaparezca

del todo, pero para la banda, y también en

lo personal, sostener esa mirada es una

práctica consciente, incluso en medio de

los momentos más significativos.

Por ejemplo, los Grammy nunca fueron

la razón por la que hacemos música; no

constituían una meta en sí mismos. Lo más

valioso de esa experiencia fue que nos

obligó a compartir una sala con nuestras familias,

a hacer una pausa y tomar dimensión

del recorrido, del trabajo, de la comunidad

y de todo lo que sostiene a la banda detrás

de escena.

Es muy fácil quedar atrapado en la inercia

del “seguir, seguir, seguir” y en la ansiedad

constante por lo que viene después. Esos

momentos adquieren valor porque te obligan

a frenar, a reflexionar, a estar verdaderamente

presente y a reconocer el lugar

exacto en el que estás.

Es el primer disco en el que asumiste el

rol principal de la producción. Después

de haber trabajado con productores importantes,

¿qué sentías que necesitabas

controlar esta vez?

Cada experiencia en el estudio fue distinta

a la anterior. Cada una dejó un aprendizaje

“ES MUY FÁCIL QUEDAR

ATRAPADO EN LA

INERCIA DEL ‘SEGUIR,

SEGUIR, SEGUIR’”

y, de algún modo, todos esos procesos

confluyeron en este disco. Las ideas

eran específicas y deliberadas: desde

el orden de las canciones hasta cómo

debían sonar ciertos pasajes, incluso la

dimensión visual del proyecto. Existía una

visión clara, y por eso era fundamental

que esa dirección estuviera bien guiada.

Recurrimos a colaboraciones puntuales

en distintos momentos, pero era necesario

que el control creativo estuviera bien

definido.

Asumir la conducción del proceso permitió

que la banda encontrara un resultado

que se sintiera genuino. No creo que

exista una única manera correcta o incorrecta

de encarar un disco. Lo esencial

es confiar en uno mismo y en el método

que mejor dialogue con ese momento

creativo. Como toda experiencia, fue un

aprendizaje. Y ahora el foco está puesto

en el siguiente paso.

UN TINY DESK NO TAN PEQUEÑO

Para pasar por Tiny Desk existen dos

vías posibles: ganar el Tiny Desk Contest,

el concurso para artistas independientes,

o ser seleccionado directamente por el

equipo de NPR Music. Turnstile pertene-

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 33

---

ce a este segundo grupo selecto.

La primera experiencia fue en enero

de 2022, cuando participaron

del ciclo Tiny Desk (Home), una

adaptación del formato acústico,

que surgió como alternativa al confinamiento.

Aquella sesión fue grabada

desde la casa del baterista, y

mostró una versión más contenida

y tímida del grupo.

Sin embargo, ya para septiembre

de 2025 no había excusas. A un

año de los 18 minutos virales de

CA7RIEL & Paco Amoroso, la banda

volvió al escritorio -esta vez en

las oficinas de NPR en Washington

D.C.- con otro peso encima. El set

estuvo centrado exclusivamente en

el nuevo álbum: “Dreaming”, “Sunshower”,

“I Care”, “Never Enough” y

“Birds”. La puesta incluyó piano y

una sección de vientos, acentuando

el costado más expansivo del

disco.

La presentación arrancó con un

registro melancólico, en línea con

el formato del ciclo, pero sobre el

final la dinámica cambió. En “Birds”,

el espacio quedó chico, se armó un

mosh pit improvisado entre estanterías

y Yates terminó subiendose

al escritorio para lanzarse sobre

las personas. Fue el primer “desk

dive” registrado en la historia del

programa.

El Tiny Desk fue un punto de

quiebre. ¿Cómo vivieron ese

momento?

Fue algo muy especial para nosotros.

Mucha gente creció mirando

esos Tiny Desk, así que tener la

oportunidad de hacer uno tenía un

peso simbólico enorme. Cuando

finalmente ocurrió, pudimos invitar

a familiares y amigos al estudio.

Estábamos tocando en el escritorio

de NPR, sí, pero rodeados

de nuestra gente, eso le dio otra

dimensión. Tachamos un pendiente

en la lista, pero compartiéndolo

con quienes estuvieron desde el

principio.

Durante la pandemia habíamos

hecho una versión desde la habitación

de Daniel, algo mucho más

casero. Por eso, poder hacer el Tiny

Desk “oficial” fue cerrar ese círculo.

Durante años existió el debate en

torno a si Turnstile era “lo suficientemente

hardcore”. Hoy esa

discusión parece quedar chica.

¿Sentís que la banda ya superó

por completo esa conversación

sobre el género?

Es una conversación que siempre

va a existir. Cuando el arte entra

en diálogo con la industria y

con distintos marcos de análisis,

34 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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aparecen las discusiones sobre qué

es algo y qué no es, dónde encaja

y dónde no. Esa discusión está

ahí, pero para nosotros nunca tuvo

demasiado peso. Entendemos que

cada quien tenga su opinión, pero

no es algo que resulte especialmente

productivo o determinante

en nuestra forma de funcionar

como banda. Más allá de cualquier

intento de clasificación, lo que

buscamos es ser honestos y fieles

a nosotros mismos en todo lo que

hacemos.

Dijiste varias veces que el hardcore

es, antes que un sonido, una

comunidad. En tu vida cotidiana,

¿seguís siendo primero ese chico

de Baltimore y después músico?

Sí, para mí están relacionadas.

Seguimos viviendo acá. Siempre

amé la música, siempre toqué. En

ese sentido, nada cambió demasiado:

seguimos haciendo lo que

hacíamos al principio, y todavía se

siente natural. Lo más revelador

fue descubrir hasta dónde podía

llevarnos eso. Cuando empezamos,

nunca imaginamos tocar más allá

del bar del barrio. Con el tiempo

se abrieron puertas y decidimos

cruzarlas. Cada oportunidad fue

ampliando el horizonte. Nunca

hubo una división entre el músico y

la persona. Todo está entrelazado,

no hay separación.

Después del gran salto, ¿cambió

tu relación con el ego?

Está en constante cambio. ​Es un

ejercicio permanente de conciencia,

de preguntarte cuál es tu

lugar en todo esto. Venimos de

una escena -la del hardcore- que

trasciende la idea de un género

musical. Es una experiencia que

te ancla, que te mantiene con los

pies en la tierra. Esa base definió la

manera en que pensamos las ideas

y encaramos lo que hacemos. También

moldeó la forma en que nos

percibimos y cómo nos movemos

dentro del mundo que nos rodea.

Creciste escuchando a Blink-182

y años después saliste de gira

con ellos. ¿Qué se siente compartir

escenario con una banda que

marcó tu adolescencia?

Desde que empezamos, nos pasó

con muchas bandas. Es algo muy

hermoso, porque con el tiempo pudimos

tocar o cruzarnos con varios

de nuestros héroes, artistas que yo

escuchaba cuando era chico.

Cuando empecé a involucrarme en

la música, muchas de mis bandas

favoritas estaban formadas por

chicos apenas mayores que yo, que

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 35

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“EL HARDCORE

DEFINIÓ LA MANERA

EN QUE PENSAMOS Y

HACEMOS”

Sí, de hecho, estuve en uno de esos

shows. Cuando tocaron en Vorterix, me

acuerdo que antes de salir al escenario

sonó “I Wanna Dance with Somebody” de

Whitney Houston y se armó un pogo entre

el público. ¿Qué te pasa por la cabeza

cuando ves que la energía del hardcore y

la cultura pop chocan de esa manera?

En un momento así lo que ocurre es pura

energía compartida. Cuando todos están en

la misma sala y la energía se vuelve contagiosa,

algo se activa. La gente estaba celebrando

el simple hecho de estar

ahí, juntos, en un mismo espacio.

Había una excitación colectiva

que se volvió infecciosa. Recuerdo

lo fuerte que cantaba el público

y cómo bailaban. Son instantes

especiales. Y cuando suceden,

conectan con algo muy esencial: la

razón por la que nos reunimos en

una habitación para hacer y vivir

música.

tocaban en los mismos espacios

que yo frecuentaba. La música

sucedía en esas mismas habitaciones,

a pocos metros. Los admiraba

profundamente. Después, claro,

también estaba la música que

sonaba en la radio, pero eso se

sentía más distante, casi como un

universo aparte.

Con el tiempo, ese amor íntimo

con la música, la comunidad y las

bandas de mi entorno empezó a

entrelazarse con esos nombres

que solo escuchaba en la radio.

Todo comenzó a sentirse parte de

una misma escena. Hoy nos sigue

pasando: tocamos en festivales,

conocemos gente y compartimos

canciones con artistas que escuché

toda la vida.

LA NOCHE QUE COMPARTIERON

HORARIO CON MILEY CYRUS

Ahora vuelven a la Argentina.

La primera vez que tocaron en

Buenos Aires fue en Lollapalooza,

con su show superpuesto al de

Miley Cyrus. ¿Qué recordás de

esa experiencia?

Recuerdo que tocamos muy tarde

y en un escenario bastante alejado

del centro del festival. Estaba

nervioso porque cuando coincidís

en horario con un artista enorme,

nunca sabés qué va a pasar. En los

festivales el público se reparte,

cada uno está ahí por algo distinto,

y a veces simplemente te toca el

horario que te toca.

Pero apenas empezamos, todo

cambió. La gente no solo cantaba

las letras: coreaba las guitarras, los

riffs, cada detalle. Eso me sorprendió

muchísimo. Sentí una conexión

inmediata, como estar en casa,

incluso dentro de un festival, que

suele ser un formato más distante,

con escenarios enormes y público

más disperso.

Esa noche se armó algo particular.

Era como si, dentro de todo

el predio gigantesco, se hubiera formado

una pequeña isla con algo propio, especial,

sucediendo tarde en la noche. Lo recuerdo

como un momento realmente único.

¿Y qué significa para ustedes volver a

Lollapalooza?

Estamos muy entusiasmados. Los lugares

donde tocamos dentro de este festival

están entre nuestros favoritos del mundo;

Sudamérica, sin dudas, ocupa un lugar

especial para nosotros. Hace un tiempo,

mientras estábamos escribiendo el álbum,

casi no tocamos en vivo. Aún así, viajamos a

Argentina y Brasil para hacer algunos shows

porque sabíamos que esa experiencia nos

iba a inspirar, que iba a encender algo mientras

trabajábamos en las canciones. Ahora

es la primera vez que volvemos desde que

salió el álbum, y me entusiasma mucho. Se

siente como el momento indicado.

Esta es su tercera vez en la Argentina.

¿Qué les gustaría dejar

después de esta visita?

Me gustaría que dejemos un momento.

Esa hora que tenemos sobre

el escenario, que quede como

algo que valió la pena vivir. Que la

gente pueda estar ahí y sentir que

vivió una experiencia real. Que

haya alegría, entusiasmo, entrega.

Que puedan sentirse conectados

entre ellos y con la música. Eso es

todo.

Si tuvieras que describirle a alguien

en Baltimore cómo es tocar

en Buenos Aires, ¿qué le dirías?

Eléctrico.

Son la portada de Billboard

Argentina. ¿Qué les provoca que

una banda nacida en Baltimore

haya construido un vínculo tan

fuerte con un público a miles de

kilómetros de su propio territorio?

Eso es lo fascinante de la música:

los lugares a los que puede

llevarte. Argentina -y toda esa región-

ocupa un lugar especial para

nosotros. Es uno de los territorios

donde más disfrutamos tocar.

Nos sentimos muy bien recibidos, y

ese tipo de vínculo es algo que no

damos por sentado.

LA VALIDACIÓN DEL MAINSTREAM

El año pasado, Turnstile alcanzó por primera vez el número uno en un ranking general

de Billboard: “Never Enough” encabezó el chart de Alternative Airplay en la

lista fechada el 16 de agosto.

No fue, sin embargo, su primer paso por la cima. El álbum Never Enough ya había

liderado el Top Hard Rock Albums en junio, mientras que Time & Space (2018) se

había ubicado al frente de Heatseekers Albums. En 2021, con el arranque de Glow

On, también ocuparon el primer puesto en Emerging Artists durante una semana.

En Alternative Airplay habían debutado en 2022 con “Mystery”, que llegó al número

8, y ese mismo año “Holiday” alcanzó el 10. Esta vez no se quedaron a mitad de

camino y fueron directo al número uno.

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EL FESTIVAL MÁS ESPERADO POR LOS

AMANTES DE LA MÚSICA EN VIVO

El encuentro alcanza su undécima edición con el pop en el centro, estrenos fuertes y un formato que ya se consolidó

como cita fija del calendario cultural argentino.

POR ANTONELLA LOPREATO

rranca marzo y el Hipódromo

de San Isidro

A

empieza a transformarse.

Por unos días, el ruido de los

caballos queda en pausa y es reemplazado

por esa sensación de

que algo grande está por pasar.

El 13, 14 y 15 de marzo se celebra

la undécima edición de Lollapa-

looza Argentina. Lo que hace un

tiempo era un sueño, impulsado

por Perry Farrell, hoy es parte de

la agenda cultural porteña.

Alrededor de cien artistas, entre

figuras globales y locales, animarán

tres jornadas y cinco escenarios

que sirven como una foto

de lo que suena en todos lados

Mujeres al mando

del lineup

Por primera vez, la grilla tiene diez nombres compartiendo la cima

y la mayoría pertenecen al pop liderado por mujeres. Durante

años, Lollapalooza sostuvo un equilibrio casi equitativo entre rock,

electrónica y urbanos en ascenso, pero esa lógica fue cambiando.

