Billboard AR Agosto 2025

LA LENGUA

POPULAR

PABLO

LESCANO

25 AÑOS DE DAMAS GRATIS

SUDAMÉRICA

CALIENTE

PALOMA MAMI

KCHIPORROS

LA NAVE

FOTO: GENTILEZA PRENSA

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

SALE S DATA

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

CO MPIL ED B Y

Roze, Max Carra, Valen y Ramky En

Los Controles alcanzan el puesto N.º 1

en el Billboard Argentina Hot 100

"Tu Jardín con Enanitos" llega a la cima en su séptima

semana en el ranking argentino.

R

oze Oficial, Max Carra,

Valen y Ramky En

Los Controles lanzaron

“Tu Jardín con Enanitos”

hace un mes, y ya se posicionan

en el puesto N.º 1 del Billboard

Argentina Hot 100, en la lista con fecha

del 12 de julio. El tema, que es una versión

en cumbia del clásico de Melendi de 2013,

llegó a la cima tras mantenerse durante

cuatro semanas consecutivas en el puesto

N.º 3. Cazzu desciende un lugar con “Con

Otra”, que se ubica ahora en el puesto N.º

2, mientras que “W Sound 05 LA PLENA”

completa el Top 3 de la semana.

El reconocimiento al Hot Shot Debut

de esta edición se lo lleva el artista chileno

Cris MJ, quien debuta en el puesto N.º 14

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

con “Vamo A Bailotear”. Su última aparición

en el ranking fue hace siete semanas,

con “Si No Es Contigo” en el puesto N.º 98.

Otros debuts destacados esta semana incluyen:

Emilia y Six Sex en el puesto N.º 25 con

su nueva parodia pop “Pasarella”, “Fronteo” de

Plan B en el N.º 41, Arcángel y María Becerra

en el N.º 60 con “5 Pa Las 12”, Max Carra

& Lira en el N.º 71 con “VIAJEMOS EN EL

TIEMPO #1 – Quién Te Quiere Como Yo”,

Duki en el N.º 73 con “[FREE] 5202 Type

Beat”, y Beéle en el N.º 98 con “Si Te Pillara”.

Por su parte, Rauw Alejandro y Chencho

Corleone reciben el reconocimiento

al Greatest Gainer de la semana, ya que

“El Efecto” sube 42 posiciones, pasando

del puesto N.º 85 al N.º 43, su mejor ubicación

en lo que va del año.

Semana

pasada

3

1

2

4

5

8

6

7

9

10

Esta

semana

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Título

#1 por 1 SEMANA

1

Tu Jardin Con Enanitos

Con Otra

W Sound 05 "LA PLENA"

Universidad

Ramen Para Dos

Motinha 2.0

Amor De Vago

Amor De VeraNO

MASNA REMIX

Capaz

Artista

Roze Oficial, Max Carra, Valen,

Ramky En Los Controles

Cazzu

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

TINI, Beéle

Maria Becerra, Paulo Londra

Dennis, Luisa Sonza, Emilia

LA T Y LA M ft MALANDRO

DE AMERICA

La T Y La M

FMK, Emilia, Nicki Nicole,

Tiago PZK

Alleh & Yorghaki

↑VARIACIÓN

↓

↓

-

-

↑

↓

↓

↑

↑

AGOSTO 2025 BILLBOARD.AR 3

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 15 DE JULIO

Semana

pasada

21

23

Esta

semana

21

22

Título

BAILE INoLVIDABLE

Vitamina

Artista

Bad Bunny

Jombriel, DFZM

VARIACIÓN

-

↑

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

42

23

Bunda

Emilia & Luísa Sonza

↑

22

24

VelDA

BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz

↓

25

Pasarella

Emilia & Six Sex

NEW

34

26

Como Eran las Cosas

Babasonicos

↑

15

27

FUE CULPA TUYA

Luck Ra & Tiago Pzk

↓

33

28

A Las Nueve

No Te Va Gustar

↑

30

29

Por Mil Noches

Airbag

↑

35

30

Resentia

Pablo Chill-E

↑

52

31

No Podrás

Eugenia Quevedo | Angela Leiva

| La Banda De Carlitos (En Vivo)

↑

43

32

No Tiene Sentido

Beéle

↑

Semana

pasada

17

12

25

36

19

28

13

11

12

13

14

15

16

17

18

21

BAILE INOLVIDABLE

BAD BUNNY

Esta

semana

Título

Yo y Tú

Blackout

Cuidado Que Te Supero,

Los Herrera

Vamo A Bailotear

Soleao

Si No Es Muy Tarde

Pa Las Girlas

Si Antes Te

Hubiera Conocido

11

12

13

14

15

16

17

18

Artista

Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums

Emilia, Tini & Nicki Nicole

Q' Lokura

Cris Mj

Myke Towers & Quevedo

Luciano Pereyra, Ezequiel yLa Clave,

Un Poco de Ruido y Pinky SD

Mattei

FKarol G

VARIACIÓN

↑

-

↑

NEW

↑

↑

↑

↓

9

69

20

32

24

26

50

62

53

85

39

73

70

56

79

33

34

35

36

37

38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

Bésame

Golfista

En Otra Vida

Perdonarte ¿Para Qué?

Die With A Smile

Khé?

Yo sé

Tiene

Fronteo

Mi Refe

El Efecto

Mejor Que Vos

VOY A LLeVARTE PA PR

Tan Lejos

SINVERGÜENZA

444

Alejandro Sanz, Shakira

Duki

Yami Safdie, Lasso

Los Ángeles Azules, Emilia

Lady Gaga & Bruno Mars

Rauw Alejandro

Yan Block, TORRRES

Tobal Mj, Lucky Brown

Plan B

Beéle, Ovy On The Drums

Rauw Alejandro &

Chencho Corleone

Lali & Miranda!

Bad Bunny

No Te Va Gustar

Emanero, Karina, J Mena,

Angela Torres

Yan Block & Panda Black

↓

↑

↓

↓

↓

↓

↑

↑

NEW

↑

↑

↓

↑

↑

↑

↑



10

19

Me Gusta

19

Miranda! & TINI

↓

82

49

Tengo Una Cadena

Salastkbron

↑

14

20

+ Te Vale

20

Yami Safdie, Emilia

↓

55

50

DtMF

Bad Bunny

↑

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

4

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

LUMINOUS UV

Descubrí un pelo

5x más iluminado

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 15 DE JULIO

Semana

pasada

58

41

Esta

semana

51

52

Título

Luna

Parte & Choke

Artista

Feid, Atl Jacob

Jombriel, Alex Krack, Jøtta

VARIACIÓN

↑

↓

ESE MALDITO

MOMENTO

NTVG

64

CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA

27

53

6 De Febrero

Aitana

↓

44

54

Pasos Al Costado

TURF & MILO J

↓

80

55

Hola Perdida

Luck Ra

↑

91

56

Estaba aquí

pensando

La Repandilla x Aneley

↑

78

57

Hoy

Valentino Merlo x The La Planta

↑

58

Me Rehuso/

Baby I Won't

Danny Ocean

RE

92

59

Diles Remix

Bad Bunny, Ozuna, Farruko,

Arcangel, Ñengo Flow

↑

60

5 Pa Las 12

Arcangel, Maria Becerra

NEW

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

VARIACIÓN

71

61

Que Me Falte Todo

Luck Ra & Abel Pintos

↑

81

Carita Triste

Los Herrera Q' Lokura

RE

62

NUEVAYoL

Bad Bunny

RE

82

Sigue Bailandome

YannC, Darkiel, Myke Towers,

Eladio Carrion, Brray

NEW

61

81

88

63

76

60

74

86

97

63

64

65

66

67

68

69

70

71

72

73

74

75

76

77

78

Lose Control

Ese Maldito Momento

WYA REMIX BLACK

AND YELLOW

Obsesionario En

La Mayor

Que Pasaria...

Beautiful Things

Flaca

More

VIAJEMOS EN EL TIEMPO #1 -

Quien Te Quiere Como Yo

Puesto

[FREE] 5202 Type Beat

Cuando Te Vi - Crossover

#5Baby I Won't

Entre Nosotros

UWAIE (versión cumbia)

Adios

EoO

Teddy Swims

No Te Va Gustar

J Abdiel, Anuel AA,

Blessd, Izaak, Pirlo

Tan Bionica, Abel Pintos

Rauw Alejandro

Benson Boone

Andrés Calamaro

Zion x Ken-Y, Zion

MAX CARRA & LIRA

Babasonicos

Duki

Big One, Maria Becerra, Trueno

Tiago PZK, LIT killah,

Maria Becerra,Nicki Nicole

Max Carra

Gustavo Cerati

Bad Bunny

↓

↑

↑

↓

↑

↓

↑

RE

NEW

↑

NEW

RE

RE

NEW

RE

↑

66

94

95

89

99

31

83

84

85

86

87

88

89

90

91

92

93

94

95

96

97

98

Nueva Era

CICATRICES

KLOuFRENS

Zafar

BICHO DE CIUDAD

No Me Alcanza

Secuestro

Ya No Vuelvas

DALE CON LA CORREA

Carteras Chinas

Priti

Tan Solo

Como Lo Hizo? - En Vivo

Que Cabrona

Nunca quise

Si Te Pillara

DUKI, Myke Towers

Airbag

Bad Bunny

La Vela Puerca

Los Piojos

Duki

SLAYTER x YAN BLOCK x NTG

Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes

DJ Lazerk Rmx ft Tomi Rmx

ELENA ROSE, Camilo,

Los Ángeles Azules

Danny Ocean, Sech

Los Piojos

Eugenia Quevedo

Lauty Gram

Intoxicados

Beéle

↓

↑

RE

↑

↑

↓

↑

RE

NEW

↓

RE

RE

RE

RE

RE

NEW



18

79

Ahora Resulta

Emanero, Luciano Pereyra

↓

98

99

Un Osito De Peluche

De Taiwan

Los Autenticos Decadentes

↓

64

80

Canción Sin Final

Airbag

↓

100

Es Un Secreto

Plan B

RE

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

6

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

PRESIDENTE

Jorge R. Arias

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Juan Pedro Dondo

Analía Arias

Gonzalo Luzza

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ezequiel Ruiz

Julián Mastrángelo

Gabriel Sotelo

Agustín Contepomi

CONTENIDO

Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /

Karin Leiva / Gustavo Serna

Colaboraron en esta edición:

Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo

DISEÑO Y FOTOGRAFÍA

Matias Delacroix / Sofía Graña / Magdalena Medina

BRAND PARTNERSHIPS

Gonzalo Luzza / Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla

DEPARTAMENTO CONTABLE

Marcela Dermgerd

CONTACTOS

Brand Partnerships: brandpartnerships@billboard.ar

Administración: administracion@billboard.ar

DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH)

011 4301 3601

Billboard Argentina es una licencia de

ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.

Dardo Rocha 2188, San Isidro, Buenos Aires, Argentina

Tel: +54 011 7917 1024

info@billboard.ar · www.billboard.ar

CHAIRMAN & CEO

Jay Penske

CHIEF OPERATING OFFICER

George Grobar

MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS

Debashish Ghosh

ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS

Gurjeet Chima

ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND

& PARTNERSHIP OPERATIONS

Francesca Lawrence

Hablamos con Paloma Mami en Chile antes de que sacara su nuevo

disco. Leelo en la página 22.


PRESIDENT

Mike Van

EDITORIAL DIRECTOR

Hannah Karp

SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT

Silvio Pietroluongo

CREATIVE DIRECTOR

Alexis Cook

CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL

Leila Cobo

INTERNATIONAL EDITOR

Alexei Barrionuevo

DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL

Sigal Ratner Arias

Billboard Argentina 2024. Prohibida la reproducción total o

parcial de los artículos sin la previa autorización del director. El

material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.

RNPI: 5349798

ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 141 · Agosto 2025 · Argentina: $20000

8

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AGOSTO 2025

ESCUCHÁ LOS LANZAMIENTOS DE ESTE MES

Para Ti

RMARCK

Simpática y Muy Bonita (Remix)

J Matt & Charros de Lumaco

Como Quien Pierde Una Estrella

Los Pincheira del Sur de Jhonn Rosales &

Contrabando Sureño

La Brujería

Armonía 10 ft. Tony Succar & Mimy Succar

Mix Clásicos

B-RLIN

Pala Ancha

Un Poco De Ruido

Contratá a los mejores artistas

CONTACTO

Argentina: +54 9 11 2597 6457 / +54 9 11 3394 7322

Chile: +56 9 5399 7353 / +54 9 11 3394 7322

@MOJOLATAM | MOJO.LA

Contenidos

CHARTS

3. Roze, Max Carra, Valen y Ramky En Los Controles alcanzan el N.º 1

INTRO

13. Bad Bunny largó su residencia histórica en Puerto Rico

ENTREVISTAS

16. Olivia Wald

18. Ryan Cox

20. Midnight Generation

22. Paloma Mami

24. Greeicy

28. Pablo Lescano

34. Kapo

36. Kchiporros

43. Chiara Oliver

46. Cris MJ

64. Videotape

68. Jesse & Joy

ESPECIALES

14. Lo mejor de Sonría, Estamos en

Billboard, nuestro livestream

38. Track x Track: Estelares

40. Discos calientes del mes

42. Tech

44. La Nave, el estudio móvil de

Antioquia

48. El universo musical de Tim Burton

50. Viudas Negras revivió un viejo tema

de Turf

52. Día Mundial de la Fotografía: cuatro

artistas argentinos

70. Vivo: Skay, La Renga, Eruca Sativa,

Gustavo Cordera, James Blunt y

Lara91k

78. Emergentes

EN LA TAPA

Pablo Lescano, por Martín Bonetto

10

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

100 AÑOS EN

EL TOP DE LOS

RANKINGS

SHURESHOP

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OBTENÉ LOS MEJORES

DESCUENTOS.

INTRO

Bad Bunny en Puerto Rico: el

show más importante del año

no es en Nueva York ni en Miami

El cantante eligió regresar a su isla para montar un espectáculo que combina música, identidad y política.

POR ANTONELLA LOPREATO

E

l 11 de julio, minutos

antes de que comenzara el

primer show de Bad Bunny

en el Coliseo de Puerto

Rico, una frase apareció proyectada

sobre el escenario: “Puerto Rico es una

colonia desde que Cristóbal Colón

‘descubrió’ la isla durante su segundo

viaje al Nuevo Mundo en 1493”. Con

ese mensaje, el artista más influyente

del pop latino dio inicio a No me quiero

ir de aquí, una residencia de treinta

fechas en San Juan que se extenderá

hasta mediados de septiembre, convirtiéndose

en el evento musical más

relevante del año para la isla.

El ciclo marca un punto importante

en la carrera de Benito Antonio

Martínez Ocasio, que después de

llenar estadios en todo el mundo, regresa

a su país para hablar de lo que

no se suele decir en voz alta: Puerto

Rico sigue siendo un territorio no

incorporado de Estados Unidos. Sus

habitantes, aunque tienen ciudadanía

norteamericana, no pueden votar

en elecciones presidenciales y solo

cuentan con representación limitada

en el Congreso. A esa condición se

suman problemas estructurales como

una economía frágil, una ola migratoria

sostenida y una gentrificación

que, bajo la fachada del “turismo y la

inversión”, está expulsando a los puertorriqueños

de sus barrios.

El cantante no esquiva ninguno de

estos temas. Desde su último disco,

DeBÍ TiRAR MáS FOToS, ya venía

apuntando contra el desplazamiento

poblacional, el abandono estatal

y la apropiación cultural. Con estos

nuevos espectáculos, todo eso toma

forma. La escenografía reproduce una

casa rural con paredes despintadas,

gallinas de utilería, árboles de mango,

un rancho que podría estar en cualquier

campo boricua. Las puertas de

los baños fueron intervenidas con fachadas

coloniales del Viejo San Juan.

La pantalla proyecta mensajes históricos,

nombres de líderes independentistas,

frases sueltas como flashes

de conciencia colectiva. “Puerto Rico

tiene bandera, cultura e identidad

propia”. “Puerto Rico tiene dos géneros

autóctonos: bomba y plena”. “Puerto

Rico no se vende”.

Los shows son un recorrido por todos

los Benitos: el del perreo de YHL-

QMDLG, el melancólico de Un Verano

Sin Ti, el antihéroe de Nadie Sabe

Lo Que Va A Pasar Mañana. Pero

también aparece el que canta desde el

barrio que ya no existe, el que nombra

calles que fueron vendidas. Los

recitales también sirvieron como excusa

perfecta para presentar material

nuevo. El lunes posterior al primer fin

de semana, lanzó “Alambre Púa”, una

canción que ya venía usando como

apertura con una producción cruda,

letra amarga, con cero intención de

sonar “pegadiza”.

Las primeras nueve fechas fueron

exclusivas para residentes locales.

Aun así, la residencia no dejó de tener

invitados de alto perfil como LeBron

James, Jowell & Randy y otras figuras

del espectáculo. En febrero de 2026,

el show llegará a la Argentina con tres

fechas en el estadio de River Plate. El

desafío será ver si este formato, tan

marcado por el contexto puertorriqueño,

mantiene su potencia fuera de

la isla. Pero incluso si parte del impacto

se diluye, algo ya quedó claro:

Bad Bunny decidió usar su lugar en la

cima para contar otra historia.


SONRÍA, ESTAMOS EN BILLBOARD

HISTORIAS, ACÚSTICOS Y EMOCIÓN:

LO MEJOR DE NUESTRO STREAM

POR GABRIEL SOTELO

U

un uevo mes

termina y en Sonría,

estamos en

Billboard seguimos

celebrando la música

en tiempo real.

Nuestro programa de streaming

por TikTok se convirtió en un

espacio íntimo y poderoso,

donde artistas de distintas

generaciones y estilos se

sientan a charlar, compartir

sus canciones y conectar

con la audiencia de una

manera distinta. Sin filtros, sin

postproducción, en vivo. Así, con

la espontaneidad de una charla

entre amigos y la emoción de un

acústico en primera fila.

Julio trajo artistas de lujo. Abrimos

el mes con Emmanuel Horvilleur,

que trajo carisma, groove y una

mochila llena de anuncios sobre

su próximo disco Mi año gótico.

Entre funk, pop y recuerdos de

Illya Kuryaki and the Valderramas,

nos hizo disfrutar de su música y

también reflexionar. Porque Emma

no solo canta: también interpela,

juega y se reinventa.

El músico, además de subirse

nuevamente al escenario con

Dante, en otra noche de IKV, pero

en este caso en Colombia en el

Festival Cordillera, se presentará

con sus últimas canciones el 18 de

octubre en el Teatro Gran Rex.

“Vinieron de Colombia a

convencernos. A mí me encantó

el show y a Dante también así que

nos tiene muy entusiasmados este

nuevo show juntos”.

Después fue el turno de Valen

Vargas, una de las voces jóvenes

más prometedoras de la escena.

Con su estilo fresco y urbano,

Valen le puso energía y flow a la

cabina. Entre risas y reflexiones,

habló de sus comienzos, sus

sueños y su manera de escribir

desde el cuerpo. Un artista que

no tiene miedo a incomodar ni a

mostrar su vulnerabilidad y que

está en la cima del éxito (alcanzó el

puesto 1 en el Billboard Argentina

Hot 100) con la versión de “Jardín

con enanitos” junto a Max Carra,

Roze y Ramky en los controles.

“Sentimos que podía ser un

éxito cuando estábamos en el

estudio”, confesó el artista, y

agregó:“Los chicos me contaron

que Melendi aprobó la versión”.

Emanuel Ntaka nos regaló uno

de los momentos más emotivos

del mes. Con una carrera que cruza

activismo, música y raíces, su paso

por Sonría fue un viaje espiritual y

político. Entre historias de vida y

guitarra criollas, el ex Mambrú dejó

claro que la música también es

memoria, resistencia y construcción

de identidad.

“No hubo una pelea, la producción

nos puso stand by y cortamos, pero

no fue algo de enojos. Tengo un

recuerdo lindo de Mambrú”.

El grupo Ahyre trajo la fuerza

del folclore contemporáneo, con

armonías vocales que erizan

la piel y una sensibilidad única

para contar historias. Desde

Salta a todo el país, en la previa

del 9 de julio, demostraron que

la música de raíz también puede

sonar moderna, universal y

profundamente honesta. Su set

fue pura conexión en el anuncio

de su presentación en el Teatro

Gran Rex el 18 de septiembre.

“Ahyre es una banda que

intenta hacer música y el punto

de partida siempre es el folclore,

la música de raíz que empieza a

mecharse con otras influencias”.

Otro que se sumó a la mesa

de Billboard Argentina fue el

Bahiano, una voz icónica que

marcó a varias generaciones.

Con anécdotas bajo la manga,

repasó clásicos de su carrera,

también se animó a mostrar su

presente: un sonido renovado,

más introspectivo, que mantiene

intacto el corazón reggae que lo

hizo leyenda en su nuevo trabajo

Pura Adrenalina que presentará

el 4 de octubre en Niceto.

“Hay mucho talento en

Argentina y a veces los artistas

independientes quedan de

lado. Si en mis comienzos

hubiese habido redes sociales,

como hoy, mi carrera hubiera

sido superlativa. Hoy las redes

ayudan a muchísimas bandas

y tienen más posibilidad para

llegar a su público”.

Cerramos el mes con Ainda

que vino a romper estructuras

para anunciar “Fuimos los 2”,

su show el 22 de agosto en el

Complejo C Art Media. El dúo,

que mezcla pop, electrónica

y poesía, llenó el espacio

de atmósferas y texturas,

adelantando detalles del show.

“Será algo único porque

presentaremos las canciones en

formato orquesta, además que

tendremos una escenografía muy

particular sin pantallas LED”, dijo.

Ahyre

Bahiano

Valen Vargas

Emmanuel

Horvilleur

FOTOS: POPI GRAÑA

14

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

EMMANUEL HORVILLEUR Y JULIÁN KARTÚN

PRESENTAN “EN LA MOTO”

Se trata de un nuevo adelanto de Mi año gótico, el próximo álbum como solista del Kuryaki.


mmanuel Horvilleur y

E

Julián Kartun se suben juntos

a “En la moto”, el nuevo

single que une por primera

vez en una canción a dos de

los artistas más personales

y versátiles de la escena local. Ya disponible en

todas las plataformas, este nuevo adelanto formará

parte de Mi año gótico, el próximo álbum

solista de Horvilleur.

Luego de presentar “Supersuave” y “Elástico”,

Emmanuel sigue revelando nuevas facetas de su

universo musical. “En la moto” se suma como

una colaboración soñada entre dos viejos amigos

que comparten una sensibilidad artística.

Con una atmósfera envolvente y ese groove

inconfundible que Horvilleur viene explorando,

“En la moto” deja ver a un Kartun

camaleónico, que despliega su carisma vocal

en una pieza que funciona como encuentro,

como viaje y como guiño para quienes esperaban

este cruce con ansias.

En el video podemos ver a los protagonistas

durante una noche lluviosa en las calles de

Buenos Aires. “En la moto” es un homenaje

a los lugares de encuentro que hacen de la noche

porteña un ritual compartido. Un universo

propio con estética cinematográfica y alma

callejera que Emmanuel y Julián habitan con

estilo y complicidad.

El lanzamiento llega junto con el anuncio de

un show muy especial: Emmanuel Horvilleur

se presentará el 18 de octubre en el

Teatro Gran Rex, donde repasará su carrera

solista y adelantara estos singles que formarán

parte de Mi año gótico.