En esta edición, Sabrina debuta como headliner y la distancia con

aquella aparición en River en 2023, todavía bajo la sombra del fenómeno

Taylor Swift, es notoria. Hoy llega con una identidad desarrollada

y su nuevo disco de estudio Man’s Best Friend.

Por su parte, Chappell y Doechii llegan por primera vez al país:

una con una puesta escénica atravesada por lo queer y otra con

una versatilidad rapera que descomprime el dominio pop. Mientras

que Lorde regresa con Virgin, más de una década después de

aquella primera edición de 2014, cuando presentó Pure Heroine.

y los géneros que están peleando

por quedarse con el centro.

En la cima de la grilla aparecen

Sabrina Carpenter, Tyler, The

Creator, Chappell Roan, Deftones,

Skrillex, Lorde, Doechii,

Turnstile, Lewis Capaldi y, como

único representante argentino en

esa primera línea, Paulo Londra.

Aunque el formato se mantiene

estable, cada año el

festival apuesta por nuevas

experiencias. Por eso, repasamos

seis claves de esta edición

que ayudan a entender

por qué sigue siendo el evento

más esperado del calendario

para miles de fanáticos.

Un mini festival dentro del festival

Los chicos también tienen su

territorio propio. Topa, Panam

y Piñón Fijo encabezan la programación

de Kidzapalooza. La

propuesta suma talleres y espacios

interactivos pensados para

que la experiencia no sea solo

mirar, sino participar. Está la Escuela

de Rock, donde pueden

probar instrumentos; la Look

Station, que los convierte por un

rato en rockstars; y la Escuela

de Rap, dedicada a jugar con rimas

y ritmo.

FOTOS: ARCHIVO BILLBOARD ARGENTINA

38 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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EN

CIFRAS

2014

El año en que se realizó por

primera vez Lollapalooza

Argentina. Fue el 1 y 2 de abril,

con Red Hot Chili Peppers

y Arcade Fire como grandes

imanes de convocatoria.

3

Las jornadas que dura el

festival. La primera vez fue en

2018, una expansión pensada

para alojar más artistas, más

escenarios y una asistencia en

aumento.

300 mil

Fueron los asistentes en

la edición de 2025. Olivia

Rodrigo, Justin Timberlake,

Tool y Shawn Mendes

fueron algunos de los artistas

destacados del año pasado.

91

La cantidad de artistas que

participarán este año de

Lollapalooza Argentina,

incluyendo a quienes animan el

espacio Kidzapalooza.

El factor Tyler, The Creator

Este año el festival suma un debut fuerte: el rapero

llega por primera vez a la Argentina con una novedad

como Don’t Tap The Glass bajo el brazo. Nacido en California

y salido del colectivo Odd Future a comienzos

de los 2000, es una de las figuras más influyentes del

hip hop contemporáneo. El quiebre llegó con Flower

Boy (2017) y se consolidó con Igor (2019): discos que lo

posicionaron como productor, compositor y narrador

capaz de mezclar vulnerabilidad, soul, funk y electrónica.

En San Isidro, esa combinación promete uno de los

shows más esperados del fin de semana.

Ratones Paranoicos y el rock al frente

Si algo caracteriza a Lollapalooza Argentina a lo largo

de su historia es de rendir tributo a las leyendas del

rock argentino. En ediciones anteriores hubo shows

de Fito Páez, León Gieco, Pedro Aznar y Litto Nebbia,

entre otros. Esta vez, el turno es para la legendaria

agrupación que este año celebra los 40 años de su álbum

debut. Y para la cita, prometen desempolvar muchos

de esos clásicos transgeneracionales que seguramente

levantarán más de un pogo en el Hipódromo de

San Isidro. Otra banda clásica que tendrá su momento

en Lolla es Massacre, quienes en este 2026 también

festejan cuatro décadas de recorrido.

Los sideshows calientan la previa

Como ya es parte de su dinámica,

el evento extiende la experiencia

con una serie de shows

paralelos que funcionan como

anticipo y expansión de la grilla

principal. Son recitales que permiten

ver a varios de los nombres

del cartel en formatos más

cercanos, antes del despliegue

masivo del fin de semana central.

Este 2026 la previa la arman

DJO, Ruel, Blood Orange, Royel

Otis, TV Girl, Men I Trust,

Judeline y Guitarricadelafuente.

También Brutalismus 3000 y

Six Sex, que comparten fecha y

prometen una noche más intensa

que introductoria.

FOTOS: GENTILEZA LLAPALOOZA ARGENTINA

El festival, en pantalla

También se puede seguir en tiempo

real desde casa. El festival se

transmite en vivo por streaming y

televisión, con acceso a los shows

de todos los escenarios, entrevistas

y contenidos exclusivos durante los

tres días. En Argentina, la cobertura

oficial está a cargo de Flow. La

transmisión se podrá ver a través de

sus canales dedicados (del 605 al

608) además de la app y la web de

la plataforma, que ofrecerán programación

especial a lo largo de

todo el fin de semana.

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 39

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Cuatro discos sobre la vida en la gran ciudad

Gorillaz, Sleaford Mods, Nacho Vegas y Florencia Ruiz cuentan cómo se vive atravesados por la espiritualidad, el trabajo,

la política y el amor.

POR FACUNDO ARROYO

THE MOUNTAIN

GORILLAZ

La vida en la gran ciudad a través de la fuga y la espiritualidad queda en manos de la banda animada con

puerto en Londres. Damon Albarn convierte ese horario de oficina inglés y tecnología en algo espiritual.

Algo conectado a la tierra y a una pariente silenciosa, la montaña. Para eso, el aire hindú a través del apellido

Shankar (la hermana de Norah Jones e hija de Ravi) se hace presente desde el primer track y el sonido

africano se concentra a través de la instrumentación autóctona y sus distintos sonidos. The Mountain,

cantado en varios idiomas, tiene innumerables colaboraciones de, particularmente, artistas que fallecieron.

La voz fantasmagórica de Tony Allen (1940-2020), que aparece en la onírica y profunda “The Hardest

Thing”, funciona como el rezo final hacia la tierra prometida para Gorillaz. Algo así como descubrir la esencia

del corazón del afrobeat huyendo de la ciudad. También colaboran los argentinos Bizarrap y Trueno

en las canciones más pop. Este noveno disco se abre hacia la mixtura africana pero está condensado en

la identidad sonora de la banda. Uno de sus rasgos esenciales es la voz cansina de Albarn (de 2-D) y su

crónica eterna para la composición deseando que a la ciudad le salga una montaña entre los edificios.

The Demise of Planet X

SLEAFORD MODS

La vida en la gran ciudad a través del trabajo queda en manos del dúo de electro-hip hop oriundo

de Nottingham. Una canción de Sleaford Mods tiene la fuerza de Brienne de Tarth. Por eso tiene

todo el sentido que “The Good Life”, la que le da apertura al LP, tenga como protagonista del video

a la mismísima actriz Gwendoline Christie. Y como la hospitalidad se forja en la clase trabajadora,

los muchachos hasta la invitaron a cantar desde el lado más salvaje para líneas como: “Lo único

que no te dicen, si llegás a algún lado con una idea, es la cantidad de bastardos cursis que vienen

detrás de vos”. El decimotercer disco de SM está lleno de viñetas crudas y directas sobre el hastío

y la explotación del mundo moderno, la alienación urbana. Siempre parados desde el industrialismo

mental (la tradición de Oasis trasladada a las pistas de una pc), los 13 tracks abandonan en

términos musicales el filo del rap y van directo a la esencia postpunk. O como dicen ellos: punkhop

para las clases trabajadoras.

Vidas Semipreciosas

NACHO VEGAS

La vida en la gran ciudad a través de la política queda en manos de Nacho Vegas y su décimo disco

solista. En esta ocasión, el compositor asturiano abandona un tanto la ironía y el despliegue poético

para ponerse terrenal y territorial. Explícito ante todo. Con visión histórica, Vegas recorre la tradición

de la geografía española y destaca algunas voces (desde su madre hasta referentes políticos de

izquierda) para plantar bandera y sumergirse en una disputa musical hiper ideológica. Aún así, “Tiempos

de lobos” responde a la balada clásica de su obra. No abandona su reflexión sobre el acecho

de la derecha en el mundo pero también podría estar hablando de cuestiones trascendentales, por

ejemplo, claro, el amor. “Estoy brutalmente solo”, dice antes de llegar a “Deslenguarte”, el momento

más delirante con un invitado ideal para eso: Albert Pla.“Siempre canto a favor de estar en contra”,

dice en “Los asombros” un tema de Mikel Laboa mientras los fans escuchan algo desorientados la

literalidad del poeta.

PLATEADA

FLORENCIA RUIZ

La vida en la gran ciudad a través del amor queda en manos de Florencia Ruiz y su doceavo disco

solista. El mood etéreo y experimental en la canción de Ruiz es el hilo conductor de su obra. En este

caso, cantada por otros por primera vez (hay invitados de trascendencia que van de Leo Maslíah

a Fernando Cabrera y Liliana Vitale, entre otros) y a 25 años de su disco debut. Sin ir más lejos, el

punto de partida fue el espejo entre Plateada y Centro. “Entrar y salir, darlo vuelta, mirarme e intentar

encontrar aquella que fui en esta que soy hoy”, dice la compositora de Haedo. En tanto a las canciones,

en “Carta al sol” susurra: “Te vi cantar la melodía del amor” mientras el gran Quique Sinesi construye

un arpegio como si fuera el goteo de un río entero. En “Nunca he de olvidar”, Florencia asegura

que a la ciudad no tenés que atravesarla para soñar, lo hace con el respaldo de la violade Elizabeth

Ridolfi. Ella asegura que en “El tropiezo” y “Vivir acá” también está hablando sobre el amor. Plateada

como su pelo y la lágrima del disco de Charly García.

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Margarita presentó “Cenizas”, una canción

que palpita una nueva temporada

La nueva canción adelanta el clima de la segunda parte y el crecimiento de sus protagonistas, en la previa al

lanzamiento que se verá por HBO Max.

POR GABRIEL SOTELO

ora Bianchi y Toti Spangenberg

atraviesan un presente

M

donde conviven vértigo, gratitud y la

sensación persistente de estar viviendo

algo que todavía cuesta dimensionar.

La salida de "Cenizas", nuevo

adelanto musical de Margarita, funciona

como una puerta directa a esa

etapa donde los personajes crecen,

la historia se vuelve más compleja y

ellos, como intérpretes, se permiten

habitar zonas más profundas.

La canción aparece como el segundo

gran tema romántico entre

Margarita y Merlín, el nombre de

los personajes de ambos, dentro de

la segunda temporada. Un punto

emocional fuerte que, según cuentan,

representa con bastante fidelidad

lo que atraviesan los personajes

hoy. “Es una canción que muestra

muy bien la historia de ellos en la

segunda temporada”, explica Toti

en charla con Billboard Argentina.

Mora coincide y lo dice sin dudar.

“Para mí es de mis favoritas de todas

las temporadas. Está fácil en un

top dos o top tres”.

Con la primera temporada ya

convertida en fenómeno, la expectativa

es inevitable. Ambos reconocen

que la vara está alta. “Nos

mal acostumbraron”, dice Toti entre

risas. Mora lo sintetiza con claridad.

“La vara está en el cielo”. Aún así,

sienten que el crecimiento de la historia

acompaña esa exigencia. “Los

personajes crecieron, la música creció

y eso hace que todo sea un poco

más desafiante. Es un combo lindo”,

completa ella.

Ese crecimiento también se filtra

en la manera en la que construyen

a Margarita y Merlín. Mora siente

que su personaje y ella se retroalimentan.

“Me representa muchísimo

y aprendí mucho de Margarita.

Y siento que Margarita también

aprendió cosas de mí”. En el día a

día, reconoce que el personaje se le

pega. “Entreno tanto a Margarita

que después empiezo a usar palabras

de ella y mis amigas se ríen”.

Toti encuentra su punto de contacto

desde otro lugar. “Merlín es más

tranquilo, más medido. Me llevé su

forma de hablar, su vocabulario. Es

un príncipe, habla lindo, e intenté

robarle eso”.

"Cenizas" llega como síntesis de

ese recorrido. Una canción de amor,

pero también de dudas, miedos y

entrega. Un reflejo de un universo

que se expande y de dos intérpretes

cada vez más cómodos habitando la

complejidad.

La expectativa por "Cenizas" está

puesta, sobre todo, en la conexión

con el público. “Ojalá la reciban con

el mismo amor con el que la hicimos”,

desea Toti. Mora siente que

la canción ocupa un lugar especial.

“Representa algo muy fuerte de esta

etapa de Margarita y Merlín”.

Con la fama ya instalada, ambos

coinciden en que lo que más cambió

es la manera de mirarse. “Aprendí

a entender que esto es un sueño,

pero también un trabajo”, reflexiona

Mora. “No castigarme cuando me

siento mal”. Toti agrega que hoy lograron

un equilibrio. “Entre la exposición

y nuestra vida real”.

El contacto con los fans sigue

siendo lo más impactante. Mora

cuenta que lo que más la conmueve

es “cuando alguien llora al verte y te

agradece por la historia”. Toti coincide.

“Saber que generás algo así siendo

una persona normal es increíble”.

Cuando se les pregunta por el

mundo soñado que aparece en la letra

de "Cenizas", Mora lo define con

simpleza. “Vivir de lo que amamos,

compartirlo con amigos y disfrutarlo”.

Toti suma un deseo corto y

contundente. “Que dure”.

Entre sueños, miedos, abrazos

recientes que todavía emocionan y

canciones que funcionan como refugio,

Mora y Toti transitan un presente

donde todo parece estar pasando

al mismo tiempo. "Cenizas"

no sólo anticipa una nueva temporada.