OLIVIA WALD

“Transformé la angustia

en canción”

La artista ganadora del Gardel a Mejor Nuevo Artista presenta

Cuerpo en el Teatro Vorterix. Un show donde la música se

convierte en refugio y la vulnerabilidad en fuerza.

POR GABRIEL SOTELO

O

livia Wald, reciente ganadora

del Premio Gardel 2025

a Mejor Nuevo Artista, celebra su

Premio Gardel con un show en el

Teatro Vorterix. La cita es el 19 de septiembre y

promete ser mucho más que un concierto: una

noche transformadora donde la música, la emoción

y la verdad se entrelazan en un mismo latido.

“De tanto caer me elevo” es la frase que guía

esta presentación en vivo. Una puesta íntima,

cruda y luminosa en la que Olivia se entrega por

completo, recorriendo las canciones de Cuerpo,

su disco debut. Un álbum que, lejos de buscar

fórmulas, fusiona géneros como soft rock, soul,

R&B y trap con una sensibilidad única, para

hablar de lo que a veces cuesta decir: el dolor, la

resiliencia, la ansiedad, el deseo de sanar.

Aún procesando lo que vivió en la entrega de

los Premios Gardel, Olivia dice que no se lo

esperaba. Y no lo dice por falsa modestia. “Era

mi primera nominación. Sentía que era parte de

un proceso, como si primero venía la nominación,

después una siguiente etapa, y recién ahí,

quizás, ganar”. Sin embargo, se lo llevó. Y no le

esquiva al mérito: “Hice un trabajazo para llegar

ahí. No tengo el síndrome del impostor. Fue una

sorpresa, sí, pero también sé que me lo gané.

Fue un reconocimiento a la constancia y al esfuerzo

de muchos años”.

Este debut en Vorterix es más que un recital:

es un rito colectivo para habitar la emoción sin

vergüenza. Durante un vivo en TikTok, habló

con honestidad sobre su presente artístico, su

consagración en los Premios Gardel y el detrás

de sus canciones más personales. Sin filtro y con

guitarra en mano, reflexionó sobre el impacto

de “Cuerpo”, la exposición pública, su vínculo

con los fans y el recorrido que la llevó a convertirse

en una de las voces más potentes del nuevo

pop argentino.

Durante el vivo, Olivia cantó “Cuerpo”, una de

sus canciones más intensas, que escribió sola, en

su casa, atravesada por la angustia. “Nunca deja

de doler”, dijo después de interpretarla. La letra

habla de culpa, ansiedad, decisiones difíciles y

de cómo, a veces, el cuerpo habla antes que la

mente. “Aunque no quise dejarte, mi cuerpo

no quiso esperarte”, repite una y otra vez. Lo

escribió desde el dolor, pero también desde la

lucidez: “Sabía que iba a estar mejor, pero me

costaba atravesarlo. Y escribir fue parte de eso”.

La conversación también giró hacia su relación

actual con Lucía Maidana. Desde que blanquearon

públicamente su vínculo, ambas sienten que

están en todos lados. “No nos afecta como pareja,

pero sí estamos mucho más expuestas. Por

suerte, las notas que salieron fueron muy lindas.

Igual, si van a hablar de nosotras, está bueno

que sea desde nuestra voz. Por eso fuimos a tantas

entrevistas juntas”.

Entre confesiones, bromas internas con sus

fans y momentos de emoción genuina, Olivia

Wald dejó claro que está viviendo un momento

bisagra. Se ríe, se contradice, se emociona, improvisa.

Se permite no estar bien todo el tiempo,

pero también se celebra. Sabe que no fue casual

haber llegado hasta acá, y que cada paso que dio

—incluso los más torcidos— la llevaron directo

a donde está: frente a miles de personas que la

escuchan y le agradecen por poner en palabras

lo que muchos no se animan. Porque si bien no

quiso dejarse caer, su cuerpo la empujó a cantar.

Y ahí está. De pie.

FOTO: POPI GRAÑA

16

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

Cinco claves para entender

Swag, el nuevo disco de

Justin Bieber

El popstar canadiense presentó un nuevo trabajo

con 21 canciones.


Sin previo aviso y con una campaña fugaz en redes sociales

y carteles urbanos, Justin Bieber lanzó este viernes su nuevo

álbum de estudio, SWAG. El álbum también inaugura un

nuevo período en su vida personal, atravesado por la paternidad

y una reformulación pública de su identidad, que incluyó incluso

el cambio de su nombre en Instagram a Lil Bieber.

Estas son cinco claves para entender el nuevo capítulo del músico

canadiense.

Un disco atravesado por la paternidad

Swag es el primer trabajo publicado por Bieber desde el nacimiento

de su hijo Jack Blues, en agosto de 2024. La pre-

1.

sencia del bebé no sólo se insinúa en la tapa -donde aparece junto a

Justin y Hailey Bieber-, sino también en algunos títulos como “DADZ

LOVE” y “THERAPY SESSION”. La figura paterna se vuelve centro narrativo

y se instala como eje emocional del álbum.

2.

Fin de una era:

sin Scooter Braun

El lanzamiento coincide con el cierre de

su vínculo con Scooter Braun, el manager

que lo descubrió en YouTube y lo

acompañó desde sus inicios. La separación,

ocurrida en 2023, marca un giro

simbólico en su autonomía artística.

Este es el primer disco que Bieber lanza

sin Braun como interlocutor directo.

La producción quedó en manos del

propio cantante, junto a colaboradores

como Daniel Caesar, Dijon y mk.gee

3.

Un título con

múltiples sentidos

La palabra swag fue utilizada en la jerga

del hip hop para referirse a estilo, actitud

o confianza. En este contexto, Bieber la

resignifica como un gesto de autoafirmación,

en medio de un escenario

personal más íntimo y menos orientado

a la exposición mediática. La decisión

de renombrarse como “Lil Bieber” en

redes también entra en juego con esta

reinvención identitaria.

FOTOS: RENELL MEDRANO

5.

Un giro introspectivo

en su discografía

A diferencia del tono celebratorio de Purpose

o el clima confesional de Justice, Swag propone

un recorrido más contemplativo. La lista de

21 canciones incluye títulos como “FORGIVE-

NESS”, “GLORY VOICE MEMO” y “SOUL-

FUL”, que sugieren una búsqueda interior.

4.

Un disco sin

aviso previo

La estrategia de lanzamiento apeló

al factor sorpresa. Una breve campaña

de afiches en Islandia y Los

Ángeles generó especulación en redes

sociales, pero no hubo anuncios

previos oficiales. El álbum apareció

en plataformas sin el despliegue habitual

de promoción global.


RYAN COX

“Amén Al Rock muestra lo

que soy como artista,

persona y compositor”

El artista venezolano estrenó su segundo álbum de estudio.


FOTO: VALENTINO LUZZA

R

yan Cox estrenó su segundo disco

entre giras, shows y lanzamientos: Amén

Al Rock homenajea el género y sus muchos

referentes a lo largo de los años. Es una producción

grabada completamente en vivo que

busca mostrar al público los orígenes y las

influencias musicales de Ryan, que navegan

entre el rock en español, anglosajón y ritmos

latinos. Como él mismo lo define: “Un Show

Hecho Álbum”.

Cada uno de los 10 temas cuenta con su

propio videoclip, grabado durante el show

en vivo, bajo la producción musical de Remil

“Cobi” Renna, producción audiovisual

de Ama Peraza y la dirección del reconocido

director mexicano Abel Báez, quien aportó su

toque cinematográfico para capturar la intensidad

de cada interpretación.

“El rock me hace sentir libre, y en este álbum

quise que esa libertad fuera palpable. No

hay nada como tocar en vivo, sentir la energía

de la banda y dejar que el público sea parte de

la música”, compartió Cox en exclusiva para

Billboard Argentina durante su paso por el

país.

Amén Al Rock se estrenó con un pack especial

diseñado por Amaris Peraza y su equipo

de Tids Studio con la finalidad de que las

personas conecten más allá de la música; se

lanzó con un cassette especial, un walkman,

un pendrive y un CD, reflejando así todas las

épocas que dicen presente en esta obra.

Finalmente Ryan podemos ver el trabajo

finalizado del que hablamos hace un

año, felicidades.

Muchas gracias. Hicimos un álbum en vivo

donde voy versionando los clásicos del rock.

Lo hicimos por países, por lo que hay rock

argentino, mexicano, colombiano, venezolano…

Hay algunas canciones que no necesariamente

eran rock, pero asumí el reto de

hacerlas en rock y quedó un disco impresionante,

Amén al Rock.

“Hay algunas

canciones que no

necesariamente

eran rock, pero

asumí el reto de

hacerlas rock.

Realmente elegiste una tarea difícil para

este álbum.

Sí, para el disco en vivo fueron seis meses de

ensayo. Un trabajo impresionante pero me

encantó el resultado. Aparte porque le doy a

la gente una experiencia de lo que es un show

mío. También sé que está la tarea difícil de

lo que haré en el en vivo cuando me toque

presentarme en las giras. Hay mucho que

tenemos ya pensado, tenemos varias sorpresas

para darles algo más allá de lo que vean

en YouTube, pero sin embargo, si no quieren

esperar, vayan a verlo a YouTube que está la

experiencia del show al 100%.

Viniste a Argentina, recorriste un montón

de lugares, ahora Buenos Aires, ya

pasaste por La Plata, Mendoza, otros

lugares… ¿Te nutriste de nuestra cultura

para el disco?

Sí, fue una tarea bastante difícil porque yo

siempre supe que el argentino es muy orgulloso

de su bandera y de sus cosas. Había algo

riesgo al tocar tantas canciones argentinas

como “No Voy En Tren”, “Prófugos”, una canción

de un mix de Sandro completo o “Mariposa

Tecknicolor”, por ejemplo. Son canciones

que ya son himnos, entonces tengo la vara

muy alta y no quiero dañarlas . Por eso, tuvimos

que desmontar la canción de cero para

que también sonara actual y un poco más a

mi sonido sin que perdiera la esencia, que eso

para mí era lo más importante.

Estrenaste el disco en cassette, CD y

vinilo, ¿por qué?

Al ser un álbum que va tocando tantas épocas,

quise tener el formato de cada una que

fuimos recorriendo. Desde los cassettes, los

vinilos y también el CD que caracteriza la

época de los 80 que también está. Quise que

cada persona que viviera este álbum y que

haya estado en la época de este álbum, pueda

tenerlo en el formato que se sienta más

cómodo.

¿Qué fue lo más difícil para ti de hacer?

Yo creo que “Mariposa Tecknicolor” fue la

canción más difícil. El proceso fue cortar las

partes, hacerlas en guitarra, mutear la voz,

olvidarme de las canciones por dos semanas,

no escuchar nada y volverlas a cantar para

que sonara diferente y poder meterle un estilo

o algo e ir haciendo arreglos poco a poco. La

que más me costó al principio fue “El Pavo

Real” de José Luis “El Puma” Rodríguez, fue

un corrido venezolano, algo que yo nunca he

hecho.

Pero hay canciones que salieron muy bien,

como “No Entren”, que para mí esa es la mejor

versión que tiene el disco. De verdad,

tiene tanta personalidad esa canción y la pudimos

recrear totalmente diferente. Tiene un

poder inexplicable.

En su momento habíamos hablado

sobre tu pasión por el rock y por estas

canciones. ¿Hoy sigue siendo ese Ryan

fanático de esta música o cambió algo?

Me nutrí mucho, sobre todo de Sandro en la

puesta en escena. Es un tipo que se mueve,

que va, mira, brinca, te guiña un ojo en la cámara.

Entonces, esa expresión la adopté mucho

también, pero el tema con el fanatismo

de estas canciones están un poquito pegadas.

Me encantan las canciones de verdad. Este

disco lo siento 100% mío, amo el trabajo que

se hizo. Y también me joden mucho porque

dejé muchos temones fuera, como “Te Quiero

Comer La Boca” de La Mosca o “Lamento Boliviano”

de Los Enanitos Verdes.

Probablemente lo sume en un segundo Amén

Al Rock, pero va a ser en un par de años porque

quiero que la gente también conozca mi

faceta de compositor, que la pudimos agregar

en este disco también con dos canciones inéditas,

completamente mías, nadie se metió,

nadie hizo nada. Las produje yo, las compuse

yo, son 100% materia de Ryan Cox.


MIDNIGHT GENERATION:

“EL ARGENTINO ES CERO APÁTICO

AL DEMOSTRAR LO QUE LE GUSTA ”

Fernando Mares y Luis Carlos Balderrama hablaron con Billboard Argentina sobre su nuevo álbum, Tender Love, y

la gira internacional que los traerá a esta parte del mundo: tocarán el 10 de septiembre en Niceto Club.

POR KARIN LEIVA

rascendiendo fronteras, Midnight

Generation visitará por primera vez

T

nuestro país con una propuesta sonora

y visual sin precedentes. Conocidos por

su estilo distintivo y su música suave, la

banda ha ganado popularidad en los últimos

años con su estilo único que fusiona influencias

nostálgicas con una energía moderna.

Tras el lanzamiento de su álbum Tender Love y

el anuncio de su gira internacional, la banda se encuentra

emocionada por lo que se avecina. En este

contexto, Fernando Mares y Luis Carlos Balderrama

hablaron con Billboard Argentina sobre

su nueva música y el viaje que están a punto de

emprender.

¿Qué representa Tender Love en esta etapa

de la banda?

Luis: Es la música ya consolidada con los nuevos integrantes

y la influencia de cada uno en el proyecto.

Cada canción habla de cosas diferentes. Experiencias,

filosofías o ideas que vivimos y tratamos de

expresarlas para ver con quién resuena.

¿Qué diferencia encuentran en este nuevo

trabajo respecto a los anteriores?

Fernando: Lo hicimos sin improvisar tanto. Lo disfrutamos

mucho y le sacamos jugo a la estructura de

las canciones. La composición estuvo más pensada

e inspirada en la música de los 70s, como Barry

White, Bee Gees y Electric Light Orchestra. Se

llama Tender Love porque nos gusta pensar en el

sentimiento de querer bien, bonito e incondicionalmente.

Eso es lo que realmente transmite el disco.

¿Cómo llegaron al sonido que tienen hoy ?

L: Pienso que se tiene una idea musical en la cabeza,

pero a medida que trabajas, la idea conserva su

esencia, pero va evolucionando de manera muy natural.

Es lo que nos permite la capacidad de nuestro

instrumento y de componer letras, y de ensamblar

algo de calidad para mostrarle a la gente.

¿Tienen alguna canción que les genere mucha

expectativa tocar en vivo?

F: Casi todas del nuevo disco nos emocionan mucho.

A mí me gusta mucho “Energy” y “Oh Baby

What Comes Around Goes Back Around”. Tratamos

de hacer un show completo y lo unificamos de

tal forma que las canciones de los discos pasados

también suenan a lo que estamos haciendo en el

momento.

¿Qué les gustaría que la gente sienta al escuchar

su nuevo álbum?

L: Que sientan lo mismo que sentimos al componer

las canciones y que entiendan el mensaje.

Como “Don't Wait Up”, que habla de una

relación en decadencia; “Fear No More”, que

habla de la fuerza interior o el descubrimiento

de tu potencial; o “Energy”, que habla de que

nada nos va a parar.

¿Qué es lo que más disfrutan de este

camino que están recorriendo juntos

como banda?

F: El estar en el estudio creando y escuchando.

También conocer gente y escucharla. El

mundo y la cabeza de la gente en otros países

es otra historia, entonces eso me hace sentir

que estoy viajando. Me gusta mucho.

¿Algún sueño o meta que tengan ganas

de cumplir juntos?

L: Para cualquier banda el tour es la meta y

se está haciendo realidad. Vamos a viajar por

muchas ciudades y estar mucho tiempo juntos.

Nuestra relación se va a estrechar cada vez

más. Vamos a madurar como músicos y como

personas.

F: Yo no tengo un sueño específico. Pero, para

mí, algo bonito sería estar sentados ya a los 50,

60 años en un asado, platicando y riendo de todas

las cosas que hicimos. Eso sería bonito.


20

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

AGOSTO

ROSETI 93 - BUENOS AIRES

AUDIÓFILO

ESCUCHA DE DISCOS

19HS

CIRCULO

DE SONIDO

23HS

VIE 01

SÁB 02

JUE 07

VIE 08

SÁB 09

JUE 14

VIE 15

SÁB 16

JUE 21

VIE 22

RADIOHEAD

KID A 2000

DEPECHE MODE

VIOLATOR 1990

PRINCE

1999 1982

AIR

MOON SAFARI 1998

JAMIROQUAI

TRAVELLING WITHOUT MOVING 1996

DAFT PUNK

RANDOM ACCESS MEMORIES 2013

TAME IMPALA

CURRENTS 2015

AMY WINEHOUSE

BACK TO BLACK 2006

QUEEN

GREATEST HITS 1981

BEASTIE BOYS

ILL COMMUNICATION 1994

VIE 01

VIE 08

VIE 15

VIE 22

VIE 29

SÁB 08

SÁB 16

DEEP MARIANO

LOLO GASPARINI

SOLIMANO

RONAN PORTELA

AGUSTINA VILLARRAZA

SOLIMANO

VALENCE

SOLIMANO

GUIDO SARTORIS

SOLIMANO

PABELS

ETTA!

SOLIMANO

FER MORENO LIVE

SIGAL SADE DJ SET

FATODUO LIVE

SANTI CICHELLI DJ SET

21HS

@artlabpro

artlabpro.net

SÁB 23

JUE 28

OASIS

DEFINITELY MAYBE 1994

THE CHEMICAL BROTHERS

SURRENDER 1999

EVENTOS

ESPECIALES

POSTLAB

AFTER OFFICE

PUNTO DE ENCUENTRO PARA

INDUSTRIAS CREATIVAS

18HS

TODOS LOS JUEVES DE 18 A 24HS

19HS

SÁB 02

22HS

SÁB 23

23HS

SÁB 30

23HS

MÁQUINA

[UNIDAD AUDIOVISUAL]

ALDEGANI / MASSA

MOLINA / SEIFERT

PATO MALLET & FRIENDS

SURRENDER DISCO

DANIEL MELERO

GABRIEL VALANSI LIVE

Paloma Mami revela los secretos de

Códigos de Muñeka

Viajamos a Chile para conocer en profundidad el nuevo

disco de la artista y su conexión con la Argentina.


P

ALOMA MAMI ESTÁ DE VUELTA. La

artista chilena nacida en Nueva

York regresó con un álbum luego

de cuatro años, Códigos de

Muñeka, y mostró que está más

vigente y activa que nunca.

Este disco no es simplemente un

trabajo de estudio para ella, sino

que marca una evolución en su carrera

que allana el camino para lo

que está por venir. Siguiendo con

su conexión con el número 11 - fecha

de su nacimiento -, el álbum

está compuesto por 11 canciones

que navegan entre los ritmos urbanos

que la caracterizaron desde sus

inicios y una experimentación que

la llevó a colaborar con referentes

latinos como Rauw Alejandro, en

su canción “La Freak”. “Nuestras

voces se complementan muy bien.

Cuando empezamos a trabajar nos

dimos cuenta de que el camino

correcto era ir por su estilo de reggaetón”,

reveló Paloma en conversación

en exclusiva para Billboard

Argentina.

A lo largo de la charla, que tuvo

lugar el día de lanzamiento del álbum

en Santiago de Chile, la joven

referente abrió su corazón y expresó

todo lo que este disco significa

para ella, y dejó bien claro que es un

antes y un después en su carrera.

“Códigos de Muñeka es Paloma en

su totalidad, son 11 canciones que

muestran mis 11 personalidades y

donde cada una muestra un universo

completo. Siento que es el mejor

trabajo de mi carrera”, compartió.

Además de Rauw, el resto de

artistas que acompañan a Paloma

en este camino son Marcianeke

& IThan NY en “DOSiS”; Pailita &

El Jordan 23 en “SiNTOMAS DE

SOLTERA”; DannyLux en “SiNKRO-

NiZAMOS” y Pablo Chill-E en

“OJO DE HORUS”, un track donde

afirma su pasión por la mitología

egipcia y refleja su conexión con lo

místico.

Este álbum refleja 11 personalidades,

¿con cuál nos encontramos

hoy?

Veremos cuál sale esta vez… Creo

que ahora mismo estoy en una etapa

de poder, la verdadera Mami,

con la llave que abre cualquier puerta.

El resto son más amiguitas y más

tranquilas.

¿Qué abre esa llave?

Esa llave abre creatividad, flow, versatilidad…

Esos son los códigos que

uno tiene y marcan su estilo único.

Solo uno puede tener esa llave, no

es algo que se consiga fácil.

proceso a medida ibas creando

el álbum?

En verdad cuando empecé la idea

del álbum, al principio estaba indecisa

porque no sabía si me iba a

salir como yo quería, era algo muy

complejo. En ese momento cambié

la idea inicial del concepto y me

centré en mis fans y algo que sea

interactivo para ellos. Me gustó

mucho porque fluyó mucho más

rápido que la idea inicial. Soy muy

de ser lo que el universo quiera, por

lo que sentí que de alguna manera

me fue llevando por ese camino.

¿Siempre hubo 11? Tienes una

gran conexión con ese número.

La verdad que sí, antes incluso de

crearlo sabía que iban a ser 11. Es la

fecha de mi cumpleaños, el famoso

“10 + 1”, los tengo tatuado incluso.

Soy muy de ese número.

¿Tuviste que cambiar algo del

“Astros” es el focus track del álbum,

y gracias a nuestra charla

pudimos entender por qué. Es una

canción en solitario, donde Paloma

se muestra vulnerable y deja a flor

de piel sus fortalezas y debilidades.

“En un primer momento había

pensado en alguien para que me

acompañara en esta canción, pero

22

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

finalmente decidí grabarla sola por

lo que significa para mí”, continuó.

El track se caracteriza por tintes

pop y un sonido “cósmico”, tal y

como ella lo presenta, dejando claro

su evolución artística y creativa.

Para complementar esta visión,

Paloma colaboró en una campaña

visual que incluye 11 muñecas personalizadas

inspiradas en el anime,

cada una representando una canción

del álbum. Diseñadas por un

reconocido artista japonés conocido

por su trabajo en las mejores

series de anime, cada muñeca encarna

las emociones, los colores y

la energía de su respectiva canción.

“Astros” habla un poco de ese

llamado del destino. ¿Te dijeron

algo sobre este álbum?

Siempre me hablan los astros. Esa

canción es muy especial porque

siento que todos hemos tenido

experiencias donde hemos pedido

algo a alguien, ya sea Dios, energía,

el universo... Lo que sea. “Astros”

nació también por eso, porque soy

alguien que mira las estrellas y le

pregunto al cielo qué puedo hacer.

¿Sueles pedir objetivos reales

o sueños de verdad?

Tuve deseos con estrellas fugaces

que se cumplieron al otro día,

pero también hay veces que hay

deseos a largo plazo muy difíciles

de cumplir. Ahora mismo estoy en

un momento donde siento que las

estrellas se pueden alinear.

“Ojo De Horus” es otra de esas

canciones con mucha investigación

y simbología.

Me encanta eso también. Siento

que es una canción que representa

la fantasía que quería traer a este

disco. La mitología egipcia es uno

de mis muchos gustos, soy muy

creyente de sus historias, faraones

y reinas. Me gustó mucho traer

esa historia a la canción y darlo a

conocer. Que Pablo Chill-E se haya

sumado me puso muy contenta

también, por lo que se convirtió en

una de mis favoritas. Él fluyó en la

canción, es muy talentoso.

Otra de las canciones que

sorprendió al público fue “La

Freak”, con Rauw, ¿cómo surgió

esa conexión?