También captura ese instante

frágil y poderoso donde el amor, la

búsqueda y el crecimiento conviven

en una misma llama.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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Juana Molina

"DEJÉ DE

ESCUCHAR

MÚSICA HACE

AÑOS

Y NO ME

ENORGULLECE"

En el marco de Camping Bariloche, la artista conversó sobre DOGA, el

silencio y ese “embale” que todavía la empuja a hacer música.

POR ANTONELLA LOPREATO

A

finales del año pasado, distintas

escuchas confluyeron y el consenso

crítico se armó solo. DOGA, el

octavo disco de estudio de Juana Molina,

empezó a aparecer una y otra vez en

los rankings de cierre de temporada. De

Buenos Aires a Nueva York, en redacciones

acostumbradas a disentir, el álbum fue

destacado de forma consistente entre los

favoritos. “Inmersivo”, “encantador” y el ya

clásico “muy Juana” circularon como rótulos

compartidos en las críticas. Entre ellas,

Billboard Argentina, que lo ubicó en su

Top 50 del 2025.

No es la primera vez que la artista entra

en ese club selecto del periodismo

musical. En 2004, Tres cosas recibió un

reconocimiento similar cuando The New

York Times lo eligió entre los discos del

año, en una lista donde también aparecían

American Idiot de Green Day y Medúlla

de Björk. Pero esta vez el aplauso la

encuentra en otro estado, más sensible y

-raro en ella- un poco nerviosa respecto a

la mirada ajena. “Tenía miedo de que dijeran:

‘¿Por qué esta vieja no se quedó en su

casa?’”, dijo entre risas, minutos antes de

subir al escenario en Camping Bariloche,

en una fecha compartida con Los Besos y

Nunca fui a un parque de diversiones el

pasado 1ro de febrero.

El sincericidio descoloca, sobre todo en

boca de alguien que explotó en la televisión

de joven con Juana y sus hermanas,

giró con David Byrne, creció en una familia

histórica y armó una carrera internacional

sin correr detrás del marketing. Tal vez

ahí esté la explicación de los ocho años

que separan a Halo (2017) de este disco.

Las ganas de lanzar nuevo material volvieron

en pandemia. Venía cansada —“La

música me aturdió”, comenta— y el silencio

se había convertido en una compañía

más excitante que cualquier vinilo girando

de fondo. En ese repliegue, sin embargo,

algo empezó a moverse: volvió a escuchar

obras de los sesenta y setenta y apareció el

“embale”, como lo llama ella, ese estado en

el que una idea llama a la otra y ya no hay

forma de frenar.

Grabó más de treinta horas de improvisaciones

junto al músico Odín Schwartz

y, con Emilio Haro en producción, destiló

todo ese material hasta dejarlo en cincuenta

y cinco minutos, organizados en diez

canciones. DOGA suena a muchas cosas

sin parecerse a ninguna. Aparecen sintetizadores,

guitarras procesadas y capas

rítmicas en permanente mutación. Es un

trabajo abiertamente experimental, con

una inclinación hacia sonidos que remiten

a la fauna y la flora, donde las letras operan

como otro instrumento, están ahí para que

algo se active alrededor. Trabaja en un territorio

propio, con reglas que se inventan

sobre la marcha.

Estás en plena gira de DOGA, el disco

que lanzaste en noviembre del año pasado.

¿Qué te enseñó el álbum una vez que

empezó a sonar en vivo?

Todavía estoy en una etapa muy cercana al

disco. Las canciones se parecen bastante

a cómo están grabadas. Con el paso

del tiempo suelen mutar: aparecen partes

nuevas, otras desaparecen. Pero ahora estamos

resolviendo muchas cosas para que

suenen más o menos como en el álbum,

así que sigo bastante fija en la estructura

original.

Creo que con los meses, o con los años,

van a empezar a cambiar, como pasa

siempre. A veces, mucho tiempo después,

escucho una canción y digo: “Me había

olvidado por completo de que tenía esta

parte”. Hay músicos que cada vez que tocan

un tema lo hacen distinto, y me encanta

eso.

¿Alguno en particular? Fito Páez suele

hacerlo mucho.

Estaba pensando en una chica con la

que me fui de gira el año pasado, Madison

Cunningham. Toca la guitarra de una

manera increíble. Todo el tiempo le brotan

arreglos nuevos. Las canciones siguen

siendo las mismas, pero cambian muchísimo:

a veces las toca en piano, a veces

en guitarra, y aun así nunca suenan igual.

Incluso, en una misma gira, cada noche las

FOTOS: GENTILEZA CAMPING

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tocaba distinto. Me parece admirable. Lo

lindo de una canción es que conserve su

esencia, y ella logra eso muy bien.

DOGA fue elegido por muchos medios

como uno de los discos del año, incluido

Billboard Argentina. ¿Cómo te llevás con

ese tipo de consenso crítico?

Me gusta, claro. Mentiría si dijera que no.

Te da un calorcito en el corazón. Me dio

mucha alegría la recepción general del disco.

Hacía muchos años que no sacaba uno

nuevo. Tenía nervios, más que expectativas,

por ver qué pasaba. Me daban nervios

comentarios del estilo: “Ay, saca un disco

nuevo después de ocho años… ¿para qué?

¡Se hubiera quedado en su casa!”.

FOTOS: GENTILEZA CAMPING

¿Por qué apareció este disco después de

tanto tiempo?

Hace como cuatro años que decía “tengo

que hacer un disco”. Me ponía a hacerlo y,

por una razón u otra, terminaba descartando

todo lo que había grabado. Nunca tuve

tantas cosas registradas como para este

álbum. Estoy pensando qué hacer con todo

lo que quedó afuera, porque es muchísimo.

A veces, si lo dejás pasar demasiado tiempo,

queda ahí, muerto en la computadora.

No me gustaría que eso pasara.

​Leyendo las críticas de colegas aparece

una idea que se repite bastante: “suena

a Juana Molina”. ¿Qué pensás que hace

que un trabajo tuyo sea inmediatamente

reconocible?

Es una pregunta difícil, porque tendría que

observarme demasiado para encontrar qué

me diferencia de otros músicos. Debe estar

en la manera de tocar, de componer, de

mezclar los sonidos. No hablo de la mezcla

técnica, sino de cómo combino los sonidos

entre sí. Hay algo medio tántrico, una

repetición que no es peyorativa. No es que

vuelve a empezar, sino que cada vez que

pasa es nueva.

Siempre doy el mismo ejemplo, aunque

me aburra: es como una rueda que avanza

por un camino. El camino va cambiando,

y entonces la rueda también cambia. Vas

andando y de golpe hay árboles, después

un lago, después aridez. La rueda sigue

girando, pero el entorno la transforma. Las

nubes no son loops grabados, yo las grabo

en vivo. Es una forma de resolver las canciones

en el escenario. A mí me gusta tocar

eso una y otra vez, pero sabiendo que nunca

es exactamente lo mismo.

Aparecen distintos sonidos: de los 60

y 70, referencias africanas, elementos

autóctonos. ¿Qué estuviste escuchando

en este tiempo?

Tengo esta desgracia de que cuando me

preguntan eso nunca sé qué decir. Siento

que dejé de escuchar música hace muchos

años, y no es algo que me enorgullezca.

Tuve un reencuentro hace cuatro o cinco

años, cuando empezamos a trabajar con

Mario Agustín. Ahí escuché muchísima

música, de golpe, y me dio

una alegría enorme. Era música vieja,

en general: cosas de The Beatles, y

sobre todo material entre el 64 y el

73. Mucha música que podría haber

conocido antes y no conocía. Pero

música nueva, muy poco. Elegí sin

darme cuenta el silencio para que

me acompañe.

Es antipático cuando te preguntan

y no tenés una respuesta del

tipo “escuchen esto, esto y esto”.

Además, no retengo los nombres de

nada. Vivo un poco así. No me gusta

ser así, pero soy así. En algún momento

tendré que asumirlo y aprender

a dar esas respuestas en paz.

“El silencio te permite percibir lo

que está pasando alrededor tuyo”

Antes de pensar la música como

obra, Juana la vivió como entorno.

Creció en una casa atravesada por

canciones, escenarios y discos;

fue actriz desde muy chica y pasó

la adolescencia en París, escuchando

radio de todo el mundo

en plena formación. Tal vez por

eso, para ella la escucha nunca fue

liviana. La música siempre pidió

atención. Y cuando eso se volvió

excesivo, apareció el silencio.

¿Qué te cansó de la música?

Recuerdo las cosas con mucha facilidad.

Entonces la música me gusta

escucharla con concentración. Si

estoy en una casa charlando con

alguien y hay música de fondo, llega

un momento en que no aguanto

más.

No me gusta la música de fondo. Me

gusta escuchar música y sumergirme

en ese mundo, si es que la música

me lo permite y propone. Es un viaje

muy único. No puedo estar distraída,

ni conversando, ni cocinando. Escuché

muchísima música de chica.

Muchísima. Y creo que me saturé. No sé bien

qué me pasó.

¿Y qué te enseñó el silencio?

El silencio me enseñó muchas cosas. Por

ejemplo, que una cosa es el silencio y otra

muy distinta es la música de fondo. El silencio

es como una pared blanca: hay un cuadro,

una ventana, un adorno. La música de fondo,

en cambio, es una pared empapelada con un

motivo, y encima también están el cuadro, la

ventana, el adorno. Ya es demasiado.

El silencio no es que no haya nada. Al contrario:

pasan miles de cosas. Es que no haya

nada de fondo. Que haya mutismo total.

No sé si alguna vez te pasó en la playa, pero

a mí las olas me aturden mucho. Y de repente,

por algún motivo, hay un microsegundo de

silencio. Ese microsegundo me resetea. Después

vuelven las olas, claro, pero ese instante

es clave.

El silencio te permite percibir lo que está

pasando alrededor tuyo.

También a estar con vos misma.

Siempre estás con vos misma. No sé si en el

silencio estoy más conmigo; a veces me siento

más abrumada.

Después de tantos años en el mundo artístico,

¿qué te sigue sorprendiendo de la

industria?

Es un tema brutal. La industria impone, normaliza,

exige. Te quita libertad. Todo lo que no

quiero suele estar relacionado con la industria.

Por ejemplo, no comprendo la obsesión

con el volumen. Hubo un momento en que los

ingenieros de sonido querían que todo sonara

más fuerte. Pero hay una perilla que dice volumen:

la subís y listo. En cambio, se empezó a

comprimir la música de una manera tal que las

voces bajas suenan fuertes, los instrumentos

tocados suave también suenan fuertes. Todo

suena fuerte todo el tiempo. Y se perdió la

dinámica. Si ponés un disco de música clásica

en el auto, hay partes que casi no se oyen.

Eso antes también pasaba en otros géneros.

Hoy no: en un disco escuchás todo al mismo

volumen, todo el tiempo.

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KMI 420

ta, y es una canción que hicimos en 2024 pero

la dejamos en pausa porque sentíamos que era

muy buena como para sacarla sola.

El público se vuelca con vos en el vivo,

hay un gran sentimiento.

Aprecio mucho el cariño de la gente cuando

tocamos acá y afuera también. Tocar en España

o Uruguay y que la gente cante mis canciones

es un flash.

En Cosecha 2001 hay muchas referencias

al hip-hop de los 90’, ¿tenés mucha

conexión con esa música?

La verdad que sí, me crié escuchando 2Pac, Dr.

Dre, Snoop Dogg, Eminem… Quise traer un

poco de eso para acá. La tapa del disco también

tiene una referencia al disco de Wiz Khalifa,

Blacc Hollywood.

Su primer disco, la relación

con Trueno y el hip-hop como

forma de vida

El rapero estrena su álbum Cosecha 2001 en su primer show en

Buenos Aires.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

Qué difícil es conseguir una relación

artística y de amistad como la tuya con

Trueno.

Nos conocemos desde 2012 más o menos, muchos

años juntos. Él venía a mi casa a entrenar

para las batallas y un día decidió volcarse a la

música por completo. Me preguntó si quería

estar con él para abrir los shows y acompañarlo

y no lo pensé dos veces. Así de a poco se

fue dando y fuimos construyendo la relación,

pero de una manera muy familiera… También

cantamos con Pedro Peligro, que es como mi

tío. Me siento en familia en cualquier parte del

mundo.

¿Qué lugar te quedó marcado en la mente

por haber tocado ahí o haber tenido

una gran experiencia?

Hay dos lugares que recuerdo mucho, y los dos

fueron en España. Uno fue Mallorca, que fue

uno de los lugares donde la gente más agitó,

de todo el mundo donde fuimos. Antes de que

las canciones explotaran ya estaban saltando,

gritando… Hoy en día veo los videos y todavía

no lo puedo creer. El otro lugar fue Vigo, era

un evento gratuito y era enorme, realmente

muchísima gente gritando y cantando mis

canciones.

MI420 forma parte de la nueva

K escuela de raperos de la Argentina

que busca dejar su huella a base de

hits, shows en vivo y letras que hablan de problemáticas

y cuestiones sociales que no muchos

se atreven a tocar. Su carrera empezó hace

ya algunos años, donde lo pudimos ver acompañando

a Trueno como su corista y show

apertura a lo largo de la Argentina y el resto

del mundo. “Nos conocimos en 2012 cuando

él batallaba. Cuando se volcó a la música me

preguntó si quería ser su corista y acepté enseguida,

ya son mi familia”, compartió en charla

con Billboard Argentina.