Me encanta cómo nació esa canción.

Nuestras voces se complementan

muy bien. Me encanta el

R&B y siempre quise trabajar con

él. Pensé que íbamos a ir por ese

flow pero cuando empezamos a

trabajar nos dimos cuenta de que el

camino correcto era ir por su estilo

de reggaetón. Esa canción nació

para él, sin duda.

“ES UN TRABAJO PARA

MIS FANS. QUIERO

QUE FORMEN PARTE DE

TODO LO QUE HAGO”

¿Había algún argentino en los

planes inicialmente?

Es algo que me quedó pendiente

la verdad, porque hay mucha gente

que me gusta de Argentina. Había

alguien que al principio me hubiese

gustado mucho que estuviera en

“Astros”, pero finalmente me decanté

por hacerla en solitario. Nunca

se lo dije a la persona, era un

pensamiento que tuve al principio

En el futuro quién sabe, me encantaría

poder hacerlo.

“Astros” es muy personal,

sería alguien que esté muy

conectado a ti.

Exactamente, por eso la decisión

final fue estar sola. Quería volver a

mis inicios en la música, porque en

muchas de mis canciones personales

estuve sola, por lo que sentí que

tenía que volver a ser esa Paloma.

¿Qué te gustaría realmente

que pase con Códigos de

Muñeka?

Más allá de que a la gente le guste,

quiero que se inspiren y sea un

álbum que motive a la gente a hacer

cosas distintas y nuevas. Espero

poder inspirar, ya sea hombres, mujeres,

niños, niñas… Eso es lo que

de verdad quiero que pase. Visualmente

también, siento que dentro

del mundo latino tenemos que

meter más fuerza, trabajo y poder

en las visuales… Hay mucho talento

pero a veces no se apuesta todo en

eso, dan lo justo y necesario.

“Quiero que este álbum

inspire y motive a la

gente a desafiarse”

EVENTO DE

LANZAMIENTO ESPECIAL

El viernes 11 de julio, tuvimos la oportunidad de presenciar el evento de lanzamiento oficial del álbum, donde

Paloma reunió a fans y medios especializados en la cima de uno de los edificios más altos de Santiago

de Chile, llegando así lo más cerca de los astros posible.

A lo largo de la noche, Paloma reprodujo Códigos de Muñeka para que los afortunados fans presentes

pudieran disfrutarlo junto a ella, una experiencia más que inolvidable para ellos.

Este lanzamiento marcó también el comienzo de una nueva etapa artística bajo la dirección de George

Prajin (Double P Management), el ejecutivo ganador del GRAMMY detrás del ascenso de las grandes figuras

de la Música Mexicana, quién estuvo presente en la terraza para vivir el lanzamiento junto a Paloma.


GREEICY

se me pasó por la cabeza volver a la

actuación por completo.

¿Le mostraste estos lanzamientos

a tu hijo?

“Limonar” se la mostré y le encantó.

“Estas Ganas” la escuchó por todas

las veces que la reproduje en casa a

medida la iba terminando. Siento

que le gustó porque, aunque tiene

tres años todavía, tiene mucho ritmo.

Entiende que hay canciones

que cantan sus papás y cada vez que

escucha nuestras voces en un tema

se queda muy atento recibiendo la

información. Es hermoso para mí.

Cuando escuchas o cantas “Estas

Ganas”, ¿qué te viene a la mente?

La sensualidad se apodera de mí.

Escucho esa canción y me entra un

no se qué que no puedo controlar.

Aparte me encanta el baile, a nivel de

danza es una canción que te atrapa,

no importa quién esté cerca.

“‘ESTAS GANAS’ MARCA UN

NUEVO RUMBO EN MI CARRERA”

La artista colombiana estrenó el segundo single de su nueva era.


D

esde que Greeicy

estrenó “Limonar”

dejó claro que el

2025 sería un año

diferente para ella,

cargado de emociones

y nuevos ritmos

a explorar en su carrera. Con esta

balada, la referente colombiana

marcó el horizonte, pero su segundo

estreno “Estas Ganas” le dio un

giro inesperado y mucho más movido,

con el sonido predominante

de la bachata como protagonista y

un videoclip donde reflejó sus dotes

actorales más fuertes.

“Cuando escucho ‘Estas Ganas’

me dan ganas de bailar automáticamente,

es un ritmo latino que

despierta el movimiento”, comparte

Greeicy en conversación con Billboard

Argentina.

La canción fue escrita por Greeicy

junto a Ríos, Speadlof y Mike

Bahía un día de verano del año pasado

en Madrid, y el video oficial

del tema presenta a Gigi, un personaje

que creó la propia colombiana

como inspiración para esta

nueva faceta, y ese ardiente anhelo

que experimenta, creando una

conexión sensual que trasciende

el tiempo y la distancia. “Extraño

mucho mi faceta de actriz, por eso

lo doy todo en los videoclips, es el

momento de ser libre y creativa”,

expresó.

En “Limonar” habías adelantado

algo de la bachata al final

del videoclip.

¡Exacto! Teníamos la intención de

formar esa historia entre las dos canciones

y mostrar lo que me representa

a nivel musical. Considero que estoy

siempre jugando entre el universo

más pop con letras más honestas y

profundas y el otro lado más sensual

y coqueto. Como artista, esos dos

universos me encantan, por lo que

quería empezar este año de lanzamientos

mostrando cuáles son los dos

universos musicales de Greeicy.

¿En los próximos lanzamientos

continuarás esta historia?

Van a tener que esperar para ver qué

viene después (risas). Hay algo con

la actuación que amo… Le dediqué

10 años de mi vida a esa profesión y

te diría que hoy en día extraño esa

etapa de mi vida. En los videoclips

me desquito y me invento personajes

nuevos con los que puedo fluir, crear

y hasta descubrir nuevas facetas.

¿En algún momento se te pasó

por la cabeza pausar tu carrera

para volver a la actuación?

Me siguen llegando muchas propuestas

de proyectos actorales… Ha

sido difícil aceptarlas porque llevar

las dos cosas al mismo tiempo es

inviable para mí. Son meses donde

ni siquiera tener una vida familiar es

una opción. Se hace muy complejo

porque la música también necesita

mi tiempo completo. Porque mi

prioridad número 1 es la música, no

La música latina tiene eso de

hacerte mover la cadera casi sin

intención, ¿verdad?

Exactamente, eso es lo que me gusta de

la música latina. Empieza a sonar y uno

termina moviendo el cuerpo aunque

esté sentado. Me gustan esas canciones

que te invitan a bailar, sin importar que

seas bailarín o no sepas bailar.

¿Cómo tienes preparada la

agenda para el resto del año?

Este año estamos enfocados en la

parte creativa y no paramos en ningún

momento. Al principio quería

tomarme el tiempo de encerrarme

en el estudio y poder crear desde

cero algo nuevo que sea realmente

creativo. Al final empezó el año y

nos empezaron a surgir oportunidad

de colaboraciones y proyectos que

fueron dejando un poco de lado el

espacio creativo, pero sigue siendo

mi objetivo 100%. Acabo de hacer

un tour que ya terminamos y tengo

que pensar de manera consciente

cómo renovarlo y crear cosas nuevas.

¿Te cuesta delegar la parte

creativa?

No puedo, directamente. Necesito

estar en cada detalle, y es algo que

me apasiona no porque no confíe.

Estás construyendo tu casa, tu camino,

quiero ver cómo queda la cama,

la estufa, la cocina… Estoy hasta

detrás en los videoclips, generando

el universo, los conceptos y todo lo

que conlleva. Eso hace también que

cuando salga a compartirlo con el

resto del mundo pueda defenderlo

de la mejor manera posible, porque

lo conozco y sé cómo se creó.

FOTOS: GENTILEZA PRENSA

24

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

juku ares

14 AGOSTO/20hs

NICETO VEGA 5542

TICKETS

en

“SI TE VOLVÉS UN FISURA, NO

PODES LLEVAR UNA VIDA FELIZ”

El creador de la cumbia villera celebra los 25 años de Damas Gratis: nos abrió las puertas de su

hogar para hablar del pibe de barrio que fue y del artista popular argentino en el que se convirtió.

POR EZEQUIEL RUIZ

FOTOS POR MARTÍN BONETTO

H

acemos la nota, unas fotos y listo. A mí no me vas a poner

a hacer cualquier cosa”, dice Pablo Lescano mirando fijo a los ojos

y antes de dar la espalda. El ideólogo de Damas Gratis marcó la

pauta y enfiló hacia su cafetera expreso digital para ofrecer una

taza de desayuno. “No quiero nada de amarillismo ni giladas.

Hablemos de música”, le planteó a Billboard Argentina. Es la

mañana de un viernes de junio, hace frío, llovizna y estamos en la

cocina de su hogar, contenido en un barrio clasemediero de la localidad

bonaerense de San Fernando. Cerca del aeropuerto local y

a unas veinte cuadras del barrio La Esperanza, las calles en las que

creció y que inspiraron a nuestro anfitrión, el kilómetro cero de

toda esa historia llamada cumbia villera.

Seis horas después de su advertencia, Lescano tiene que ir a buscar

a su hija Marita a la escuela y nos propone que lo esperemos

en su casa hasta que vuelva, para que siga el encuentro. A esa altura

de la jornada ya habíamos hablado de todo en on y off, nos

presentó a sus icónicos keytars y el teclado en el que compone, se

fotografió hasta con su enérgico caniche Cali, las tensiones cedieron

paso a la complicidad.

“Yo no quiero saber nada con las notas, no me cabe dar entrevistas.

Cuando era pibe, los medios eran muy amarillos y nosotros

fuimos muy denostados, vapuleados. A mí me acobardaron un

poco. Cada vez que me piden una nota, me tienen que convencer.

Mucho tiempo estuve en guardia, siempre a la defensiva. Cuesta

mucho hablar porque tenés que estar todo el tiempo declarando”,

dice luego, explicando su desconfianza inicial.

La excusa para este encuentro son los 25 años que Damas Gratis

celebrará en septiembre próximo en el Arena Parque Roca de

la Ciudad de Buenos Aires. En realidad, él festeja todos los fines

de semana entre bailes y fiestas privadas. “Este sábado y domingo

tengo nueve shows”, grafica.

A fines de los años 90, era tecladista de Amar Azul pero se sentía

limitado por la cursilería de la cumbia que estaba pegada en

aquel entonces. Queriendo expresar todo lo que en aquella banda

no cabía, se desarrolló como compositor y productor. Encontró

algo nuevo al combinar slang callejero, sexual y carcelario con un

swing febril, cargado de sintetizadores, teclas sudorosas, güiros ásperos,

rasgueos ska, beats electrónicos, efectos vocales pegadizos.

Y las influencias peruanas, mexicanas y colombianas.

La banda se llamaba Flor de Piedra, los temas los hacía Pablo

y los cantaba Dany Lescano, con quien no son familia pese a la

coincidencia en el apellido. Tenían un hit anti policía titulado “Sos

botón” que se volvió himno en discotecas y canchas de fútbol. La

cumbia argentina estaba empezando a cambiar.

Un grave accidente en motocicleta lo mantuvo postrado pero

no frenado: desde la cama experimentó un brote creativo que derivó

en un nuevo repertorio para Flor de Piedra y también para

otras bandas que formó y produjo, como Los Gedes, Amar y Yo,

Jimmy y su Combo Negro. Hasta que un día de septiembre del

2000 decidió hacerse cargo del micrófono y de lo que escribía. Y

nació Damas Gratis.

“Se te ve la tanga”, “Quiero vitamina”, "Su majestad", “Menea para

mí”, “La 1ra del borracho”, "El boxeador", "Los dueños del pabellón",

"Alza las manos", “El humo de mi fasito” son algunos de los

aguafuertes exitosos que forjaron un nuevo lenguaje, un nuevo

baile que atravesó todas las clases sociales, todo el país, el continente

(ver Damas Gratis en el Billboard Hot 100 Argentina). Incluso

se derramó a otros géneros: tiene grabaciones con artistas de otro

palo, como Andrés Calamaro, Fabulosos Cadillacs, Fidel Nadal

o Tini. Hace 25 años que la música popular argentina tomó otro

rumbo de la mano y el pulso de Lescano.

“Si miro para atrás y me pongo a recordar, veo muchos ensayos,

mucho sacrificio. Mucha juntada, muchas horas de grabación, de

composición, de difusión: antes también hacíamos giras de radios.

Arrancábamos a la mañana, nos íbamos para zona Sur. Después, a

la tarde, el Oeste. Y así, hasta la noche, volvíamos después de las 10.

Mucho trabajo. Con los hits que pegamos, si hubiéramos nacido en

Estados Unidos, no trabajaríamos más, como me dijo Fidel Nadal”,

carcajea el Lescano modelo 2025, que tiene 47 años y que hace un

par de temporadas cambió su distintiva melena enrulada por un

rapado al que no le interesa esconder canas.

¿Cómo te llevás con esa dinámica de trabajo hoy?

Como pez en el agua. Es esperar el fin de semana para ir a los

shows. Ya está todo automatizado, cada uno sabe lo que tiene que

hacer: el asistente lleva el parlante al escenario; el monitorista, los

monitores; el sonidista, el sonido; el músico va con su instrumento…

Y ahí adelante estoy yo, eligiendo las canciones. Porque no

usamos lista de temas. Ya estamos tan aceitados que nos podemos

dar ese lujo de tocar la canción según el estado anímico de la gente.

OK, eso en la rutina. ¿Y en los shows más importantes?

Como cuando festejas tus cumpleaños en el Luna Park

o ahora, que vas a hacer los 25 años de Damas Gratis.

Ahí se chocan dos mundos, porque aparece gente que por ahí no

fue nunca a vernos y quiere escuchar los cinco hits que les gustan.

Y también viene gente que escucha Damas Gratis hace 25

años y que los hits, para ellos, son otros que por ahí no son tan

populares, pero son los que hasta a mí mismo me gustan más tocar.

Tocamos temas muy viejos del primer disco o inéditos. Este

festejo fue idea de la gente de producción: “Che, cumplimos 25

años”. “¿Ah, sí?”. ¡Qué sé yo! A mí me gusta ir al escenario y tocar

cumbia. En los lugares grandes como ese se nos complica más

porque no estamos en nuestro hábitat. Por ahí lo tengo al timbaletero

muy lejos… Nosotros estamos acostumbrados a tocar

todos juntitos, que nos miramos, nos cagamos de risa, estamos

distendidos… Es como jugar a la pelota en un picadito. Cuando

se pone Copa del Mundo, que son estos shows más grandes,

es áspero. Y estamos transpirando. Mientras que salga todo bien,

está todo perfecto. Pero si no escucho un instrumento, ya empiezo

a renegar.

DIGO QUE SOY

100% NEGRO

CUMBIERO PORQUE

ESTOY ORGULLOSO

DE MIS RAÍCES.


DAMAS GRATIS EN EL

BILLBOARD HOT 100 ARGENTINA

Lo que es genial de ver a Damas

Gratis en vivo es que arranca y no

para. Son como los compilados

truchos que se vendían en el tren,

un mixtape humano de cumbia.

(risas) Exactamente, sí, está toda la coreo

armada. Entonces se hace más fácil. Yo tiro

el acorde y ya con eso se van reduciendo

las posibilidades de temas que vamos a hacer.

Los músicos ya están pillos, saben que

va a ir por ahí. Cuando arranco, se suben al

tren y no para.

EL ACCIDENTE QUE CAMBIÓ TODO

Vayamos un poco para atrás con la

película. ¿Cuál es tu recuerdo más

vívido de tu accidente en la moto,

punto de quiebre en tu vida?

Todos los días estaba componiendo una

canción, todo el día enfocado en la música,

todos los días de mi vida. Respiro música,

todo el tiempo. Desde siempre que estoy

en algo: o componiendo, o creando, o grabando,

o mezclando o masterizado… Ese

día estaba yendo a buscar un portaestudio

a la casa de un amigo, Cristian Galarza,

que es músico, también. Él estaba desculando

todo lo de la programación, todas

esas cosas de máquinas. El pibe era y es

crack. La portaestudio era mía, entonces la

fui a buscar en la moto. Llegué y empezó

a lloviznar. Y Chamuyo, su papá, me dice:

“Quedate tranquilo que te la llevo en mi

auto”. Pero yo me la llevé igual. Volvía por

un boulevard que está acá cerca, Avenida

Larralde, la (ruta) 197, que te lleva o

para Pacheco o para el lado del canal de

San Fernando… Venía cortando semáforos

en verde, pero despacio, a 60 km/h, no

más. Cuando cambió el semáforo, un auto

dobló hacia la izquierda. No tenía el giro

permitido, pero dobló igual. Yo venía

derecho y le pegué atrás. Hice una vuelta

carnero y no se golpeó el casco, no me

golpeé nada… Solamente las piernas y

el estómago contra el tanque de la moto.

Eso me dejó sin aire. Después sentí un

dolor que nunca más volví a vivir con esa

intensidad. De la cintura para abajo. Me

quedó una fractura expuesta de tibia y

peroné. Y el fémur.

Estuviste muchos meses en cama.

8 meses postrado. La banda en la que tocaba

de tecladista, Amar Azul, me dejó

afuera. Me cortaron menos 10. Me pagué

la operación y empecé a recuperarme.

En la convalecencia pensaba cómo

matar el tiempo: no había teléfono, no

jugaba a los jueguitos de la Playstation

porque me parecen una pérdida de tiempo.

Lo único que tenía era un teclado y

me puse a hacer canciones. De a montones.

Ya había hecho el primer disco de

Flor de Piedra, con el tema “Sos botón”.

Hice canciones para cinco bandas a la

vez. Las 12 canciones de cada uno de sus

discos. Era una máquina de hacer temas.

Iba a grabar en silla de ruedas al estudio.

En eso, aparece Damas Gratis, que sale

porque los cantantes me hacían renegar

mucho en la producción. Los cantantes

son bravísimos a la hora del show, también.

Por ahí venía un músico en pedo,

que era amigo del cantante, y decía: “No,

si no va él, no voy yo”. Y bueno, que no

vaya ninguno, vayanse a la casa a dormir.

A la hora de laburar, tenés que estar

pila. Estás dando un show, no podés subir

cachivache a hacer cagadas. Aunque

me ha pasado, lo habré hecho seguro.

¿Y renegaste con el cantante de

Damas Gratis?

(risas) ¡Uhhhh! Me cansé de renegar con

El trazo de Pablo Lescano viene dejando una

buena colección de fábulas barriales que pone

a bailar a todo el mundo, pero también dejó su

huella en el Billboard Hot 100 de Argentina.

La versión en directo de “Me vas a extrañar”,

junto a Viru Cumbierón, logró el #1 en

las últimas dos semanas de octubre de 2018.

Por aquellos días además había colado “No te

creas tan importante” (también en vivo y en colaboración

con la banda peruana) en el top ten,

siendo su peak position el cuarto puesto.

En 2021, y de la mano de L-Gante, ubicó otras

dos cumbias marca registrada: “Pistola (remix)”,

que alcanzó su mejor posición (2°) en mayo; y

“Perrito malvado”, que llegó al 6° en agosto.

Semanas antes, precisamente el 20 de marzo,

la "L-Gante: BZRP Music Sessions, Vol.

38" escaló hasta el primer lugar. "Yo toqué

los teclados en ese tema", apunta Pablito

sobre el motivo inicial de la "villarap". "Me

gustaría hacer un tema con Bizarrap, pero si

hacemos cumbia", se ofrece.

Damas

Gratis

celebrará

sus 25 años

el 20 de

septiembre

en el Arena

Parque

Roca (Av.

Coronel

Roca 3490,

CABA). Las

entradas ya

están a la

venta.

ese gil. ¡Nadie está libre de pecados! Con

esos primeros temas me decidí a cantar en

Damas Gratis. Antes, yo no era cantante

ni en pedo.

¿Qué te llevó a hacer esas cumbias

realistas y ásperas que en el 2000

no existían? La cumbia era romanticona,

algo cursi.

Amar Azul era una cooperativa a la hora

de tomar decisiones. Incluso para hacer

una canción. Hacíamos una letra y decíamos:

“No, a mí no me gusta que diga

‘pantalón; quiero que diga ‘pollera’”. “No

me gusta que diga la palabra ‘botón’, le

tenemos que poner ‘cierre’”. Y era un quilombo.

Me daba bronca porque yo tenía

otra idea.

¿Cómo la empezaste a desarrollar?

Agarré un billete, me alquilé un estudio

y dije que iba a hacer lo que yo quisiera,

nadie me iba a decir cómo lo tenía que hacer.

Junté 3000 pesos, que en ese momento

eran 3000 dólares. Pagué 100 horas de

grabación en un estudio que se llamaba

Bunker, en la calle Virrey Ceballos y Jujuy,

a un par de cuadras de Plaza Miserere.

El disco lo grabamos en 60 horas, Y habremos

estado diez, quince horas más de

mezcla. Gastamos unas 80 horas. No llegamos

a las 100 para hacer el primer disco

de Flor de Piedra. A la hora de plantear

la música, decía: “El güiro tocalo así, que

28

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

suene así, que raspe”. Pero el técnico me respondía: “No, pero

está mal así”. “No importa, vamos a crear un sonido nuevo. Vamos

a ser distintos a los demás. Hagamos algo nuevo”. Yo pedía

más graves, que le dieran cuerpo, que lo compriman. Y me decían:

“Pero está mal”. “No importa que esté mal, vamos a lograr

otra cosa”. Cambiamos el sonido, pero nos salió de pedo (risas).

A algunas cosas le pegamos, fueron saliendo. Otras fueron más

pensadas.

El audio hizo que las letras fueran más crudas, ¿no?

En la otra banda no podía meter letras un poco más agresivas.

O ninguna palabra de las que usamos acá en el barrio para hablar.

Por ahí el cantante era más grande y no se veía cantando

eso, no estaba para decir: “Vos sos un botón, nunca vi un policía

tan amargo como vos”. Con el léxico, la idea era usar el que

metíamos todos los días en el barrio. Yo renegaba porque veía

por televisión a los otros grupos vestidos corte Loco Mía. ¿Por

qué no se visten normal? Ponete un jean y una remera. Cuando

armamos Damas Gratis, dije: “Nos vamos a vestir como todos

los días”. Y ahí empezamos con el equipo de gimnasia.

Fue tan distinto que al poco tiempo fuiste censurado.

Como todo cuando se pega. Ahora es el rkt. Hay 50 artistas o

más en ese género. En aquel momento pasó parecido, pasa que

teníamos difusión en la televisión. Antes no había redes sociales.

Hoy capaz una persona adulta no escucha a los pibes porque

pone en YouTube lo que quiera escuchar. En ese tiempo estaba

la tele y al haber tantas bandas, ya empezaron a pecar, a ver

quién era más literal. Entonces valía todo y se empezó a desvirtuar.

Y el Comfer (Comité Federal de Radiodifusión) puso una

bajada de línea en la que no se podía pasar más la música que

hacíamos nosotros. Estuvimos como dos años sin sonar en ningún

lado, pero seguíamos haciendo los shows en las bailantas.

¿Te molestó que dijeran que tu música se llamaba

cumbia villera?

Ahora ya nos cagamos de risa. El término lo puso una compañía

discográfica para que se ponga amarillo todo y vender más

discos… ¡De los cuáles no cobramos ni un peso de regalías! La

vimos pasar, pero no importa. Los pibitos de hoy están un poco

más pillos en la jugada. Y ahora es todo digital… Antes se vendían

CDs y era todo negro.

Se dice que vos dabas los másters de tus discos a

los piratas. ¿En serio?

¡Y si no cobrábamos un peso! El día en que salían los discos, los

piratas ya lo tenían. Una vez me preguntaron si me molestaba.

Y la verdad que no, si de ninguna forma iba a ver un peso.

Antes, para poder sonar en alguna radio, o poder grabar un

disco, o para ser difundido, sí o sí tenías que firmar con un sello

discográfico.

FAMILIA. MÚSICA. AMIGOS

Sabemos que tus tíos fueron muy importantes en tu

vida en cuanto a la educación musical. ¿Te hiciste

cumbiero por ellos?

Uno es la música que crece. Si tu viejo escuchaba a los Beatles,

yo creo que de grande vas a seguir escuchándolos. En mi

casa no pasaba eso. Teníamos un grabadorcito nomás, pero no

era muy musical mi casa. En cambio en lo de mis tíos y lo de

mi abuelo, que vivían a una cuadra de mi casa, sí. Y yo iba con

ellos todos los fines de semana. Es más, mis primeros shows los

hice en la casa de ellos. Me contrataban, me daban diez pesos

para la gaseosa y yo armaba los teclados con el parlante. Y to-

caba. Y ellos estaban ahí, escuchando mis canciones. Fueron mi primer público.

Tenía un sintetizador arriba y, abajo, un órgano que tenía una base de cumbia.

Así empecé a hacer canciones.

En tu adn está eso y la cumbia colombiana, mexicana…

Es por ser de Zona Norte del Gran Buenos Aires. Acá es mucho colombiano,

mucho mexicano… Cada zona tiene su música. En el Oeste está el agite, ¿no?

En zona Sur tenés cumbia con guitarra, de Santa Fe. ¿Y por qué se escuchaba

música con guitarra? Tengo entendido que era porque ahí en el Docke o en la

Isla Maciel, había casas con OnlyFans, con pibas que venían de Santa Fe y traían

la música a Buenos Aires. Y así se metió esa música. Acá la cumbia colombiana

pegó por un boliche, el Tropitango, y por el Yankee, que es el que dice “otra vez”

en los temas de Damas Gratis. En esos tiempos no había internet, no había eMule,

no había ni Napster. Era todo con CD y el pibe traía música de afuera que se

la vendía a Tropitango para que la pase el dj. Eso era lo que sonaba.

¿Hoy que escuchás?


Cumbia. Todo el tiempo.

¿El rkt te gusta?

Muy poco, casi nada. Podemos fusionar, me

gusta. He mezclado con ska, y reggae… Pero

me gusta escuchar cumbia. De a ratos escucho

boleros, Los Pasteles Verdes… Antes de

que llegaran ustedes, (revisa su aplicación

en el celular) estuve escuchando a Leo Dan,

Dyango…

¿Escuchás canciones tuyas o no te

gustan?

Sí, con el tiempo reviso para ver qué mezcla

hice, qué sonido logré. Me analizo un poco.

Me da mucha vergüenza ir a comer un asado

y que pongan Damas Gratis. Eso es lo peor

que me puede pasar. Pero me gusta cuando

cantan un tema mío en alguna cancha de

fútbol. O cuando suena en el baile, también.

Es un logro. Los primeros logros era decir:

“Uh, mirá, grabé esto y se está escuchando en

la radio, está sonando tu música ahí”. Es una

cosa de locos que no podés entender. Que

bailen tus temas, que barrios completos se

hayan adueñado de tu música, que lo hicieran

parte de uno.

¿Hay algo que te dé vergüenza de tu

música del pasado?

Y sí, hay canciones que digo: “Puta madre…”.

No tenía conciencia, bardié.

Por la afinación, el tono…

Ah, no, ¡eso es peor! ¡Yo estaba hablando de

las letras! Si hablamos de esa parte, no… ¡me

quiero matar! (risas). Pero yo me mandé,

dije que iba a hacerlo como quería. Fue así,

un bombazo.

“

CUANDO TUVE EL

ACCIDENTE, SENTÍ UN

DOLOR QUE NUNCA MÁS

VOLVÍ A VIVIR CON ESA

INTENSIDAD.

¿Es verdad que tu mamá no quería que

te tatuaras?

Mi vieja era muy brava. Por ejemplo, en la hora

de la siesta, cuando éramos chicos, teníamos

que dormir cuando todos estaban jugando al

carnaval. Mirábamos para afuera por la ventana

y era un bajón… Después, hasta los 18

años, no podía tener pelo largo, tatuajes, nada.

“Tenés que estudiar”, me decía. Y después: “La

música es para los vagos”. Al final, la música

me dio todo. Porque esto no lo hicimos diciendo:

“Ah, esta va a ser mi fuente de trabajo”,

como dicen los Auténticos Decadentes en

su canción. “Quiero tocar la guitarra todo el

día…”. Y nada más. Pero para ella, la música no

iba a funcionar.

Un día le apareciste con un tatuaje,

¿con cuál?

Ya vivía solo, pero el primero que me hice

fue el de “100% negro cumbiero”, en Villa

Gesell.

Típico: se va de vacaciones a la

playa, se emborracha, se desconoce

y al otro día se despierta

tatuado.

(risas) El que me tatuó eso fue Marcos

Catueres, que es el mismo que hizo en

mis teclados el dibujo de la AK-47, porque

hacía aerógrafo, también. Un día me dijo:

“Che, Pablo, tengo una idea. ¿Qué es esto?

Un disparador de sonidos”, señalando a mi

teclado. “Listo, vamos a hacerle una ametralladora

que dispare sonidos”. Y ahí está.

El “100% negro cumbiero” no requiere

demasiadas explicaciones.

¿Pero qué significa para vos esa

declaración de principios?

Que uno está orgulloso de sus raíces. Era

plasmar eso. Yo soy cumbiero, no escucho

techno, rock o lo que sea. Antes estaba

marginado. Hoy se abrió un poco el juego

y podés jugar a la pelota con otros artistas,

pero en ese tiempo era muy complicado.

Yo soy 100% negro cumbiero, escucho

cumbia desde que soy chiquito, desde que

mis tíos escuchaban a Los Alfiles, grupos

santiagueños, Los Continentales del

Perú, Los Mirlos… Eso escuché de chico

y cuando empecé a tocar el teclado, ¿qué

iba a tocar? ¿DJ Deró? No, cumbia…


SU VÍNCULO CON L-GANTE

El cruce de caminos entre Lescano y

Elián Valenzuela, más conocido como

L-Gante, es evidencia de la mutación

estilística y el recambio generacional que

viene experimentando la cumbia hecha

à la Argentina. Algo que no solo ya se dio

en lo musical, como dejaron registrado

en "Perrito malvado", "Pistolas (remix)",

la music session con Biza y “Pinta” (para

el soundtrack de El Marginal), sino que

además mantienen una buena sintonía

sostenida por la camaradería.

“No sé si lo apadriné a Elián. Pasa que

uno está un poco más viejo, la vida ya me

pegó un par de golpes. Y si tuviera que

darle un consejo, a él o a alguien, le diría: 'Che, no andes en moto, porque me pasaron

ciertas cosas…'”, dice Pablo sobre cómo se relaciona con su joven colega.

"Con Elián es simple: lo llamo y le digo '¿Hacemos un tema?'. Viene y se hace. '¿Hacemos

1x1?'. 'Sí'. ¿Cómo es 1x1? Yo te grabo un tema, vos me grabás otro. Y así salieron dos hits".

¿Se ve reflejado en Valenzuela? "En algunas cosas sí, en otras no. A veces lo veo y

digo: '¡Nooo, no vayas por ahí, que te la van a poner! ¡Salí de ahí, Maravilla!", se ríe.

Vos siempre de ropa deportiva, nunca con cadenas como las que usa él.

Yo, perfil bajo. Perfil bajo paga doble. Pero cada loco con su tema. Eso lo aprendí de la calle

misma, a los golpes. Además, cuando sos joven, te dicen cosas y no das ni bola. Yo capaz

le puedo decir: "No vayas a tal programa". Después prendés la tele, lo ves ahí y decís:

"Noooo, Elián, ¿qué te dije?" (risas). He aceptado hacer notas porque los productores te

venden un buzón... "Quedate tranquilo que vamos a hablar de música". Arranca la nota, el

periodista mira a cámara y dice: "Yuta puta" (risas). "Estamos acá con Pablo… ¿a quien le

dedicaste esta canción?". ¡Y yo nunca había hecho un tema que se llamara así!

Tus hijos te acompañan en el escenario

cada tanto, ¿cómo se dio?

Cuando eran más chicos, aparecían más. Tommy

tocaba el teclado y Marita cantaba. Un día

Tommy me dijo: "Papá, es mucha presión hacer

esto". Transpiraba mucho por el público, se

sentía avasallado. Ahora toca en casa, nomás.

Ellos hacen lo que quieren. Acá, mi teclado

de composición que está en el living está

todo el día prendido. Marita sí estudió canto

y ella me hace todos los coros agudos. Viene

y los clava de una. Como estoy todo el tiempo

tocando y ella está en la cocina escuchando las

canciones, a la hora de grabar lo hace enseguida.

No tardamos ni media hora.

Todo muy natural, no es que les dijiste a

tus hijos: "Seamos una banda familiar".

¡Ni en pedo! Yo quiero que Mara sea médica,

porque tiene facilidad para estudiar. Estaría

buenísimo una profesional en la familia... ¡Ya

me emociono, eh! (risas).

Al Pablo de hace 25, 26 años, ¿le dirías:

“Flaco, no andes en moto?”.

Uh… “Date los gustos en vida”. Sí, le recomendaría

que no anduviera en moto. Es el destino,

andá a saber qué pasaba conmigo si no hubiera

tenido el accidente. Capaz seguía tocando en

Amar Azul y no me hubiese dedicado a cantar,

o a ser el líder de una banda… Tantas cosas

pudieron haber pasado.

¿Qué fue lo mejor que te pasó en estos

25 años?

La familia. Lejos. Tener vivos a mis papás, para

mí es un montón. De chico perdí a mi hermano

Mati, Juniors… Pero si me pongo a indagar así,

me van a hacer lagrimear. Me conecto con eso.

Nos garpa.

(risas) Yo sé que garpa. Pasa que me conecto

con eso y me puedo poner triste si es un día

gris como hoy… Enseguida me toca ahí. Tenía

16 años cuando se fue, pero llegó a verme con

Flor de Piedra. Una vez se subió al escenario

y desconectó los instrumentos. Un quilombo

hizo… Damas Gratis no lo vio. Falleció mi

hermano y fue un cimbronazo para toda la familia.

Mi viejo no quería que me comprara una

moto y yo fui y me la compré igual. Después

me pegué el palo y, bueno… Todo lo que pasó.

Y ahora cumplimos 25 años. Está buenísimo

este parque de diversiones.

“MI MAMÁ DECÍA

QUE LA MÚSICA

ES ‘PARA LOS

VAGOS’ Y, AL

FINAL, LA MÚSICA

ME DIO TODO”

¿Te imaginabas que iban a perdurar?

La verdad que no, porque en un momento de

mi vida tuve… Me quería desconectar porque

tenía muchos quilombos y, después de lo de la

moto, no tuve mejor idea que andar consumiendo

estupefacientes. Me puse falopero y

eso me sacó del juego como por dos años. Y

volver otra vez al escenario fue muy difícil,

parecía que se nos había pasado el cuarto de

hora. Tocábamos y la gente no tenía la misma

euforia. Había gente que nos veía, pero

otros miraban para el otro lado o se iban a

la barra a comprarse un trago. Hoy, cuando

toca Damas Gratis, se paraliza la barra. Los

bolicheros nos quieren echar, porque tocamos

mucho y la barra no camina. Después

de ese impasse, dije: “Ya está, cagamos la

verga, se pudrió todo, pasó el tren”. Mi problema

era que me había metido en esa. Me

pasó de todo: tuve un problema con el banco,

me vaciaron la caja, un quilombo, me re

chorearon, me re cabió. Otra vez, en picada

hacia abajo, montaña rusa de quilombo,

salíamos en la tele todos los días en los programas,

estaba todo mal… Me rescato. Y

cuando volvimos a los shows, la gente no

nos daba bola. Hubo que hacer otra vez un

trabajo de hormiga para volver.

Y ahora sos un artista popular.

Sí, sí, claro, obvio. Y en ese tiempo también,

pero había perdido la dinámica de los

shows de todos los fines de semana. Yo me

acuerdo que en Rescate, que es el boliche

que le dio el nombre al rkt, fueron los shows

de la vuelta. Y el público nos volvió a escuchar,

seguimos haciendo canciones, volvimos

a asomarnos. Y hoy es lo que es Damas

Gratis, una banda argentina, popular, que

aparte de tocar en todo el país, salimos para

otros lados.

Se llama Rescate: nunca mejor elegido

un boliche para volver, ¿no?

(risas) Parece mentira, ¿no? Pero sí. Hoy

tengo disciplina. Si te volvés un fisura, no

podés llevar adelante una vida feliz, organizada.

Lo padecí, por eso estuve dos años sin

tocar. Hoy me cago de la risa, tengo todo y

soy feliz. Transmito buena onda, recibo lo

mismo. Tengo familia, como asado, una picadita…

Antes, ni hambre.

32

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

KAPO

Dread Mar I también sería un junte

espectacular, lo respeto y admiro

mucho, me encantaría trabajar

con él.

¿Te veremos pronto por Argentina?

Estaremos muy pronto por allá.

Tenemos muchos proyectos tentativos

así que dentro de poco voy a

compartir la información con los

fans. Me encantaría estar allá con

ustedes.

¿Hay algo que te quede pendiente

para el resto de este

año?

Brindar un concierto a mi gente en

mi pueblo. Estoy deseando poder

hacerlo en diciembre por lo que

cerraríamos el año de la mejor manera

posible. Vamos a ver qué pasa

pero es algo que estoy deseando.

El estreno de Por Si Alguien

Nos Escucha, su llegada a

Argentina y el deseo de un

show en Colombia

Es su segundo álbum bajo La Industria INC.


K

apo empezó el año

como ganador del Premio

Lo Nuestro y Premio

Heat 2025 a Artista

Revelación del Año” y supo debutar

en el Billboard Argentina Hot 100 con

sus éxitos “OHNANA” y “UWAIE”,

por lo que el artista colombiano decidió

redoblar la apuesta y presentar su

segundo álbum bajo La Industria INC.

Por Si Alguien Nos Escucha.

“Es una forma de lanzar mi verdad

al mundo con la esperanza de conectar

con quien esté dispuesto a escuchar”,

compartió en conversación

con Billboard Argentina.

El álbum incluye 15 canciones que

transitan entre lo emocional, lo bailable

y lo introspectivo, como sus

éxitos “Ohnana” y “Uwaie”, tracks de

los que recuerda: “Estas canciones

fueron el punto de partida. Me dieron

una identidad musical que hasta

hoy me representa”.

Felicidades por el lanzamiento,

¿qué significa para vos?

Muchas gracias, fue un trabajo muy

arduo, pero aquí estamos. Estoy

muy contento con el resultado y por

cómo lo recibió la gente.

¿Cómo estás viviendo todo

lo que está pasando con tu

carrera y el éxito repentino de

canciones como “UWAIE”?

Tengo que agradecer todo lo que

está pasando pero también tengo

que sentirme merecedor y orgulloso.

Además, hay que ser consciente

que todo pasa por algo, lo estamos

trabajando durante mucho tiempo y

hay que recoger sus frutos. Cuando

se dedica a dar, cuando le toca

recibir es hermoso. Lo que queda es

darle las gracias a cada persona que

escucha, da like, comparte y quiere

conocer nuestra historia. Además,

esto es solo el comienzo de cosas

muy bacanas.

¿Este nuevo álbum funciona

como una manera de mostrarte

al mundo?

Claro que sí. Es de mucha identidad

y muy introspectivo. Lo que quise

dar fue lo que me salía del corazón,

por lo que estoy seguro de que la

gente se va a sentir identificada.

¿Eres alguien que suele fijarse

en los números y resultados?

Lógicamente, a uno le gustan los

buenos resultados. Le gusta que

todo vaya bien y “se vuele”, como le

decimos nosotros, pero en este caso

no veía mucho los números porque

sabía que íbamos a tener buen recibimiento

casi seguro. Lo que necesitaba

era sentir el apoyo y saber que

la gente lo estaba escuchando, no ver

las cifras de lo que estaba pasando.

¿Hubo alguna canción que te

haya sorprendido por el recibimiento?

Este fin de semana pude cantar en

vivo el álbum y “Corazón” fue una

de las que más me sorprendió. La

cantaron de principio a fin, y eso es

lo que realmente me llena el alma.

Me encanta que se sientan identificados

con un trabajo de este estilo.

¿Había algún argentino en

mente para alguna colaboración?

La verdad es que sí, estuvimos en

conversaciones con varios artistas

argentinos ya, como Tiago. Con

Track X Track

“Hacía Falta Yo”: "Arte.

Literalmente hacía falta yo, es

como ‘Hola, aquí llegué’. Es una

presentación a la industria para

alguien como Kapo".

¿Sentías que a la industria le

hacías falta?

Totalmente.

“OHNANA”: “Confía que todo

va a estar bien”.

“Ruff”: “Significa sumergido

en tí. Es amor. Son canciones

para dedicar, para el amor, el

coqueteo…”.

“Ily” con Myke Towers: “Es

una pieza de colección, así me

gusta definirlo”.

“Baúl de los Recuerdos”

con Yandel: “Es una canción

legendaria, estoy seguro que

se va a recordar por mucho

tiempo. Van a tener la parte

dos, tres, cuatro y muchas más,

seguro”.

¿Por qué Yandel?

Porque es una leyenda. Siento

que con sus canciones románticas

marcó mucho mi infancia

y una época. Me llegaba mucho

su lado romántico, por lo que es

muy cool tenerlo conmigo.

“X Ti” con Feid: “Es un tema

muy jocoso. Es esa fiesta de

amigos con buena vibra que no

puede faltar. Mucho baile, color,

dinamismo… Va a sonar hasta

debajo de las piedras”.

FOTOS: GENTILEZA SONY MUSIC

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BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

Kchiporros

“Queremos tocar

la fibra de todos”

El grupo del Paraguay cumple 19 años y lo celebra con su nuevo álbum de estudio,

titulado Todo el Mundo está Kaliente!, que cuenta con una canción grabada junto a

los argentinos Gauchito Club.

POR AGUSTÍN CONTEPOMI

FOTOS: POPI GRAÑA

K

dijo

chiporros presenta su nuevo álbum

de estudio titulado Todo el Mundo está

Kaliente!. La banda paraguaya presenta un

material que condensa lo que la banda viene

construyendo desde hace 19 años, una

mezcla genuina de sabor, emoción, provocación

y evolución constante que despliega

una paleta sonora amplia, yendo del pop latino

al bolero glitch, de la cumbia a lo electrónico,

de lo crudo a lo sofisticado.

Esto aparece tras un proceso creativo diverso

encabezado por Chirola Ruiz Díaz,

compositor principal de la banda, junto a

músicos de toda la región, entre ellos Gauchito

Club, Sir Hope, Mulu, Andrés Canalla

y Nico Orozco, además de encuentros

intensos con El Chávez y Mauri Román,

bajo la producción artística liderada por

Toy Selectah, de Control Machete.

“Me encanta que el nombre tenga muchas

lecturas. Acá, ‘todo mundo está caliente’

es por estar enojado, o también si

estás medio ‘horny’, como con ganas de

guerra”, dice entre risas Chirola, en diálogo

con Billboard Argentina. “También están

las noticias del medio ambiente, el cambio

climático, la polarización… Hay una necesidad

humana de resistir contra todos los

problemas que pueden haber y que nada

nos quite la alegría", completa.

“Este álbum es una resistencia contra la

deshumanización, contra la inteligencia artificial,

contra todo lo que nos pueda afectar.

Lo que nos queda es bailar, sentir conexión,

amar, estar triste, extrañar esos sentimientos

que nos hacen tan especiales a los seres

humanos”, se plantan. “Proponemos sonidos

nuevos y la gente que escuchó el disco, nos

que sentía una frescura en muchas de

las canciones, pero que también les traía recuerdos

del pasado. Está buena esa mezcla”.

¿En qué se inspiran para crear? ¿Qué

los mueve a hacer estas canciones?

A nosotros nos gustan las canciones, las

melodías, las letras. Nos encanta bailar y

hacer bailar. Ese fue el primer súper poder

que tuvimos. Luego nos dimos cuenta de

que aparte de bailar, queríamos hacer que

la gente se emocione y después, también,

que piensen. Con esta música podés estar

en una fiesta bailando, pero también en

tu casa o manejando el auto, en una cita y

te sirva, porque también está bueno que

la música sirva para sublimar, para sanar,

para divertirte, para conectar con otras cosas.

Hicimos muchas canciones para este

álbum, como 80, 90. Y desde ahí, empezamos

a sacar lo mejor. Fue como ir pelando

una flor hasta encontrar la belleza que son

estas 11 canciones

¿Cómo fue la conexión con Gauchito

Club?

Fue muy loca. La verdad que a los chicos les

seguimos hace tiempo. Una vez en una nota

le preguntaron a ellos qué conocían de Paraguay

y nos mencionaron a nosotros. Después,

a Julio (Troche, guitarrista), le preguntaron

con quiénes de Argentina le gustaría

colaborar y nombró a los Gauchito. Ellos lo

vieron y al toque nos escribieron por Instagram.

Coincidimos en un festival con ellos

y aprovechamos para grabar el videoclip,

hicimos la canción y tiene una fuerza súper

especial. El tema se llama “Sudamerikal”, y

la idea es dar vuelta el lenguaje. Ellos tienen

una chispa, una magia que le gusta tanto a

la gente y hace que la canción haya quedado

muy afilada.

En el hacer, uno le va tomando más

cariño a una u otra canción. ¿Cuáles

son sus favoritas de este nuevo

trabajo?

Son momentos, ¿no? Hay días que pasas

por una, después por otra… Influye mucho

el estado de ánimo. Pero creo que hay algo

unánime entre nosotros con “Ojos de sol”,

hasta ahora. Y también las reproducciones

que fue acumulando dicen eso. Ahí juega la

democracia (risas). Pero también nos gusta

mucho “Sudamerikal”, “Salto al vacío”, “La

hora paraguaya”, por lo que refleja… Esa es

la intro de todo esto que estamos diciendo,

que venimos de un lugar y seguimos para

todo el mundo.

Son todas canciones que, como decíamos,

pueden acompañar en cualquier

circunstancia de la vida, ¿no?

Es un álbum muy rutero, pasa rápido. Además,

tiene algo de conceptual no solo en la

música, sino también en el mediometraje

que lo acompaña, lo cual es algo así como

una resistencia en estos días. Porque todo se

pasa muy pronto, muy de repente, se piensa

mucho en las redes sociales, en los challenges…

Que está súper bien, pero también es

bueno volver a intentar contar una historia,

con una narrativa, con un arte, que cada

cosa hecha tenga un por qué. Quizás ese

sea el camino más largo, como bien dice

No Te Va Gustar, pero la verdad que es muy

satisfactorio.

¿Cómo están preparando el desembarco

de estas nuevas canciones al

vivo?

Tenemos por delante una larga gira de presentación

del álbum. Primero vamos a México,

después a Europa… Se llama, obviamente,

Todo el mundo está kaliente Tour, en el que

no solo estaremos nosotros, sino también

es un desembarco del colectivo artístico que

representamos. En todos los lugares en donde

toquemos, vamos a hacer fiestas, vamos a

estar abriendo con un dj set, y también luego

del show habrá after parties de cumbia. La

idea es replicar esto en todas las ciudades

que podamos. Porque esta es la bandera de lo

que somos y también sentimos que estamos

representando al continente entero. Con esto

queremos tocar la fibra de todos.