Esos viajes, experiencias y compañía junto al

rapero de La Boca hicieron que KMI encontrase

su estilo propio y pudiera reflejar sus raíces

a base de canciones del estilo de “Hormigas” o

“Como Tú”, presentes ahora en su primer álbum

de estudio, Cosecha 2001. El título hace referencia

al año de su nacimiento y también al recono-

cido disco de Dr. Dre en honor a su hip-hop.

Qué increíble todo lo que pasó y pasará

en este 2026 que acaba de empezar.

Totalmente, cada año evolucionamos un poco

más y este es el más heavy hasta el momento.

En diciembre estrené mi primer álbum, Cosecha

2001 y ya está por llegar al millón de reproducciones,

lo que es un flash para mí.

Cerrar el año con el álbum es un gran

mensaje para tu público, demostraste

que no descansaste.

Gracias, era un poco la idea porque no presentamos

todo el disco de una, desde julio fuimos

tirando cortes para ir adelantando lo que estaba

por llegar. Cuando haces un disco nunca

sabes cómo va a terminar; la idea original

posiblemente no tenga nada que ver con el resultado

final. El último video que sacamos fue

“Hormigas”, uno que personalmente me encan-

Tu show será espectacular, imagino

muchas sorpresas.

Ojalá sea así, encima tenemos dos artistazos de

apertura, DJ Palomo y G Latina, que la rompen

mal. Todo Cosecha 2001 y más, el repertorio

lo hicimos pensando en disfrutar y que

la gente disfrute, así que 10 temas solamente

sería poco.

¿Cuál dirías que fue la canción más difícil

para vos dentro del álbum?

Me parece que “Legalícenla”. No quería que el

disco fuera llevado para el lado de la marihuana,

pero sí que hubiera por lo menos una

canción que hablara de ello. Fue la canción

que más presión me puso. A veces me dicen

los chicos: “Me gustaría ir a tu show pero mi

mamá no me deja porque hablás de marihuana”.

Sé que es una responsabilidad pero el

público que me escucha entiende la idea y el

mambo.

FOTO: BILLBOARD ARGENTINA

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compuso un disco gótico

para la nueva adaptación

de Wuthering Heights.

Después del fenómeno de Brat, apuesta por una atmósfera

más oscura, con trece canciones creadas especialmente

para la versión cinematográfica de Emerald Fennell.

POR ANTONELLA LOPREATO

ADA ADAPTACIÓN DE WUTHERING HEI-

C

GHTS, la novela que Emily

Brontë firmó en 1847,

carga con la mochila de los amantes

de la literatura y esa versión

romanizada del “amor imposible”

que la volvió la favorita de muchos

adolescentes. La versión cinematográfica

de Emerald Fennell,

protagonizada por Margot Robbie

y Jacob Elordi jugando a ser

Catherine y Heathcliff, que llega

después del filme de 2011 rodado

por Andrea Arnold, lo comprendió

desde el minuto cero. Aterrizó

en los cines rodeada de polémica

por su escasa fidelidad al texto original

y con una cuota desconfianza,

porque cuando alguien decide

intervenir un clásico, no alcanza

con un casting de tapa de revista:

hay que defender la tesis.

Si hubiera que definir a la directora

en una sola palabra, “sutil” quedaría

afuera sin discusión. Ya lo había

demostrado en Promising Young

Woman (2020) y Saltburn (2023):

filma para provocar. Pero en su

nuevo trabajo redobla la apuesta

y convierte la pasión y la obsesión

en un espectáculo de Broadway.

Linus Sandgren le pone una fotografía

que embellece hasta el

barro, Suzie Davies arma escenarios

cargados, y la banda sonora

empuja todo al frente: la partitura

grandota de Anthony Willis

se mezcla con las canciones de

Charli XCX y no deja un segundo

de respiro.

La cantante británica ya había

coqueteado con el séptimo arte,

componiendo para distintas películas.

Esta vez, se comprometió

con un álbum completo, trece

temas pensados a medida para el

universo del filme. Todo empezó

en diciembre de 2024, cuando

Fennell le pidió una canción en el

momento exacto en que Charli

salía del huracán Brat (2024). Venía

de atravesar el pico de exposición

y el elogio unánime. Sin embargo,

según aseguró en redes sociales,

sentía un vacío artístico. Fue la

lectura del guión la que le devolvió

el impulso creativo. De repente, lo

que iba a ser un encargo puntual

tomó otra dimensión, y junto al

productor Finn Keane, su colaborador

habitual, empezó a escribir

nuevos temas durante los tramos

del Brat Tour.

“Cuando pienso en Cumbres borrascosas,

pienso en la pasión y en

el dolor. Pienso en Inglaterra. Pienso

en el barro, en el frío. Pienso en

la determinación, en esa tenacidad

que no pide permiso”, escribió en

Instagram. Todo eso atraviesa el

disco, de punta a punta. A diferencia

de lo último que venía entregando,

Wuthering Heights no es

un trabajo pensado para la pista de

baile, pero tampoco encaja en la

idea clásica de soundtrack, al estilo

Phil Collins. Hay una búsqueda

más emparentada a Nine Inch Nails,

Shakespears Sister, The Cure

y Kate Bush. Un sonido crudo, áspero,

con una veta industrial que se

entrelaza con un neo pop oscuro y

cierto aire de rock gótico.

La primera canción que se conoció

y también la que abre el

tracklist es “House”, que recuerda

a la época How I’m Feeling Now

(2020); de hecho, el videoclip fue

dirigido por Mitch Ryan, el mismo

de “Party 4 U”. Se trata de un tema

que marca territorio con distorsión,

en colaboración con John

Cale, compositor y cofundador de

The Velvet Underground. Según

contó la propia artista, la canción

nació después de ver el documental

de Todd Haynes sobre el

grupo comandado por Lou Reed.

“Como muchos saben, soy fan absoluta

de la banda y el documental

me dejó hipnotizada. Me quedó

grabado algo que dice Cale sobre

el sonido: para él, una canción

tenía que ser, al mismo tiempo,

elegante y brutal”, señaló. La frase

le quedó dando vueltas, le mandó

el tema al músico y la historia tuvo

final feliz. El galés terminó sumándose

con un pasaje spoken word

que le agrega densidad y un clima

fantasmal.

El disco va por ese carril, un

registro inestable con cambios

de temperatura constantes. Por

ejemplo, en “Wall of Sound”

asoma una Charli más contenida

y menos eufórica. La letra se

mete con el autosabotaje y con

esa demanda de validación que

nunca alcanza, incluso cuando

parece satisfecha. También con

la paradoja de desear algo con

fuerza y, al mismo tiempo, sabotear

el impulso justo antes de

concretarlo. El péndulo vuelve a

moverse con “Chains of Love”.

Escrita junto a Keane y Justin

Raisen -pieza clave en la era True

Romance (2013) y Sucker (2014)-

retoma el synth-pop de sus primeros

años.

Después del bombazo de Brat,

repetir la fórmula hubiera sido

lo más lógico, pero la británica

parece estar en otro plan y la

producción de Fennell encuentra

en estas canciones un complemento

ideal. Las intros y outros

complementan las escenas, los

climas se cocinan a fuego lento y

la voz de Charli opera como narradora

más. No sabemos todavía

si es un paréntesis, un desvío

o el comienzo de una etapa más

oscura y realista. Lo interesante

es que ella no parece preocupada

por cómo se leerá este álbum

dentro de su discografía.

FOTO: PAUL KOOIKER

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EMANERO

“HAY QUE

EMPUJAR

EL TECHO

LO MÁS

ARRIBA

POSIBLE”

El cantante habla sobre su

nuevo momento creativo, el

proceso detrás de su nuevo

disco Todo por un beso y las

canciones que lo atraviesan.

POR GABRIEL SOTELO

MANERO ATRAVIESA UNO DE LOS MO-

MENTOS más particulares de

E

su carrera. Cerró el 2025

con un show junto a un cuarteto

de cuerdas, comenzó este año

con un disco nuevo y mira hacia

adelante con la idea fija de seguir

probando formatos, estéticas

y caminos. No como gesto decorativo,

sino como una decisión

consciente de movimiento

permanente.

“Lo mal llamamos sinfónico,

pero la intención es clara. En algún

momento quiero hacerlo de

verdad, en un lugar grande, con

venta de entradas y todo”, dice en

diálogo con Billboard Argentina

acerca del formato que probó a

fines del año pasado.

Ese mismo espíritu atraviesa su

presente creativo. Un álbum nuevo,

Todo por un beso, que no responde

a la lógica de la urgencia ni

a la obsesión por el hit inmediato,

sino a la necesidad de armar un

cuerpo de canciones con matices.

No todo tiene que ser arriba,

no todo tiene que ser bailable, no

todo tiene que ir al palo. El disco

aparece como un permiso.

Detrás de ese presente hay

una historia de caída, reconstrucción

y una canción bisagra que

cambió todo. “Bandido” aparece

una y otra vez como ese punto de

inflexión que lo devolvió al centro

del juego cuando parecía estar

saliendo por la tangente. Hoy,

con giras por delante, canciones

nuevas y un vínculo más amable

con su propio recorrido, Emanero

parece haber encontrado algo

que no siempre tuvo. Paciencia. Y

ganas de seguir probando.

Cerraste el año con una experiencia

sinfónica y arrancás este

con un disco. ¿Qué te despertó

ese cruce de formatos?

Tenía ganas de probar. Queríamos

hacer algo distinto para

fin de año, un contenido medio

acústico, medio unplugged, y se

nos ocurrió meter un cuarteto

de cuerdas. No es técnicamente

un sinfónico, para eso tiene que

haber muchas más cosas, pero lo

mal llamamos así. La idea es que

en algún momento de este año

podamos hacer un sinfónico de

verdad, en un lugar grande, con

venta de entradas y todo.

¿Te sorprendiste al escuchar tus

canciones en esa versión?

No tanto porque ya las conozco

bastante, las produzco yo. Pero

sí pasa algo cuando alguien ajeno

les da una vuelta. El contraste

suele funcionar en el arte. Agarrar

algo que estás acostumbrado a

escuchar súper arriba y bajarlo un

montón genera cosas nuevas. Si

la canción está bien armada, debería

funcionar con una guitarrita,

con una banda de metal o con un

cuarteto de cuerdas.

La elección del repertorio

también fue particular. Incluso

mostraste canciones del nuevo

disco.

Fue bastante personal. Un unplugged

es distinto a un show en

una arena. Es más calmado, hay

más silencio, la gente está más

mirándote. Necesitaba canciones

en las que me sienta cómodo

cantando porque la situación de

televisión, todo filmado en vivo,

me da un poco de timidez. Elegí

un setlist que me ayude a estar

arriba y entretenido.

Y hubo muchos invitados.

Sí, se sumaron varios. BM, Valentino

Merlo, Antonio Ríos, Pablo

Tamanini y La K’onga, Abel

Pintos... Fue fin de año y todos

estaban complicados, pero hubo

mucha generosidad y eso aportó

algo súper lindo.

”Bandido” aparece siempre

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un número excelente. Mi

hermana me lo hizo entender.

Me dijo “esto está andando

más que bien, miré

los números de otros lanzamientos

y este los supera a

todos”. Ahí caí.

como un punto de quiebre en tu historia.

¿Cómo lo recordás hoy?

Yo estaba bastante mal. Venía de casi

haber abandonado la música para dedicarme

a algo que me dé algún ingreso

porque post pandemia mi proyecto

había quedado muy golpeado. En 2021

seguí sacando canciones, incluso saqué

un disco que se llamaba Chernobyl, que

sinceramente me encantaba, pero era

consciente que ya había muchas cosas

que no estaban funcionando y es muy

difícil sostener algo cuando no te acompañan

los números ni la gente.

¿Sentías que estabas cerrando una

etapa?

Sí. Iba a seguir haciendo música toda la

vida por amor, pero quizás no más con

expectativa. En ese momento mi vecina,

que hoy es mi manager, me golpea

la puerta para pedirme si podía componer

canciones para otros artistas. Le

compuse algunas, le gustaron, y le pedí

si no me quería representar. Me dijo que

sí, que le avise cuando tenga algo así lo

veíamos.

Y ese algo fue “Bandido”.

Exacto. Lo escribí una tarde, se lo llevé, le

gustó, se lo mostré a FMK y él me escribió

diciendo que se quería subir. Después se

sumó Rusher, Estani, luego le dimos a Big

One la producción y salió todo bastante rápido,

no creo que haya sido más de un mes.

¿En ese proceso volviste a

ilusionarte?

Sí, pero sin dimensionar.

Sabía que Rusher y FMK

estaban en la cresta de la

ola, sabía que podía andar,

pero reitero: no dimensionar

la cuestión. Tampoco

conocía tanto de número,

para mí que tenga un millón

en tres días era un número

lindo, pero no sabía que era

Mirando para atrás, ¿por

qué sentís que la vida te

dio otra chance?

No lo sé. Creo que me alineé

un poco más con un

mercado más popular. No

siento que esté haciendo

mejores canciones que antes.

Pero también entendí

algo. Hay que empujar el

techo lo más arriba posible,

pero también subir el piso,

para no caer tan abajo.

Desde lo místico prefiero

no analizarlo.

En tus shows seguís dándole

un lugar importante

al rap…

Porque es lo que empecé

siendo. Quizás no me fue

tan bien, pero eso también

soy. Hubo un momento

entre 2012 y 2014 donde

dentro del nicho me fue

excelente. Después todo

cambió, el algoritmo, el

sonido, el clima. Yo no me amoldé y me

quedé afuera.

”Whisky”, dedicada a tu papá, es uno

de los momentos más sensibles del

show. ¿Te cuesta cantarla?