Track X Track

ESTELARES

PRESENTA LOS LOBOS, SU NUEVO DISCO

Manuel Moretti habla de las 12 canciones que forman parte del décimo trabajo en estudio del grupo.

POR JUAN CRUZ REVELLO

M

anuel Moretti,

que está cantando

mejor que siempre,

es un autor exquisito.

Poeta fértil,

domina el arte de

construir melodías que queden

en la memoria colectiva con armas

impolutas: lírica determinante,

paisajes inspirados y estribillos

épicos para cantar con los brazos

abiertos de par en par y con

gargantas explotadas. Equilibrio

justo de cultura popular

y erudita. En las canciones

que compone se tropiezan,

borrachos, Leonardo Favio

y Lou Reed, Palito Ortega y

Nick Cave.

En Los Lobos se siente todo

eso. Tiene temazos, muchos

con origen en pandemia, que

seguramente formen parte de

las obligadas canciones a tocar

en vivo en un futuro cercano.

Y reaparece “Cómo cría de

leopardos”, canción originalmente

publicada en el segundo

álbum de la banda, Amantes

Suicidas (1998). Es que

la regrabación es otra de las

especialidades de la casa: en el

pasado ya habían vuelto sobre

temas como “El corazón sobre

todo” o “El último beso”.

En este Track x Track con Billboard

Argentina, Moretti

detalla el armado y el sentido

de este disco grabado en

Romaphonic por Eduardo

Pereyra y Martín Pomares,

producido por Germán Wiedemer

y con un arte de tapa

de Juan Soto.


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AGOSTO 2025

1

“Alma en mi” “Los lobos”

2 3

“Emperifollada”

Una de las cosas que más me

gusta del disco es que arranca

diciendo: “Estuve un tiempo

sin creer en nadie, algo normal

después de tanta guerra”. Está

bien como presentación en

estos tiempos, al menos para

mí. De las primeras canciones

que compuse en el comienzo

de la pandemia, quería que

sonara cargada, que las

guitarras sean rockeras y

también que sea sencilla: que

empezase con una melodía de

voz y que enseguida cayese la

letra. El estribillo dice: “Y aquí

estamos los dos, cantando

esta canción, que habla de

bondad y de felicidad”. Eran

palabras que en la pandemia

tenían que ver.

“Te enfadas” 5

Es muy de mi corazón. Es como LA

canción del disco, la que más quiero.

Hubo un momento en que una de

mis hijas me cocoreaba, me peleaba

todo el tiempo (risas). Y en ese tono

amoroso, intimista, se me ocurre

todo eso: “¿Por qué gritás?, ¿por qué

estás tan enojada?”. Esa es la matriz

inicial de la canción, que luego se

desprende porque va hacia otro

lado. Da para mil pensamientos. El

estribillo es el que más me gusta del

disco: “Vuelan mil pájaros perdidos

en la noche, sin comprender el

desprecio y el desdén, ahí los ves

curando sus heridas, hazlo bien, esta

es tu oportunidad”. También remite

-y lo saca del mundo niños- al caos.

Hay un pasaje que, tranquilamente,

es una fotografía del cocainómano.

Es más heavy, ahí no aparecen los

niños. Esa parte habla del desprecio

y el desdén, que tiene que ver con el

maltrato que uno a veces se ofrece.

“Zumba el viento”

“Las arañas

9

10

Está hecha a la ciudad de Rosario. Cuando la escribí,

Una canción muy oscura. Tiene una

frase que representa la idea que quería

contar: “Yo te recuerdo que cantábamos desechos”. Narra

épocas dificilísimas que, a pesar de todo, nos sostuvo el oficio

de cancionista. Me estoy hablando a mí mismo, a aquel que fui.

Otra frase que me encanta: “Yo te recuerdo que cantábamos

desechos, y al final puedo pintarlo, nos brindábamos enteros”.

Le pusimos todo, de verdad.

Comienza con dos acordes de piano que me

gustaban bastante. Suena como una especie

de intro de una canción de Charly. Hay algo en esos acordes y en esa rítmica,

homenaje a su universo. La empecé a escribir imaginando bosques llenos de niebla

y de ríos. Una relación muy directa con la naturaleza, en épocas de abstracción y

soledad. Y aparece ese estribillo en sí menor, que dice: “Cuando el dolor se va”, que

le termina de dar vida a la canción. Es como la fotografía de la canción.

“Los Diablitos”

En un momento fue, para

casi todos, la canción del

disco. Me gustan todas las

frases, me gusta la melodía

y tiene ese solo de Víctor

[Bertamoni, guitarrista] tan

fresco. Me gustaba la idea de

los lobos como una especie

de clan social, de salvajismo,

de necesidad de protección…

También de que a veces los

lobos nos agobian (risas), y me

parecía que estaba bien como

título de disco.

tuve la imagen de las veces que estaba en el bar El

Diablito, con sus lámparas, el piano ahí atrás. Y las cosas que ocurrían: las charlas, el

alcohol, los cigarros. El mundo Rosario. E inventar que, cuando salís de ahí, ves el río y

un barco que pasa… Y lo que fue tan sintomático de Rosario: el incendio de las islas y

el humo que no te permitía respirar. Y después, lo que cuento, “tus botas de cowboys”,

es tipo Ava Gardner, lo que Chavela Vargas contaba que se metía en los bares y

caminaba por las mesas, colocada. Hay algo de eso, también.

Con el disco casi terminado, puse las

maquetas en el celular y me dije: “Esta

canción está buena porque es para mover

la patita”. La melodía se mueve de manera casi infantil. Es simplemente

una canción fresca, celebratoria. Aunque el puente sí tiene una

trampita: “Nidos, cielos, ríos, tu cara en el espejo”. Hay una especie de

dramatismo que siempre hay que ponerles a las canciones, al menos

yo lo necesito. Y está puesta también en un plan de canción bailable.

“Roma”

Es de Pali [Silvera, bajista]. Él también es compositor

y tiene canciones que son preciosas; es muy rico

melódicamente y yo me siento muy cómodo cantando

sus melodías. Sus letras también me gustan. Me parece que va a ser

uno de los hits. Tiene muchos elementos, es muy pop, muy cantable y

muy bella. A mí, a veces, me suena a los Pet Shop Boys, algo del british

bailable, Blondie, Pulp… Todo eso junto en una canción muy de Pali,

que es, por supuesto, un tanguero argentino.

“Escabio”

6 “Tu veneno”

Se llamaba “Evo” porque la escribí

cuando le hicieron el golpe militar

a Evo Morales. No quise ponerla

tan político-social. Si no tenés

el dato geográfico, es imposible

que te des cuenta. Pero si prestás

atención, casi todo lo que dice

está relacionado con eso: “Desde

que te vas, hasta que volvés”, la

esperanza de que vuelva algún día

Evo, como después volvió. Hay

algunas cuestiones ambivalentes,

como amorosas, pero fue escrita

en ese momento.

8

11

La compuse

toda

en piano. Es una especie

de registro que aún sigo

atravesando, sobre quienes

“Ella”

fueron mis padres y cómo

impactaron en mí. Todavía

uno sigue preguntándose

sobre la construcción afectiva.

“Jugando a tu mamá, jugando

a tu papá. Aquel amor ausente.

Tan frío. Tan silente. Armado

hasta los dientes”. Es una

canción medio psicoanalítica,

también. Pero es una canción

escrita al amor de mis padres,

con virtudes y defectos. Lo

bueno que me dieron y el caos.

Es un ejercicio de

canción popular total.

Cuando la hice estaba escuchando

corridos mexicanos, en mi maqueta

estaban sonando medio así, pero

más cuadrados los vientos. Le

pedí a Germán que la lleve a una

introducción más mexicana. Para

mí es como un reggae melódico,

con mención al mito de Ulises y las

Sirenas. En realidad, es una canción

hecha a una femme fatal, Ulises

baila con sirenas.

“Como cría

de leopardos”

4

7

12

Respecto a la primera

versión, pescamos el alma

de la canción y la trajimos

al ahora. Tiene el pedal

steel de Maxi Tym, de

Guasones. Esta, al igual

que “Los lobos”, es una

canción de un barrio que

es el folk rock, que con

Estelares curtimos tanto

en el segundo disco y

que sigue estando vivo en

nosotros. Me parece que

esta versión mejora a la

anterior, quedó muy bien.


Cuatro discos calientes del mes

POR FACUNDO ARROYO

5202, Duki

Tropicoqueta,

Karol G

La comedia del

horror latino

Fraxu

Eterna,

Mula

Duki está encerrado en su propia vaina. Abandonó la calle y no sale del vip. Y aunque corra arriba

del beat no renueva sus propios paradigmas: el derroche, las rivalidades sin nombres, el éxito desde

la masividad. No se olvida de la familia y el trabajo. Está todo, hasta tiene los instrumentales de

los referentes del rap de Atlanta (Southside y Wheezy) pero aún así falta la llama de la creatividad.

La buena noticia es que el rapero más importante del país dejó atrás el concepto de disco (no resultó

nada bien lo de Ameri) y volvió al estudio a jugar. Y Duki, cuando compite, quiere salir campeón,

siempre. Según el artista, este mixtape lo fue haciendo mientras estaba de gira por Estados Unidos. Y

tiene sentido. La esencia del estudio de grabación, como lo hicieron en los mejores mixtapes del rap,

se siente en cada segundo de estos once tracks. Ahí tiene el foco competitivo y chivado, se siente

ese olor. Duki es creativo siendo instantáneo y quizás 5202 sirva para volver a esa. No hay certezas

sobre el don que tanto subraya pero está claro que es un artista del que siempre se pide más porque

tiende a la disrupción y, a veces, la alcanza. O como dice él: “Con ser Mauro no me alcanza”.

Como le dice Thalía a Karol G en el original y radial prólogo de “Piel morena” de este nuevo disco:

“Pasaste de ser la bebecita a la bichota, y ahora a la Tropicoqueta”. Y esa línea podría ser la

traducción del “foco Latam” en el que también cayó la cantante colombiana. En diálogo, si se piensa

sólo en 2025, con el Debí tirar más fotos de Bad Bunny pero más cerca del Latinaje de Cazzu.

Una coctelera de géneros de la región arrastrados al mundo de la artista con resultados desparejos.

La industria que ahora pide el “disco regional” por el éxito de El madrileño (C. Tangana) y El mal

querer (Rosalía) se trasladó a esta parte del continente y las mujeres se atreven a encararlo. Para

Karol G las buenas noticias vienen por el lado del funk carioca “Bandida entrenada”, la balada “Coleccionando

heridas” junto al maestro Marco Antonio Solís y, más en su terreno urbano y eterno,

con “Latina foreva”. Los veinte temas juntos son un exceso de la búsqueda pero, a modo “salmón”,

podés bucear y encontrar, también, cosas aisladas como “Viajando por el mundo”. La canta de manera

trascendental junto a Manu Chao y todo su mundo clandestino y crítico. Tropicoqueta y social.

Dice Fraxu que La comedia del horror latino se ofrece como rito y refugio: una obra colectiva,

performática y profundamente expresiva. Para que se hagan una idea regional, el vínculo

arriesgado es Ney Matogrosso pero, como todo artista afincado en La Plata, las referencias

locales también están. En este caso, el artista tiene una vinculación fuerte con Mister América

y La secta, dos proyectos de inicio de siglo, secretos bien guardados de la ciudad de los

masones. Por todo eso, a Fraxu hay que verlo en vivo, se gesta a partir de un mundo más vinculado

a la dramaturgia que a un show musical standart. En este, su tercer LP, te derrite sin la

performance vincular con “Que rico che”, “Serotonina” (y sí…), la canción que recibe el nombre

del disco y con la bucólica y nocturna “El anfitrión” (donde se mete a cantar Ramiro Sagasti de

Pérez que también fue el productor). Si bien es un trabajo de pop barroco hay algo del procesamiento

sonoro digital y contemporáneo que le da una frescura futurista, como si ese pequeño

cuerpo multicolor llegara montado arriba de una bomba atómica dramática y amorosa.

Quizás no lo sepan pero el trío de República Dominicana está unido a un mismo lazo con Javiera

Mena y Miranda!. Sobre todo en “Formenqué”, la mejor canción (que sirve de apertura)

de este LP pero también en “Acelero” donde la voz de la chilena fundamenta la hipótesis. La

mezcla que trabajan entre la new wave y las bases electrónicas preparan el terreno para desembocar

de lleno al reggaetón pero nunca termina pasando. Es una calentura constante por

convicción. Esa es la clave de Eterna que, además, cuenta con colaboraciones como las de

Las Acevedo y Lucía Tachetti para dejar en claro que también pueden ser verdaderamente

pop desde el fuego de Centroamérica. Respecto a la integralidad de las doce canciones, Mula

deja claro otra idea que tienen desde el principio: el disco puede ser una sola pista capaz de

convertirse en un baile desmedido pero justo. Controlado pero letal, coqueto pero profundo.

40

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025


BILLBOARD TECH

BHAVI, EL PRIMER

ARGENTINO EN LLEVAR

SU UNIVERSO A FORTNITE

SU DISCO BHAVILONIA SE PUEDE

RECORRER Y CONOCER DE MANERA VIRTUAL

EN EL FAMOSO VIDEOJUEGO


b

havi siempre se caracterizó

por buscar nuevos horizontes

tanto en su carrera

como a nivel personal,

buscando nuevos desafíos

constantemente y logrando

expandir sus fronteras en

cada paso. Desde que presentó su último

proyecto, Bhavilonia, dejó claro que no

era un trabajo más, apostando sus cartas

a un trabajo audiovisual completo, con

escenografías nuevas en cada show y estructuras

dignas de un espectáctulo salido

de Hollywood. Algo que dejó ver en shows

como el del Buenos Aires Trap 2024.

Sin embargo, el camino de ese álbum no

termina ahí, ya que el artista quería darle

otro giro no sólo a la música, sino también

al proyecto artístico global. Es por ello

que junto a Fortnite y un equipo especializado

de desarrolladores presentó su mapa

especial dedicado al universo completo de

Bhavilonia. Con esta experiencia, se convirtió

en el primer artista argentino en adaptar un

disco completo a una experiencia interactiva

en esta plataforma.

Los jugadores que lleguen a este mapa pueden

sumergirse por completo en el universo

del artista, diseñado con la estética del álbum

-medieval con toques modernos- y lleno de

guiños a sus videoclips. El juego también

permite recorrer el castillo, explorar espacios

diseñados por el propio Bhavi y otros escenarios

que unen más que nunca el gaming con la

música.

Además, sus dos shows con entradas agotadas

en el Estadio Obras -previo al lanzamiento

del mapa- permitieron al público adentrarse

en Bhavilonia a través de una puesta en escena

impactante: un imponente castillo de dos pisos,

armaduras, princesas, doncellas, verdugos,

guardias y decenas de actores que daban vida a

esta historia con un hilo conductor extraordinario,

anticipando lo que sería este disco.

BHAVILONIA EN EL BILLBOARD

ARGENTINA HOT 100

El álbum cuenta con el éxito “Bésame Remix”, en

compañía de Seven Kayne, Milo J, Tiago PZK, KHEA y

Neo Pistea.

La canción llegó No.1 del Billboard Argentina Hot 100

en mayo del 2024 y se mantuvo en la cima por cinco

semanas, logrando un hito en la carrera de Bhavi.

FOTO: GRAND MOVE RECORDS

42

BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

CHIARA OLIVER

“QUIERO AYUDAR A ALGUIEN

A SUPERAR UN MOMENTO

COMO EL QUE RETRATO

EN MIS CANCIONES”

CON CANCIONES FRESCAS Y DE HISTORIAS

REALES, LA ARTISTA ESPAÑOLA ESTÁ LISTA

PARA CONQUISTAR AL PÚBLICO ARGENTINO

CON DOS SHOWS EN LA TRASTIENDA.

POR KARIN LEIVA


C

hiara Oliver debutará en Argentina

con dos fechas en La Trastienda

a finales de agosto. En sus

EPs, La Libreta Rosa y La Última

Página, la artista española transforma experiencias

que en algún momento vivimos todos en

canciones íntimas, frescas y honestas con las

cuales cualquiera puede sentirse identificado.

En charla con Billboard Argentina, Chiara

habla sobre su vínculo con la escritura, el

TDAH y su presente artístico.

Lanzaste La Libreta Rosa y La Última

Página. ¿Cómo nació la idea de estos

EPs y cuál fue la inspiración detrás de

esas canciones?

La Libreta Rosa nació por una libreta que tenía

en la Academia de Operación Triunfo, el programa

que me dio una plataforma como artista y

como persona. Ahí escribía todas mis canciones

y lo que me pasaba. Cuando salí, vi que a la gente

le había resonado esa libreta y pensé que era

una forma perfecta de abrir mi carrera, homenajeando

a la academia y mostrándome como

soy. Sentí que seis canciones no eran suficientes

y que tenía que cerrar mi historia, por eso hice

La Última Página.

La inspiración detrás de esos EPs fue la vida.

Me gusta decir que escribo sobre la mía y la de

otros, sobre lo que nos pasa a las personas de mi

edad, a chicas como yo.

Reversionaste “Tulipanes” con Pablo

López. ¿Cómo surgió ese encuentro

artístico?

Es un artista increíble, tan completo, con tantas

capas. Fue un sueño y un privilegio colaborar con

él y rehacer “Tulipanes” de una forma tan íntima

y especial con alguien a quien admiro tanto.

¿Qué significó para vos compartir con

un artista con su trayectoria? Además,

tienen en común que los dos pasaron

por Operación Triunfo.

No hablamos de Operación Triunfo hasta el

día de la promo de “Tulipanes”. Estábamos en

Madrid, almorzando, y salió el tema. Nos miramos

como el meme de Spider-Man y fue como “¡Ostras,

tú también!”. Compartimos experiencias parecidas

pero distintas. Pablo estuvo en 2008, yo en 2023. El

programa sigue igual y a la vez cambia. Es interesante

intercambiar experiencias.

Tenés tu debut en suelo argentino con

dos fechas. ¿Qué sensaciones te genera

eso?

Ganas e ilusión. Tengo muchas ganas de ir y compartir

con mis fans argentinos, que son muchísimos.

Desde que salí de la academia, hay gente de

Argentina que pone cosas en redes. Nunca imaginé

que tan pronto podría conocerles. Es un sueño.

¿Qué significa para vos poder compartir

tu música en diferentes ciudades, con

gente de otros países?

Para mí es de lo más bonito. La música es uno de

los lenguajes más universales, traspasa rutinas,

lenguas y estilos de vida. Siento que es el mismo

feeling cantarlas en mi habitación o en Buenos Aires.

Cada persona la recibe distinto, y eso es muy

guay. Me gusta sentir que conecto con cada uno

individualmente.

¿Cómo te estás preparando emocional y

artísticamente para los shows que tenés

programados?

Estoy de gira desde septiembre y lo hago como

puedo. Al principio todo era nuevo, yo estaba aterrizando

después de la academia. Poco a poco encuentro

mi balance y mi forma de hacer las cosas.

Hay conciertos que disfruto muchísimo y otros

donde no siento que di el 100%. Me gusta ver ese

contraste. Sobre Argentina, tengo muchas ganas

de ir, darlo todo y disfrutar. Me hablaron muy

bien del público, así que tengo mucha ilusión. Me

parece precioso conocer gente que está tan lejos

pero tan cerca por la música.

¿Qué tan autobiográficas son tus canciones?

¿Te sentís un poco expuesta o lo usás

para hacer catarsis?

Es el dilema más grande de mi vida. Escribo para

expresarme, retratar la vida, como quien pinta lo que

ve. Muchas veces sí son autobiográficas y da miedo,

pero también quiero que quien escuche una canción

mía diga: “Eso me pasó a mí”. Me importa ayudar a

alguien a superar un momento como el que retrato

en mis canciones. Mi miedo se va cuando pienso que

hablo de la vida de otros, no solo de la mía. En La

Última Página y La Libreta Rosa se ve todo desde un

lugar inocente, juvenil. Me gusta volver a esas canciones

y recordar lo que me pasaba. A todos nos rompen

el corazón, todos nos enamoramos. Estoy contando

cosas que a todos nos pasan.

Hablaste públicamente del TDAH. ¿Cómo lo

manejás al momento de trabajar?

Depende del momento. A veces estoy súper bien, otras

me afecta más, sobre todo cuando tengo muchas cosas

en la cabeza. En la academia lo tenía muy activo, también

al principio de la gira o cuando estoy estresada,

triste o tensa. Se trata de encontrar el balance. Hay

épocas en las que entro en hiperfoco y quiero componer

todo el tiempo, y otras en las que paso ocho meses

sin escribir. Tener el diagnóstico me ayudó a aceptarme,

a entenderme y a no ser tan dura conmigo misma.

No lo uso como excusa, pero sí influye. A veces la gente

no lo entiende, pero me ayuda a no martirizarme y a

recordar que tengo este factor.

¿Qué le dirías a la Chiara que soñaba con

todo esto?

Que siga así y sea lo más ella posible. Que disfrute

mucho de la música, que es lo más bonito, y que no

se distraiga con lo que no importa. La música es lo

más importante.


FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC

EL PRIMER ESTUDIO DE

GRABACIÓN MÓVIL EN

COLOMBIA SIGUE SU

RECORRIDA POR ANTIOQUIA

BILLBOARD ARGENTINA ESTUVO PRESENTE EN EBÉJICO, UNA DE LAS PARADAS DE ESTE SINGULAR

PROYECTO QUE BUSCA IDENTIFICAR, VISIBILIZAR Y PROFESIONALIZAR A NUEVOS ARTISTAS LOCALES.

POR EZEQUIEL RUIZ


A

lgo está pasando en

Colombia. Por segundo

año consecutivo

salió a rodar

La Nave, el primer

estudio de grabación

móvil del país que

va por todo Antioquia

identificando y visibilizando

el talento local para llevarlo a

otro nivel. En los primeros días de

julio, la parada fue Ebéjico, una

cálida población en la que viven

poco más de 12 mil personas,

ubicada en la montañosa región

Occidente. Para llegar hasta allí

hay que tomar la salida de Medellín,

la capital departamental, por

la carretera 62 hasta llegar a la

entrada al pueblo. Luego es preciso

bajar por un camino sinuoso

y angosto, bien pavimentado pero

sin iluminación artificial, durante

algo más de 40 minutos.

La plaza es el centro neurálgico

de todo pueblo alejado de las

grandes ciudades y Ebéjico no es

excepción. Frente al portal de la

iglesia, se estacionó La Nave (un

estudio rodante completamente

equipado que permite producir

música con estándares internacionales

en cualquier municipio

del departamento) y se montó

el escenario por el que pasaron

casi 30 artistas emergentes

para hacer una audición en vivo,

rodeados por un coro popular. Un

jurado compuesto por expertos

de la industria musical escuchó a

cada uno de ellos con el objetivo

de elegir a tres finalistas, quienes

luego tendrían la oportunidad

de grabar un single de manera

profesional.

El jurado estuvo compuesto por

Ezequiel Ruiz, director editorial

de Billboard Argentina; Sebas

Boxian, DJ y productor musical;

Mario Medina, director de Universal

Music Publishing; y el cantante Luis

Miguel Fuentes. Ellos vieron cómo

fueron pasando de uno a otro los participantes,

quienes demostraron lo

suyo sin restricciones. Para muchos

de ellos, fue la primera vez sobre un

escenario; otros, llegaron con un poco

más de experiencia.

Así, durante la tarde noche del viernes

4 de julio, fueron elegidos tres talentos:

Jhon Ferney Pulgarín (Punto a

Punto, crédito local y responsable de

haber levantado un clima de jolgorio

en toda la plaza), Luis Eduardo Altamirano

(Alex Vauthe) y Jorge Alejandro

Betancur (Manolo Rúa). Cada uno de

ellos tuvo la posibilidad de grabar su

propio sencillo en La Nave.

Al día siguiente, tras las audiciones,

los participantes tuvieron la oportunidad

de compartir experiencias y recibir

retroalimentación personalizada en un

espacio de networking que fomenta

el intercambio de ideas y el fortalecimiento

de redes colaborativas, protagonizado

por el jurado.

QUÉ ES LA NAVE

La Nave es un proyecto liderado por el

gobernador de Antioquia, Andrés Julián

Rendón, a través del director del

Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquia

(ICPA), Roberto Rave. El mismo

busca reducir las brechas en el acceso

a la producción musical profesional

y abrir espacios reales de oportunidad

para artistas que están comenzando en

la industria musical.

“Antioquia ha demostrado con orgullo

que aquí nacen artistas que conquistan

el mundo con su talento. Karol G, J

Balvin, Maluma y tantos otros son solo

una muestra del inmenso potencial que

tenemos. Pero ese talento no está solo

en las grandes ciudades; también vive

en los barrios, en los corregimientos y

en los rincones más apartados del departamento.

Por eso creamos La Nave:

un estudio rodante que lleva oportunidades

donde antes no llegaban”, destacó

Rave.

Como parte de esa iniciativa, los artistas

seleccionados acceden a un programa

de formación virtual enfocado

en composición, producción, distribución,

marca personal, marketing, management

y propiedad intelectual. Este

ciclo educativo finaliza con un encuentro

presencial junto a productores y

promotores de trayectoria internacional,

quienes orientan a los artistas en la

consolidación de su carrera.

En esta segunda edición de La Nave

—cuyo programa se extenderá durante

agosto— recorrerá las nueve subregiones

de Antioquia y seleccionará en total

30 artistas ganadores que, además de

grabar su música, participarán en una

gira por diferentes escenarios del departamento

gracias a alianzas estratégicas

con la Fábrica de Licores de

Antioquia y otras organizaciones. Las

canciones grabadas se publicarán en

plataformas digitales como Spotify, ampliando

el alcance de sus proyectos a

audiencias nacionales e internacionales.

Además, esta iniciativa cuenta con

el apoyo de grandes referentes de la

industria como Universal Music Publishing

Group, Sony Music Publishing,

Virgin Music Group, Billboard, Gaira (el

sello discográfico de Carlos Vives) y Dinastía

INC.

Con su paso por Ebéjico, La Nave 2.0

reafirma el compromiso de la Gobernación

de Antioquia y el ICPA con el

impulso al talento local, la creación de

circuitos culturales y la transformación

social a través de la música. Este estudio

rodante seguirá recorriendo otras

regiones, recordando que la cultura

tiene el poder de abrir oportunidades y

cambiar vidas.


Cris MJ tuvo la canción latina más

escuchada del 2024, «Gata Only»

¿Qué sigue?

El rapero chileno habla de su nuevo

álbum 'Apocalipsis', su niñez difícil

en Chile y Michael Jackson.

POR LEILA COBO

L

A CANCIÓN LATINA MÁS escuchada

de 2024 fue “Gata

Only”, el reggaetón fluido y

pegajoso de los jóvenes raperos

chilenos Cris MJ y Floyymenor.

El tema se volvió un hit viral global,

siendo la canción más usada en TikTok

en todo el año, en cualquier idioma, y

liderando la lista de fin de año Year-End

Hot Latin Songs de Billboard.

Sin embargo, Cris MJ, responsable

de la mitad de ese éxito, no ha visitado

Estados Unidos desde que salió el

tema. Hablando por Zoom desde su

estudio en Santiago, el rapero y compositor

de 24 años sonríe tímidamente

y se encoge de hombros. Aunque

todavía no tiene visa, ha podido ir a

muchos otros sitios, incluyendo París,

la inspiración de su nuevo álbum, Apocalipsis,

que salió el 27 de junio bajo el

sello Sonar, que pertenece a Rimas y se

distribuye por The Orchard.

“El París medieval es la inspiración de

todo este arte. Porque es una ciudad

que tiene tanta belleza, carismática, los

museos. Todo eso me hizo hacer este

disco”, dice Cris MJ, quien incluso ha

cambiado su look y su estilo —ahora

dejó atrás las gorras de béisbol por

sombreros tipo fedora— para meterse

en el mundo de Apocalipsis.

“Este álbum es como un nuevo renacer,

como un yo más maduro. Quiero

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BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

FOTOS: MATIAS DANIEL VIAL LECAROS

que vean algo diferente en mí, cómo

que la esencia del reggaetón no se

pierde, pero lo llevo con melodía más

futurista y algo de pop. Hemos crecido.

Queremos seguir creciendo y abrir

puertas para la música chilena”.

Apocalipsis, un álbum ambicioso

de 18 canciones, lleno de producción

atmosférica y temas de rap con melodías

fuertes y ganchos pop, es un

intento claro de ir más allá del reggaetón

básico y fácil, tanto musical como

estéticamente.

En “Frozen”, por ejemplo, Cris MJ

rinde homenaje a Michael Jackson

con un sonido más pop pero también

en la estética del video y la incorporación

del baile. Sin embargo, en general,

el álbum conserva la base de reggaetón

que es el ADN de Cris MJ.

Con solo 24 años, el artista nacido

como Christopher Andrés Álvarez

García ya es una estrella en Chile.

El año pasado, agotó tres Movistar

Arenas y en diciembre tocará en dos

estadios, en Santiago y su ciudad natal,

La Serena. A nivel global, su música

también resuena. Entró por primera vez

en la lista Hot Latin Songs de Billboard

en 2022 con “Una noche en Medellín”,

que llegó al puesto No. 22 y luego tuvo

un remix con Karol G y Ryan Castro,

catapultando a Cris MJ a un público

grande. Su versión original tiene más

de 1.000 millones de reproducciones

en Spotify. Después, en febrero de

2024, Cris MJ se unió a su compatriota

chileno Floyymenor en “Gata Only”, un

éxito arrollador que alcanzó el No. 4 en

el Billboard Global 200.

En junio, Cris MJ volvió —esta vez

en solitario— con otro hit, “Si no es

contigo”, que debutó en el top 10 de

Hot Latin Songs. Y sin embargo, a pesar

de su éxito en los charts, aquí en

Estados Unidos, limitado por las restricciones

de viaje, Cris MJ sigue siendo

un misterio.

Así que quisimos conocerlo un poco

más, y nos sentamos con él en un

Zoom desde Chile, donde descubrimos

a un artista reflexivo, con un sentido

del humor peculiar y una sorprendente

apreciación por la historia y la estética.

Visitaste París por primera vez en

2022, haciendo promo para “Una

noche en Medellín”. ¿Fue amor a primera

vista?

Amor a primera vista. De hecho, ahora

mismo se supone que debería estar

allá para la Fashion Week, pero tengo

un show. Pues el arte que lleva París,

como que hay muchas cosas que te

motivan a hacer otra creatividad. Me

emocionó todo; la ciudad del amor y

todo eso como que escuchaba mi ritmo.

En París siento más la música.

Tienes dos álbumes previos. ¿En qué

se diferencia este?

Este álbum es como un nuevo renacer,

así como un yo como más maduro.

Quiero que vean algo diferente en mí.

La esencia del reggaetón no se pierde,

pero lo llevo con melodías más futuristas

y algo de pop.

Se siente como un álbum muy intencional.

¿Siempre trabajas así?

Los demás discos fueron súper rápidos

porque eran canciones que yo siempre

grababa en el estudio. Pero este me

llevó como un año y medio trabajarlo.

Como que elegimos las canciones bien

con el equipo. Todo tiene un sentido.

Cada pista, cada melodía, todo eso. No

fue simplemente poner temas rápido.

En la canción “Frozen”, le rindes homenaje

a Michael Jackson.

Sí, llevo todo el año escuchándolo y

viendo cómo se vestía. Tengo mis fedoras.

Tengo mis sombreros así de

Michael.

Cuando grabaste “Gata Only”, Floyymenor

ya había hecho la canción

original, pero luego tú te acercaste

y sacaron la versión que conocemos

ahora. ¿Qué pasó ahí?

Yo la escuché porque la gente pensaba

que era yo realmente el de esa canción.

La pista a mí me gustaba mucho. Yo no

lo conocía a Floyy. Y ahí supe que era

de la ciudad de donde yo soy, de La

Serena. Y yo dije, “Lo voy a invitar para

Santiago a mi estudio y vamos a hacer

ese tema”. Y cuando viajó, la conexión

fue muy buena, igual. Tuvo buena vibra

y todo, como que nos conectamos

bien. Todo fluyó súper rápido. Incluso

grabamos la canción y al otro día

ya viajábamos a La Serena a hacer el

video. Después lo soltó y y todo fue

como muy rápido. Estaba contento por

esa canción, e igual le tenía fe.

Hablas mucho sobre la importancia de

abrir Chile al mundo, musicalmente. Háblame

de tu ciudad natal, La Serena. ¿Cómo

influyó en tu música?

Allá escuchaba mucho reggaetón. Yo donde

más escuché reggaetón fue La Serena. Siempre

escuchamos Daddy Yankee, cosas así. Y

me quería meter en eso, probar cómo iba a

sonar mi voz. Entonces me metí a hacer rap

con un grupo de rap. Todo fue allá. Empecé

grabando mis videos allá con un iPhone y

todo eso, [pero] no había mucho recurso allá.

Habían como dos estudios allá en La Serena.

Después me cambié a Santiago, y ahí como

que me evolucioné más.

Creciste en un caserío en La Serena. Era un

lugar duro. De hecho, le dispararon a tu

papá frente a ti (sobrevivió). ¿Cómo afectó

esto tu música?

Más que afectar, como que fue una motivación

porque siempre quise sacarlo de ahí a mi

papá, a mi familia, a mi mamá. A todos siempre

los he querido sacar de ahí. Yo no quería

trabajar en otra cosa que no sea música.

Como que yo dije, “Me voy a dedicar a esto

y tengo que ganar sí o sí”. Siempre mi mente

fue así ganadora. Incluso hay canciones que

yo hacía en ese tiempo y muchas cosas que

decía en las letras ahora lo tengo.

Volvamos a Apocalipsis. Este álbum no tiene

colaboraciones.

No, porque es algo que quiero llevar más íntimo.

Como que quiero que la gente escuche

más Cris MJ y se identifique con lo que

yo quiero expresar; que sea más personal.

Igual es arriesgado porque es un disco solo y

es primera vez que lleva sin colaboraciones.

Pero estamos para eso, estamos pa romper y

si uno confía en uno, tiene que darlo todo.

Y tú confías en ti.

Sí, sí. Siempre. Me mantengo real siempre y

con la esencia.

Esta historia se publicó originalmente en Billboard

Español.


CÓMO LA MÚSICA CONSTRUYE LA IDENTIDAD

DE LAS PELÍCULAS DE TIM BURTON

El 25 de agosto marca un nuevo aniversario del director, cuya filmografía se

distingue por un lenguaje sonoro capaz de dar vida a sus mundos imaginarios.


P

odría haber salido de un disco de

Bauhaus, de una historieta de Edward Gorey

o de la mente de un chico introvertido que se

crió entre revistas de monstruos. Sin embargo,

el universo de Tim Burton no se explica

con referencias, se experimenta, apuntando

a todos los sentidos al mismo tiempo. Desde

The Nightmare Before Christmas (1993) hasta

Sweeney Todd (2007), cada una de sus películas

contiene una banda sonora propia con el

mismo peso que sus imágenes. Porque como

todo narrador completo, trabaja en capas,

construyendo con lo que se ve pero también

con lo que se oye. Y lo que se escucha, casi

siempre, es a Danny Elfman.

En 1985, cuando filmó su primer largometraje,

Pee-Wee’s Big Adventure (1985),

ya era evidente que no era un director

convencional. Fueron varios los aspectos

que lo diferenciaban, entre ellos, su tono.

¿Cómo musicalizar una historia que mezcla

el absurdo de un sketch infantil con el

dramatismo de una odisea? La respuesta

llegó de la mano de Elfman, por entonces

líder de la banda new wave Oingo Boingo,

ajeno al mundo del séptimo arte pero

habituado a los escenarios oscuros del art

rock californiano.

Fue una decisión atípica, bastante arriesgada,

pero terminó moldeando su rumbo.

La mezcla de marchas circenses,

armonías y melodías barrocas convirtió

al film en un delirio con una identidad

propia. Desde entonces, salvo en excepciones

(como Ed Wood (1994) que fue

musicalizada por Howard Shore, Sweeney

Todd (2007) por Stephen Sondheim, y

Miss Peregrine's Home for Peculiar Children

(2016) por Matthew Margeson), trabajaron

juntos como una especie de dúo

creativo.

Detrás de esas partituras se filtra una

educación marcada por el glam, el punk

y el gótico ochentoso. Aunque Burton

nació en el corazón de California, su sensibilidad

parece haber sido influida por

los clubes del Londres de los 80, donde

Siouxsie Sioux, Robert Smith y Marc

Almond inventaban la estética de la angustia.

No es casualidad, hay algo de The

Cure en los valses de Corpse Bride (2005);

algo de Siouxsie and the Banshees en la

estética zíngara y retorcida de Beetlejuice

(1988); y hasta un dejo de Depeche

Mode en los loops alienados de Alice in

Wonderland (2010).

Su cine está atravesado por el horror clásico,

la animación stop motion y el expresionismo

alemán. Es un director que imagina con

cabeza de ilustrador y monta sus escenas

como si fueran videoclips. En ese esquema,

la música permite que sus criaturas -rechazadas,

deformes, incomprendidas- encuentren

un idioma propio. Algunas canciones

son tristes, otras grotescas, muchas están incompletas.

Como si cada criatura fuera una

partitura abierta, todavía escribiéndose.

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BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

EL TRACKLIST DE

ISLAND BOYZ

1_ “La Despedida ft. Dfzm”

2_Jetsko

3_Sunblock

4_El Gistro

5_Surferita ft. Izaak

6_Me Haces Falta

7_No Hay Break ft. Omah

Lay

8_Tengo Celos

9_Expectativas

10_De Gym

11_Soleao ft. Quevedo

12_Buchannans 18

13_Mar Abierto

14_Por Un Qlo Así

15_Señora ft. Manuel Turizo

16_Rica Bebé ft. De La Ghetto

17_Se Reveló

18_No Quiere Flores ft. Gabito Ballesteros

19_Freaky ft. Ludmilla

20_Piña Colada / Las Palmas

21_100 Copas

22_Monótono

23_Isla

FOTO: GENTILEZA WARNER

Myke Towers lanza Island Boyz,

su álbum más personal y visionario

Un proyecto con 23 canciones que recorren la esencia caribeña del artista y

consolidan su nueva etapa creativa.

M

yke Towers presenta Island

Boyz, un álbum que no busca encajar

en ningún molde, sino construir su

propio lenguaje. Con 23 temas que

mezclan reggaetón, dancehall, dembow, R&B latino

y afrobeats, este nuevo trabajo reafirma su dominio

sobre el sonido urbano global y abre una ventana hacia

un artista en plena reinvención.

Island Boyz es, ante todo, una declaración de identidad.

El álbum pone en el centro su raíz isleña —

no solo como puertorriqueño, sino como creador

caribeño con una mirada amplia y sin miedo al

riesgo—. Desde la introspección de “Expectativas”,

pasando por la potencia radial de “Soleao” junto a

Quevedo —la canción más importante en la radio

de España y una de las candidatas al hit del verano

en EE. UU. y Puerto Rico—, hasta temas como “No

Hay Break” con Omah Lay o “No Quiere Flores”

con Gabito Ballesteros, el proyecto conecta distintos

mundos sin perder cohesión.

El disco abre con “La Despedida”, una colaboración

con DFZM que marca el tono emocional

y narrativo del álbum con una sensibilidad cruda

y directa. Otro punto alto es “Surferita”, junto a

iZaak, una canción que mezcla el ritmo del ska con

la tuba mexicana, creando un sonido fresco, inesperado

y profundamente caribeño.

“Tengo Celos” es el focus single del álbum y promete

ser la canción más importante de la radio en

los próximos meses. El videoclip oficial, también

disponible desde hoy, ha sido dirigido por Daniel

Eguren, con dirección creativa de Pol Gago Guilera

y César Laboy, de Vampire Studio, y producido

por Vampire Films.

“La idea era que sonara al lugar de donde vengo,

pero también a lo que estoy viviendo ahora.

Island Boyz es lo más real que he hecho hasta

hoy”, comentó Myke Towers sobre el proceso detrás

del disco. La lista de colaboradores —Quevedo,

De La Ghetto, Gabito Ballesteros, Manuel Turizo,

Omah Lay, Ludmilla, DFZM e Izaak— no

responde a fórmulas, sino a afinidades artísticas

que amplifican la visión del álbum. Cada participación

suma matices sin desdibujar la narrativa

que recorre el proyecto: una mezcla entre vulnerabilidad,

celebración y evolución artística.

Con este disco, Myke no busca hits fáciles.

Busca permanencia, autenticidad y profundidad

sonora. La producción, el storytelling y la

intención detrás de cada tema convierten el

álbum en una obra sólida, que marca un punto

de inflexión.

Los sencillos “Soleao” y “Expectativas” ya

daban pistas del camino. Ahora, con el álbum

completo disponible en todas las plataformas

digitales, Island Boyz revela la totalidad de una

propuesta pensada al detalle.


'VIUDAS NEGRAS' LE DIO UNA NUEVA

VIDA A UNA CANCIÓN TAPADA DE TURF:

"LE QUEDA BIEN A LA SERIE"

"Chicas malas", track 2 del álbum Turfshow, es la cortina de la serie

creada por Malena Pichot. Leandro Lopatín, guitarrista del grupo y

marido de la comediante, recuerda cómo se creó la canción.

POR EZEQUIEL RUIZ

c

hicas… malas!”. La voz de

Joaquín Levinton irrumpe en

cada episodio de Viudas Negras.

P*tas y Chorras, la serie creada

por Malena Pichot y que, por estos

días, está entre las más vistas de la producción

argentina audiovisual de las plataformas de

streaming. El fragmento es de, justamente, “Chicas

malas”, tema de Turf, track 2 del superexitoso

Turfshow, editado en 2001.

La canción, compuesta por Levinton y Leandro

Lopatín, es el leitmotiv de la historia de Micaela

(Pichot) y Marina (Pilar Gamboa), dos muchachas

de barrio que se ganaban la vida como

“viudas negras” (esto es: seducían hombres para

envenenarlos y luego robarles) hasta que un

caso trágico las obligó a separarse y rehacer sus

caminos sin mirar atrás.

Sin embargo, años después, la reaparición de

Paola (María Fernanda Callejón) tras una estadía

en la cárcel, las obligó a reencontrarse para un

last dance con el que saldarían todas sus deudas.

Algo así como diría otra canción de Turf, de ese

mismo disco: “No te arrepientas de nada y no pidas

perdón” (“Loco un poco”).

La serie, que Pichot escribió junto a Julián Lucero

y Ariana Saiegh, juega con los estereotipos, se ríe

de la sociedad y luce como un spinoff del recordado

Cualca. De hecho, hasta Julián Kartún tiene

una participación en el anteúltimo de los 8 capítulos

que componen esta primera temporada.

“La vi muchas veces, hace bastante, y por ahí

le faltaba color, sonido, algunas cosas. Pero me

encantaba. Y ahora que la volví a ver de nuevo,

en una tele grande y con todo, me voló la cabeza

porque Malena es mi ídola en el sentido en que

todas las historias le cierran perfecto, y eso es

muy difícil de lograr. Me parece espectacular

que la serie tenga unas bajadas de línea espectaculares.

Estoy orgulloso de mi señora esposa, es

lo más grande que hay”, dice Lopatín en diálogo

con Billboard Argentina. El guitarrista de Turf

es pareja de la comediante y padre de Rafael, el

hijo que tienen en común.

Lopatín dice que él no tuvo absolutamente

nada que ver con la inclusión de “Chicas malas”

como motivo de la serie. "Es toda de Malena,

yo no se la sugerí. ‘Siempre supe que esta serie

iba a ser con este tema’, me decía ella. Y la verdad

que es increíble cómo le queda a la serie, especialmente

en los tiempos: capaz justo alguien

hace una cara y suena el ‘¡chicas malas!’, que la

verdad que funciona perfecto. Tenía razón Malena,

una vez más”, dice entre risas.

La letra escrita por Levinton no deja lugar a

ambigüedades: “El amor me da dinero / Y es el

fruto del placer / que te hace vibrar el cuerpo

/ y en la cama te va a enloquecer / Siempre fue

mucho más lista que las chicas de su edad /

mientras todas estudiaban, ella se escapaba a

trabajar”, narra en esta historia callejera montada

sobre un oleaje rock matizado con un leve

autotune en la voz del estribillo.

“Me acuerdo de que llevé el tema a la sala, toda

la música. En esa época, año 2000, ensayábamos

en una sala que estaba sobre la avenida Córdoba,

esquina Gascón. La otra vez justo justo

pasamos por ahí y le dije a Malena: ‘Mirá, ahí en

ese primer piso ensayábamos con Turf ’, y yo me

acuerdo, posta me acuerdo y puedo ver el momento

en que pasé ese tema y lo tocamos por

primera vez”, recuerda el guitarrista, 25 años

después de la génesis de la canción. La música

le sugirió la letra a Joaquín, quien terminó por

redondear el tema. “La letra calzó perfecto. El

tema ya estaba casi todo listo, luego le agregamos

el riff (lo tararea), pero ya tenía la onda y

la primera vez que lo tocamos en la sala, gustó”.

“Chicas malas” tuvo su lugar en el repertorio en

vivo de Turf, pero no por mucho tiempo. Tampoco

está entre sus grandes hits, función que en

Turfshow cumplieron los súper exitosos “Loco un

poco”, “Cuatro personalidades” y “Yo no me quiero

casar, ¿y usted?”. “Era imposible meter otro hit

de ese disco. Pero ojo que este era el tema 2, y elegir

ese lugar en un disco es re importante. Porque

llega después de la apertura. Puntualmente en

Turfshow hay un cuento, toda una historia que se

cuenta. El primer tema era ‘La emoción’, que justamente

dice: ‘Es la emoción que va a comenzar’.

Pensá que veníamos de Siempre Libre, que es un

álbum mucho más orquestado, volado, más tranquilo.

Entonces Turfshow empezaba con toda, era

una patada”, define Lopatín.

La aparición de “Chicas malas” en Viudas Negras

ocurre en un contexto en el que Turf acaba de

editar Polvo de Estrellas, álbum en el que reversionaron

parte de su catálogo dorado en compañía

de artistas como Milo J, Fito Páez, Lali, Conociendo

Rusia y más. En el último episodio de la

serie, la canción en cuestión suena completa por

primera vez. Pero en una versión a cargo de Marilina

Bertoldi. “La hizo espectacular, me gusta

mucho que sampleó el ‘chicas malas’, que empiece

igual y que después entre con toda su onda. Marilina

es lo máximo. Y en algún momento pensé

en que su versión, que está tremenda, tendría que

haber entrado a Polvo de Estrellas, pero el disco

ya estaba cerrado”, dice el guitarrista.