Sí. Si llego a pensar lo que no tengo que

pensar durante esa canción, se me puede

quebrar la voz. Mucha gente la escucha

y piensa en su viejo, en un abuelo, en

alguien que ya no está.

TODO POR UN BESO, NUEVE

CANCIONES QUE CUENTAN

UNA HISTORIA

Pensado como un cuerpo y no como una

suma de singles, el nuevo álbum nace

de una incomodidad concreta. “Cuando

saco canciones sueltas, entro en una rosca

medio tóxica de querer buscar el hit

todo el tiempo. La lógica del disco viene

a romper ese automatismo. A correrse

del mandato de que todo tenga que funcionar

de inmediato”.

Ese corrimiento habilita un mapa de intensidades.

“Poder hacer algunas canciones

arriba, otras en el medio y otras más

tranquilas”, dice. El título también nace

desde ahí. “Todo por un beso puede ser

estar recontra enamorado o estar destruido.

Puedo decir que haría todo por

un beso en una situación feliz o en una

situación triste”.

Más que un disco pensado para romper

récords, el objetivo es otro: “Me

gustaría que estas canciones se vuelvan

repertorio. Que las toquemos mucho,

que la gente las cante y que se metan

dentro del show de manera natural”. El

disco comparte nuevas colaboraciones

con artistas de la talla de David Bisbal y

Luciano Pereyra que comparten “La peligrosa”,

L-Gante en “Romantiko”, Ángela

Leiva que se sumó a “Podes pedirme

perdón” y un junto con Los Caligaris en

“100pre te amaré”. La presentación oficial

de este trabajó será en el Movistar Arena

el próximo 9 de abril para darle comienzo

a la gira que lo llevará a recorrer todo

el país, Uruguay, Chile y España.

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V

VIVO

// NICKI NICOLE

Nicki Nicole iluminó el Teatro Colón con un espectáculo

sinfónico concebido como una experiencia integral,

donde música, narrativa y emoción se entrelazaron en

formato conceptual. Bajo la dirección de Nico Sorin y

junto a más de 70 músicos, resignificó canciones como

“Colocao” y “Wapo Traketero”, explorando capítulos

sobre memoria, heridas y reconstrucción. Hubo invitados

que ampliaron la escena: Milo J, Cazzu y Jorge Drexler.

Más que un concierto, fue una expansión artística que

marcó un hito generacional en uno de los escenarios más

prestigiosos del mundo.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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VIVO

V

SIN BANDERA //

En el Día de los Enamorados, el dúo volvió a Buenos

Aires para presentarse en el Movistar Arena y selló un fin

de semana histórico con miles de fans que cantaron de

principio a fin. “Entra en mi vida”, “Kilómetros”, “Sirena”,

“Que lloro” y “Mientes tan bien” confirmaron que el vínculo

forjado durante décadas sigue intacto. Leonel García y

Noel Schajris repasaron himnos generacionales y sumaron

nuevas canciones como “¿Qué culpa tiene ella?” y “Nunca”,

de su disco Escenas, lanzado el 5 de febrero, que ya asoman

como nuevos clásicos. Con una química vocal inconfundible

y emoción compartida, agradecieron al público argentino y

anunciaron que regresarán para cerrar el Escenas Tour con

un show final que promete ser histórico. Así, en Argentina se

escuchará el último acorde de esta gira.

FOTO: NICO ITAI

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V

VIVO

KE PERSONAJES //

Emmanuel Noir desembarcó en Pinamar con sus

mayores éxitos junto a su banda. En un show de más

de una hora y media bajo el marco de la tercera fecha

de Pina Music Fest, el grupo de cumbia interpretó

“Adiós”, “Ke Mujer”, “Ya No Vuelvas” y “Piel”, entre otras,

y demostró por qué sigue siendo una infaltable en los

festivales del género.

Noir dedicó unos minutos también para agradecer a las

más de 10 mil personas presentes en Camarones Rugby

Club y dejar un mensaje claro: “Vivamos el presente.

No sabemos cómo vamos a estar mañana, así que

disfrutemos todos juntos y cantemos con el alma”.

FOTO: POPI GRAÑA

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VIVO

V

FOTO: MARIANO KAPLAN

// THE HIVES

La banda sueca que encabeza el líder carismático

Howlin’ Pelle Almqvist renovó el romance con el público

argentino a través de un enérgico y rockero show en el

Teatro Vorterix. La novedad de The Hives Forever Forever

The Hives marcó la tónica de la noche, ya que abrieron

y cerraron con dos de sus canciones más recientes:

"Enough Is Enough" y la homónima "The Hives Forever

Forever The Hives". En el medio, una descarga que nunca

aflojó en intensidad, incluyendo los infaltables hits “Hate

to Say I Told You So” y “Main Offender”, que convirtieron el

reducto de Colegiales en una olla a presión.

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V

VIVO

// MY CHEMICAL

ROMANCE

Tras 18 años de su última visita, la banda

liderada por Gerard Way desplegó un

setlist poderoso en un show totalmente

agotado en el Estadio Huracán, frente

a más de 37 mil personas. El regreso se

dio en el marco de la gira latinoamericana

celebrando el legado de su álbum The

Black Parade, publicado en 2006.

Desde el primer acorde, generaron una

conexión inmediata y emotiva con su

público, que acompañó cada canción

con una intensa ovación. Clásicos como

“Welcome to the Black Parade”, “I’m Not

Okay (I Promise)”, “Helena” y “The Ghost

of You” convivieron con momentos más

oscuros y contundentes.

FOTO: GALLO BLUGUERMANN

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VIVO

V

FOTO: LUXIOLMOS

// K4OS

Integrada por Tau, Ine, Mechi y Lily, la girl band argentina presentó oficialmente

su álbum 4EVER en un show de altísimo impacto visual y sonoro en el Teatro Gran

Rex. A través de diez funciones y con una puesta ambiciosa que combinó música,

narrativa y emoción a lo largo de todo el espectáculo, las chicas convirtieron el

teatro en un parque de estímulos donde la música fue apenas el punto de partida.

La puesta en escena mutó canción a canción con cambios escenográficos

constantes, vestuarios que aparecían y desaparecían, humo que envolvía cada

golpe de efecto, juegos lumínicos en el momento justo y lluvias de papelitos que

sellaron varios de los clímax de la noche. La energía fue sostenida durante una

hora y media, sin pausas. “Tan fácil”, “Crimen”, “Censura” y “Rage” fueron algunas

de las canciones que encendieron cada noche en el Gran Rex.

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V

VIVO

THE CARDIGANS //

La banda sueca y sus inoxidables hits noventosos

sonaron por primera vez en vivo en Buenos Aires, con la

sala del Teatro Coliseo a tope.

Las melodías de “Carnival”, “My Favourite Game”, “Erase/

Rewind”, “Communication”, “For What It’s Worth” y “You’re

the Storm” fueron redobladas por un coro popular. Aunque

no al nivel de, claro, el esperado “Lovefool”, máximo pico

de euforia colectiva en la noche del 12 de febrero.

Para redondear el feedback total con el público local, la

cantante Nina Persson (foto) selló todo con una sentida

versión de “Gracias a la vida”. Y el cierre con “My Favourite

Game”, resumió a la perfección el espíritu persistente y

nostálgico de los Cardigans.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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VIVO

V

FOTO: GENTILEZA PRENSA

// YANDEL

Luego de pasar por Córdoba, la leyenda del urbano recaló en Buenos

Aires con Yandel Sinfónico: un show en el que entrega una fusión balanceada

entre el flow callejero y la sutileza de una orquesta en vivo.

El viaje comenzó con una potente triada clásica: “Puño de tinto”, “Permítame”

y “Como antes” fueron la intro para que la fiesta se prendiera

increscendo al ritmo de infaltables como “Nunca me olvides”, “Abusadora”,

“Noche de sexo”, “Rakata” y “Ahora es”.

Un pasaje tanguero (“Mayor que yo” y “Noche de entierro”, con pareja

de baile incluida) más la aparición de su hijo Sour Beat (en “Everyday”)

fueron otras de las postales con las que el puertorriqueño reafirmó su

estatus de ídolo ante un Movistar Arena totalmente lleno y extasiado.

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ZECA VELOSO

El artista presenta su disco debut Boas Novas y reflexiona sobre el tiempo propio,

la herencia familiar, las influencias que lo formaron y la manera en que esas capas

culturales se filtran en su música.

POR ANTONELLA LOPREATO

a herencia es evidente,

L

desde el amor por la tropicalia

-la revolución que renovó la música

popular brasileña-, hasta en la voz,

ese timbre alto tan distintivo de la familia.

Zeca Veloso lleva en la sangre

la historia de Caetano: el exilio del

69, la vocación intelectual, la contracultura

como forma de vida y de

pensamiento, y con ella buena parte

del rumbo que tomó el país vecino

durante la segunda mitad del siglo

XX. Hermano del medio, con todas

las implicancias que eso conlleva, es

hoy, a los 33 años, la figura menos

obvia del clan. Muchos lo escucharon

por primera vez en Ofertorio,

aquel espectáculo de 2018 que reunió

a su padre con sus hermanos

Moreno y Tom. Ahora, finalmente,

aparece en la escena en solitario con

Boas Novas, su álbum debut.

El trabajo se relaciona desde el

título con otro Veloso, el de 1967,

cuando Caetano presentó Domingo

junto a Gal Costa. Empezando

por el hecho de que ambos nombres

rozan con el Evangelio y la idea de

anuncio y revelación. En el caso de

Zeca, "las buenas noticias" empezaron

mientras escribía la canción

que da nombre al disco, construida

a partir de una melodía concebi-

“CRECÍ

CANTANDO

CON MI PAPÁ

DE MANERA

PROFESIONAL”

da por su hermano. "No sabía qué

quería decir", comenta el artista en

conversación con Billboard Argentina.

"Trabajé mucho la letra hasta

que apareció el estribillo: cuando

se secan las lágrimas del pueblo, los

pueblos vuelven al cielo".

Empezó a tomar forma en 2018,

pero terminó de revelarse recién en

2020, en plena pandemia. Fue en ese

momento cuando nació su sobrino,

Benjamín, y algo terminó de ordenarse.

"Ahí entendí que la canción se

llamaría 'Boas Novas' y que ese también

tenía que ser el título. De algún

modo, pude ver el álbum completo

antes de que todas las canciones existieran.

Ya estaba ahí como idea, como

concepto", cuenta. Con esa intuición

ya clara, comenzó el proceso de producción

y de armado, un trabajo que

se extendió durante otros tres años.

"Sentí que ese era el tiempo correcto.

No creo en la idea de 'llegar rápido',

era el tiempo que necesitaba para que

el disco surgiera de verdad, para que

fuera lo que tenía que ser", explica.

Retomás ideas de Roberto

Schwarz sobre la imitación

cultural. ¿Cómo convivís con

esa sospecha constante de estar

copiando algo?

La obra nació en un momento de

transición personal. Yo estaba impaciente,

incómodo con la idea de

la copia y con sus riesgos: buscaba

algo original, auténtico, brasileño.

Con el tiempo entendí que no era

tan simple. La influencia estadounidense

y europea es muy fuerte en

nuestra música, y también puede ser

fértil. Las dos cosas conviven en mí,

a veces de manera incómoda, pero es

algo inevitable.

Esa tensión entre lo propio y lo

ajeno se traduce en tu uso de la

electrónica, que le da un sentido

más moderno al disco.

Es interesante porque, en entrevistas

anteriores, alguien me dijo que el

disco no tenía casi nada de moderno,

que era muy tradicional. Vos,

en cambio, lo interpretaste de otra

manera. Y tiene sentido: hay programación

de batería y muchos efectos

musicales.

La batería programada apareció

porque no lográbamos un sonido

lo suficientemente firme con una

batería grabada. Trabajé mucho con

Luciano Oliveira (ex The Twelves),

que viene de la música electrónica y

bailable. Siempre trabaja con demos

muy programadas antes de grabar.

En el estudio, especialmente con

"Salvador" y "Máquina do Rio", probamos

grabar de una manera más

tradicional, pero nada funcionó mejor

que esas programaciones.

Hay otras canciones, como "Carolina",

que tienen efectos más evidentes.

Algunas cosas yo no las hubiera

elegido de entrada, pero los productores

me las mostraron y me parecieron

interesantes. Hay sonidos que

aportan algo moderno, como una especie

de suspensión, de aire. Al final

de la canción aparecen arreglos de

“La influencia

estadounidense y europea

es muy fuerte en la música

brasileña”

cuerdas más osados. También está el

bajo de "Salvador": suena electrónico,

pero en realidad es un bajo sampleado,

una programación. Todo eso

convive en el disco.

"Salvador" abre el disco con vos

cantando con tu papá y hermanos.

¿Qué cambia en tu manera

de cantar cuando sabés que

Caetano está ahí?

No se si cambia algo. Yo crecí cantando

con él de manera profesional.

Con él empecé a cantar de manera

profesional, así que cantar juntos es

un lugar conocido, familiar. Hay un

cuidado especial, claro, pero no es

algo extraño para mí.

FOTOS: ELISA MACIEL

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Leire Martínez

"HE APRENDIDO A CUIDARME Y ESCUCHARME"

La exvocalista de La Oreja de Van Gogh dialogó con Billboard Argentina sobre su etapa

solista, su disco debut y cómo ha sido su exitosa carrera

POR GABRIEL SOTELO

necté con cualidades mías que eran

importantes y que estaban un poco

anestesiadas, pero siempre con ganas

de aprender, de ilusionarme, de

probarme, de asumir nuevos retos.

Volví a encontrarme con esa parte

creativa que había dejado un poco de

lado. Escucharme más, saber qué me

gusta, qué no, qué me emociona. Fue

un proceso muy gratificante, y de ahí

nace el título.

¿Creés que la Leire niña tendría

como ídola a la Leire actual?

No sé si ídola, pero creo que se caerían

bien. Se querrían, se apoyarían.

Y eso ya es mucho.

Se cumplen veinte años de “Me

voy”, de Julieta Venegas, una

canción clave en tu camino.

¿Por qué la elegiste en su momento

para tu primera audición

en Factor X?

Perfectamente me acuerdo. Hay hitos

en la vida de uno, personales y

profesionales, y esa canción es uno

de ellos. Marcó el comienzo de una

nueva etapa mediática, en Factor

X España. Hoy hago balance y es

increíble.

eire Martínez regresa

a Argentina en un

L

momento clave de su

carrera: con su primer álbum

en solitario, Historias de aquella

niña, y una gira internacional

que la traerá a Neuquén, Buenos

Aires, Rosario y Córdoba en mayo

de 2026.

Tras más de quince años al

frente de La Oreja de Van Gogh,

donde se consolidó como una de

las voces más queridas del pop en

español, Martínez da un paso definitivo

hacia su identidad artística

personal con este disco que se

publicará el 20 de febrero de 2026

y que ya viene generando expectativa

por su sensibilidad, honestidad

y la conexión emocional con

su propio recorrido vital.

El Aquella Niña Tour, además

de ser la primera gira global de

la artista bajo su nombre, es una

cita especial para sus seguidores

argentinos y una oportunidad

para reencontrarse con una

cantante que ha dejado huella en

millones de oyentes, tanto por

sus interpretaciones inolvidables

como por su vuelo creativo hacia

una nueva etapa.

¿Qué recordás de Argentina?

Por suerte he ido mucho, he podido

disfrutar de temporadas largas, de

visitar muchos lugares, de comer y

beber bien, de pasar Nochevieja en

la playa… cosas que para quienes

somos del hemisferio norte a veces

cuesta imaginar, porque allá es verano

cuando acá es invierno. Viví

muchas experiencias en Argentina.

Ha sido un país importante tanto en

mi trayectoria profesional como en

lo personal.

¿Hay alguna costumbre argentina

que hayas incorporado?

Ni el fernet ni el mate, lo siento, ahí

no me encontráis (risas). La carne y

el asado me encantan, aunque para

mi gusto a veces la cocinan demasiado.

Pero el choripán, eso sí, me fascina.

Me gusta mucho esa parte italiana

que tienen, también a nivel gastronómico.

Y, sobre todo, el humor.

Siento que me entiendo con la gente

de allí. Culturalmente hemos bebido

de fuentes similares, con influencias

que van y vienen. No son unidireccionales.

Me siento cómoda.

¿Y en lo musical?

Hay muchos artistas argentinos a los

que admiro. En este disco pude cumplir

un sueño porque siempre admiré

a Miranda!. Desde mi mirada

artística me parecían extravagantes,

divertidos, arriesgados, innovadores.

Cosas que a mí no se me ocurren,

y por eso mismo los admiraba.

Hace unos años compartí escenario

con Ale Sergi en el Teatro Gran

Rex y desde entonces mantenemos

relación. En la composición de este

disco apareció una idea que me resonó

a ellos, se las pasé, escucharon la

canción y desde el primer momento

dijeron que sí. Para mí es un lujo

contar con su participación.

Una de mis canciones favoritas

es "Deseos de cosas imposibles",

la que grabaste con Abel

Pintos.

Abel es un grande. Más allá de lo artístico,

es un ser de luz, una persona

maravillosa. De esas que agradecés

que se crucen en tu camino.

“Historias de aquella niña", me

gusta el título. ¿Te lleva a la niña

que fuiste?

Soy bastante literal. Habla de la niña

que fui y de la mujer que soy hoy. En

este proceso de composición reco-

¿Conociste a Julieta alguna vez?

No, y me encantaría. Le daría las

gracias por canciones como esa y por

haber sido valiente. Después de vivir

procesos creativos propios, valorás

mucho más lo que implica animarse.

¿Qué sentís cuando alguien te

agradece por tu música?

Es maravilloso. Te das cuenta de la

dimensión que tiene lo que hacemos.

La música acompaña, cura,

sostiene. Ver que tu música genera

eso en otras personas le da un valor

enorme.

¿Cómo te encontrás hoy?

Mucho más tranquila. Aprendí a

valorar lo que tengo y a no sufrir

por lo que no tengo. Vivo en el

aquí y ahora. Mi mayor objetivo es

disfrutar, pasarlo bien, dure lo que

dure. He aprendido a cuidarme y a

escucharme.

¿Hubo momentos en los que

no fuiste feliz en tu camino

musical?

Sí, claro. La vida te pone en situaciones

complejas a muchos niveles.

Hubo momentos para reflexionar,

hacer balances, replantearme cosas,

claro, han habido momentos de ese

tipo. Hay etapas más grises, pero actualmente

es una etapa colorida, gratificante,

con ganas de seguir.

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PREMIOS GRAMMY 2026

Los momentos que marcaron

una edición inolvidable

Desde consagraciones históricas hasta discursos sin traducción, la 68ª entrega dejó escenas que corrieron el eje del show y

expusieron tensiones culturales que el formato solía esquivar.

POR ANTONELLA LOPREATO

Durante años, los Premios Grammy

se movieron dentro de una

burbuja, en una ceremonia prolija

en la que la industria se festejaba

a sí misma sin hacerse demasiadas

preguntas. Pero en la 68ª edición,

celebrada el pasado 1ro de febrero,

algunas cosas cambiaron. Desde

el Crypto.com Arena, con Trevor

Noah llevando la ceremonia con timing

televisivo, el mundo real se subió

al escenario: migración, identidad,

memoria, política, feminismo,

genealogías musicales. Todo eso que

suele incomodar al formato, y que

muchas veces queda afuera para no

arruinar la fiesta, esta vez ocupó un

lugar destacado.

Ese corrimiento también se notó

en el reparto de premios, que armó

un mapa más abierto y menos

previsible. Las cuatro categorías

principales quedaron repartidas:

Bad Bunny ganó el Álbum del Año

con DeBÍ TiRAR MáS FOToS; Billie

Eilish se llevó Canción del Año por

“Wildflower”; “Luther”, de Kendrick

Lamar con SZA fue considerada

la Grabación del Año; y Olivia

Dean fue elegida como la Mejor

Nuevo Artista. En ese mismo clima

entró la consagración de Ca7riel &

Paco Amoroso como Mejor Álbum

Latino de Rock o Música Alternativa

por Papota. Entre discursos políticos,

decisiones simbólicas y algunos

hitos históricos, la premiación dejó

varias escenas para leer con atención.

A continuación, un repaso por

los momentos más destacados.

LA CORONACIÓN DE GLORIA DE BAD BUNNY

La noche tuvo nombre y apellido: Bad Bunny.

Por primera vez, el premio más grande fue

para un disco íntegramente en español e

hizo historia. Publicado a comienzos de

2025, su sexto trabajo de estudio parte de

la idea de cuidar y poner en primer plano la

cultura boricua. A lo largo del álbum conviven

salsa, bolero, reguetón y plena, mientras una

fuerte crítica social recorre las canciones y

apunta directo a temas como el colonialismo,

el desplazamiento, la corrupción y la

gentrificación que avanza sobre Puerto Rico.

Que haya ganado Álbum del Año dice

bastante sobre el momento que se está

viviendo. Y también deja en evidencia lo tarde

que, muchas veces, estos reconocimientos

llegan a entenderlo. DeBÍ TiRAR MáS FOToS,

además, se alzó el premio al Mejor Álbum de

Música Urbana. Y el tema “EoO” se quedó con

el de Mejor Interpretación de Música Global.

Con el auditorio rendido a sus pies, el

cantante subió a buscar el premio más

importante de la noche y eligió hablar en

castellano. “Puerto Rico, créeme cuando te

digo que somos mucho más grandes que

cien por treinta y cinco. No hay nada que no

podamos lograr”, dijo desde el escenario,

antes de agradecer a la Academia, a quienes

lo acompañaron en el camino y al equipo

detrás del disco. “Gracias mamá por parirme

en Puerto Rico. Te amo. Este premio es para

todas las personas que perdieron a alguien

y, aun así, tuvieron que seguir adelante,

con fuerza y con amor”, cerró el artista.

ARGENTINA EN LA FOTO: CA7RIEL & PACO AMOROSO

En la ceremonia previa, el dúo argentino se quedó con el Grammy en la

categoría Mejor Álbum de Rock o Música Alternativa Latina por Papota.

El premio puso en primer plano un proyecto que juega claramente por

fuera de las fórmulas más previsibles del mercado latino, a la vez en que

derrocha cinismo, conformando un trabajo incómodo, atravesado por la

exageración, el humor y el desborde performático. Con “No voy en tren” de

Charly García interpretado por la banda que amenizó la entrega, subieron al

escenario a buscar el galardón. Allí, Paco agradeció a su equipo, a su familia

y a “Argentina y toda Latinoamérica”. Luego, en la previa a la ceremonia

principal, se pasearon por la alfombra roja con sus looks renovados y un

speech relajado, el cual condice con su próximo movimiento: un disco

falsamente patrocinado por Sting, quien los reclutó en su Free Spirits

Wellness Center para que fabricaran la obra que lanzarán el 19 de marzo.

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KENDRICK LAMAR, POR ENCIMA DEL RÉCORD

Este año, la figura de Compton terminó

de escribir su propio récord: se convirtió

en el rapero más premiado en la historia

de los Grammy, al superar los 25

galardones que tenía Jay-Z. La noche

volvió a tenerlo como figura central: el

artista se llevó cuatro premios, entre

ellos Mejor Álbum de Rap por GNX y

Mejor Canción de Rap por “TV Off”.

Más tarde, también se llevó el de

Grabación del Año por “Luther”, junto

a SZA, convirtiéndose así en el primer

artista en obtener ese reconocimiento

dos años seguidos, después del

triunfo de “Not Like Us” en 2025.

LA RACHA DE MEJOR

NUEVO ARTISTA

Desde 2018, la categoría Mejor

Nuevo Artista se volvió un

territorio de mujeres. De Alessia

Cara a Chappell Roan, la lista

fue armando una genealogía

amplia, diversa, más atenta a las

identidades y los recorridos que

a la moda del momento. Este

año, el premio quedó en manos

de Olivia Dean, impulsada por

The Art of Loving.

“WAR PIGS”

PARA OZZY OSBOURNE

El homenaje a Ozzy Osbourne fue, sin dudas, uno de los picos emocionales

de la noche. En el tramo In Memoriam, una superbanda armada para la ocasión

-Post Malone, Chad Smith, Slash, Andrew Watt y Duff McKagan- tomó

“War Pigs”, el clásico de Black Sabbath, y lo reversionó. Desde la platea,

Sharon, Kelly y Jack Osbourne siguieron el momento visiblemente conmovidos.

El tributo sumó, además, una carga simbólica fuerte: nadie estaba ahí por casualidad.

Todos habían cruzado su camino con Ozzy en distintos momentos de su carrera. Watt

fue el productor ejecutivo de sus dos últimos discos; Malone grabó junto a él los

temas “Take What You Want” e “It’s a Raid”; el guitarrista gunner lo había convocado

para “Crucify the Dead”; y tanto McKagan como Smith participaron en diferentes

etapas de sus trabajos finales.Más tarde, también se llevó el de Grabación del Año

por “Luther”, junto a SZA, convirtiéndose así en el primer artista en obtener ese

reconocimiento dos años seguidos, después del triunfo de “Not Like Us” en 2025.

CHER, UNA CARRERA

SIN FECHA DE VENCIMIENTO

La artista tuvo su

merecido momento de

gloria en los Grammy. La

Academia la honró con el

Premio a la Trayectoria,

destacando una carrera

que se extiende desde los

años 60 y que se sostuvo

a partir de la reinvención

constante y una influencia

transversal sobre distintas

generaciones. Ícono de la

música popular y figura

central del pop global,

también participó de la

gala principal al entregar

el premio a la Grabación

del Año. Ahí protagonizó uno de los furcios de la noche: al

abrir el sobre, dudó brevemente, consultó el teleprompter y

dijo: “El Grammy es para Luther Vandross”. La sorpresa fue

general, ya que el cantante y compositor estadounidense

murió en 2005. En realidad, el reconocimiento correspondía

a la canción “Luther”, de Kendrick Lamar y SZA. Lejos

de incomodarse, Cher corrigió sobre la marcha: “¡No,

Kendrick Lamar!”. Y las dudas se transformaron en ovación.

EL DISCURSO POLÍTICO

DE BILLIE EILISH

La cantante se llevó el Grammy a Canción del Año por

“Wildflower” y alcanzó así su décimo galardón sobre 34

nominaciones. La balada -compuesta junto a su hermano Finneas

O'Connell- se impuso en una categoría pesada, compitiendo

con nombres como Lady Gaga, Bad Bunny y Sabrina

Carpenter. Al subir al escenario, la artista usó su discurso de

agradecimiento para apuntar directamente contra las políticas

migratorias impulsadas por el presidente Donald Trump.

“Por más agradecida

que

esté,

sinceramente no

siento que tenga

que decir otra cosa

que nadie es ilegal

en una tierra robada”,

dijo en referencia a

los conflictos con los

nativos de Estados

Unidos. Y agregó: "Me

siento esperanzada,

necesitamos seguir

luchando, hablando

y protestando.