"Nunca habíamos soltado estas canciones porque

tocamos mucho, variamos el repertorio y van pasando

todas. Lo que me sorprendió es que cuando

empezamos a hablar de este disco, no pensé que iba

a ser tan fácil convocar a jugadores tan importantes

de la escena musical. Todos decían: ‘Sí, sí, sí…’.

¡Guau, qué fácil! Pensamos que era todo un quilombo.

Pero todos nos agradecieron por haberlos

llamado”, dice Lopatín sobre cómo se dio el disco.

Acerca de la puesta en valor del repertorio hitero

de Turf, dice: "Está buenísimo darte cuenta de

que, de repente, nosotros tenemos una fecha acá

en la ciudad y el fin de semana siguiente nos vamos

a una provincia, o al interior de una provincia…

Y hay 6 o 7 temas que los cantan los nenes

y las abuelas. Es hermoso porque me doy cuenta

de que somos una banda con un cancionero

muy popular, que es parte del acervo cultural".


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BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025


Detrás del lente: los

fotógrafos que narraron

el rock argentino

NORA LEZANO, ASPIX, ANDY CHERNIAVSKY Y MARTÍN BONETTO HABLARON ACERCA

DE LAS IMÁGENES ICÓNICAS QUE CAPTARON A LO LARGO DE SU RECORRIDO COMO

TESTIGOS Y PROTAGONISTAS DE LA CULTURA LOCAL.


ADA 19 DE AGOSTO SE CELEBRA EL DÍA MUN-

C

DIAL DE LA FOTOGRAFÍA, como una forma

de contar lo que no se puede

poner en palabras. Para conmemorarlo,

elegimos cuatro imágenes

del rock nacional, acompañadas

por las voces de quienes estuvieron del otro

lado del lente.

“Un domingo estaba de visita en casa de mis padres, en Tapiales. Sonó

el celular, contesté y escuché: ‘Hola, Nora. Soy Gustavo Cerati. Mucha

gente me habló de vos, quiero hacer fotos con vos’. Ahí nomás pensé que

era una broma de un amigo (gran imitador de la voz de Gustavo). Pero no

era ningún chiste. Gustavo me explicó que necesitaba hacer las fotos de

prensa de ‘Bocanada’, que las del disco las había hecho Gaby Herbstein.

Mientras él hablaba, yo no podía evitar recordarme a mí misma, con el

uniforme y las carpetas abajo del brazo, rateándome del colegio de monjas,

esperando a que Cerati entrara a su casa, paradita en la esquina de Heredia y Giribone, en la plaza 14 de Julio, solo para

verlo pasar. Cuando cortamos, un llanto largo de emoción asustó a mis padres. Debo decir que soy fan de la primera hora

de Soda Stereo. Hicimos las fotos en un estudio el 23 de junio de 1999. Después de ver las miniaturas en las hojas de contactos

(era la época de los rollos de negativo), me dijo: ‘Es la primera vez que me reconozco en fotos. Y no hablo de verse lindo o feo,

sino de reconocerse’. Y me besó las manos. Por todo esto, este retrato es tan especial para mí” — NORA LEZANO

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BILLBOARD.AR

AGOSTO 2025

“Allá por el demencial

1985, Timmy McKern,

histórico mánager de

Sumo, me llamó por

teléfono para encargarme

la realización

del afiche de vía

pública del show que

planeaban hacer en el

Teatro Astros.

Nos juntamos una

tarde de noviembre

en mi estudio, Subway

Photo. El caos, como

era de esperarse, fue

absoluto. No era para

nada fácil tenerlos a

todos juntos dentro de

la galería de tomas por

un largo rato. Cada

vez que cambiábamos

el encuadre,

seguro desaparecía

alguno.

Por entonces, con

25 años de edad, yo

fotografiaba para tres

revistas, era mánager

de Suéter -con tres

shows por fin de semana-

y me ocupaba de

la programación de

Látex Neo Bar, donde

tocaban Los Redondos,

Sumo, Fricción y

muchas otras bandas

de la época.

Ser fotógrafo solamente

no garantizaba

en absoluto el sustento,

y había que trabajar

en otras cosas.

En más de cuarenta

años de carrera en

la fotografía de rock

hice muchísimas fotos

y, por cierto, algunas

muy queridas por mí, pero esta fotografía en particular, con su extenso camino recorrido, es sin duda la que encabeza mis

preferencias. No se trata de lo estrictamente técnico, ya que el equipamiento con el que contaba era paupérrimo. Esta imagen

representa en mí el big bang. El momento en que supe que iba a ser fotógrafo por el resto de mi vida”

— CARLOS GIUSTINO | ASPIX


“Esta foto es uno de los retratos del disco Peperina de Serú Girán, tomada en 1981. Fue un verdadero lujo para mí participar

en el arte interior del álbum. Era uno de mis primeros trabajos profesionales: todavía no tenía estudio, así que

armé uno improvisado en el living de mi casa.

Todo era juego y entusiasmo. La química entre los Serú era increíble, y estaban felices con la culminación del disco.

Las fotos terminaron transmitiendo exactamente eso: la energía, la confianza y el momento que estaban viviendo.

Para mí significó el inicio de mi relación con la iluminación de estudio. Es un retrato icónico de Charly y también mi

debut como fotógrafa en la escena del rock argentino.

Creo que la imagen anticipa lo que sería la banda: su sonido, su estética y la vibra magnética que irradiaba especialmente

Charly García”—ANDY CHERNIAVSKY

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AGOSTO 2025

“La expuse en varias muestras en Argentina, México, Estados Unidos y España, y también forma parte de mis dos libros:

FOTORRAGIA y Babasónicos. Fotografías de Martín Bonetto. Esa imagen fue el punto de partida de una serie que hice con

Dárgelos, el cantante de Babasónicos. La idea surgió casi sin planearla. Estábamos en el Festival San Pedro Rock, en 2003.

Antes del show, encontré un baño a unos 300 metros del camarín: un lugar impresentable, sucio, como recién dejado por mil

borrachos. Fui a buscarlo y le conté mi idea. Él accedió enseguida, pero me advirtió que tenía que ser ya, porque en pocos

minutos salía a cantar. La hicimos rapidísimo.

Él estaba impecable, vestido con un traje blanco, como si nada de ese entorno pudiera rozarlo. Levanté la cámara e hice la foto.

A partir de ese momento, cada vez que nos cruzábamos con un baño que valiera la pena -por raro, por feo, por simbólicohacíamos

otra imagen. Así nació una serie espontánea e íntima, entre la mugre y la elegancia del rock.

En el prólogo de FOTORRAGIA, el único texto del libro, Dárgelos escribió:

‘Ver perlas en los charcos del under no es común y estar en tres lados a la vez tampoco. Desde hace mucho que Martín está

ahí, y nos observa’.

Estar ahí, encontrar belleza donde parece que no la hay… creo que eso resume bastante bien lo que busco en mis fotos”

— MARTIN BONETTO


Alex Warren lanza su nuevo

álbum You’ll Be Alright, Kid

l cantante y compositor

Alex Warren lanza

E

su nuevo álbum You’ll Be

Alright, Kid a través de Atlantic

Records. Junto con el

álbum, Alex Warren presenta el video musical

de su esperada canción “Eternity”.

You’ll Be Alright, Kid incluye todas las canciones

de You’ll Be Alright, Kid (Chapter 1), ya

lanzado, junto con 11 nuevos trabajos. Entre

estos se encuentra el éxito global de Warren

“Ordinary”, “Bloodline (with Jelly Roll)” y “On

My Mind (with ROSÉ)”. La mayor parte del

álbum fue co-escrito por Alex Warren, Cal

Shapiro, Mags Duval y producido por Adam

Yaron. Mientras que You’ll Be Alright, Kid

(Chapter 1) se centra en el manejo del dolor,

You’ll Be Alright, Kid da vuelta la página con la

curación, la resiliencia y el optimismo.

El gran éxito de Warren, “Ordinary”, se

lanzó en febrero y obtuvo excelentes críticas,

acumulando cerca de 1.000 millones de reproducciones

a la fecha y encabezando los charts.

El single se encuentra en su tercera semana

como N°1 del Billboard Hot 100 y es N°1 en

el Global 200 Ex US, el Top 40 Radio, el Hot

AC Radio, el UK Songs Chart y en el Spotify

Global Top 50. “Ordinary” no es sólo el primer

Top 10 de Warren en el Billboard Hot 100, sino

que también lo convierte en el primer solista

masculino en tener la primera posición inicial

en el Hot 100 este año.

“Ordinary” estuvo 12 semanas consecutivas

en el N°1 del chart de Reino Unido. Esto

representa la mayor permanencia de un solista

masculino de Reino Unido en la historia de

los charts oficiales y como N°1 en la década de

2020. Acaba de regresar al puesto N°1 en su

13ra. Semana. En Australia, "Ordinary" en su

13ra. semana es la segunda canción de esta década

en permanecer por más tiempo en el N°1.

"Ordinary” también llegó al primer puesto en

Top 40 Radio & Hot AC Radio y ostenta la

mayor audiencia en radios de Estados Unidos.

Warren acumula actualmente más de 2,400

millones de reproducciones.

Además, Warren acaba de finalizar el primer

tramo de su gira Cheaper Than Therapy Tour,

que recorrió importantes ciudades de Europa y

Norteamérica. Y anunció una extensión de 15

fechas en ciudades de Estados Unidos, comenzando

en agosto.

COMENTARIOS DE LA CRÍTICA SOBRE

EL TRABAJO DE WARREN

“‘On My Mind’ es una canción melancólica

y agradable de folk-pop para cantar a coro.

En ‘Burning Down’ la voz profunda y grave

de Warren lo libera de la culpa de una relación

tóxica sobre un ritmo fuerte de piano”

—BILLBOARD

“El éxito más importante del año en los charts

pop hasta ahora. ‘Ordinary’ es una balada

inquietante que explora un extraordinario

arrebato de amor romántico y conexión espiritual.

La luminosa voz de Warren y el talento

compositivo contribuyen a crear un éxito inconfundible

en el que Warren puede saltar de

una tristeza indecible a una alegría absoluta”

— VARIATY

“Un catálogo de himnos plenos de folk. Es la

continuación y versión más completa de su álbum

Chapter 1”—ROLLING STONE

“‘Ordinary’ es Una balada inquietante y sombría”.

Combina la teatralidad melancólica de

los primeros tiempos de Sam Smith con las

texturas muy pulidas de Imagine Dragons”

— LA TIMES

“Alex Warren es todo menos ‘Ordinary’”

— SPIN

“Con un coro ascendente para acompañar cantando

y un ritmo rural que te hace dar palmadas,

‘Bloodline’ es una muestra conmovedora

de la vida americana que cabalga entre el éxito

repentino del bluegrass de fines de los 2000 y el

resurgimiento del pop-country de hoy en día.

“Alex Warren y Rosé se pierden en los recuerdos

en ‘On My Mind’, una balada nostálgica sobre

la dificultad de soltar después de una ruptura”

— UPROXX


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AGOSTO 2025


4X4: LOS NUEVOS

ARTISTAS QUE HAY

QUE VER Y ESCUCHAR

U

niversal Music Argentina tiene en su elenco

artístico cuatro artistas emergentes que

vale la pena conocer, ver y escuchar. Se

trata de dos grupos y dos solistas femeninas: el

quinteto Un Verano, el dúo Videotape, Mar

Marzo y Morena. Todos son jóvenes, talentosos

y ya empezaron a recorrer el camino hacia el

reconocimiento masivo.

Veamos entonces quiénes son y qué han hecho este

poker de nuevos artistas que merece atención.

UN VERANO

E

l quinteto platense tiene todos los números ganadores. Jóvenes pero experimentados

músicos -algunos incluso productores-, imagen impecable y, lo más importante, irresistibles

canciones pop, de esas que se pegan con obsesión. En poco tiempo se ganaron el lugar de

referencia del pop-rock nacional. Ale Zurita (voz líder), Renzo Luca (guitarras y productor musical),

La Duke (guitarras y teclados), Gero Peguino (batería) y Milán (bajo) conforman una banda que

nos canta historias basadas en experiencias personales fácilmente identificables para cualquiera.

Harlem Festival, Roxy Live, Niceto, Ciudad emergente, Lollapalooza, fueron algunos de los tantos

escenarios que recorrieron. El año pasado lanzaron un álbum debut y fueron nominados en los

Premios Gardel como Mejor álbum de pop rock y Mejor canción pop rock (“De abajo para arriba”).

ESCUCHAR

“De abajo para arriba” / “Después de querer”

MAR MARZO

E

lla es el tipo de artista que no puede

faltar, la perfecta combinación entre la

educación académica y los sonidos

contemporáneos. Mar tuvo su paso por el

conservatorio, donde su pasión por el piano la

impulsó a componer. El jazz, el rhythm and blues,

el soul y el pop marcaron su estilo personal. Es

una voz distinta de una artista diferente, que

también dio sólidos pasos habiendo pasado

por el Lollapalooza. Además, lanzó su álbum

debut Pulsión, estuvo nominada en los premios

Gardel (Mejor Nuevo Artista y Mejor Álbum Pop

Alternativo) y abrió los shows de Joss Stone

y Aurora. Por si fuera poco, la banda británica

Keane festejó los 20 años de su álbum Hopes

And Fears seleccionando artistas de todo el

mundo para que lo reversionaran: en Argentina,

Marzo fue la elegida para hacer una de las

canciones más destacadas del disco.

ESCUCHAR

“La realidad” / “Untitled 1”

(versión del tema de Keane)

MORENA

D

eslumbra con su belleza y una

actitud arrolladora. Morena empezó

a cantar desde muy joven y conoció

el éxito en su provincia natal, Córdoba, junto

a su hermana. A pesar del suceso decidió

continuar sola e ingresó en La Voz Argentina,

programa en el que deslumbró a la audiencia

con sus intensas interpretaciones. Convencida

de que el talento hay que apuntalarlo con el

trabajo, estudió canto, guitarra y piano. Lanzó

varios singles y próximamente llegará su

álbum debut. Su voz y su presencia física la

llevaron como artista invitada a los shows de

artistas internacionales como Lola Indigo,

Danna, Aitana y David Bisbal.

ESCUCHAR

“Solo amigos?” / “Delirio”

S

i alguien se preguntaba cómo sonaría en

la actualidad aquella maravillosa música

de rock y pop argentino, la respuesta es

Videotape. Y como Rosario siempre estuvo cerca,

Pablo Grossi y Julián Sappietro salieron de ahí

para contarnos nuevas historias con una mirada

contemporánea que no desconoce el pasado

glorioso. Este año están lanzados a conquistar el

país y empezaron editando su esperado álbum

debut, titulado Proyecciones, una colección de

logradas canciones que van de la nostalgia a la

electrónica. Con ellos, Rosario recupera la chapa

de exportadores de la mejor música nacional.

ESCUCHAR

“Desesperado” / “La conexión”

VIDEOTAPE

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AGOSTO 2025

PUERTO RICO

Bad Johnnie y música latina:

el nuevo maridaje cultural

de Johnnie Walker

El bartender Roberto Berdecia y la ilustradora

Nannette Mariela son dos de las voces detrás de

“Huellas Boricuas”, la campaña de Johnnie Walker

que conecta tradición y vanguardia caribeña.

POR GABRIEL SOTELO

P

or primera vez pisé

Puerto Rico y todo

empezó con un trago.

Pero no uno cualquiera.

Fue el Bad Johnnie:

una mezcla vibrante de

whisky escocés, maracuyá y agua de

coco que no solo refresca, te cuenta

una historia. Una de raíces, de sabor,

de identidad. Una historia que Johnnie

Walker quiso contar con cuerpo, color

y ritmo propio.

Billboard Argentina llegó a la isla

para el lanzamiento de Huellas Boricuas,

la nueva campaña de la marca

que celebra a tres creadores puertorriqueños

que están dejando una marca

imborrable en la cultura latina. Pero lo

que se vivió fue mucho más que una

cobertura: fue un recorrido emocional

por un lugar que late fuerte, donde el

arte, la música y la cocina son formas

de resistencia, orgullo y fiesta.

La primera parada del viaje fue en

San Juan, más precisamente en La

Perla. Sí, ese barrio frente al mar

donde se filmó el clip de “Despacito”,

donde el reggaetón se escucha hasta

en las paredes, donde las casas tienen

todos los colores y la gente te saluda

con una sonrisa como si te conociera

de antes. Caminar por ahí es como

entrar a un videoclip, pero sin cámaras:

todo es real, todo es presente.

En el evento del lanzamiento del Bad

Johnnie, entre luces cálidas, tragos

tropicales y gente de toda América

Latina, escuché las historias de quienes

dan vida a esta campaña. Roberto

Berdecia, creador del Bad Johnnie y

dueño de La Factoría, el emblemático

bar, habló del poder de mezclar

sabores con identidad, de cómo un

cóctel puede llevarte a un lugar sin

necesidad de tomar un avión. Nannette

Mariela García, artista visual, nos

compartió su mirada sobre el arte que

nace desde la calle, desde el barrio,

desde adentro.

Y sí, bailé salsa. Comí mofongo, arroz

con habichuelas, tostones y dulce de

coco. Probé otros cócteles con Johnnie

Walker, pero siempre volvía al

Bad Johnnie: había algo en ese trago

que capturaba lo que sentía.

Volví con la certeza de que Puerto

Rico no solo se visita, se vive. Y que

hay marcas que entienden que el

futuro de la cultura se construye honrando

el presente de quienes caminan

con propósito. Huellas Boricuas no es

una campaña. Es una celebración. Y

tuve el privilegio de ser parte.

Puerto Rico me abrazó con música,

me emocionó con arte y me dejó un

sabor a progreso. Uno que no pienso

olvidar.

ROBERTO BERDECIA, EL

BARTENDER QUE CREÓ EL TRAGO

Es uno de los dueños del bar La Factoría,

un ícono cultural de Puerto

Rico. Lo que empezó como un side

project hoy tiene ocho barras, tragos

legendarios y un lugar en los World’s

50 Best Bars.

Roberto inventó el Bad Johnnie, el

cóctel que creó con Johnnie Walker

en el marco de Huellas Boricuas.

Con whisky, maracuyá y agua de

coco, es un homenaje a la cultura latina.

Su bar La Factoría fue utilizado

como escenario del videoclip de la

canción “Despacito.

NANNETTE MARIELA, LA

ILUSTRADORA QUE REALIZÓ LA

CAMPAÑA GRÁFICA

Es la encargada de la campaña gráfica

del nuevo cóctel de Johnnie

Walker en donde con una mirada

nostálgica, alegre y profundamente

caribeña creó una imagen que transpira

Puerto Rico.

Cada imagen está empapada de

referencias visuales locales: desde

chinchorros típicos con murales que

dicen “aquí se baila salsa” hasta pleneros

[la plena puertorriqueña es un

estilo musical que combina elementos

africanos y españoles, de ritmo

bailable y letras con temas sociales],

bartenders y escenas cotidianas de

fiesta popular. “Quería que se sintiera

lo nuestro, que tuviera sazón,

color, que fuera alegre, pero con historia”,

sintetiza Nannette.


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AGOSTO 2025


PATRICIA SOSA Y MIJARES PRESENTAN

“NO ME DOY POR VENCIDO”

La dupla lanzó un nuevo adelanto de Alquimia, su nuevo

álbum en conjunto.

os voces emblemáticas,

dos artistas con

D

historia, una reunión necesaria…

Patricia Sosa,

la voz que puede estallar

en un rock o emocionar

con una balada. Manuel Mijares, el de la voz

de barítono, el cantante que llega al corazón

de sus oyentes. Ahora, juntos, eligieron

un repertorio de canciones ya consagradas,

donde con sus voces, logran que cada uno de

los tracks elegidos cobren una nueva vida, un

nuevo color.

Como adelanto, ya se puede escuchar el

primer single del álbum que se titulará Alquimia.

Se trata de “No me doy por vencido”, el

clásico que Luis Fonsi compuso junto a Claudia

Brant.

Son dos voces en carne viva que cantan una

letra muy sentimental, con un estribillo que

es como un mantra, para que cada uno de nosotros

lo pueda repetir ante cualquier dificultad

que nos pone la vida.

En el resto del álbum, que verá a luz a mediados

de agosto, nos encontraremos con

hits, nada menos que de Sin Bandera, Son

By Four, Soda Stereo, Los Enanitos Verdes,

Alejandro Fernández y Maná.

Un disco necesario en estos tiempos donde

la canción es un refugio para cada persona

que necesite una letra, una poesía o una bella

melodía que lo acompañe en el día a día.

UN POCO DE HISTORIA

Patricia Sosa es la primera mujer argentina en

liderar una banda de rock, La Torre. Realizó

giras por el todo el territorio argentino, Latinoamérica,

España y la Unión Soviética. Luego,

comenzó su carrera como solista. Se destacó

en variados géneros musicales como pop,

balada, tango, folklore. En todos y cada uno

de ellos ha dejado su impronta de mujer del

rock. Participó en grabaciones con distintos

músicos argentinos y del exterior, como Gloria

Estefan, Plácido Domingo, Caetano Veloso,

Ricky Martin y Joan Manuel Serrat.

Recibió innumerables premios y distinciones

tanto por su actividad artística como por

su desempeño en tareas solidarias, uno de

los más destacados es el de “Embajadora de

la Paz”. En 2014, junto a Facundo Ramírez,

presentó la Misa Criolla en el Vaticano ante el

Papa Francisco. Grabó, junto a Chucho Valdés,

el disco Once, concierto para dos, que fue presentado

en La Habana en agosto de 2018.

Mijares debutó profesionalmente en 1981

en el festival local Valores Juveniles. En 1985,

representó a México en el Festival OTI , obteniendo

el premio "Revelación del Festival". En

1986 inició su carrera como solista, lanzando

un álbum homónimo que incluía sus primeros

éxitos internacionales. Debutó como actor en

la película Escápate Conmigo de 1987.

El álbum Amor y Rock And Roll se lanzó ese

mismo año, alcanzando mayor éxito con el

sencillo "No se murió el amor". Fue su lanzamiento

estrella a nivel mundial, alcanzando el

número uno en México y el top 10 en Japón.

En 1990, Mijares lanzó un álbum único grabado

en italiano, Nuda liberta. A continuación,

publicó Que Nada Nos Seare, que se convirtió

en uno de los discos más vendidos de su

carrera.

En 1992, lanzó María Bonita, una colección

de boleros cuyo tema principal rinde homenaje

a la actriz María Félix . Se convirtió en

el más vendido de Mijares hasta la fecha. En

2000, DreamWorks lo seleccionó para interpretar

tres canciones de Elton John en español

para The Road to El Dorado.


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AGOSTO 2025

VIDEOTAPE

¿Cómo fue el proceso de creación

de este disco?

P: Arrancó hace casi dos años. Empezaron

a brotar las canciones sin tener

en mente que terminarían en un disco.

Nos las mostramos y cuando se

empezó a gestar una atmósfera que

interconectaba un poco todo, dijimos:

“Hay algo acá que está sobrevolando

todas estas canciones y hay historias

que queremos contar”. La selección de

canciones fue difícil pero muy natural

y logramos plasmar las personalidades

de ambos y lo que sentíamos.

El disco es bastante personal,

¿en alguna canción se sintieron

más expuestos?