Nuestras voces

importan".

MARZO 2026 BILLBOARD.AR 65

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Club Totora

Los Totora junto a Rodrigo Tapari.

Humor sin filtro, música en vivo y confesiones inesperadas

en un encuentro donde el asado fue solo la excusa

El ciclo celebró su segundo episodio con la participación de artistas y

figuras del espectáculo, reunidos en una mesa donde predominaron las

anécdotas y los desafíos musicales. A través de juegos, la velada combinó

improvisación y complicidad, con la cumbia como hilo conductor y la

amistad como verdadero motor del encuentro.

E

l Club Totora celebró

su segundo episodio

y consolidó el espíritu de

camaradería y celebración que distingue

al ciclo. La mesa, conducida

por Juan Ignacio Giorgetti, Santiago

Giorgetti, Nicolás Giorgetti

y Juan Manuel Quieto, se transformó

en un escenario de complicidad,

humor y música en un ambiente

relajado. La propuesta reunió a figuras

del espectáculo, el deporte y la

música, y reforzó un espacio donde

la amistad y el arte compartido

guían el ritmo de cada encuentro.

El proyecto surge de una colaboración

entre la banda, Warner Music

Cono Sur e Infobae.

Durante la velada, Los Totora presentaron

a cada invitado con humor

y referencias a sus trayectorias. José

Chatruc, ex futbolista, periodista

deportivo y actor, fue anunciado

como “el jugador de fútbol más

televisivo de la historia del fútbol

argentino”, una definición que resumió

tanto su paso por Racing Club

como su presencia en los medios.

Flor Vigna, actriz, bailarina y cantante,

aportó su energía y mostró su

nueva faceta como boxeadora. La

mesa se completó con Nachito Saralegui,

actor y comediante; Valentina

Olguin, artista santiagueña; y

Rodrigo Tapari, cantante y compositor;

en una combinación diversa y

entretenida.

La variedad de perfiles aportó dinamismo

y espontaneidad a la jornada.

Todos los participantes compartieron

bromas y anécdotas sobre

asados, costumbres argentinas y experiencias

en el mundo del espectáculo

y el deporte, manteniendo un

clima de cercanía y complicidad.

La música fue el hilo conductor y

punto de encuentro común. Los

Totora y sus invitados convirtieron

la sobremesa en una sucesión

de shows, con interpretaciones

de clásicos de la cumbia, desafíos

musicales y versos improvisados.

Tapari y Los Totora abrieron el segmento

musical con “¿Cómo es él?

(Así fue)”. Más adelante, Valentina

se sumó para un enganchado de

canciones de Gilda. Palmas, coros y

gritos de aliento acompañaron cada

presentación, generando un clima

festivo y de proximidad entre músicos

e invitados.

Confesiones y juegos formaron

parte de la dinámica. Un mazo de

cartas permitió que los invitados

compartieran historias personales,

desde relatos de infancia hasta

anécdotas con celebridades. Flor

relató episodios de su adolescencia,

Valentina explicó el origen de

una de sus canciones y Nachito

recordó su experiencia en una

grabación con Susana Giménez.

Uno de los momentos más reveladores

fue la charla sobre el costado

deportivo de Vigna, quien

detalló cómo el boxeo se incorporó

a su vida y se convirtió en una

fuente de confianza tanto en el

escenario como fuera de él. “Me

subí y gané por nocaut técnico

en el segundo round y ahora me

llamaron de nuevo y quiero el

bicampeonato”, afirmó. La artista

indicó que la disciplina la ayudó a

canalizar energía y fortalecer su seguridad

personal, mientras sus compañeros

hacían bromas sobre el respeto

que ahora inspira. Ella sorprendió a los

presentes con una advertencia humorística

dirigida a su pareja: “Que no se

te acerque ninguna zorra, amor, porque

yo soy boxeadora”. La frase generó

risas generalizadas.

Durante el encuentro, la combinación

de relatos, juegos e improvisaciones

musicales reafirmó el formato del ciclo:

una mesa abierta donde la espontaneidad

y el humor constituyen el verdadero

menú. La presencia de figuras

del deporte, el espectáculo y la música

facilitó que las historias circularan con

naturalidad. Entre bromas, canciones

y anécdotas, la segunda edición confirmó

que la amistad y la música encuentran

su mejor escenario en Club

Totora.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

66 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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De estrella de TikTok a nueva figura del pop global

Addison Rae consolida su salto definitivo

a la música

Tras su impactante paso por los Grammy, llegará

por primera vez a la Argentina en el marco de Lollapalooza.

U PASO POR LOS PREMIOS GRAMMY

2026 no fue indiferente

para nadie. Con una

S

impactante performance en vivo,

realizada en las bambalinas de los

premios, y como nominada a Mejor

Nuevo Artista, Addison Rae

captó la atención global.

Su performance y su comentada

aparición en la alfombra roja reactivaron

el interés en su música,

generando un nuevo pico de

escuchas en Argentina: “Fame is

a Gun” alcanzó 21.000 streams el

pasado 3 de febrero, marcando

su mejor día reciente en el país.

En junio de 2025 lanzó su álbum

El camino de Addison

Rae es una de las estrellas jóvenes

más reconocidas de Hollywood.

En agosto de 2024, lanzó "Diet

Pepsi", marcando su primera colaboración

con Columbia Records.

El single tuvo un impacto significativo,

convirtiéndose en el primero

de Addison en ingresar a la lista Billboard

Hot 100. Fue lanzado junto

con un video musical dirigido por

Sean Price Williams y bajo la direcdebut,

Addison, un trabajo que

sorprendió por su solidez artística

y que fue muy bien recibido

tanto por la crítica como por el

público, convirtiéndose en uno de

los álbumes pop más destacados

del año pasado. Entre los tracks

destacados se encuentran “Diet

Pepsi”, “Aquamarine” y la mencionada

“Fame is a Gun”.

Addison llegará por primera vez

a Buenos Aires en el marco de

Lollapalooza Argentina, donde se

presentará el sábado 14 de marzo,

consolidando su expansión

internacional y su conexión con el

público argentino.

ción creativa de Mel Ottenberg.

A "Diet Pepsi" le siguió "Aquamarine",

que presentaba un deslumbrante

video musical filmado

en París, Francia. Luego, con su

tercer single, "High Fashion", la revista

PAPER declaró que Addison

había ido "tres por tres", calificando

la nueva canción de "hipnótica

y eufórica". Continuó la racha

con "Headphones On", un sencillo

aclamado por la crítica que

también entró en el Billboard

Hot 100.

En 2024 había salido a la

luz con su ep titulado AR, el

cual obtuvo 10 millones de

reproducciones en su primera

semana y que presenta la

exitosa canción "2 Die 4", con

Charli XCX. Continuando con

su colaboración con Charli,

Addison se unió a ella en el remix

de la exitosa canción viral "Von

Dutch".

En cuanto al cine, Addison

es parte del elenco de Animal

Friends junto a Ryan Reynolds,

Jason Momoa, Dan Levy y Aubrey

Plaza. El filme se estrenará

en mayo próximo. También fue

vista en Acción de Gracias, la película

de terror de Eli Roth, junto a

Patrick Dempsey. En 2021, Addison

había protagonizado He's All

That, de Netflix, dirigida por Mark

Waters. La película, un reinicio

con cambio de género del clásico

de culto de 1999 She's All That, se

estrenó como la película # 1 en la

plataforma en 80 países. Desde

principios de 2020, Addison ha

acumulado más de 88 millones

de seguidores en TikTok, con más

de 5.8 mil millones de “me gusta”,

y 34 millones de seguidores en

Instagram.

FOTOS: GENTILEZA SONY MUSIC

68 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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MARZO 2026 BILLBOARD.AR 69

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UN LANZAMIENTO DE GONNA GO RECORDS

Peces Raros y Nick Warren lanzan

“Circular”

Un ritmo mecánico que

sintetiza la herencia británica

y la vanguardia argentina de

la electrónica.

e la mano de Peces Raros y

Nick Warren, “Circular” se

D

apoya en un industrial beat

de pulso mecánico y una atmósfera

ochentosa que reinterpreta la

herencia electrónica británica desde

una mirada contemporánea. En

ese cruce, Buenos Aires aparece no

como escenario sino como lógica

urbana: repetición, tensión y movimiento

constante convertidos en una

experiencia sonora hipnótica donde

pasado y futuro de la electrónica

convergen.

“Durante una noche compartiendo

escenario en Ibiza, Nick nos habló de

un sonido que llevaba años persiguiendo:

un pulso que lo conectaba

con su juventud en Inglaterra, con

aquellos años 80 en los que trabajaba

junto a bandas como Massive

Attack, y con el industrial beat que

marcó la identidad de su barrio, Bristol.

De esa reminiscencia nació ‘Circular’”,

dicen los Peces Raros sobre

esta singular colaboración.

Peces Raros es uno de los proyectos

más sólidos y singulares de

la escena electrónica argentina. Con

una identidad que cruza electrónica,

rock y una fuerte impronta visual,

el dúo construyó un lenguaje propio

que dialoga tanto con la pista como

con el formato canción. Su recorrido

combina una búsqueda estética consistente,

una producción de alto nivel

y una proyección internacional en

constante expansión, posicionándose

como una referencia contemporánea

dentro del nuevo mapa de la electrónica

latinoamericana.

Nick Warren es una de las figuras

más influyentes de la electrónica

británica. Con una trayectoria que

atraviesa desde la escena alternativa

de los años 80 hasta su consolidación

como DJ y curador global, su

nombre está asociado a una visión

musical profunda y narrativa. Fundador

del sello y plataforma The Soundgarden

y referente histórico del progressive

y el house, Warren mantiene

una carrera vigente y en constante

evolución, conectando generaciones

y escenas a través de una sensibilidad

sonora inconfundible.

“Trabajar con Peces Raros fue especialmente

emocionante para mí

porque vengo de una generación un

poco más grande. Ellos son los young

guns y yo el old gun, así que quise

aportarles la música que me marcó

cuando era joven —bandas como

The Cure o Depeche Mode, con

esa vibra indie y punk. Pero al mismo

tiempo ellos tomaron mis loops y riffs,

los manipularon y los adaptaron a

su propio groove. Ahí se dio una verdadera

unión de ideas: partimos de

bocetos que yo llevé, pero el sonido

ya estaba en ellos. Siempre lo estuvo”,

define Nick Warren sobre este

lanzamiento de Gonna Go Records.

El lanzamiento de “Circular” se

presenta junto a un videoclip que

sigue a Nick Warren y Peces Raros

a través de la ciudad de Buenos Aires,

en un recorrido cíclico donde el

brutalismo urbano dialoga con una

experiencia profundamente sensorial.

El desplazamiento constante, sin un

punto de inicio ni de cierre definidos,

refuerza la idea de movimiento perpetuo

y repetición, en sintonía con

la lógica hipnótica del track. El video

fue dirigido por Lautaro Esposito,

con el apoyo de producción de The

Movement.

70 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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Zara Larsson lanza

su nuevo álbum

Midnight Sun

La potencia pop mundial multiplatino lanza su muy esperado

nuevo trabajo.

ara Zara Larsson el verano

nunca termina. La

P

potencia pop mundial multiplatino

lanza su muy esperado nuevo álbum,

Midnight Sun.

El conjunto de 10 pistas ondea con

confianza personal y está ambientado

en una audaz mezcla de pop

caleidoscópico y baile eufórico que

complementa todos los estados de

ánimo de Zara. Sondeando las profundidades

de su arte y su viaje durante

casi 20 años en el ojo público,

el álbum no teme mostrar todos los

lados de la joven de 27 años: enamorada,

nostálgica, ambiciosa, engreída,

frívola e incierta, a menudo al

mismo tiempo.

El álbum llega cuando Zara se

acerca al final de su carrera conquistadora

de arenas en el Miss Possessive

Tour de Tate McRae con noches

consecutivas en el Kia Forum de Los

Ángeles. Como anunció Billboard

después de una carrera de dos noches

en el Madison Square Garden

de Nueva York, la gira ha demostrado

que la "dominación estadounidense

de Zara parece casi segura".

Con eso, encabezará su propia gira

Midnight Sun Tour.

La gira principal dará vida a su

conjunto de canciones más emocionalmente

evocador y visceralmente

emocionante hasta el momento en

Midnight Sun, que creó durante el

último año junto con la compositora

Helena Gao y los productores

MNEK, Margo XS y Zhone.

La inédita "Blue Moon" es un

himno para los románticos empedernidos

con tonos cálidos y ritmos

de drum 'n' bass que aceleran el

corazón, una celebración del amor

atemporal. En el otro extremo del

espectro está "Hot & Sexy", una

mezcla de electro de los 80, house

de los 90, pop Y2K y música bass

de la década de 2010 que muestra la

icónica diatriba de Big Brother de

Tiffany Pollard, un himno cargado

de "no se permiten chicos" que

se convierte en un sueño febril de

hiperpop con letras que profundizan

debajo de la superficie y exploran

la autonomía. En la penúltima

canción introspectiva "Saturn's

Return", Zara reflexiona sobre el

crecimiento personal y el autodescubrimiento,

abrazando la incertidumbre

con un sentido más profundo

de sí misma. Junto con "The

Ambition" justo antes, que explora

la naturaleza de doble filo del impulso

y las presiones del éxito en los

tiempos modernos, los dos destacan

la cruda honestidad del álbum

mientras exploran la identidad, las

expectativas y el paso hacia una

nueva era de la vida.