J: Nos interesa mucho la letra. En

todas de algún modo nos terminamos

exponiendo sentimentalmente

y contando historias que a veces

son nuestras. Otras están en nuestro

inconsciente y simplemente las terminamos

tirando. Uno se expone al

contar esas historias y del otro lado

pueden imaginar que hablan de tal o

cual persona.

“Estamos orgullosos de

nosotros mismos”

El dúo habló sobre el lanzamiento de Proyecciones, el

trabajo detrás de este y el futuro de Videotape.

POR KARIN LEIVA

ablo Grossi y Julián

Sappietro se

P

conocieron en 2017 y

allí no solo comenzó

una amistad, sino el

camino hacia Videotape

y su primer álbum, Proyecciones.

Con sus errores y aciertos, el dúo

ha aprendido y disfrutado de cada

segundo del viaje, atravesando otros

géneros y ritmos, hasta encontrar lo

que buscaban.

Orientados hacia al rock-pop, exploran

sonidos de vanguardia sutilmente

mezclados con elementos del pasado, en

una síntesis musical sorprendente a la

que llegaron como parte del natural crecimiento

artístico.

Los artistas pasaron por las oficinas de

Billboard Argentina donde nos hablaron

del lanzamiento desu disco, el trabajo

detrás de este y el futuro de Videotape.

Hace poco lanzaron su primer

álbum, Proyecciones. ¿Qué sintieron

al crear Proyecciones?

Pablo: Primero, felicidad y también

orgullo. Por ahí queda feo que uno

lo diga, pero estamos orgullosos de

nosotros mismos. Fue un laburo de

casi dos años, eran canciones que

nos habitaron en el cuerpo durante

mucho tiempo y ya era hora de que

vean la luz.

¿Hace cuánto hacen música y

por qué decidieron emprender

este camino?

Julián: Nos conocemos desde

2016/2017 y desde ahí tuvimos diferentes

proyectos juntos. Este es el

primero como dúo, aunque en vivo

somos una banda. En la producción

está Martín López de Vita, nuestro

guitarrista y tercer Videotape. Nos

conocimos en una sala de ensayo, así

que todo nació desde la música.

¿Cómo fue el camino recorrido

hasta este álbum? ¿Fue difícil?

P: Difícil, pero hablando de música

me cuesta usar esa palabra, ya que lo

tomamos como algo muy divertido

porque es lo que amamos. Aprendimos

de lo que hicimos bien pero más

de lo que sentimos que hicimos mal.

Aunque me cuesta decir “mal” porque

disfrutamos al máximo hacerla.

Componer, tocar en vivo o grabar nos

encanta. Todo el camino recorrido, lo

aprendido y donde nos dejó, lo disfrutamos

al máximo.

¿Cómo fue el recibimiento del

público de este nuevo material?

J: Muy malo… (risas) no, mentira,

estamos re contentos. Nos llegaron

mensajes que nos llenan el corazón

de orgullo. Sentimos mucho orgullo

por lo que estamos haciendo y creo

que eso también se nota a la hora de

entregar un producto. Estamos muy

convencidos de nuestras canciones y

eso se ve reflejado en la respuesta de

la gente.

En el disco tienen una colaboración,

con Francisca y Los

Exploradores, ¿cómo se dio?

P: Fue algo bastante natural. Teníamos

la canción y Juli le escribió

[a Franco Saglietti] por Instagram.

Habíamos descubierto su música y

pensamos que podíamos hacer algo

juntos. Su respuesta fue genial. No lo

conocíamos y él llegaba de España,

se bajó del avión y fue a grabar la

canción sin habernos visto antes. Una

generosidad increíble. Siempre que

uno hace una manifestación artística,

está abriendo el corazón. Creo que él

aportó una cuota artística y sentimental

muy grande a la canción.

J: Sí, hizo crecer a la canción. Tiene un

ángel y una sensibilidad particular que

cuando nos juntamos a grabarla, sentimos

que le hizo muy bien al tema.

A principios de este año se

presentaron en el Festival

FARO de su Rosario natal,

¿cómo fue esa experiencia?

P: Primero voy a aclarar porque después

me retan: yo nací en una ciudad

que se llama Firmat, después Rosario

me adoptó. Y, bueno, la organización

y la calidad de artistas que participaron

del festival fue increíble. Fue una

emoción muy grande porque también

fue la primera presentación grande de

la banda completa y fue una oportunidad

de mostrar algunos temas que

terminaron formando parte del disco.

La pasamos increíble.

J: El marco era inmejorable, compartiendo

con bandas que nosotros

admiramos mucho. El ambiente era

ideal. También que fuera en una ciudad

que nos representa tanto, fue inolvidable

y un momento bisagra.

¿Hay algo que nos puedan adelantar

del futuro de Videotape?

J: Estamos trabajando muchísimo en

el show en vivo, hacer alguna especie

de gira, nos gustaría mostrarlo y presentarlo

en Rosario también. Estamos

ensamblando ese show para salir a

todos lados a tocar.

FOTO: GENTILEZA UNIVERSAL MUSIC

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AGOSTO 2025

WOLF ALICE PRESENTA SU

NUEVO SINGLE “THE SOFA”

El nuevo álbum del grupo se titula The Clearing y estará

disponible el 22 de agosto.

a banda británica Wolf

L

Alice comparte su nuevo

single, “The Sofa”, otra

dimensión de su esperado

cuarto álbum de estudio,

The Clearing, cuyo lanzamiento está confirmado

para el 22 de agosto. Después de un regreso

triunfal a los escenarios con actuaciones como

artistas principales en el festival Primavera,

donde la presentaron por primera vez, con

miles de personas cantando, y una presentación

en Glastonbury que definió la historia en

su tierra natal, esta nueva era anuncia a Wolf

Alice como una banda que está en una liga

completamente diferente.

“The Sofa” es el retrato psicológico del álbum,

un microcosmos que cuenta: enamorarte

de tu vida exactamente por lo que es y

finalmente dejar ir los sueños no realizados sin

vergüenza, culpa o decepción a medida que

envejeces. Desenrollándose como un sueño

en una tarde ociosa, es una balada de piano

fortalecida por la mejor composición de canciones

de la carrera de Ellie Rowsell, radical

en su honestidad inquebrantable. "No llegué

a California / Donde pensé que podría hacer

borrón y cuenta nueva / Se siente un poco

como si estuviera atrapado en Seven Sisters /

North London, oh England / Y tal vez eso esté

bien", canta Rowsell. Al abandonar la timidez

que pesa sobre los veinte, Wolf Alice llega a un

punto de serenidad duramente ganado.

Rowsell dice: "Se trata de no esforzarse tanto

por descifrar todo, reflexionar sobre envejecer

y tratar de no agonizar por las cosas que han

sucedido o no han sucedido en tu vida. También

se trata de tratar de lidiar con los aspectos

polarizantes de la vida de uno cuando estás en

una banda. Acabas de hacer una gran gira, llegas

a casa y cenas en el sofá. Para mí, se resume

en cómo trato la televisión. ¡Solía ver lo mismo

dos veces y pensaba que tenía mucho por descubrir!

Y ahora pienso: "No pasa nada si quiero

volver a ver Peep Show por decimotercera vez".

Filmado en las calles del norte de Londres

natal de la banda en homenaje a la letra, el

video de “The Sofa” captura el espíritu de ensueño

de la canción en cámara lenta de colores

audaces. Ellie es transportada en una fantasía

surrealista a través del desorden eufórico de

la vida callejera del verano británico, sin salir

nunca de la comodidad de su sofá. Inspiradas

en la fotografía callejera clásica, estas viñetas

capturan las interacciones dichosas de personas

de todos los ámbitos de la vida, celebrando

la alegría compartida que sentimos con extraños

en un día soleado. El video fue dirigido

por Fiona Jane Burgess (Christina Aguilera,

girlinred, Gucci) y presenta numerosos easter

eggs para el próximo álbum de la banda.

“The Sofa” es la continuación del primer

adelanto del álbum, “Bloom Baby Bloom”. Una

introducción ferozmente poderosa y ferviente

a The Clearing, una oda deslumbrante al crecimiento,

la evolución y la expansión en la vida,

la música y el arte. Con su riff de bajo ondulante,

esta primera pieza musical en tres años,

es un giro inteligente y destestosterado en el

rock pesado. Llegó junto a un video del destacado

director de pop alternativo Colin Solal

Cardo, famoso por sus colaboraciones con

Charli XCX, Robyn, Christine & The Queens y

Phoenix. El video deconstruye una actuación

de rock clásico inspirándose en Bob Fosse y

All That Jazz, con una brillante actuación de

Ellie en medio de una gran cantidad de bailarines

coreografiada por el coreógrafo ganador

del premio Emmy Ryan Heffington (Euphoria,

Sia, Kenzo + Margaret Qualley).

Escrito en Seven Sisters y grabado en Los

Ángeles con el maestro productor ganador

del Grammy Greg Kurstin el año pasado, The

Clearing revela dónde se encuentra Wolf Alice

sonoramente en 2025, entregando una colección

de canciones supremamente seguras llenas

de ambición, ideas y emoción. En suma, es

un disco verdaderamente atemporal.

FOTO: MARCO PERRETTA

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AGOSTO 2025

JESSE & JOY

¿Cómo transmiten ese sentimiento en

vivo?

Jesse: Nos ayuda que el hilo conductor de

nuestro sonido siempre ha sido la banda

tocando en vivo. Llevamos ese sonido al estudio

y luego de vuelta al escenario. La interacción

emocional con el público es increíble.

¿Qué se siente volver a Sudamérica?

Joy: Estamos muy emocionados. Hace

tiempo no íbamos y volver con tantas fechas

nos ilusiona. Tenemos muchas ganas de

despecharnos con ustedes. Además, estamos en

un momento personal pleno, lo que hace más

disfrutable cantar estas canciones. Te podés

acordar sin sentir dolor. Aunque también es

sanador hacerlo cuando aún duele.

¿Cómo piensan las listas de temas a la

hora de salir de gira?

Joy: Armamos este setlist con canciones que

sentimos que conectan. Tenemos muchos temas

que ustedes hicieron hits. Algunos pegaron

más en ciertas regiones, y eso es divertido de

llevar de gira. Tenemos muy marcados los

momentos del show, como si fuera una película,

pero según el país, ese desarrollo cambia.

Aunque ajustamos el setlist, el público siempre

nos sorprende por cómo lleva el mood del

concierto. Cada show es distinto.

“ARGENTINA SIEMPRE HA TENIDO UN LUGAR

ESPECIAL EN NUESTROS CORAZONES”

Los hermanos hablaron sobre el álbum y su evolución antes de su esperada

visita a Buenos Aires, que será el 2 de septiembre en el Movistar Arena.

POR KARIN LEIVA

A

dos décadas de su primer disco,

Jesse & Joy siguen emocionando

al público con su música, tanto de

amor como para corazones rotos.

De regreso en Sudamérica con el

Despecho Tour, presentan un show que recorre las

canciones más elegidas por los fanáticos y celebra el

reencuentro con ellos. En una charla con Billboard

Argentina, los hermanos hablaron sobre su nuevo

álbum, las colaboraciones, las emociones que

despiertan en sus shows, el vínculo con Argentina y

cómo la música los sigue uniendo.

¿Cómo eligieron a las colaboraciones?

Joy: Fue un proceso muy bonito y divertido. Fuimos

compartiendo tema por tema antes de lanzar el álbum

completo. Por ejemplo, Elsa nos buscó para componer

juntos y, al terminar, le preguntamos si podíamos

incluirla en nuestro disco. Con Carlos Vives

teníamos tiempo de un coqueteo musical. Siempre

lo admiramos mucho y hablábamos de hacer algo

juntos. Escribimos la canción, escuchábamos su voz en

ella, se la enviamos y él la devolvió con su magia. Nos

emocionó que por fin se diera.

¿Qué sienten que pudieron expresar

en este disco?

Jesse: Cosas que uno aprende con el tiempo.

Siempre habrá algo nuevo que decir después de

vivir más. Pasaron 20 años desde nuestro primer

disco, y todavía hay mucho por contar. Eso es lo

bonito: la música y la inspiración son infinitas,

aunque sean solo siete notas.

¿Qué fortalezas tiene cada uno al hacer

música?

Joy: Somos muy complementarios. Depende del

mood y del tipo de canción. Cuando hacemos

discos, pensamos qué nos falta. Pero esta vez, al

sacar canción por canción, todo fluyó de forma

natural, sin buscar llenar huecos.

¿cómo se traduce el concepto en sus

shows?

Joy: Aunque los discos tienen un poco de todo,

siempre coinciden en que el público conecta más

con las canciones corta venas. Este tour es un

recorrido por esas canciones, pero también hay

fiesta. No somos nosotros: ¡ustedes las aman!

¿Tienen alguna anécdota de Argentina?

Joy: Muchas. Por ejemplo, nuestro primer

video como Jesse & Joy fuera de México fue en

Argentina. Yo tenía 16 años. Estuvimos solo

unos días, pero fue de las jornadas más intensas.

Recuerdo estar en el avión después de más

de 40 horas sin dormir porque no queríamos

perdernos nada. Argentina siempre ha tenido

un lugar especial en nuestros corazones.

Jesse: Son muy lindos los recuerdos, pero me

emocionan más los que vamos a crear.

¿Hay algún artista argentino con el que

les gustaría colaborar?

Joy: Tenemos muchos amigos artistas

argentinos y nos encantaría colaborar con

todos. Es lindo visitar nuevos países y hacer

amistades. Acabamos de lanzar una canción

con Camilú, “Mi Lindo”, y nos hicimos amigas

por WhatsApp sin conocernos en persona. La

música logra cosas increíbles: te lleva a nuevas

culturas y también a nuevas amistades.

¿Cómo manejan los desacuerdos entre

ustedes?

Jesse: Con piedra, papel o tijera. Es lo más fácil

(risas).

Joy: Tratamos de hacerlo de forma civilizada.

Somos hermanos, como cualquier otro par.

En lo laboral a veces es complicado, porque un

desacuerdo musical puede despertar recuerdos

de cuando teníamos 15 años. Eso lo hace más

complejo, pero también nos obliga a trabajar

más en nosotros: tener paciencia, empatía y

compasión. Mi camino con Jesse me ha hecho

ser mejor persona.


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AGOSTO 2025

VIVO

V


V

VIVO

// SKAY BEILINSON

El corazón de Patricio Rey, tal como lo denomina

su hinchada y él acepta gustoso, hizo en julio

dos funciones en Obras Sanitarias en compañía

de su banda Los Fakires. Ambas sazonadas a

la noble usanza ricotera: una multitud en las

adyacencias al mítico estadio hizo la previa

a todo ritmo y volumen, con los trapos y los

humos como protagonistas que demoraron un

poco el inicio oficial. Una vez adentro, la liturgia

se hizo expansiva y caja de resonancia de esos

grandes himnos de tribu que viene cosechando

desde 2002 (“Flores secas”, “Ángeles caídos“,

“Oda a la sin nombre”) como así también en

los momentos redondos: “Todo un palo”, la infaltable

“Ji-ji-ji” y un medley como declaración

de principios con fragmentos de “El pibe de

los astilleros” y “Nuestro amo juega al esclavo”.

Fiel a su estilo corsario, Skay aprovechó para

traficar sus riffs marca registrada apoyado en

su relajada estampa de hippie escapado de un

carnaval carioca. “Hasta la próxima, amigos”,

saludó tímido y cariñoso al acabar con su faena.

FOTO: TUTE DELACROIX

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AGOSTO 2025

VIVO

V

FOTO: TUTE DELACROIX / FOCCO

// LA RENGA

El grupo volvió a la Ciudad de Buenos Aires tras ocho

años y, al presentarse en la cancha de Huracán, convirtió

el barrio de Parque Patricios en un carnaval rockero.

Con “Tripa y corazón” como apertura y una lista cargada

de clásicos y joyas ocultas, la banda desató una fiesta

popular y combativa. El momento más picante: Chizzo,

entre risas, cruzó “Hay un tirano que es para vos” con “el

león” de Javier Milei antes de largar “Panic Show”. En su

tercera y última noche en Huracán, quedó claro: mientras

haya rock, bandera y libertad, habrá La Renga.


V

VIVO

// ERUCA SATIVA

El power trío estrenó A Tres Días de la Tierra en el Estadio

Obras. De corrido, la primera parte del show estuvo

signada por las catorce nuevas canciones, que marcaron

momentos de alta intensidad (“No pasarán”, “Lío”, “No

pises las flores”) y también mostraron un vuelo distinto:

un cuarteto de cuerdas se sumó en “Qué hay en vos”,

“Canción urgente” y “Piedra” para aportar otro color.

La química y la complicidad entre Lula Bertoldi, Brenda

Martin y Gabriel Pedernera están intactas como nunca y

siguen contagiando a su público esa intensidad y energía

que le imprimen a lo suyo. Así, para el tramo final se

guardaron las más emblemáticas de su repertorio, como

“Fuera o más allá”, “Nada salvaje”, “Magoo” y “Queloquepasa”

para dar un cierre a puro pogo.

FOTO: SIMÓN CANEDO

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AGOSTO 2025

VIVO

V

// GUSTAVO CORDERA

El sábado 12 de julio el cantante tomó el escenario del

Teatro Vorterix con una energía arrolladora: un ritual

colectivo donde repasó su obra, desnudó sus letras y

encendió al público. El show transitó desde éxitos de

su carrera solista hasta clásicos de Bersuit Vergarabat

como “Se viene”, “La bolsa”, “El baile de la gambeta”

y “La soledad” que transformaron la sala en un trance

emocional. Y el cierre con “Un pacto” potenció ese

vínculo íntimo y comunitario. La versión renovada de su

repertorio dejó en claro su evolución: si bien revisita su

legado, mantiene intacta la esencia rebelde y poética

que lo define. El show fue un viaje visceral y profundo,

una experiencia sonora que reafirma su lugar como

figura imprescindible del rock en español. Además,

adelanta una gira que promete solemnidad y fiesta a

partes iguales que lo tendrá nuevamente en Buenos

Aires el próximo 1 de noviembre en el Estadio Obras.



V

VIVO

// JAMES BLUNT

El músico inglés volvió a Buenos Aires para

deleitar a sus fans con sus clásicos modernos

tan edulcorados como radiables. En el marco

de la gira Back to Bedlam 20th Anniversary,

Blunt está revisitando su álbum debut, ese

que lo catapultó a la fama mundial. Y lo hace

de movida, sin especulaciones, tocándolo

en el orden original y en el comienzo del

show. Así, quemó las naves al poner a sonar

como segunda canción su hit indestructible y

romántico llamado “You’re Beautiful”. El resto

del disco, con temas como “Goodbye My Lover”

o “So Long, Jimmy”, también hicieron las

delicias del público que colmó el Teatro Gran

Rivadavia, en el barrio porteño de Flores.

El resto de la noche transcurrió como un

acotado resumen del resto de su discografía y

para los bises se guardó una triada hecha por

“Monsters”, “Bonfire Heart“ y “1973”.

FOTO: TUTE DELACROIX

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AGOSTO 2025

V

VIVO

// LARA91K

“A los que vengan al show: se va a abrir una puerta

nueva. Estoy explorando, buscando. muy cebada.

Van a entender algo del recorrido que vengo haciendo

y hacia dónde los voy a llevar next”, había dicho

Lara91k en la previa a su presentación en Niceto

Club. La misma se dio luego de algunos meses sin tocar

en vivo y la pionera del trap volvió a la carga con

un show íntimo y en banda. Ocurrió horas después

de haber lanzado su colaboración con el madrileño

MVRK (“Yolo”) y aprovechó la ocasión no solo para

dar pistas sobre su futuro, sino también para desplegar

su delicada colección de canciones en el boliche

de Palermo: entre la vibra indie (“Peli de terror”), el

foco cancionero (“Nada mejor”) y las historias intensas

(“Agua fishi”, “blu”), también se animó a rasguear

su guitarra para darle una pátina grunge a su estilo.


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AGOSTO 2025

Emergentes

Della

Delfines Entrenados

Para Matar

La Figui

Graduada en Berklee College of

Music y con un recorrido previo

como integrante de la banda

indie-pop Rubio Morocha, La

Figui lanzó su carrera solista en el

año 2020. Su último disco, Mejor

Buenos Aires, mezcla pop, indie y

funk para reflejar amores pasajeros,

fiestas y la inevitable necesidad de

volver a lo que verdaderamente nos

mueve. El álbum fue gestado a partir

de canciones sueltas, compuestas

y producidas por ella misma, que

con el tiempo empezaron a mostrar

un hilo común. “Todas hablaban de

relaciones pasajeras y mencionaban

lugares del mundo. Así fue tomando

forma el disco”, explica en conversación

con Billboard Argentina.

Cada track marca una estación en

ese recorrido. “Me propuse que

fuera un disco para celebrar la

vida: lo bueno y lo malo. Las historias

que cuentan estas canciones

son momentos que te enseñan,

que se bailan, que se viven intensamente”,

dice.

Sigue explorando ese territorio

intermedio entre el pop y lo

urbano, pero lo hace sin caer en

lo que “debería sonar”. Su nuevo

single, “Flashes", inaugura una

nueva etapa estética y emocional.

Luego del impulso que le

dio “Muñequita”, el tema que la

posicionó dentro de la escena

emergente, este lanzamiento

aparece como una apuesta más

definida y alineada con lo que

ella busca decir como artista.

El tema marca un corte con respecto

a sus trabajos anteriores,

y se planta como el punto de

partida de una etapa más personal.

“Es la primera vez que una

canción refleja tan claramente

quién soy musicalmente”, afirma

y sigue: “Quiero seguir este camino,

seguir creando desde este

lugar”. Su interés está puesto en

construir una identidad artística

sólida, que no se conforme con

seguir tendencias, sino que proponga

algo propio.

Caetano Evon

Después de diez años dedicados

a la música académica, entre el

estudio del clásico y el jazz en el

Conservatorio Manuel de Falla,

Caetano Evon decidió correrse

de ese camino para enfocarse

en sus propias canciones.

Su nuevo single, “tiempos",

producido junto a Juanito El

Cantor y masterizado por Andrés

Mayo, es el quinto adelanto de

su primer disco y una de sus

composiciones más personales.

La canción recorre imágenes

de la infancia, la adolescencia

y la juventud con una narrativa

íntima y despojada. Una guitarra

muteada, una melodía que crece

en intensidad y un narrador que

se expone sin defensas. Una

producción que apuesta por

la emoción y la precisión de lo

cotidiano como motor expresivo.

Formados en 2017, se abrieron

paso en la escena independiente

con una lógica completamente

autogestiva: fechas organizadas

por ellos mismos, giras por

distintas provincias y una

presencia cada vez más marcada

en festivales como VOMIT,

Nuevo Día y FestiAire. Este año

presentaron Asuntos Internos, su

segundo disco de estudio, donde

consolidan un sonido que cruza

guitarras postpunk, sintetizadores

oscuros y bases bailables,

sostenido por letras que se

mueven entre el delirio, la angustia

y estados emocionales alterados.

Las canciones del álbum

surgieron durante la pandemia en

el 2020, en un clima de encierro

e introspección que marcó el

proceso creativo. Entre las nueve

canciones que lo integran se

destacan los singles “Precipicio

amor” y “Caminando por centro”,

además de una colaboración

con la banda cordobesa Salas

Velatorias en “Palomas y gritos”.

“ Quise que todo tuviera un

“Flashes”

“ En 2022 le mandé 30 demos

DELLA

buen beat, incluso las cosas

a mis amigos y ‘tiempos’ fue

que duelen.

el más elegido.

Asuntos Internos

DELFINES ENTRENADOS PARA MATAR

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