El sólido conjunto de nuevas

canciones de Midnight Sun se une a

singles como "Crush", que fue uno

de los más agregados en la radio Top

40 de EE. UU. durante seis semanas

seguidas, donde actualmente está en

el Top 25 en la lista Mediabase Pop

y en el Top 10 en la lista Mediabase

Dance Radio. La era comenzó con

la descaradamente ruidosa "Pretty

Ugly", cuyo video dirigido por

Charlotte Rutherford y coreografiado

por Zoi Tatopoulos fue nominado

en los MTV Video Music Awards

2025 a la "Mejor coreografía". Y luego

está la trascendente canción principal,

"Midnight Sun", que ha sido

viral durante todo el verano gracias

al video musical inspirado en el Y2K

de Charlotte Rutherford y la asombrosa

destreza vocal de Zara. Con

coasignatarios de una amplia gama

de compañeros artistas como Renee

Rapp, PinkPanthress y Ariana Grande,

la prensa se ha unido en torno a

la canción, y Rolling Stone la llamó

un "contendiente a la canción del

verano" desde el principio. PAPER

lo calificó como un "himno pop brillante

empapado de nostalgia", mientras

que GRAMMY.com escribió

que "el ritmo cae con una fuerza tan

hipnótica que el clímax de la pista se

siente como mirar directamente a,

bueno, un sol de medianoche". Pitchfork,

sin embargo, resumió lo que

todos estamos pensando: "¡Midnight

Sun es simplemente demasiado!"

"A lo largo de Midnight Sun", dice

Zara. "Puedo capturar ese ambiente

escandinavo total, que es algo con lo

que he crecido: es una gran parte de

mí, mis recuerdos más felices y también

los más tristes. Una parte de mi

alma es una noche de verano sueca.

Este disco abarca eso".

Ahora, cuando los fuegos de la

anticipación alcanzan un resplandor

cegador, el interminable Midnight

Sun de Zara Larsson está, por fin,

aquí, y aquí para quedarse.

"Simplemente se siente como yo,

conociéndome a mí misma, este álbum

es realmente, realmente yo. Y

también", agrega Zara. "Nadie puede

hacerme lo que yo puedo".

El tracklist del álbum

1 _ “Midnight Sun”

2 _ “Blue Moon”

3 _ “Pretty Ugly”

4 _ “Girl’s Girl”

5 _ “Crush”

6 _ “Eurosummer”

7 _ “Hot & Sexy”

8 _ “The Ambition”

9 _ “Saturn’s Return”

10 _ “Puss Puss”

72 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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80.000

GRACIAS

LA HISTORIA CONTINÚA EL 2 Y 3 DE ABRIL

2027

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MARZO 2026 BILLBOARD.AR 73

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Myles Smith lanza su nuevo single

con Niall Horan: “Drive Safe”

Con esta colaboración, el autor abre un nuevo capítulo en su recorrido, definido

por la claridad emocional, la confianza artística y el crecimiento global contínuo.

ras generar mucha expectativa en las

redes sociales, Myles Smith levanta

oficialmente el telón del track. “Drive

T

Safe” marca la primera colaboración

oficial entre Smith y Niall Horan, quienes

escribieron la letra en conjunto. La canción

refleja la estrecha amistad creativa que han

desarrollado. Combinando la composición

emocionalmente precisa de Myles con la

melódica reconocida mundialmente de Niall,

el tema se siente, a la vez, íntimo y natural,

moldeado por un instinto compartido de

contar historias honestas y sinceras.

Hablando sobre el proceso de trabajar con

Horan, Smith dijo: "Las colaboraciones solo

me importan realmente cuando vienen de

algo real, y trabajar con Niall realmente lo fue.

Tiene un instinto melódico sin esfuerzo para

la melodía, pero más allá de eso es un buen

amigo que muy rápido se convirtió en uno de

mis más cercanos. Nuestra amistad dio forma

a la canción, ¡y espero que se note en cada

línea!"

“Drive Safe” se basa en la idea de que la

vida inevitablemente te lanzará sorpresas y

presentará obstáculos, pero esos momentos

son manejables cuando tienes a las personas

adecuadas a tu alrededor.

Equilibrando optimismo y honestidad, la

canción presenta la incertidumbre no como

algo a temer, sino como parte del viaje, llevada

por una energía brillante impulsada por la

guitarra que resulta motivadora y afirmativa.

En el fondo, "la vida es una carretera, no sabes

lo que hay en el camino, así que conduce con

cuidado". Esto se convierte en un mensaje de

tranquilidad, recordando a los oyentes que

la conexión hace que incluso los tramos más

difíciles parezcan menos abrumadores.

Sonoramente cálida y alentadora, “Drive

Safe” muestra a Myles perfeccionando la

narración sentida que se ha convertido en una

seña de identidad de su trabajo. Construida

en torno a texturas acústicas brillantes junto a

una producción abierta y discreta, la canción

crea espacio para que ambas voces brillen, con

la contribución de Niall aportando un impulso

expansivo y tranquilizador que refuerza la

sensación de conexión y optimismo de la

canción.

El lanzamiento llega en un momento de

creciente impulso para Myles Smith. En los

últimos 12 meses, actuó ante más de 100.000

personas en sus propios conciertos con

entradas agotadas en Reino Unido, Europa,

Australia, Nueva Zelanda y Norteamérica,

además de una actuación abarrotada

en Glastonbury. En 2025, Myles ganó el

prestigioso Ivor Novello Award a la Obra Más

Interpretada, así como el Rolling Stone UK

Breakthrough Award, cubriendo su número

de premios. A mitad de año, además, se unirá

a Ed Sheeran como telonero de su gira por

Estados Unidos.

Con “Drive Safe”, Myles Smith abre un

nuevo capítulo, definido por la claridad

emocional, la confianza artística y el

crecimiento global contínuo, marcando el tono

para un año emocionante que se avecina.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

74 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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B-RLIN afianza su proyección regional

con una fuerte presencia en Perú y

anuncia una nueva gira por el país

Consolida su posicionamiento en

Latinoamérica con una agenda

sostenida de shows, lanzamientos y

acciones estratégicas en mercados

clave como Argentina, Bolivia y Perú.

En este marco, el proyecto realizó una

gira promocional en Perú entre el 2 y el

8 de febrero, que marcó un nuevo hito

en su proceso de expansión regional.

urante su paso por Lima, B-RLIN

fue parte de importantes espacios de

visibilidad artística y mediática. El 13

D

de febrero participaron del programa

Wow TV, dentro del segmento Nosotros somos,

donde interpretaron en vivo “¿Por qué te tengo

que olvidar?” junto a Son Tentación, una de

las agrupaciones más influyentes de la escena

tropical peruana.

Uno de los momentos más destacados de la

gira fue su participación como invitados especiales

en el evento Camino a un Sueño, realizado

el 7 de febrero en el Estadio San Marcos,

en el marco del 33° aniversario de Corazón

Serrano. El show convocó a más de 50.000 personas

y significó una oportunidad clave para

que B-RLIN se presente ante una audiencia

masiva del país. “Lo esperamos mucho tiempo,

Perú es un país que estuvo siempre ahí presente”,

expresaron desde el proyecto sobre este

encuentro.

La agenda en Perú incluyó además distintas

rondas de prensa y encuentros con medios

locales, fortaleciendo el vínculo con el público

y la industria del país. En paralelo, el grupo

ingresó al estudio junto a Son Tentación para

avanzar en una futura colaboración, acompañados

por Paula Arias, líder del grupo peruano

y figura clave del proyecto.

En materia de lanzamientos, el 12 de febrero

B-RLIN presentó el “Mix #5 de Cumbias Clásicas”,

reafirmando su conexión con el repertorio

popular y ampliando su propuesta musical.

A su vez, el grupo se encuentra actualmente

trabajando en nueva música propia, con un

lanzamiento de sello previsto para los próximos

meses.

Como continuidad de este crecimiento,

B-RLIN anunció una gira por Perú entre el 27

de marzo y el 27 de abril, con una serie de presentaciones

que refuerzan su presencia en el

país y consolidan una gira regional ya cerrada.

Este recorrido funciona como paso

previo a la expansión hacia nuevos

mercados de Latinoamérica.

El desarrollo del proyecto cuenta

con el acompañamiento estratégico

de MOJO. En ese sentido, Alejo Lys,

director de booking, destacó que “este

proceso reafirma el crecimiento sostenido

de B-RLIN y su posicionamiento

como un proyecto regional con proyección

a nuevos territorios”.

FOTOS: GENTILEZA MOJO

76 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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Emergentes

vo de estudio de grabación, escuchar

las primeras mezclas y demás,

me mandé a escribir más. “Magia”,

que inicialmente poco tenía que ver

con su antecesora, había pasado del

amor al desamor, pero ya cuando

tenía nueve canciones grabadas,

me di cuenta de que las siete que

forman parte del disco tenían cierta

unión absolutamente lógica.

Dijiste que “la música argentina

está en su mejor momento”.

¿Lo decís desde el entusiasmo

o desde una vivencia concreta

como músico joven?

Hace unos años estaba en un parque

de diversiones en Viena, Austria

(el mismo parque que aparece en

la película Before Sunrise) y en los

altoparlantes de una montaña rusa

sonaba la “Shakira: Bzrp Music Sessions,

Vol. 53/66”. Sí, obvio, era el hit

del momento, pero me volvió loco

que una canción (varias) de un productor

bonaerense sonara en todo el

mundo. Si bien es un género que no

me gusta, creo que nunca la música

argentina estuvo tan globalizada.

Entonces, por ese lado, sí, es meramente

estadístico, pero no deja de

generarme entusiasmo.

Vico Villamil:“Si no te movés, no te escucha nadie”

Después de haber ganado rodaje con las canciones de su debut Nos amaremos hasta el fin del

mundo, ahora se prepara para su próximo movimiento.

POR ANTONELLA LOPREATO

El disco tiene una especie de

introducción, nudo y desenlace

amoroso. ¿Cuánto hubo de

conciencia narrativa y cuánto

de ir viviendo y escribiendo sin

pensar tanto en el arco?

Fue muy inconsciente. “Estatua” fue

la primera canción que compuse en

mi vida, y así como la tuve me mandé

a grabarla y producirla. Ya entusiasmado

con todo ese mundo nueace

un año, Vico Villamil

presentó Nos ama-

H

remos hasta el fin del

mundo, su disco debut.

Siete canciones que narran una

historia amorosa, del entusiasmo

inicial al desgaste final. Criado

a base de letras ajenas -Andrés

Calamaro, The Beatles, Patricio

Rey y sus Redonditos de Ricota-,

absorbe esa tradición de canción

simple y emocional para diluirla en

una obra propia. Mientras trabaja

en su próximo disco y ya adelanta

material nuevo con “Antiparras”,

el artista vuelve sobre su recorrido

reciente y reflexiona por su lugar

dentro del mapa actual de la música

argentina.

Antes de escribir canciones

propias, eras intérprete. ¿Qué

te daba tocar temas ajenos que

no te estaba dando escribir los

tuyos?

Ante todo, me daba confianza.

Crecí escuchando canciones de

otros, aprendí a tocar la guitarra

tocando canciones de otros y

aprendí a cantar cantando canciones

de otros. Las primeras veces

que me animé a tocar en vivo fueron

puros covers, entre los que estaban

por ejemplo “Don Electrón”

de Intoxicados (que cada tanto la

vuelvo a tocar, porque me encanta)

o “Imagen Proyectada” de Don

Cornelio y La Zona. Teniendo

en cuenta los nervios, ansiedad e

inseguridad que conlleva mostrar

tu arte en público las primeras

veces, hacer canciones de otros te

da más seguridad y hace todo más

simple, especialmente cuando son

hits y la gente se copa cantando y

aplaudiendo.

Decís que Nos amaremos hasta

el fin del mundo no nació todo

junto, que se fue armando de a

poco. ¿En qué momento sentiste

que esas canciones dispersas

empezaban a hablar entre sí?

Recién al final. Si bien después

de grabar las primeras canciones

me convencí de que quería, por

más osado que pareciera, hacer un

disco, no fue hasta terminada la

grabación que me di cuenta de que

tenía muchísimo sentido que esas

siete canciones lo fueran; más allá

de que conviven varios sonidos y

hasta género.

En ese “mejor momento”, ¿sentís

que hay libertad real o más

bien una sobreoferta?

Acá están las contras, me parece.

Ante más simpleza en el proceso de

crear música y tratar de mostrarla

al mundo hay muchísima más gente

haciéndolo. Hay miles de proyectos

musicales por todos lados y no

alcanza el tiempo de escucharlos a

todos. ¿Libertad? Lo dudo mucho.

Uno puede sacar música digitalmente

con menos recursos que antes

pero si no te moves, no te escucha

nadie. Hay todo un inframundo de

términos que la gente ni tiene en

cuenta que terminan tomándote de

rehén: “engagement”, “algoritmo”,

“meta ads” y varios más que ahora

no se me ocurren. No es tan fácil

como hacer una canción en tu casa,

subirla a Spotify, hacer un TikTok,

hacerte viral y tener el tema del verano.

Suele haber muchísimo laburo

detrás, no creo que todo sea azaroso.

¿Qué te gustaría que ese disco

te recuerde de vos ahora? ¿Qué

te daría un poco de vergüenza

que siga intacto?

Me gustaría que me recuerde la inocencia

y felicidad con la que se llevó

a cabo todo el proceso. Y me daría

vergüenza seguir sonando igual, no

haber evolucionado hacia un sonido

que me termine de encantar con el

pasar de los discos.

78 BILLBOARD.AR

MARZO 2026

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13, 14 y 15 de marzo 2026 Hipódromo de San Isidro

EMPEZÓ LA CUENTA REGRESIVA

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